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A l’origine, Un Monstruo de Mil Cabezas est une nouvelle écrite par Laura Santullo, que son mari Rodrigo Plá a adaptée en long-métrage. C’est déjà la quatrième fois que le couple de Mexicains produit ainsi des œuvres à forte teneur subversive, la première fois ayant été le très remarqué La Zona, Propriétée Privée, en 2008, qui pointait du doigt les dérives des écarts sociaux entre riches et pauvres à Mexico.

Synopsis : Alors que son mari a baissé les bras et se laisse emporter par son cancer, Sonia Bonet va tenter de persuader le médecin de sa compagnie d’assurance de lui donner accès au traitement qui lui a jusque-là été refusé. Accompagnée de son fils, sa croisade va la mener dans une spirale de violence incontrôlée.

En lutte pour une couverture universelle

Cette fois-ci le sujet que dénonce le film est l’injustice du système de protection médicale en place au Mexique. Impossible d’oublier la façon dont, dans la série Breaking Bad, Walter White a sombré dans l’illégalité pour compenser le manque de couverture sociale et financer le traitement de son cancer. Ici, le phénomène est similaire, à la différence que le « pétage de plombs » va être opéré par l’épouse du malade. Le pitch rappelle également celui de John Q., de Nick Cassavetes, où un père en vient à prendre en otage l’hôpital où son fils attend une transplantation vitale. Le scénario n’a donc rien de véritablement original, mais l’ingéniosité dont fait preuve Plá pour le filmer lui confère un cynisme qui fait mouche.

Entièrement constituée de plans fixes, la mise en scène joue avec une certaine astuce sur la profondeur de champs, pouvant tout aussi bien filmer ses personnages de très près ou laisser se dérouler une action importante dans le fond de l’écran, laissant ainsi planer le doute sur le bien-fondé de celle-ci. L’immobilité de la caméra appuie de plus le sentiment d’impuissance que se partagent cette femme vis-à-vis de la bureaucratie kafkaïenne à laquelle elle a affaire et son fils mis en porte-à-faux devant les agissements déraisonnés de sa mère. La structure narrative est elle aussi un choix artistique des plus malins : en multipliant les points de vue de différents personnages (la standardiste de la compagnie ou encore un témoin dans les vestiaires, pour ne citer que les mieux exploités), quitte à observer certaines scènes depuis plusieurs angles, le déroulement des faits prend une tournure de satire sociale bien plus dramatique que ne l’aurait un thriller qui se serait uniquement concentré sur cette Sonia. Le dernier élément esthétique, et non des moindres, est l’usage d’une voix-off qui déconstruit plus encore la narration puisqu’il s’agit d’un flash-forward sonore dans lequel les protagonistes livrent leurs témoignages au procès de Sonia. Le simple fait de savoir que ce procès aura lieu indique comment va se terminer l’histoire. Et, à ce fatalisme retors, s’ajoute une touche d’humour noir tant le décalage entre ce qui est dit et ce qui est vu laisse souvent place à une mauvaise foi qui, en l’occurrence, se révèle cruelle puisqu’elle met les institutions juridiques dans la même ligne de mire que la capitalisation corrompue de l’accès à la médecine.

Cette pure réussite technique est encore accentuée par la prestation de Jana Raluy, une actrice issue de la scène théâtrale qui livre là sa première performance sur grand écran. Une réelle révélation donc. On pourra regretter toutefois que son personnage puisse manquer de profondeur, son arc narratif étant limité à son dérapage violent quelque peu rocambolesque. Le manque à gagner de son introduction trop rapidement expédiée est la rendre trop peu attachante pour que le suspense ne se créé réellement. Mais, encore une fois, ce sont le déterminisme désespéré de cette femme face à un système déshumanisé, l’obligeant à agir comme elle le fait, quitte à s’excuser de le faire, et le drame familial qui se noue autour d’elle qui font de ce Monstre à Mille Têtes un thriller et une chronique sociale véritablement atypiques puisque pauvre en tension dramatique et en misérabilisme. Et même si la mise en scène peut a priori sembler austère et hermétique, ce qu’elle fait ressortir de la froideur de son contexte en fait un parti-pris formel qui prouve que le réalisateur maitrise son art.

Schéma classique de la descente aux enfers, la trame de ce Monstre à Mille Tête n’offre rien de surprenant. Toutefois, la maestria de la réalisation dont fait preuve Rodrigo Plá offre à son film une telle verve qu’elle en fait un pamphlet acerbe contre l’odieux système capitaliste en charge de la couverture médicale des Mexicains.

Un monstre à mille têtes : bande-annonce

Un monstre à mille têtes : Fiche technique

Titre original : Un Monstruo de Mil Cabezas
Réalisation : Rodrigo Plá
Scénario : Laura Santullo
Interprétation : Jana Raluy (Sonia Bonet), Sebastian Aguirre Boëda (Darío), Hugo Albores (Dr. Villalba), Nora Huerta (Lilia)…
Image : Odei Zabaleta
Montage : Miguel Schverdfinger
Son : Axel Muñoz et Alejandro de Icaza
Musique : Jacobo Lieberman et Leonardo Heiblum
Décors : Barbara Enriquez, Alejandro García
Costumes : Malena De la Riva
Production : Rodrigo Plá, Sandino Saravia Vinay
Société de production : Buenaventura Produccciones
Distribution : Memento Films Distribution
Festival : Ouverture du 72^ème festival de Venise
Durée : 74 minutes
Genre : Thriller, drame
Date de sortie : 30 mars 2016

Mexique – 2015

Il y a encore quelques mois, les médias de masse et leurs experts autoproclamés les qualifiaient de « loups solitaires ». Puis, drames après drames, revendications après revendications, il a fallu admettre que les ennemis de notre chère civilisation occidentale ne sont pas que d’obscurs groupuscules de sociopathes mais partagent une même idéologie.

Synopsis : Sans nous imposer leur jugement sur ce qu’ils filment, deux réalisateurs français donnent la parole à plusieurs théoriciens de l’idéologie dont se prétendent les islamistes qui mènent le  terrorisme en Europe et les guerres civiles au Moyen-Orient et au Sahel.

Parce que vouloir comprendre ce n’est pas vouloir pardonner

Dès les lendemains de l’odieux attentat qui a secoué Paris le 13 novembre 2015, un documentaire encore en post-production a commencé à susciter l’ire des pouvoirs politiques qui allèrent jusqu’à bafouer notre sacro-sainte liberté d’expression en tentant de l’interdire. Ce documentaire c’est Salafistes. Comme son titre l’indique sobrement, il s’agit d’une tentative d’analyse de la rhétorique de cette école de pensée dont on sait finalement trop peu de choses pour le mettre en perspective de la religion dont elle se réclame. L’argument du CNC, avec le soutien illégitime du Premier Ministre, pour tenter d’empêcher sa sortie en salles est l’accusation d’ « Apologie du terrorisme ». Il est vrai que le parti-pris des deux réalisateurs, Lemine Ould M. Salem (un reporter franco-mauritanien très impliqué sur le terrain) et François Margolin (déjà réalisateur de plusieurs documentaires dont L’Opium des Talibans qui utilisait un processus similaire), est d’avoir donné la parole aux pratiquants, théoriciens et défenseurs de cette pratique extrémiste de l’islam, et donc de contenir des paroles en totale contradiction avec le politiquement correct de chez nous. Cette approche du journalisme basée sur les témoignages pris à la source va évidemment à contrario des méthodes des grands médias basées sur leurs commentaires explicatifs. Le pari est donc de mettre le spectateur face à la réalité des choses sans lui dire quoi en penser, chose qu’il n’a malheureusement plus l’habitude de faire.

Mais alors, est-ce que le fait d’entendre des imams mauritaniens défendre leurs idéaux et leurs méthodes d’application de la charia va pousser le public à adopter leur point de vue ? Une chose est sûre : ceux qui le pensent ont du public l’image d’une masse de crétins incapable de réfléchir par eux-mêmes, et ce mépris envers le peuple est finalement tout aussi dangereux pour la démocratie que peut l’être le fanatisme religieux. Ceux qui se reconnaitront dans les propos tenus ne pouvaient être que déjà adeptes de cette mentalité radicale, il n’y a alors rien à faire pour eux. L’ignominie des propos tenus, que ce soit à propos de la justice, de l’égalité, des femmes, des juifs ou des homosexuels, illustrés par des images choquantes issues de la propagande de Daech pêchées sur Internet, rendra impossible à tout spectateur un tant soit peu responsable l’adhésion à ce mode de pensée. C’est en effet le passage de la théorie –que l’on pourra toujours jugée comme pleine de bonne volonté– à une pratique purement inhumaine qui révèle les pires contradictions du salafisme. Toutefois cette immersion dans cette volonté d’application littérale du Coran ne réussit pas à nous faire comprendre tous les mécanismes de ce courant islamiste.

Le caractère unique des témoignages, qu’aucun autre journaliste occidental ne saurait réunir, fait évidemment de ce film un document historique indispensable pour comprendre comment pensent ceux qui nous menacent au quotidien, mais reste incomplet dans l’appréhension globale du problème. Bien évidemment, les images parlent pour elles-mêmes et la confusion intellectuelle de certains intervenants est révélatrice des limites de leur regard sur le monde moderne et sur l’islam. Toutefois, il est indéniable que le documentaire aurait énormément gagné à définir concrètement les mots « salafisme » ou « djihad », à installer un débat par interviews interposées plutôt que de se concentrer sur l’avis des moralistes de la charia, et surtout à proposer des données historiques et chiffrées afin de comprendre comment est née et s’est répandue cette idéologie au sein du monde musulman en moins d’un siècle. Peut-être que le contre-champ qui fait tant défaut à cet empilement d’interviews est à trouver dans des fictions tels que La désintégration de Philippe Faucon mais surtout Timbuktu, Abderrahmane Sissako ayant été un temps proche du projet et a attendu sa sortie en salles pour admettre s’en être inspiré : la scène de l’exécution d’un berger touareg et les deux derniers intervenants, les « fortes têtes » de Gao, dont Zabou la danseuse lunatique -que l’on regrettera de ne pas avoir été plus présent à l’écran tant ils incarnent l’espoir et l’esprit de résistance-, en sont la preuve.

Parce qu’il est nécessaire de comprendre ses ennemis pour mieux les combattre et que la politique de l’autruche que nous imposent nos gouvernements hypocrites a trop durée, Salafistes est une œuvre importante à voir pour qui tient à se forger son opinion individuelle sur le fondement de la menace djihadiste. Et même s’il est loin de se suffire à lui-même pour appréhender pleinement le problème, il s’agit incontestablement d’une pièce maîtresse dans le travail qu’il nous faut faire pour découvrir ce phénomène à l’échelle internationale.

Salafistes : Extrait

https://www.youtube.com/watch?v=Mjk0ug-n_X8

Salafistes : Fiche technique

Réalisateurs : Lemine Ould Mohamed Salem et François Margolin
Scénaristes : Lemine Ould Mohamed Salem et François Margolin
Intervenants : Mohamed Salem Madjissi, Oumar Ould Hamaha, Abou Hamza Attounissi, Sanda Ould Boumama…
Production : Margo Films
Distributeur : Margo Cinema
Genre : Documentaire
Durée : 71 minutes
Date de sortie : 27 janvier 2016
Avertissement : Interdit aux moins de 16 ans
France – 2015

Synopsis : Une année universitaire à Rennes vécue par deux personnages dont les destins s’entrelacent : Françoise, enseignante en histoire de l’art, et Ion, étudiant en géographie. Trop occupés à fuir leurs fantômes, ils ignorent qu’ils ont un passé en commun.

Humaine géographie

Tous ceux d’entre nous qui habitent en ville ont sans doute un jour remarqué ce phénomène : dès que les cieux se font plus cléments et que les jours rallongent, on observe cette étonnante migration des citadins vers les parcs, les bois ou tout autre espace vert nous permettant de nous soustraire un moment au tumulte de la ville. Ce ballet urbain semble exister depuis que l’être humain s’est mis à habiter la ville de façon massive, comme pour perpétuer le souvenir de temps immémoriaux où nous aurions vécu en symbiose avec la nature. Cette époque fantasmée a vu le développement de toute une mythologie, véhiculée par les arts et notamment la peinture. De nombreuses représentations picturales d’un pays imaginaire à la culture pastorale paisible se sont développées au fil des siècles ; c’est ainsi qu’est née l’Arcadie, terre de bergers ancrée dans une ruralité magnifiée, à laquelle nous souscrivons toujours, nous les citadins qui échappons au béton des villes en allant au parc. L’Arcadie, c’est la porte d’entrée de Suite armoricaine, le nouveau film de Pascale Breton.

La cinéaste est de celles et ceux qui attachent beaucoup d’importance à l’influence des lieux. Loin d’être un simple élément contextuel, le lieu est constitutif du personnage. A ce titre, l’affiche du film est particulièrement révélatrice : Valérie Dréville, qui est aussi l’héroïne du film, est littéralement habité par cette Arcadie dont elle parle lors des cours d’histoire de l’art qu’elle dispense à ses étudiants. Chaque être humain est un paysage. Ce n’est pas un hasard si le film débute sur un cours de géographie : nous façonnons les lieux comme nous sommes façonnés par eux. Être au monde, ce n’est pas seulement voir mais c’est aussi ressentir et toucher. L’étudiante aveugle, apprentie géographe, vient symboliser ces multiples manières d’appréhender l’espace. Le handicap n’est pas vécu comme une diminution de l’être, ce personnage n’est pas dans la dépendance des autres, mais comme une autre voie d’accès au monde. Le lieu principal où se déroule l’intrigue est le campus universitaire de Rennes, un endroit qui apparaît comme étant hors de la ville comme de nombreuses universités modernes et permettant des échappées dans la nature, certes domestiquée mais qui réactive toute cette mythologie arcadienne. Dans le bois attenant à l’université, des étudiants recréent de chastes bacchanales autour d’un feu de camp. « L’Arcadie serait peut-être ce campus, où la jeunesse est éternelle », lâche Françoise, l’héroïne du film lors de son discours d’introduction à ses élèves. Ce préambule fait directement écho au choix qu’elle a fait de quitter Paris pour Rennes, cherchant par là une échappatoire à l’enfer de la ville, personnifié par la capitale. Il s’avère que ce départ pour Rennes est en fait un retour au pays natal pour l’enseignante, ce qui est essentiel pour le développement de l’intrigue qui va jouer sur deux temps ; l’avoir été et le ici et maintenant.

Outre Françoise, un second protagoniste intervient dans Suite armoricaine pour tisser ce scénario fait d’allers et retours, il s’agit de Ion, un étudiant. Sans faire usage de flash-backs tonitruants et démonstratifs, Pascale Breton réussit à établir le lien entre passé et présent en suivant tour à tour l’un et l’autre des personnages. Les êtres qui peuplent Suite Armoricaine sont des cheminants, leurs vies parfois s’entrecroisent et ils cheminent côte à côte, puis se séparent de nouveau pour se recroiser, peut-être, un peu plus loin. La beauté de cette mise en scène du cheminement, c’est que la cinéaste évite les clichés et les stéréotypes. En ne figeant pas dans le temps et l’espace ses personnages pour les confiner dans un rôle, en privilégiant le mouvement et le changement, elle interdit l’établissement de ces cases dans lesquelles on peut avoir vite tendance à ranger un personnage ; c’est le plus beau cadeau qu’elle puisse donner à ses protagonistes, et par extension à ses spectateurs. L’interprétation de Valérie Dréville, dans la peau de Françoise, est très réussie. Elle évolue dans ce tourbillon de la vie sans se laisser happer par le schéma conformiste de la femme en pleine force de l’âge et en plein doute qui reviendrait sur son passé pour mettre de l’ordre dans son avenir. En se refusant à endosser ce rôle archétypal, elle donne à son personnage de l’épaisseur et de la complexité, ce qui est trop souvent négligé et manque cruellement à bien des rôles.

Avec sa mise en scène élégante, subtile et soignée, Pascale Breton élabore un très beau film, en nous invitant à suivre le cheminement de ses personnages, au sein d’un récit labyrinthique qui ne perd jamais sa fluidité. C’est une œuvre ample, tant mieux, on peut prendre le temps de se plonger dans cette histoire à plusieurs voix et de marcher nous aussi aux côtés de celles et ceux qui l’habitent.

Suite Armoricaine : Bande annonce

Suite Armoricaine : Fiche technique

Le moins qu’on puisse dire est que le titre du dernier film du croate Dalibor Matanic, Soleil de plomb, est une traduction plus que littérale de son ambiance générale : une combinaison de lumière, de feu et d’aridité. Des caractéristiques qui s’appliquent aussi bien au fond qu’à la forme du métrage.

Synopsis: Soleil de Plomb met en lumière trois histoires d’amour, à travers trois décennies consécutives, dans deux villages voisins des Balkans marqués par une longue histoire de haine inter-ethnique. Soleil de Plomb est un film sur la fragilité – et l’intensité – de l’amour interdit….

Les Autres

Soleil de plomb est un ensemble de trois histoires, trois segments interprétés par les mêmes acteurs sur fond de déchirement de l’ancienne fédération Yougoslave, racontant les amours contrariées de trois couples inter-ethniques serbo-croates. Le garçon est croate, la fille serbe, et les deux villages des Balkans où se déroulent les récits, voisins mais ennemis, sont les mêmes ; la Mer bénéfique et sereine, la même, et la haine entre les deux peuples, la même, quasi-intacte sur trois décennies.

Dans le premier segment, sans doute le plus fort des trois, Ivan (Goran Markovic) est un jeune croate, et Jelena (Tihana Lazovic), une serbe qui habite le village voisin. Nous sommes en 1991, à l’orée de la guerre. Mais le départ à Zagreb qu’ils préparent en secret est davantage lié au rejet de leur couple mixte par les familles que par la guerre proprement dite, qui est une autre conséquence de cette haine ancestrale entre les deux peuples. Pour chaque famille, l’amoureux venu de l’autre village est pire qu’un alien, c’est « l’un des leurs »… Les acteurs figurent un couple très jeune et insouciant, que l’on rencontre pour la première fois à la plage – les immersions dans la mer se  répèteront dans les trois segments, avec une vraie vertu purificatrice et de nouveau départ – La caméra de Marko Brdar joue merveilleusement avec cette jeunesse, en choisissant de très lumineux gros plans de l’un et de l’autre, et en les alternant avec des plans moyens d’une nature sèche mais belle, non pas écrasée, mais comme domptée par le soleil de plomb. La tragédie qui va se jouer dans ce premier récit est écrite d’une manière finalement assez conventionnelle, mais le spectateur est sans cesse tenu en éveil par la beauté des mouvements de la caméra ou des sujets, ou au contraire par leur sidération, comme par exemple avec ce troupeau de moutons saisis d’effroi au son des armes des belligérants. Les deux acteurs principaux ne sont pas les derniers à donner une vie intense à leurs personnages.

L’intelligence de la mise en scène se manifeste notamment par le choix de ce segment le plus percutant pour ouvrir le film. Et c’est alors sans réticence qu’on suit le réalisateur dans une nouvelle histoire qui reprend les mêmes acteurs, dix ans après, une guerre plus loin. Ici, c’est la sensualité la plus torride et la plus réfrénée, qui est au centre du dispositif, et plus encore que dans la première partie, la caméra s’attarde sur des détails signifiants : deux mains qui se frôlent au-dessus d’une planche, des yeux brillants de désir et/ou de frustration, une perle de sueur qui chemine le long de la nuque de la serbe Natasha, une jeune femme en colère d’être attirée par Ante, l’artisan croate engagé par sa mère pour retaper la maison familiale tombée en ruines lorsqu’elles ont dû l’abandonner pour se réfugier en ville. Ante est « l’un des leurs » , un homme qui, potentiellement, aurait pu être celui qui a tué son frère pendant la guerre… Très peu de dialogues sont échangés, mais la tension sexuelle est portée à son comble par une accumulation paroxystique de plans tout aussi sensuels les uns que les autres, dans une langueur accentuée par la chaleur du plein soleil. Plus encore que l’acte d’amour lui-même, pourtant très explicite, une scène en particulier vaut tous les discours : pendant qu’Ante rabote une porte dans la pièce à côté, Natasha s’amuse à faire du bruit avec la salière et le poivrier, selon un rythme qui accompagne celui du rabot, dans une sorte de danse nuptiale étourdissante, une scène de toute beauté…

Ne laissant absolument aucune image au hasard, le film de Dalibor Matanic pourrait passer pour un (brillant) exercice de style si les acteurs n’étaient pas aussi impliqués, ni la mise en scène aussi créative. Chaque cadrage, chaque gros plan, chaque travelling est tiré au cordeau, en profitant systématiquement de l’intensité lumineuse, une vraie réussite esthétique. Mais le vrai plus du film est amené par tous les non-dits par rapport à la difficulté de la résilience d’une part, et de la réunification des ethnies d’autre part, ce que les deux jeunes acteurs expriment avec beaucoup de talent…

Dans le troisième segment, la guerre est en effet terminée depuis quelques années, les lumières de la vile brillent à nouveau, la jeunesse s’amuse à nouveau dans des raves géants importés d’ailleurs. Et pourtant, le croate Luka, le troisième personnage masculin joué par Goran Markovic n’est pas heureux : rattrapé par l’atavisme de la haine inter-ethnique, il a fui le village pour la ville en y laissant Marija, son amoureuse du maudit autre bord. La répétition des situations en affadit quelque peu l’impact, d’autant que le scenario est vraiment mince pour cette partie, mais du coup, le spectateur a tout le loisir de chercher les petits détails qui raccrochent l’histoire aux deux précédentes : ce chien de garde qu’on a déjà vu auparavant, cette tombe qui est celle d’un personnage d’un autre segment; cette route blanche sinueuse, barrée autrefois de herses, libre à présent ; et toujours ces deux villages, peuplés des mêmes acteurs principaux et secondaires, tantôt serbes, tantôt croates, dans une vision allégorique d’un peuple que le cinéaste ne voudrait faire qu’un…

Soleil de plomb est une très belle réussite sur fond d’une guerre qui a déjà inspiré plus d’un cinéaste balkan : (Baril de poudre de Goran Paskaljevic ou encore Joli village, jolie flamme de Srdjan Dragojevic). Dalibor Matanic lui a pris le parti des dommages collatéraux et non de la guerre elle-même, et selon les propres termes du cinéaste, de l’intensité et la fragilité des amours impossibles, pour parler de l’absurdité et même du danger de ces haines de l’autre, en résurgence ces temps-ci avec toutes ces attaques terroristes au nom de la différence…

Soleil de plomb – Bande annonce

Soleil de plomb – Fiche technique

Titre original : Zvizdan
Réalisateur : Dalibor Matanic
Scénario : Dalibor Matanic
Interprétation : Tihana Lazovic (Jelena / Natasha / Marija), Goran Markovic (Ivan / Ante / Luka), Nives Ivankovic (Mère de Jelena / Mère de Natasha), Dado Cosic (Sasha), Stipe Radoja (Bozo / Ivno), Trpimir Jurkic (Père de Ivanov / Père de Luka), Mira Banjac (grand-mère Ivan)
Musique : Mychael Danna
Photographie : Marko Brdar
Montage : Tomislav Pavlic
Producteurs : Frenk Celarc, Nenad Dukic, Ankica Juric Tilic, Miroslav Mogorovich, Petra Vidmar
Maisons de production : Kinorama, Gustav film, See Film Pro
Distribution (France) : BAC Films
Récompenses : Prix du Jury – Festival de Cannes 2015 – Sections un Certain regard et nombreuses autres récompenses
Budget : ND
Durée : 123 min.
Genre : Drame, Romance
Date de sortie : 30 Mars 2016
Croatie, Serbie, slovénie – 2015

Peu enthousiaste à l’idée de rejoindre son mari à Bangkok pendant qu’il y tourne son nouveau film, Liv Corfixen a compensé ses appréhensions en emmenant avec elle sa caméra et en commençant à le filmer dans son travail et dans son quotidien. Le résultat en a été des heures de rushs qu’il aura fallu près d’un an et demi à monter, faute de financement.

Synopsis : 2012. Nicolas Winding Refn, tout juste couronner du succès de Drive, part en Thaïlande tourner son film suivant, entrainant avec lui toute sa famille. De la pré-production à la diffusion à Cannes, ses incessantes remises en question rendent son humeur si fluctuante qu’il devient très difficile de partager son quotidien.

Making-of conjugal

Evidemment, le film de Nicolas Winding Refn, Only God Forgives, étant déjà sorti et distribué sous format Blu-ray/DVD depuis longtemps, l’idée d’en sortir aujourd’hui un making-of peut sembler une idée tordue. Mais ce qu’a tiré Liv Corfixen de ce petit film n’est pas à proprement parler le making-of du film.

Puisque les deux époux étaient en pleine thérapie conjugale lorsqu’elle a pu achever le montage de son documentaire, la réalisatrice s’en est servie pour composer une réflexion sur son couple, et sans doute, d’une manière plus globale, sur la condition délicate de « femme de réalisateur ». Entre les scènes de vie conjugale et  le plateau de tournage, un leitmotiv revient régulièrement, il s’agit du manque de confiance en soi dont Nicolas Winding Refn fait preuve. Obnubilé par la qualité de son film et l’accueil que lui fera le public, le réalisateur en viendrait presque à délaisser sa famille, qui eux-mêmes s’obligent à prendre du recul sur le travail de l’homme de la maison. Voir que c’est Ryan Gosling qui s’occupe des deux fillettes ou entendre la plus âgée dire « Ce n’est qu’un film » en sont des exemples parmi tant d’autres. Malgré les conseils de son ami Alejandro Jodorowsky, qui considère Refn comme son « fils spirituel », il ne cessera jamais d’être hanté par son propre succès, tiraillé entre la recherche frénétique de la reconnaissance d’auteur et la peur de s’enfermer dans un schéma qui nuirait à sa créativité.

C’est également Jodorowsky qui tentera d’ouvrir les yeux à Liv sur la nécessiter de s’interroger sur le bien-fondé de leur vie de couple avant que celui-ci n’implose. C’est ainsi que faire ce film semble lui avoir fait comprendre que le rapport qu’entretient son mari à son œuvre est finalement le même qu’à leur relation amoureuse, dans le sens où l’une comme l’autre nécessitent d’être constamment remise en doute pour mieux être apprécié à long terme. Toutefois, vivre au quotidien auprès d’un artiste aussi tourmenté et lunatique apparait comme quelque chose qui peut être tour à tour détestable et passionnant, mais toujours moralement harassant. Cet état de fait est ce qui ressort de ce film intimiste qui, s’il n’avait pas été fait par la femme de l’un des cinéastes les plus en vue de ces dernières années, n’aurait été finalement qu’un banal film de famille dont le visionnage aurait même relevé du pur voyeurisme. Heureusement, grâce à la notoriété du réalisateur danois et à l’intérêt de voir à travers ses yeux les coulisses de l’un de ses films, mais aussi à la contribution de son compositeur Cliff Martinez qui signe une bande originale vivifiante, le film prend son sens et dépasse son statut d’exercice cathartique pour devenir un documentaire original.

Même s’il satisfera les fans du réalisateur de la saga Pusher désireux d’en savoir plus la face cachée du réalisateur, My Life Directed by Nicolas Winding Refn n’en reste pas moins qu’une réalisation sans prétention. On pourra surtout regretter qu’il soit exploité sous le format d’un DVD individuel alors qu’il aurait davantage eu sa place en tant que bonus à une réédition de Only God Forgive. Espérons dès lors que nous le retrouverons dans le prochain coffret consacré au réalisateur.

Pour en savoir plus, voir l’interview sur ce lien.

My Life Directed by Nicolas Winding Refn

My Life Directed by Nicolas Winding Refn

Réalisation: Liv Corfixen
Scénario : Liv Corfixen
Intervenants : Nicolas Winding Refn, Liv Corfixen, Ryan Gosling, Alejandro Jodorowsky, Kristin Scott Thomas…
Image : Liv Corfixen
Montage : Catherine Ambus
Son: Kristian Eidnes Andersen, Kristoffer Salting
Musique : Cliff Martinez
Production : Lene Børglum
Distribution : Les Jokers
Durée : 75 minutes
Genre : Portrait, making-of
Date de sortie : 27 avril 2016 en DVD

Danemark – 2014