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TCM Cinéma Les douze salopards, un film de Robert Aldrich : Critique

Julien Dugois
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TCM Cinéma Les douze salopards, un film de Robert Aldrich : Critique

Les douze salopards : A retrouver sur TCM Cinéma et TCM à la demande à partir du 19 septembre 2016

Faut-il déshumaniser la lie de l’humanité?

Même s’il fut perçu par une partie du public, américain comme français, de 1967 comme une « glorification de la violence à des fins militaires », et par extension comme une œuvre fasciste, Les Douze Salopards s’inscrit pleinement dans la réinvention ouvertement antimilitariste du film de guerre telle que l’a entreprise Robert Aldrich avec Attaque en 1956. Le réalisateur s’amusait à détourner les codes de ce genre ultra-balisé pour mieux enterrer ses trois caractéristiques majeures que sont l’humanisme, le manichéisme et le patriotisme. Le grand leitmotiv d’Aldrich, et ce dans tous les genres auxquels il s’est attaqué, est la remise en question de la notion d’héroïsme. Cette valeur à laquelle le public de l’époque, en pleine guerre du Viêt-Nam, tenait beaucoup est particulièrement malmenée dans cette réalisation provocatrice du cinéaste, qui deviendra avec le temps son film le plus populaire. Il faut reconnaitre que l’absence de repère moral dans la conception de ses personnages rend impossible l’identification à l’un d’eux, qu’il s’agisse des généraux cyniques prêts à sacrifier leurs soldats, des fameux douze repris de justice assimilables à de redoutables criminels et même de ce commandant chevronné servant de tampon entre eux mais rapidement rendu antipathique par son autoritarisme méprisant. Cet exercice de détachement idéologique vis-à-vis d’un récit qui ne propose à la place des habituels « héros » que des individus détestables reste encore aujourd’hui une référence en la matière, souvent copié, jamais égalé (on pense évident au Inglourious Basterds de Tarantino ou plus récemment encore à Suicide Squad).

Si le roman d’E.M. Nathanson s’accorde à la perfection avec le cinéma d’Aldrich c’est justement pour leur gout commun pour les personnages anti-héroïques, et en l’occurrence pour des êtres humains vérolés par leurs névroses respectives. Or, et contrairement aux films sus-nommés, c’est la question de leur humanité que va justement aller poser la première partie du scénario dans laquelle ces personnages, et leurs aliénations respectives, sont introduits et où l’on suit leur entrainement intensif. Car, en plus d’être une voie vers la rédemption, au sens le plus religieux du terme, ces exercices sont avant tout une façon pour leur hiérarchie de faire plier leur personnalité jugée dangereuse. La déshumanisation est-elle alors plus forte dans l’amoralité d’une bande de criminels sans foi ni loi ou dans l’uniformisation intellectuelle que cherche à créer l’armée au sein de ses rangs? C’est bien cette interrogation psychologique qui est au cœur de ce long-métrage, à travers la relation conflictuelle, source de situations tout à tour comiques et dramatiques, entre ces soldats borderline et leur instructeur qui veut nier leur individualité pour les faire entrer dans le moule, afin de mieux les envoyer au casse-pipe.

Même si le film aurait beaucoup gagné à les développer davantage, ces salopards écornent l’image de l’armée américaine comme aucun autre auparavant. L’apogée du travail subversif de « Big Bob ».

La charge antimilitariste est plus virulente encore dans la seconde partie, même si sa construction dramaturgique s’aligne sur les codes traditionnels du film d’aventures. Mais davantage que le récit de l’attaque d’une base ennemie en territoire allié, comme ont pu en proposer des dizaines de productions hollywoodiennes d’après-guerre, cette mission est une façon pour le réalisateur de malmener le manichéisme naïf propre au genre en nous faisant voir des soldats américains s’en prendre directement à des civils – dont certains prisonniers français! – et détruire le château qu’ils étaient censé venir libérer. Une telle violence n’avait rien à envier aux films de Peckinpah. Impossible alors de savoir si ces agissements condamnables sont le fait des dangereux criminels tels qu’ils apparaissaient au début du film ou des soldats qu’aurait réussi à façonner l’armée. C’est justement de ce doute qu’est née la polémique sur l’interprétation à tirer de ce film.

S’il est un personnage parmi les douze rôles-titres dont on ne peut pas nier qu’il agisse jusqu’à la fin comme le névropathe qu’il était avant son entrainement militaire, c’est indéniablement celui interprété par Telly Savalas, certainement le plus effrayant de la bande, tiraillé entre perversion et fanatisme religieux. Parmi les autres anti-héros, les deux plus exploités par le scénario sont ceux interprétés par Charles Bronson en tueur froid et John Cassavetes en odieux magouilleur. Les neuf autres resteront toutefois bien moins identifiables. Donald Sutherland en grand dadais apporte une part d’humour à chacune de ses apparitions et Jim Brown permet à ses confrères de fortune de balancer quelques injures racistes. L’inégalité de traitement de ses personnages est sans conteste le plus gros reproche que l’on puisse faire au film, sans que cela ne nuise à sa puissance subversive. Sur le casting, Aldrich a fait un parti pris assez amusant, celui de faire appel à trois acteurs déjà présents dans ses précédents films, Ernest Borgnine, George Kennedy et Lee Marvin,  pour incarner des soldats tout aussi détestables que les fameux salopards à différentes strates de la hiérarchie militaire. L’unique haut-gradé moralement admissible étant interprété par Robert Ryan, volontairement trop peu présent à l’écran pour réhabiliter l’image de l’armée.

Entré dans la postérité comme le modèle du film de guerre irrévérencieux, Les douze salopards reste un film qui brille avant tout par son casting en or faite de pures « gueules de cinéma » qui excellent tant dans des rôles à contre-emploi qu’ils font naitre une véritable sympathie pour cette lie de l’humanité. Le massacre final n’en est que plus étonnamment bouleversant.

 Les douze salopards : Bande-annonce

Les douze salopards : fiche technique

Titre original : The Dirty Dozen
Réalisateur : Robert Aldrich
Scénario : Nunnally Johnson, Lukas Heller D’après : E.M. Nathanson
Interprétation : Lee Marvin, Charles Bronson, Jim Brown, John Cassavetes, Telly Savalas, Donald Sutherland, Clint Walker, Ernest Borgnine…
Photographie : Edward Scaife
Montage : Michael Luciano
Musique : Frank De Vol
Direction artistique : William Hutchinson
Maquillage : Ernest Gasser, Wally Schneiderman
Producteurs : Kenneth Hyman, Raymond Anzarut
Studios de production : MKH, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Seven Arts Productions
Genres : Action, Drame, Guerre
Durée : 145 minutes
Date de sortie : 27 septembre 1967

Royaume-Uni / États-Unis – 1967

 

Critique Série : Scream Saisons 1 et 2

La rédaction LeMagduCiné
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Critique Série : Scream Saisons 1 et 2

Véritable carton au box-office (le film a rapporté plus de 173 millions de dollars), récompensé comme le meilleur film d’horreur en 1997 au Saturn Awards, Scream est un succès mondial et intègre la catégorie des films cultes en imposant une vision satirique du film d’horreur, truffée de références aux films du genre dont Vendredi 13, Halloween ou encore Les Griffes de la nuit.

Synopsis : Un soir, dans la petite ville de Lakewood, la jeune Nina Patterson est assassinée brutalement à son domicile. Mensonges et secrets de famille remontent alors à la surface quand un mystérieux tueur masqué commence à tuer des adolescents. Cette vague de meurtres semble porter la marque de Brandon James, un tueur qui avait sévit des années plus tôt avant d’être finalement abattu. Quelqu’un chercherait-il à le venger ?

La brune ou la blonde ?

Qui ne se souvient pas de Sidney Prescott, héroïne du slasher de Wes Craven, sorti en 1996 ?

À l’époque, Sidney (Neve Campbell) et sa bande d’amis, devaient faire face à un dangereux tueur en série masqué, talonnés par la journaliste Gale Weathers (interprétée par Courtney Cox) prête à tout pour obtenir un scoop.

Rien d’étonnant donc à ce que neuf ans plus tard le film inspire encore, un genre en plein essor : la série.

Sortie quatre ans après le dernier film de Wes Craven (Scream 4), la série Scream était sans conteste la surprise de l’été 2015. Si l’on mourrait d’envie de jubiler à l’annonce du projet, on ne savait pas vraiment à quoi s’attendre. La série allait elle se montrer à la hauteur du slasher culte? Scream pouvait-il fonctionner en format série? Au visionnage du premier épisode, on retrouvait avec plaisir l’esprit des films avec un opening chargé en hémoglobine et en cris de bimbo en maillot de bain (ceux de Bella Thorne). La série annonçait un retour en puissance de la saga avec de la chair fraîche au menu, pour reprendre le flambeau et succéder à des personnages dont on commençait doucement à se lasser.

Petite soeur spirituelle de Sidney Prescott, Emma Duvall a presque tout de son ainée : l’attention particulière du tueur, un courage à toute épreuve, de la détermination et surtout l’immunité. Car oui, Emma se croit invincible et pour cause, elle l’est. Si l’adolescente voit disparaitre un à un ses proches autour d’elle, le tueur la taquine, joue avec ses nerfs mais l’épargne toujours. La formule, on la connait. Si ce n’était que ça… Mais Emma est atteinte du syndrome de « l’héroïne adolescente américaine » ; un regard toujours grave, des querelles incessantes avec sa mère et son petit copain, et elle en devient vite agaçante. 

Après une Saison 1 qui avait permis aux spectateurs de s’attacher aux personnages et dont l’épisode final annonçait de tout évidence une suite, on s’attendait naturellement à retrouver Emma et ses amis dans une nouvelle lutte contre le tueur masqué. En effet, après avoir quitté la ville suite au massacre de Lakewood (Saison 1), Emma revient quelques mois plus tard dans l’espoir de reprendre une vie normale. Mais si l’on suit toujours l’adolescente blonde à la vie amoureuse et familiale tumultueuse, le réalisateur a pris le parti, pour cette Saison 2, de malmener également la brune mystérieuse Audrey que l’on avait laissée, perplexes, à la fin de la première saison. Personnage antagoniste, jouant par moments double jeu, elle est certainement l’originalité notoire de la série, tranchant avec les nombreux éléments parodiques auxquels nous avait habitués Wes Craven. Ce n’est donc plus un, mais deux protagonistes que nous suivons cette saison.

Dans la lignée des bonnes surprises, l’utilisation d’une voix off très bien maîtrisée, celle de Noah Foster (joué par le talentueux John Karna). Déjà présente dans la première saison, elle débute et conclut presque chaque épisode avec justesse. Noah est le fan de films d’horreur par excellence et par là-même l’incarnation du fan de Scream à l’écran, personnage typique de la saga que l’on retrouvait déjà dans la série de films. Dans cette saison, il anime un podcast dans lequel il raconte les évènements terrifiants de Lakewood (aka Murderville), ce qui ajoute un aspect ironiquement tragique à la série, d’autant plus que l’émission s’appelle « La Morgue ».

Un tueur à l’ère des réseaux sociaux

À l’époque, Scream s’était démarqué par l’utilisation du téléphone au cinéma comme source d’angoisse, point central de la réalisation et de la narration, élément clé que reprendra en 2006 le film d’horreur Terreur sur la ligne de Simon West ou encore le thriller Phone Game de Joel Schumacher sorti en 2002.

Aujourd’hui, à l’heure où le virtuel règne en maître, la série réinvente le phénomène pour créer un tueur 2.0 qui utilise Snapchat, usurpe l’identité de qui bon lui semble pour tromper ses victimes et pirate des ordinateurs ou des téléphones portables pour brouiller les pistes. Le tueur peut ainsi être n’importe où et n’importe qui, suscitant à la fois une certaine paranoïa mais trompant également la confiance de certaines de ses cibles qui ne se méfient pas toujours suffisamment de leur entourage. Là où les films s’en tenaient à la sonnerie de téléphone glaçante et aux apparitions surprises du tueur masqué, la série ajoute aux meurtres un coté voyeur, grâce au partage quasi illimité d’informations permettant de créer une nouvelle forme de spectacle, notamment à travers le partage de vidéos sur internet ou encore le podcast de Noah. Dans cette émission, les survivants deviennent « Les Six de Lakewood », des célébrités locales dont la vie est étalée sur la toile, que les internautes peuvent commenter. Tout est bon pour faire parler de soi, y compris se mettre ouvertement en danger.

La ville de Lakewood comme métaphore des réseaux sociaux, il fallait y penser et la « formule Scream » s’y prête bien. Petite ville coupée du monde dans laquelle circule un flux d’informations continu et où les liens se font et se défont. Lakewood est le centre de tout, à la fois témoin, générateur et porte parole des générations passées, présentes et à venir.

Les masques tombent …

Dans cette deuxième saison, de nouveaux personnages font leur apparition à Lakewood et d’autres en profitent pour faire leur grand retour. Le cercle des suspects s’agrandit, ayant pour effet de garder l’identité du tueur bien au chaud jusqu’à la grande scène de la révélation finale.

Les personnages en apparence clichés, se révèlent chacun à leur manière sous un autre jour, pas toujours meilleur. Seul Emma échappe à ce processus et reste cloîtrée dans son rôle de Miss parfaite sous tous rapports qui tente vainement de se la jouer rebelle en prenant des risques irraisonnés mais souvent sans grandes conséquences. On reprochera principalement à cette deuxième saison d’avoir par moments un peu trop tendance à se focaliser sur ses nouvelles intrigues amoureuses, transformant ce qui devait être à l’origine une série horrifique en une succession de péripéties adolescentes et de sur-protéger ses protagonistes.

Mais les scénaristes ont plus d’un tour dans leur sac pour nous surprendre et n’ont pas peur de s’en servir, jouant parfaitement avec les codes du film d’horreur et du teen-movie, tout en re-visitant la franchise d’origine. Un pari risqué mais gagné !

Quelle bonne idée de faire de ces films cultes une série ! Le spectateur prend davantage le temps de s’attacher aux personnages et de jouer à deviner l’identité du tueur, maintes et maintes fois remise en question, ce que permet le format série. 

Rafraîchissante, truffée de références au cinéma d’horreur jusque dans les titres de ses épisodes (« I know what you did last summer » – « Souviens toi l’été dernier », « Psycho » – « Psychose », « Dawn of the dead » – « Shaun of the dead », « The last house on the left » – « La dernière maison sur la gauche ») Scream est une série pleine de bonnes idées et palliée de bonnes intentions.

Meilleure actrice de série télévisée pour Willa Fitzgerald, meilleure série télévisée de l’été au Teen Choice Awards 2015, la série avait un bel avenir devant elle. Mais si la Saison 1 avait trouvé ses fans, la Saison 2 malheureusement, n’aurait pas rencontré le succès escompté auprès du public américain qui se serait lassé des aventures des survivants de Lakewood. Alors que 700 000 spectateurs étaient au rendez-vous l’été dernier pour le lancement de la première saison, ils ne seraient aujourd’hui plus que 330 000 à suivre la série. Pour information, l’épisode 2×04, « Happy Birthday to Me », n’a été suivi que par 270 000 personnes, un très mauvais score qui pourrait se sommer par une annulation de la Saison 3.

Certes, la série Scream n’est probablement pas un incontournable, mais on lui décerne bien volontiers le titre de « série coup de coeur » pour le bel hommage rendu au maître de l’horreur et à nous, nostalgiques du cinéma des années 90.

Scream la série : Bande-annonce

https://www.youtube.com/watch?v=oK7Wa5KdHMQ

Scream la série : Fiche Technique

Créée par: Jill Blotevogel, Dan Dworkin et Jay Beattie, adaptée d’après la série de films Scream de Wes Craven
Réalisation : Jamie Travis, Tim Hunter, Brian Dannelly, etc.
Scénario : Jill Blotevogel et Jaime Paglia, d’après un scénario de Kevin Williamson
Interprétation : Willa Fitzgerald, Bex Taylor-Klaus, John Karna, Emma Duval, Carlson Young, Brooke Maddox, Audrey Jensen, John Karna, Noah Foster, Amadeus Serafini …
Musique : Jeremy Zuckerman
Genre: Horreur, slasher, thriller, drame
Format: 10 et 14 épisodes de 42 minutes
Diffusée sur : Netflix
Saison 2 disponible depuis le :  31 mai 2016

États-Unis – 2015

Auteur : Yael Calvo

Hors Contrôle, un film de Jake Szymanski : Critique

Audrey Efale
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Hors Contrôle, un film de Jake Szymanski : Critique

Intitulé en anglais Mike & Dave need wedding dates, Hors Contrôle s’inspire très largement de l’histoire vraie de Mike (joué par Adam Devine) et Dave (Zac Efron) Stangle.

Synopsis : Mike et Dave Stangle, deux frères totalement immatures et rois de la fête, sont forcés par leur entourage de trouver des cavalières parfaites afin qu’elles les accompagnent au mariage de leur sœur Jeanie, à Hawaï. Ils passent alors une annonce sur internet qui crée un énorme buzz. Devenus de véritables stars en quelques semaines, les frères trouvent chaussures à leurs pieds en la personne de Tatiana et Alice, des meilleures amies qui s’avèrent être encore plus incontrôlables qu’eux.

Deux frères qui ont pour réputation de ruiner les rassemblements familiaux par leurs frasques incessantes. Zac Efron, de plus en plus abonné aux comédies, se retrouve pourtant bien sage dans ce rôle de Dave, face à son frère aîné, Mike, dont la bêtise et l’humour lourd font de lui un clown. Cependant, les deux frères se font rapidement voler la vedette par les meilleures amies déjantées Tatiana et Alice, sans qui le film serait des plus ennuyeux. En effet, les prouesses humoristiques des actrices Anna Kendrick et Aubrey Plaza réussissent à agréablement surprendre une assistance peu convaincue dès les premières minutes. Aussi, alors que la rebelle Tatiana nous offre des punchlines à en faire pâlir son pitre de rencard, Mike, Alice quant à elle séduit l’audience par sa douceur et sa folie. Véritables vedettes du film, Tatiana et Alice mènent la danse et par la même occasion, tempèrent les craintes des féministes de la première heure puisque les deux personnages féminines principales se révèlent aussi incontrôlables -si ce n’est plus- que leurs homologues masculins. La parité est donc respectée. La question est de savoir s’il y a de quoi s’en vanter.

Ainsi, uniquement « révolutionnaire » par son habileté à faire des femmes de son film des protagonistes aussi importants que les hommes, Hors Contrôle présente toutefois -comme à l’accoutumée des comédies- une flopée de clichés (sexe, alcool, drogue, fêtes qui dégénèrent, violence…) qui malheureusement font sombrer le film dans la pénombre la plus totale au fur et à mesure que les minutes s’écoulent. Surfant sur la vague anticonformiste des jeunes d’aujourd’hui, l’extrême simplicité du scénario ponctué par un humour gras, fait de Hors Contrôle, une comédie bas de gamme qui ennuie rapidement.

Aux manettes de cette production américaine, Andrew Jay Cohen et Brendan O’Brien (à qui l’on doit notamment Nos Pires Voisins, avec déjà Zac Efron) nous offrent une ode à l’immaturité où la ligne du décent est plus d’une fois franchie. Ainsi, les scènes de nu, la scène de masturbation dans un sauna et celle du massage qui frôle l’érotisme finissent d’inscrire Hors Contrôle dans une tendance assumée du trash, qui met rapidement dans l’embarras quiconque avait pour ambition de voir en cette comédie, une œuvre teintée d’intelligence et de réflexion.

Se basant sur un humour potache et régressif, Hors Contrôle engendre un malaise dont son quatuor de stars (Efron, Kendrick, DeVine et Plaza) bien qu’attachant, ne parvient pas à se dépêtrer. Une mention honorable est à faire tout de même à l’actrice Sugar Lyn Beard dans le rôle de Jeanie, la sœur Stangle, qui réussit à voler la vedette dans toutes les scènes où elle est, à l’instar de sa collègue Aubrey Plaza.

Hors Contrôle : Bande Annonce

Hors Contrôle: Fiche Technique

Réalisation : Jake Szymanki
Scénario : Andrew J. Cohen et Brendan O’Brien
Interprétation : Zac Efron (Dave Stangle), Adam DeVine (Mike Stangle), Anna Kendrick (Alice), Aubrey Plaza (Tatiana), Sugar Lyn Beard (Jeanie Stangle), Sam Richardson (Eric), Alice Wetterlund (Terry).
Direction Artistique : Mark Garner et Caleb Mikler
Photographie : Matthew Clark
Montage : Lee Haxall et Joathan Schwartz
Musique : Jeff Cardoni
Production : Peter Chemin,Jonathan Levine et Jenno Topping
Sociétés de production : Chemin Entertainment et TSG Entertainment
Sociétés de distribution : 20th Century Fox et SF Film (Finlande)
Budget : 33 000 000 $
Langue originale : Anglais
Format : couleur
Genre : Comédie
Durée : 98 minutes
Dates de sortie : France : 17 août 2016

Etats-Unis – 2016

 

Moka, un film de Frédéric Mermoud : Critique

Beatrice Delesalle
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Moka, un film de Frédéric Mermoud : Critique

Avec un titre aussi laconique, le nouveau film du suisse Frédéric Mermoud , Moka, suscite la curiosité.

Synopsis : Munie de quelques affaires, d’un peu d’argent et d’une arme, Diane Kramer part à Evian. Elle n’a qu’une obsession : retrouver le conducteur de la Mercedes couleur moka qui a renversé son fils et bouleversé sa vie. Mais le chemin de la vérité est plus sinueux qu’il n’y paraît. Diane devra se confronter à une autre femme, attachante et mystérieuse…

Coffee and Cigarettes

Moka, c’est une couleur café, belle et élégante. Ainsi est le film du cinéaste, beau et élégant, à l’image de cette entame très forte, Diane (impressionnante Emmanuelle Devos) qui se tape obstinément et compulsivement le front contre une baie vitrée donnant sur le lac Léman, posant d’emblée le postulat d’une certaine intensité.

Diane Kramer est alitée dans ce qui s’apparente à une clinique. Il s’agit plus vraisemblablement d’un hôpital psychiatrique ou d’une maison de repos. Dans les volutes de la fumée des cigarettes qu’elle brûle les unes après les autres, elle a des visions d’un jeune garçon qui pourrait être son fils. C’est son fils, c’était son fils, et assez vite on comprend que celui-ci a été renversé et tué par un chauffard au volant d’une voiture couleur moka, selon le détective qu’elle a engagé. Diane se sauve de la clinique et traverse la frontière pour suivre à Evian la trace d’une voiture couleur moka, et suspecte.

Moka a tout l’air d’un revenge movie, d’une vigilante à la mode romande, avec cette femme qui va friser la folie dans sa recherche du ou de la meurtrière de son fils, puisqu’il faut appeler un chat un chat. Pourtant, le film est beaucoup plus que ça, et se focalise surtout sur son chemin cathartique pour tenter de revenir vers le monde des vivants. Frédéric Mermoud installe certes une ambiance anxiogène, quand il met sa protagoniste face à Marlène (Nathalie Baye), celle qu’elle pense être la chauffarde. Il réussit à mettre parfaitement en scène le danger permanent que Marlène et ses proches courent, face à une mère paradoxalement aussi perdue que déterminée, capable de tout à tout moment…

Mais ce qui touche dans son film, c’est surtout la solitude et la douleur de Diane, qui ne sait vers qui ni vers quoi diriger sa souffrance. Simon, son mari interprété avec beaucoup de justesse et de pudeur par un Samuel Labarthe aussi élégant qu’à l’habitude, devient presque un ennemi, celui qui n’a pas su empêcher le désastre, celui qui reste raisonnable et qui a accepté l’inacceptable. Au contraire, dans son parcours vengeur, elle rencontre de nouvelles personnes, dont Marlène, et leur contact la ramène petit à petit dans le réel, l’éloigne quelque peu de ses intentions borderline qui ne sont d’ailleurs pas sans nous rappeler la récente prestation de Marina Foïs dans l’excellent Irréprochable de Sébastien Marnier. Marlène la coupable devient à son insu presque une bouée de sauvetage pour Diane.

Emmanuelle Devos est parfaite dans ce rôle de femme triste et esseulée, qu’elle a déjà embrassé de manière évidemment plus ou moins différente dans plusieurs de ses récents films : Le temps de l’aventure de Jérôme Bonnell, La Vie domestique d’Isabelle Cjazka, ou encore Arrête ou je continue de Sophie Filières. L’actrice sait déployer une forme de mélancolie qui apporte une forte crédibilité à ces films, et dans Moka, son jeu si particulier décuple l’intensité dramatique de la survenue de la mort d’un fils.

Quant à Nathalie Baye, elle est également dans un registre doux- amer et émouvant. Son personnage,  une gérante de parfumerie, « un truc pour les vieilles qui veulent paraître jeunes » comme dira sa propre fille Elodie (Diane Rouxel) prend conscience de son âge, du moindre désir qu’elle semble susciter auprès de son amant plus jeune, des doutes et des peurs que cela engendre. Marlène fait presque écho à Nathalie Baye, une talentueuse actrice que l’on voit vieillir sous nos yeux. Quand Marlène parle, c’est presque Nathalie Baye qu’on entend. Elle livre ici une très belle performance, empreinte de douceur et de sensibilité.

Comme un vrai thriller, Moka connaît des twists dont l’exploitation est cependant assez maladroite, pour ne pas dire expéditive. Toute à son intrigue psychologique, réussie au demeurant, le cinéaste a oublié ce fil-ci de son métrage, et c’est dans une sorte de maelstrom foutraque qu’il délivrera à la fin du film coups de théâtre et révélations. Beaucoup trop tardivement en tout cas pour donner du corps à l’intrigue policière déjà très ténue. Même les scènes les plus musclées (coups de feu, courses poursuites) verseront dans une symbolique plutôt lourde et convenue, et ne rapprochent en rien le film de son côté thriller initial.

Le spectateur retiendra plutôt ces beaux portraits de femmes, celui de Diane Kramer en particulier, un personnage riche et évolutif, même s’il n’apporte pas au film le dynamisme qui lui manque. Il retiendra également l’époustouflante photo d’Irina Lubtchansky aidée par une nature généreuse, depuis les hauteurs d’Evian jusqu’aux miroitements du Lac Léman, superbement filmée dans son calme trompeur, à l’instar de Marlène et de Diane. Une réussite en demi-teinte donc, faute à une certaine mollesse, mais un film qui est loin d’être déplaisant à visionner…

Moka : Bande annonce

Moka : Fiche technique

Réalisateur : Frédéric Mermoud
Scénario : Antonin Martin-Hilbert, Frédéric Mermoud d’après le roman de Tatiana de Rosnay
Interprétation : Emmanuelle Devos (Diane), Nathalie Baye (Marlène), David Clavel (Michel), Samuel Labarthe (Simon), Olivier Chantreau (Vincent),Diane Rouxel(Elodie), Jean-Philippe Écoffey (Le détective)…
Musique : Christian García, Grégoire Hetzel
Photographie : Irina Lubtchansky
Montage : Sarah Anderson
Producteurs : Damien Couvreur, Julien Rouch, Tonie Marshall, Co-producteur : Jean-Stephane Bron
Maisons de production : Bande a Part Films, Diligence Films, Tabo Tabo Films
Distribution (France) : Pyramide Distribution
Récompenses : Variety Piazza Grande Award, Festival du film de Locarno, Edition 2016
Durée : 89 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 17 Août 2016

France, Suisse – 2016

 

Mercenaire, un film de Sacha Wolff : critique

Julien Dugois
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Mercenaire, un film de Sacha Wolff : critique

Le passé de documentariste du réalisateur lui assure un naturalisme qui évite le pathos et le misérabilisme, mais son manque d’expérience dans la fiction est palpable dans l’écriture inaboutie de son récit.

Synopsis : Au sein de la communauté wallisienne de  Nouméa, la tension est palpable du fait de la fronde de Soane envers son père. C’est ainsi qu’y est perçu sa décision de quitter sa terre natale pour rejoindre une équipe de rugby en métropole. Son voyage va toutefois le mener dans un univers où il devra apprendre à s’émanciper.

Quête initiatique en Ovalie

En guise de premier long-métrage (après plusieurs courts et moyens métrages documentaires), Sacha Wolff nous propose de mettre au cœur de son film deux sujets injustement peu mis à profit par le cinéma français malgré leur énorme potentialité : la communauté wallisienne et le rugby. Autrement dit, la collision entre les folklores océanien et du sud-est de la métropole. Mais un tel dispositif de « choc des cultures » était difficilement concevable sans que l’exploitation des caractéristiques propres à ces deux univers, qui semblent n’avoir en commun que la sacralisation de la virilité, ne sombre dans la caricature. C’est malheureusement dans ce piège que tombe le film, et en particulier dans la caractérisation de son personnage principal et de son parcours, au cours duquel il sera traité comme on traite une vulgaire bête de compétition.

Soane apparait comme un jeune homme imprégné des traditions ancestrales polynésiennes dans lesquelles il a grandi, mais dont, paradoxalement, le départ semble être moins alimenté par son envie de faire carrière dans le rugby que par sa volonté de s’éloigner de ses terres natales, et en particulier de l’étau de son père. Un chemin qui va le conduire entre les griffes d’un recruteur malhonnête, lui aussi d’origine océanienne. Le passage d’une violence physique à une violence psychologique dont il faudra se libérer. Une litanie des plus classiques donc, mais traitée avec une distanciation qui empêche au film d’approfondir efficacement sa dénonciation des méthodes véreuses en cours au sein des petits clubs de sport semi-professionnels. Pour de trop rares évocations des pratiques de dopages ou des magouilles financières qu’il prétend pointer du doigt, le scénario va chaque fois préférer se concentrer sur le quotidien aux faibles enjeux cinématographiques de son héros.

Outre une histoire d’amour avec une fille peu farouche et un boulot ennuyeux, la vie routinière de Soane en métropole est surtout régentée par ses relations conflictuelles avec d’autres personnages partageant ses origines. C’est essentiellement dans la représentation de leur code d’honneur, limité à la loi du plus fort, que le scénario s’engouffre dans la caricature qui frôle l’imagerie postcoloniale qu’il aurait pourtant voulu contrebalancer. Des individus tous battis comme des armoires à glace et n’ayant que la violence comme moyen d’expression, peut-on concevoir stéréotype plus réducteur ? Et ce n’est pas le jeu de Toki Pilioko (vrai rugbyman mais acteur amateur) qui va permettre à son rôle de s’assurer une quelque profondeur psychologique qui rendrait son personnage émouvant. Au contraire, ce bloc de muscle inexpressif participe à la superficialité du long-métrage en affichant la même neutralité quand il roue de coups un coéquipier méprisant que quand il demande sa copine en mariage… l’effet Koulechov a ses limites !

La véritable qualité du film, et c’est là que l’on ressent le passif du réalisateur dans le domaine du documentaire, est la justesse de la mise en scène, aisément qualifiable de naturaliste, dès lors qu’il s’agit de filmer les décors dans lesquels a lieu son récit. Exemple le plus flagrant, le squat où vit, à Nouméa, la famille de Soane échappe à cette image d’Epinal teintée d’exotisme qui colle aux basques de ses habitants. Idem pour les vestiaires de l’équipe, où règnent la tension et le malaise, jusqu’à ce que les dialogues, et en particulier le haka entrepris par Soane, renvoient chacun des personnages à l’archétype qu’il est, brisant aussitôt la sincérité de la réalisation. Le recul de la caméra sur l’action est également flagrant dans le manque d’intensité avec laquelle sont filmées les rares scènes de rugby, privées du pouvoir cinégénique auquel ce sport devrait pouvoir prétendre.

Vraisemblablement handicapé par ses difficultés à dessiner des individus crédibles ainsi qu’à mettre en place une intrigue novatrice et la mener jusqu’à son terme, Sacha Wolff se contente de nous faire suivre un personnage opaque et peu attachant comme vecteur de découverte d’un microcosme sportif vérolé par le dopage et la corruption. Le dispositif est louable mais trop mal exploité pour ne pas en sortir persuadé qu’un documentaire eut été plus approprié.

Mercenaire : Extraits

Mercenaire : Fiche technique

Réalisation : Sacha Wolff
Scénario : Sacha Wolff
Interprétation : Toki Pilioko (Soane), Iliana Zabeth (Coralie), Mikaele Tuugahala (Sosefo), Laurent Pakihivatau (Abraham)…
Lumière : Samuel Lahu
Montage : Laurence Manheimer
Son : Julien Sicart
Compositeur : Luc Meilland
Maquillage : Simon Livet
Production : Remi Burah, Olivier Père
Festival et récompenses : Label Europa Cinemas à la Quinzaine des Réalisateurs 2016 et nomination au Festival du Film Francophone d’Angoulême 2016
Distribution :  Ad Vitam
Genre : Drame
Durée : 104 minutes
Date de sortie : 5 octobre 2016

France – 2016

 

Bosch saison 2, une série d’Eric Overmyer : critique

Herve Aubert
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Après une première saison de haut vol, qui savait aussi bien miser sur le suspense d’une histoire complexe que sur l’ambiance urbaine nocturne, cette deuxième saison était attendue. Et, pour commencer, il faut dire que l’on retrouve bien des qualités présentes l’année précédente.

Synopsis : Après six mois de suspension, l’inspecteur Harry Bosch revient à la brigade criminelle de Hollywood. Là, on lui confie l’enquête sur le meurtre de Tony Allen, un producteur de films pornographiques retrouvé abattu dans le coffre d’une voiture.

Le héros de Michael Connelly est de retour

Qualité de l’interprétation pour commencer. Titus Welliver est formidable. Il incarne réellement Bosch, avec ses coups de colère, ses certitudes, mais aussi ses doutes, ses émotions, ses peurs. Son interprétation évolue avec son personnage et il sait magnifiquement bien mettre en valeur toutes les facettes d’un caractère complexe.

Les autres acteurs n’ont rien à lui envier, et la série développe avec intérêt toute une galaxie de personnages secondaires qui sont de vrais caractères. C’est d’autant plus important que les deux histoires qui se croisent dans cette saison ont des retentissements dans la vie personnelle des deux protagonistes de la série. Ainsi, l’enquête sur la mort du producteur de films pornographiques va mener Bosch à Las Vegas, auprès de son ex-femme, qui pourrait ne pas être étrangère à cette histoire.

L’autre histoire, présentée d’abord en parallèle, concerne le chef Irving (interprété par Lance Reddick, que les amateurs de la regrettée série Fringe connaissent bien). Son fils, George, infiltre un réseau de flics ripous qui participent à un trafic de drogue. De plus, le chef Irving est pris dans un conflit politique autour de la course à la mairie de Los Angeles.

A ce titre, il faut préciser que, pour bien comprendre tous les enjeux de la saison 2, il est indispensable d’avoir suivi la précédente. Cela permet, entre autre, de bien saisir tous les aspects politiques, très présents. Car la série ne montre pas que le côté policier de l’histoire : comme dans les romans de Connelly, fin connaisseur du système policier et judiciaire californien, Bosch nous montre qu’une enquête a des répercutions privées et publiques, médiatiques et politiques. La saison alterne d’ailleurs les scènes personnelles, dans la vie privée des personnages, avec les scènes policières.

Une saison plus inégale cependant

Si les qualités concernant le réalisme de l’enquête et la complexité des enjeux sont toujours présentes, cette saison présente un véritable problème de rythme. Après un premier épisode vraiment réussi, la série devient plus lente, plus stagnante. Les épisodes s’enchaînent sans que l’on ait l’impression d’une réelle progression dans les histoires.

Ce ventre mou s’achève brutalement à l’épisode 7, où Bosch reprend brutalement de l’intérêt. Et les quatre épisodes finaux (de 7 à 10) retrouvent la grande qualité de rythme et d’ambiance qui faisait la joie des spectateurs l’année précédente. Le final est rapide, musclé et émouvant en même temps (difficile de retenir des larmes lors du dernier épisode), complexe et passionnant. Un final qui, de plus, tisse déjà une partie du canevas possible de la saison 3 (puisque l’on a appris que la série a été renouvelée pour une troisième année consécutive).

En conclusion, si cette saison deux est plus inégale que la première, au final les qualités sont les mêmes, celles d’une série noire urbaine sombre et réaliste, parfois violente, et ne cédant pas aux facilités habituelles du genre. Ceux qui ont apprécié la première saison ne devraient pas être déçus.

Bosch saison 2 : bande-annonce

Bosch saison 2 : fiche technique

Créateur : Eric Overmyer
Réalisateurs : Pieter Jan Brugge, Adam Davidson, Tim Hunter…
Scénaristes : Michael Connelly, Eric Overmyer, d’après les romans de Michael Connelly
Interprètes : Titus Welliver (Harry Bosch), Jamie Hector (Jerry Edgar), Amy Aquino (Billets), Lance Reddick (Chef Irving), Sarah Clarke (Eleanor Wish), Madison Lintz (Maddie), Robbie Jones (George Irving)…
Montage : Steven Cohen
Photographie : Patrick Cady
Musique : Jesse Voccia
Producteurs : Patrick McKee, Tara Duncan, Jim McKay, Rachel Rusch, T. L. Lankford.
Sociétés de production : Amazon Studios, Fabrik Entertainment
Société de distribution : Amazon
Genre : Policier
Format : 10 épisodes de 45 minutes
Chaîne de diffusion : Amazon.com
Diffusion aux USA : 11 mars 2016

Etats-Unis-2016

Blade Runner 2 : Jared Leto embarque chez Denis Villeneuve !

Antoine Delassus
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Le nouveau Joker de DC Comics rejoint Harrison Ford et Ryan Gosling dans ce qui est sans nul doute le projet le plus excitant de l’année prochaine ! Gare aux Répliquants !

Ça pour une surprise, c’est une surprise. Actuellement empêtré dans une polémique d’envergure liée à Suicide Squad, le bougre critiquant notamment sa faible apparition dans le film, Jared Leto n’en oublie pas de poursuivre sa carrière. La preuve : il a rejoint le casting de Blade Runner 2, la suite du classique de Ridley Scott que tourne actuellement, et dans le plus grand secret, Denis Villeneuve (Sicario, Arrival). Vu la nature hautement confidentielle du long-métrage (tout juste sait-on qu’il se déroulera plusieurs décennies après le film original), bien avisé sera cependant celui capable de déterminer la teneur du rôle de celui qui s’est récemment illustré dans les guenilles multicolores du Joker. Quoiqu’il en soit, on pourra cependant être sûr d’une chose : en rameutant coup sur coup Harrison Ford (Star Wars : Le Réveil de la Force), Ryan Gosling (The Nice Guys), Robin Wright (House of Cards), Mackenzie Davis (Seul sur Mars), Dave Bautista (Spectre), Barkhad Abdi (Captain Phillips), Lennie James (The Walking Dead) et Roger Deakins (célèbre chef-opérateur des frères Coen), le projet part sur de bons rails. Vivement le résultat le 6 Octobre 2017 !

Toni Erdmann, un film de Maren Ade : Critique

Jim Martin
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Toni Erdmann, un film de Maren Ade : Critique

Toni Erdmann, une des curiosités de la dernière sélection cannoise était de retrouver (enfin) un film allemand en compétition, celui d’une jeune réalisatrice quasi inconnue.

Synopsis : Quand Ines, femme d’affaire d’une grande société allemande basée à Bucarest, voit son père débarquer sans prévenir, elle ne cache pas son exaspération. Sa vie parfaitement organisée ne souffre pas le moindre désordre mais lorsque son père lui pose la question « Es-tu heureuse? », son incapacité à répondre est le début d’un bouleversement profond. Ce père encombrant et dont elle a honte fait tout pour l’aider à retrouver un sens à sa vie en s’inventant un personnage : le facétieux Toni Erdmann…

Le remède Toni

Notre voisin d’outre-Rhin n’avait plus présenté de film en compétition depuis 2008 avec Rendez-vous à Palerme de Wim Wenders. Le cinéma allemand qui n’a cessé de briller durant toute l’histoire du cinéma peinait à trouver un successeur à cette génération dorée des années 70 (Fassbinder, Wenders, Herzog etc.). Si le jury de George Miller ne s’était pas autant fourvoyé, l’Allemagne aurait pu rafler une nouvelle Palme d’Or, plus de trente ans après Paris, Texas.

Toni Erdmann raconte la relation laborieuse d’un père et de sa fille victimes d’un conflit de génération qui n’a eu de cesse de les éloigner l’un de l’autre. Ines, femme d’affaire continuellement serrée dans son tailleur chic, n’a pour vie personnelle que son environnement professionnel. Son père Winfried, éternel farceur dépassé par la mutation grandissante du monde, s’inquiète pour le moral de sa fille. Il décide d’aller la voir à Bucarest pour ressouder des liens qu’il ne cesse de voir s’éloigner. Ainsi commence le film de 2h47 de Maren Ade, l’odyssée d’un père prêt à tout pour faire rire sa fille à nouveau.

S’il brosse le portrait de deux personnages absolument passionnants -d’un côté la fille bien de son époque, pure produit du capitalisme, de l’autre, le père aussi ringard qu’attachant- Toni Erdmann brille dans la confrontation de ces deux univers différents pourtant issus de la filiation. Ces deux êtres dont le lien ne perdure que par les souvenirs, celui d’un père et de sa petite fille, n’ont aujourd’hui plus rien à se dire. Il n’y a qu’à voir l’attente insoutenable de l’ascenseur pour mettre fin à un silence plombant au moment des premiers au revoir. Rentre alors en scène le facétieux Toni Erdmann, personnage inventé par Winfried pour approcher sa fille et espérer au moins lui esquisser un sourire.

Si cette histoire a tout du tragique, elle réussit pourtant à nous faire rire, parfois même jusqu’aux éclats. Ce ne sont pas les gags lourdeaux à base de coussins péteurs de Toni qui font sourire le spectateur, mais bien la tendresse avec laquelle ces blagues sont exécutées. Derrière les fausses dents et la perruque de Toni se cache toujours la lueur d’espoir dans les yeux de Winfried, celle de décrocher un sourire à sa fille. C’est tout l’art de Maren Ade de jongler entre comique (rire de Toni) et tragique (désillusion de Winfried) tout au long du film. Une ambiguïté permanente que l’on retrouve dans les yeux d’Ines, mi attendrie, mi exaspérée. Jusqu’au paroxysme dans la scène de chant où sa voix oscille entre cri de rage et clameur libératrice.

La gêne et les larmes lors de son départ ne trompent pas, la jeune femme aime visiblement son père mais, face au gouffre idéologique qui les sépare, elle reste incapable d’exprimer quoi que ce soit. Si bien que le seul moment de tendresse qu’elle lui accorde c’est lorsqu’il ne peut la regarder dans les yeux, emmitouflé dans son costume folklorique bulgare. Rarement les complexités d’une relation entre un père et d’une fille que tout oppose n’ont été aussi justement mises en lumière.

Davantage que la montagne russe d’émotions et le statut de feel-good movie qu’on lui prête, Toni Erdmann s’approche du film-somme en sa qualité politique et fortement dénonciatrice. Le film de Maren Ade offre une image saisissante de notre monde, à travers son héroïne, et par contraste total avec son héros. Rappelons que l’histoire se situe essentiellement à Bucarest, un autre monde pour Winfried mais terrain de chasse pour la femme d’affaire allemande. Ines exerce en Europe de l’est la profession de consultante qui consiste grosso-modo à faire le sale boulot des entreprises trop lâches pour licencier elles-mêmes du personnel. C’est une femme de son temps, vissée à son téléphone, évoluant dans une Europe ultralibérale et fortement machiste. Une misogynie qu’elle a acceptée de fait.

Maren Ade fait ainsi très mal aux certitudes idéologiques de son pays qui souhaite régner en maître dans l’Europe d’aujourd’hui. À force de prendre les ouvriers pour du bétail, Ines en a perdu le goût de rire, de baiser (voir la scène des petits fours), et ne sait plus ce que signifie être heureux. Avant que l’antidote Toni ne fasse son petit effet…

Toni Erdmann de Maren Ade : Bande-annonce

Toni Erdmann : Fiche Technique

Réalisation : Maren Ade
Scénario : Maren Ade
Interprétation : Peter Simonischek, Sandra Hüller
Photographie : Patrick Orth
Montage : Heike Parplies
Décors : Silke Fisher
Costumes : Gitti Fuchs
Production : Maren Ade, Jonas Dornbach, Janine Jackowski
Distributeur : Haut et Court
Durée : 162 minutes
Genre : Comédie dramatique
Date de sortie : 17 Août 2016

Allemagne – 2016

The Get Down saison 1 partie 1 : Critique Serie

La rédaction LeMagduCiné
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The Get Down saison 1 partie 1 : Critique Serie

[Critique] The Get Down Saison 1 Partie 1, une série de Baz Luhrmann et Stephen Adly Guirgis

Synopsis : Le Bronx, 1977. Zeke est un adolescent comme les autres : il a sa bande de copains, il est amoureux de Mylene, une fille de son âge qui rêve de devenir chanteuse, et lui-même aspire à faire de la musique. Zeke a un don pour l’écriture dont il ne sait pour l’instant pas trop quoi faire. Cependant, sa rencontre avec le mystérieux Shaolin Fantastic, tagueur légendaire du quartier et apprenti DJ, pourrait bien donner une nouvelle perspective à son talent, à sa bande et à son avenir…

La série télé musicale est à l’honneur cette saison. Au printemps, HBO nous proposait son Vinyl, plongée au cœur de l’industrie du rock’n’roll dans les années soixante qui, malgré un démarrage en trombe avec un magnifique pilote réalisé par Martin Scorsese, s’est terminé en fiasco avec l’annulation de la série. Cet été, c’est au tour de Netflix de décliner la thématique de la création musicale avec The Get Down, qui s’intéresse aux débuts de la culture et de la musique hip-hop dans le Bronx de la fin des années 70. La série est menée par le réalisateur Baz Luhrmann, scénariste et producteur exécutif ainsi que réalisateur du premier épisode.

Dès le pilote, on retrouve donc plusieurs éléments caractéristiques du réalisateur australien : la danse et la musique utilisées comme médium d’affrontements et de duels (Ballroom Dancing), la ville filmée comme un théâtre de rivalités, d’amitiés et d’amours (Roméo + Juliette), la lutte des classes rendue visible par la friction des quartiers populaires et bourgeois (Gatsby le Magnifique). Pourtant c’est dans les épisodes suivants que la série réussit réellement à trouver sa juste mesure et à mixer tous ces éléments dans un seul et même rythme de croisière.

New York 1977

The Get Down est une série qui s’intéresse à un endroit précis (un quartier de New-York), à un moment précis (1977), et son but avant toute chose est de capter l’essence de cet espace temps et de le distiller dans sa forme la plus pure.

Le contexte devient donc un élément essentiel, et la série s’applique à l’utiliser du mieux possible. La fiction prend place dans un cadre documentaire, et de réels évènements jalonnent la narration. L’élection d’Ed Koch à la mairie de New York, la sécheresse de l’été 1977, les incendies qui ravageaient certains quartiers, le black-out qui a privé les new-yorkais d’électricité une nuit entière sont autant de faits historiques qui sont utilisés par les scénaristes pour construire le récit. Car ils ne servent pas seulement de décor : ils sont dotés d’une réelle importance et donnent lieu à des intrigues de premier plan. L’idée est renforcée par les irruptions régulières d’images d’archives qui donnent à celles de la série toute l’authenticité dont elles ont besoin. Enfin, les pistes se brouillent lorsque certaines images de la série sont retouchées pour ressembler à des prises de vue de l’époque, finissant d’attacher le récit à son contexte.

Légendes urbaines

Pourtant, loin de rester collée les pieds sur terre, la série redouble d’efforts pour se détacher de sa toile de fond et s’envoler loin au-dessus de tout réalisme. Cela passe notamment par l’utilisation d’une mythologie propre à la culture populaire, à l’imaginaire des films de kung-fu et de science-fiction si chers au Wu-Tang Clan et à IAM, au hip-hop en général. Si tout un vocabulaire référencé est employé dans la série, on est pourtant loin du namedropping inutile et toutes ces références font pleinement sens. D’abord car elles étaient déjà utilisées à l’époque par les DJs et les rappeurs qui empruntaient leurs noms à des super-héros de comics ou à des légendes du cinéma oriental. La série ne fait donc que reproduire cet esprit et, en le regardant à travers les yeux d’une poignée d’adolescents, leur confère tout l’émerveillement et la superbe dont ils sont emplis.

Ensuite car l’histoire ne fait pas qu’emprunter quelques noms aux films de genre, elle s’en imprègne toute entière. Le parcours de ces jeunes gens dans le monde du hip-hop est raconté comme une quête spirituelle et initiatique, comme un récit fantastique au cours duquel ils devront dénicher un mystérieux guerrier, retrouver des objets magiques, déchiffrer les conseils de leur mentor, apprendre à maîtriser leurs super-pouvoirs, prendre part à des batailles et à des duels… C’est comme si le groupe sautait d’un film à l’autre, se retrouvant tour à tour plongé dans un western, un film de Bruce Lee, l’univers de Star Wars ou une épique fresque d’heroic fantasy. Les titres des épisodes, en forme de six commandements (« Le Trésor se trouve dans la ruine », « Choisis ceux qui attisent le feu de ta passion », « L’Obscurité est ta lumière », « Préfère la célébrité à la sécurité », « Tu as des ailes, apprends à voler », « Élève ta voix, pas tes mots ») renforcent encore la dimension quasi-religieuse que la série accorde à l’Histoire du hip-hop.

Double platine

Car c’est bien ça le cœur de la série : le Bronx, sa culture, ses habitants, son esthétique, sa musique… Et là encore, la série place tous ces éléments au centre même de sa construction. Lors du générique de début par exemple, le titre de la série et celui de l’épisode apparaissent sous forme de graffitis peints sur le métro aérien de la ville ; au lieu de la traditionnelle voix-off qui résume les épisodes précédents, c’est ici le personnage de Zeke, devenu adulte et rappeur à succès, qui fait le point sur les évènements à travers les paroles d’une chanson.

Baz Luhrmann a donné le ton lors du pilote : comme à son habitude il a garni celui-ci de séquences de fêtes et de danses qui tentent d’immerger le spectateur dans l’ambiance et dans l’action. Les autres réalisateurs ont suivi la cadence, au point qu’on a parfois l’impression de regarder un très long clip : le montage est rapide, les images s’enchaînent et les plans fixes se font rares. Ce parti pris, vite agaçant, se révèle finalement pertinent sur le long terme car il permet d’organiser la narration éclatée et de faire d’un bordel confus un tout cohérent.

Cette pertinence trouve son apogée dans une séquence du deuxième épisode. Grandmaster Flash, le mentor des protagonistes, vient d’expliquer aux garçons comment fonctionne l’art du break. Deux platines sont devant le DJ : l’une représente le présent, et joue le sample que l’on entend en ce moment ; la deuxième représente le futur : elle joue le son que l’on entendra dans quelques instants. Toute la difficulté de l’exercice consiste à faire coexister ces deux temporalités, et à faire en sorte qu’elles s’inscrivent dans une continuité. Le novice s’entraîne alors et s’acharne à rendre continus ces deux espace-temps. La séquence alterne alors avec une autre, qui se déroule ailleurs. Deux espace-temps. Et les deux s’enchaînent sans cesse, de plus en plus rapidement, dans un rythme effréné et une symbiose parfaite qui lie les deux moments dans une impeccable continuité stylistique. DJing et montage, même combat : réussir à synchroniser deux séquences pour proposer au spectateur une expérience nouvelle.

La force de The Get Down, c’est de réussir à ne faire qu’un avec son sujet, et à offrir au spectateur de superbes moments de musique (hip-hop mais aussi disco grâce à la très belle voix de Herizen F. Guardiola). La fiction et même le fantasme de cette période se mêlent brillamment aux faits réels, avec une intrigue originale et des personnages rapidement attachants.

The Get Down, saison 1, partie 1 : Fiche Technique

Création : Baz Luhrmann, Stephen Adly Guirgis
Scénario : Seth Zvi Rosenfeld, Sam Bromell, Jacqui Rivera…
Réalisation : Ed Bianchi, Baz Luhrmann…
Interprétation : Justice Smith, Shameik Moore, Herizen F. Guardiola, Skylan Brooks, Tremaine Brown Jr., Yahya Abdul-Mateen II,Jimmy Smits…
Genre : Dramatique, Musical
Société de production : Bazmark Films
Format : 6 épisodes de 55 minutes (90 minutes dans le cas unique du Pilote)
Chaîne d’origine : Netflix
Diffusion à partir du : 12 août 2016

Etats-Unis – 2016

Auteur : Amaurych

 

Arrival : Première bande-annonce pour le film SF de Denis Villeneuve

Antoine Delassus
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Juste avant Blade Runner 2, Denis Villeneuve voulait embrasser la SF, qui plus est fait avec son thème le plus utilisé jusque-là : les petits hommes verts. Le résultat est un film au titre très évocateur (Arrival) serti d’un casting 5 étoiles !

Avant même la remise des prix du Festival de Cannes 2015, où il était venu présenter l’excitant Sicario, Denis Villeneuve avait déjà plié bagage, direction le Canada. La-bas, juste avant qu’il ne soit intronisé réalisateur de Blade Runner 2, il avait pu mettre en boite un nouveau film, destiné de son aveu « à le mettre en jambe » avant de se frotter au classique de Ridley Scott : Story of Your Life. Renommé Arrival dans la langue de Shakespeare, le film qui met en vedette Amy Adams (Batman vs Superman), Jeremy Renner (Captain America Civil War) et Forest Whitaker (le futur Rogue One) reprend un thème, pour ne pas dire un marronnier, de la SF : le premier contact extra-terrestre. C’est du moins la trame de fond qui se dessine de ces premières images où l’on suit Amy Adams, grimée en une sommité des langues et traductions (autrement dit une linguiste) qui se retrouve contacter directement par l’entremise d’un colonel de l’armée américaine (Forest Whitaker). Ce dernier, inquiet, somme la linguiste de traduire une étrange communication sonore venant directement d’un mystérieux astronef noir s’étant posé dans une prairie attenante. La belle est donc propulsée espoir de l’humanité, alors qu’elle doit déterminer les intentions de ces extra-terrestres et juger de leur éventuelle nature belliqueuse. Une simple erreur de traduction pouvant résulter d’une guerre ouverte, la linguiste doit accuser le coup d’une incroyable pression, d’’autant que d’autres astronefs se sont posés sur le reste du monde et inquiètent au plus haut point.

Un projet très ambitieux

Librement adapté d’une nouvelle du romancier Ted Chiang, Arrival est annoncé comme l’un des évènements de cette rentrée. Le passif de son réalisateur n’étant sûrement pas étranger à ce regain d’intérêt, on ne saura occulter aussi le fait que ces premières images donnent à voir une odyssée de SF étonnement réaliste. Des cadres léchés, une photographie minérale quasi grise anthracite et un casting dont l’alchimie semble déjà fonctionner, c’est bien simple : Arrival semble témoigner d’un profond respect de Villeneuve vis à vis des poncifs de la SF. Ajoutez à cela des récurrences stylistiques (l’imagerie du tunnel infusait déjà Prisoners et Sicario ; ou la figure féminine débarquant dans un univers -l’armée- exclusivement masculin comme dans Sicario encore) et on tient peut-être là le film de SF le plus ambitieux de l’année. De là à y déceler un espoir vis à vis de son futur Blade Runner, il n’y a qu’un pas.

Premier Contact (Arrival en VO) sortira sur les écrans le 7 Décembre prochain.

FEFFS 2016 : Tous les films de la sélection

Kévin List
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FEFFS 2016 : Tous les films de la sélection

9ème Festival Européen du Film Fantastique de Strasbourg 

Septembre, c’est Fantastique ! Après l’Étrange Festival au Forum des Images (Paris) qui aura lieu 07 au 18 septembre , c’est le Grand Est qui aura droit à son festival de genre avec la 9ème édition du Festival Européen du Film Fantastique de Strasbourg, dont le déroulement aura lieu du 16 au 25 septembre dans le centre historique de Strasbourg. Au programme, une édition sous le signe du meurtre avec la rétrospective M FOR MURDERS, un hommage à Dario Argento (avec une rétrospective de ses films annoncée), une compétition de courts métrages prochainement annoncé et une sélection de films plus alléchants les uns que les autres. On pense en ouverture à l’OVNI Swiss Army Man de Daniel Kwan et Daniel Scheinert, avec Daniel Radcliff et Paul Dano, tout droit venu de Sundance, à ceux qui ont marqué la Croisette à Cannes, notamment Grave de Julia Ducournau ou Transfiguration de Michael O’Shea, tous deux en compétition internationale, et Dogs de Bodgan Mirica sélectionné dans la catégorie Crossovers. Mais aussi quelques gros films attendus comme le séquel/reboot du Projet Blair Witch, sobrement intitulé Blair Witch d’Adam Wingard, ou 31 de Rob Zombie. Le Jury de cette édition sera présidé par le réalisateur William Lustig (Maniac, Maniac Cop) et est également composé de Veronika Franz (Goodnight Mommy), Brontis Jodorowski (fils de Alejandro, metteur en scène de théâtre et acteur) et John Ajvide Lindqvist (auteur du best-seller Morse). Cette édition s’achèvera avec la projection du carton au box-office chinois, The Mermaid de Stephen Chow.

FEFFS 2016 – Toute la programmation :

Film d’ouverture : Swiss Army Man de Daniel Kwan et Daniel Scheinert (USA)

Film de clôture : The Mermaid de Stephen Chow (Chine)

Compétition internationale :
– Under The Shadow, de Babak Anvari (Iran)
– Transfiguration, de Michael O’Shea (USA)
– I am not a serial killer, de Billy O’Brien (Irlande)
– Shelley, de Ali Abbasi (Suède/Danemark)
– Grave, de Julia Ducournau (France)
– The Love Witch de Anna Biller (USA)
– Jeeg Robot de Gabriele Mainetti (Italie)
– K-Shop de Dan Pringle (UK)
– The Open de Marc Lahore (France / Belgique)
– PET de Carles Torrens (USA / Espagne)
– Seoul Station de Sang-ho Yeon (Corée)

Compétition Crossovers :
– Psycho Raman, de Anurag Kashyap (Inde)
– Operation Avalanche, de Matthew Johnson (USA)
– Outlaws and Angels, de J.T. Mollner (USA)
– Creative Control, de Benjamin Dickinson (USA)
– Detour de Christopher Smith (USA)
– Dogs de Bogdan Mirica (Roumanie)
– Trash Fire de Richard Bates Jr (USA)

Midnight Movies :
– 31, de Rob Zombie (USA)
– The Greasy Strangler, de Jim Hosking (USA)
– We are the flesh, de Emiliano Rocha Minter (Mexique)
– Holidays, de Anthony Scott Burns, Kevin Kolsch, etc. (USA)
– Ballad in blood de Ruggero Deodato (Italie)
– Miruthan de Shakti Soundar Rajan (Inde)
– Terra Formars de Takashi Miike (Japon)
– Yoga Hosers de Kevin Smith (USA)

Séances spéciales :
– Blair Witch de Adam Wingard (USA)
– Fear Itself de Charlie Lyne (UK)
– Lo and Behold, Reveries of the connected world, de Werner Herzog (USA)
– Late Shift, de Tobias Weber (Suisse)

Séance jeune public :
– Ivan Tsarévitch et la Princesse Changeante de Michel Ocelot (France)

Rétrospective M FOR MURDERS :
– M le Maudit (M) de Fritz Lang (Allemagne, 1932)
– Noblesse oblige (Kind Hearts and Coronets), de Robert Hamer (UK, 1949)
– L’Étrangleur de Boston (The Boston strangler) de Richard Fleischer, (USA, 1968)
– La chasse (Cruising) de William Friedkin, (USA, 1980)
– Maniac de William Lustig (USA, 1980)
– Schizophrenia (Angst) de Gerald Kargl (Allemagne/Autriche, 1983)
– Henry, portrait d’un tueur en série (Henry, portrait of a Serial Killer) de John McNaughton(USA, 1986)
– Le Sixième sens (Manhunter) de Michael Mann (USA, 1986)
– Carmin profond (Deep Crimson) d’Arturo Ripstein (Espagne, 1996)

Réédition des classiques de l’Universal Monsters :
– Dracula de Tod Browning (USA, 1931)
– Frankenstein de James Whale (USA, 1931)
– La Momie de Karl Freund (USA, 1932)
– L’Homme invisible de James Whale (USA, 1933)
– La fiancée de Frankenstein de James Whale (USA, 1935)
– Le Loup-garou de George Waggner (USA, 1941)
– L’Étrange créature du lac noir de Jack Arnold (USA, 1954).

Projection exceptionnelle : 
–Les Dents de la Mer de Steven Spielberg (USA, 1975), projeté dans la Grande Piscine des Bains de Strasbourg.
–Jurassic Park de Steven Spielberg (USA, 1993), projeté en Plein Air devant la Cathédrale de Strasbourg.

La rédaction CSM compte bien s’y rendre pour la troisième fois, afin de vous livrer son compte-rendu et vous donner un aperçu du panorama fantastique de ces prochains mois.

Pour plus d’informations : http://strasbourgfestival.com/index.php

Dernier train pour Busan, un film de Sang-Ho Yeon : Critique

Kévin List
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Dernier train pour Busan, un film de Sang-Ho Yeon : Critique

Malgré son rythme effréné et quelques impressionnantes séquences visuelles, Dernier Train pour Busan n’est qu’un interminable film de zombies, caricatural et prévisible.

Synopsis : Un virus inconnu se répand en Corée du Sud, l’état d’urgence est décrété. Les passagers du train KTX se livrent à une lutte sans merci afin de survivre jusqu’à Busan, l’unique ville où ils seront en sécurité…

Après avoir marqué les esprits sur la Croisette cannoise en 2011 avec King of Pigs, le sud-coréen Sang-Ho Yeon s’essaie pour la première fois au cinéma live avec Dernier Train pour Busan (Busanhaeng), adapté du manga du même nom. Il est la suite directe de Seoul Station, son précédent film d’animation, qui voyait les premiers jours d’une invasion mondiale de zombies. C’est l’occasion pour le cinéaste de revenir fouler le tapis rouge dans une séance de minuit qui avait tous les éléments pour être la séance la plus jouissive du festival. Le blockbuster venu d’Asie saura-t-il voler la vedette aux productions hollywoodiennes, et surtout à son modèle, World War Z ? Nul besoin de tenir un faux-suspense, Dernier Train pour Busan manque cruellement le coche et fait preuve d’une paresse dans l’écriture qui dénote face à l’accumulation de moyens déployés pour rendre crédible cette course-poursuite ferroviaire viscérale.

World War Z + Snowpiercer

L’équation semble simple sur le papier. Si vous appréciez un tant-soi peu la frénésie et la folie des infectés de World War Z, la superproduction de Marc Foster avec Brad Pitt, et que vous vous êtes pris un uppercut ferroviaire avec le claustrophobique et renversant Snowpiercer – Le Transperceneige du compère sud-coréen Bong Joon-ho, alors il est évident que la formule devait fonctionner. Mais le construction caricaturale du scénario est la variable qui empêche l’équation de tenir la route. Tout n’est pourtant pas à jeter puisque si la naïveté des situations et les stéréotypes défilent à la pelle, il faut reconnaître que Dernier Train pour Busan épate par la rage violente qui anime ces zombies et les fait courir à toute allure, loin de ceux de La Nuit des Morts Vivants (George A. Romero, 1968) mais plus proches de ceux de L’Armée des Morts (Zack Snyder, 2004). Cela donne lieu à quelques impressionnantes séquences d’invasion et de course-poursuite à l’instar de World War Z. Le cinéaste Sang-Ho Yeon utilise avec simplicité et efficacité tous les codes ferroviaires de l’espace fermé dans lequel il pose sa caméra pour redonner un coup de jeune à un genre maintes fois rabattu et pour lequel on a désormais tout vu. La réalisation fait preuve d’une incroyable maîtrise visuelle en termes de découpage et de fluidité, ce qui rend l’ensemble souvent dynamique. Si dans Snowpiercer, le train était une métaphore de l’échelle sociale, dans Dernier Train pour Busan, il est une allégorie du refuge qui révèle les véritables caractères des gens. C’est ainsi que le cinéaste coréen dénonce l’individualisme d’un pays où chacun des passagers pense avant tout à son intérêt, prêt à sacrifier les autres. Cette situation exceptionnelle sera donc le parcours vers la rédemption pour le héros du film (un père qui tente de renouer le contact avec sa fille) qui va devoir mettre sa personne de côté et réapprendre à s’ouvrir aux autres. Pour le cinéaste, l’invasion est donc le point de départ pour décrire un monde déshumanisé, corrompu par le capitalisme, où l’intérêt passe avant l’humain. La métaphore sociale aurait sans doute été appréciée si elle n’avait pas été aussi peu subtile.

Car s’il arrive à tenir son rythme de croisière qui ne faiblit jamais, Dernier Train pour Busan oublie de maîtriser son sujet, de ne pas empiler les clichés à la pelles et de rendre le train aussi terrifiant que ce qu’il se déroule à l’extérieur. Le problème du film vient alors de son manque total d’originalité et de son classicisme déprimant. Le film enfonce des portes et rend la situation aussi caricaturale que prévisible. Avec ce père et sa fille qui n’arrivent plus à communiquer, forcés de devoir affronter l’insurmontable et de réapprendre à s’aimer, on roule souvent des yeux devant la naïveté d’une relation artificielle pour laquelle on a du mal à éprouver de l’affection. Dans ce sens, Dernier Train pour Busan témoigne d’un pathos écrasant dont on ne sait pas si le réalisateur avait conscience de la lourdeur de son propos. Il ne lésine jamais sur les moyens de sortir les violons dans les moments dramatiques ou de pousser constamment les gens aux sacrifices. C’est regrettable alors que le propos soit appuyé par la lourdeur des personnages, tous aux caractères bien distincts et auxquels il est malheureusement difficile de s’identifier, empêchant toute empathie. Dernier Train pour Busan est un film qui se veut pluriel (drame, action, série B) mais qui, à force de ne jamais vraiment jouer dans une seule catégorie, échoue lamentablement tout ce qu’il entreprend. A aucun moment, il ne nous arrive d’être ému par les conflits des personnages, amusé par la folie des combats ou impressionné par l’action du film parce que le cinéaste s’étale entre tous ces genres sans jamais les développer.

Cela n’a pas empêché le film d’obtenir une (incompréhensible) standing ovation à Cannes, et de faire un carton en Corée du Sud, où il a engrangé plus de dix millions d’entrées, soit le plus gros succès de l’année dans le pays. Mais World War Z, avec tous les défauts qu’on lui connaît, n’avait-il pas également été un carton international (plus d’un demi milliards de recettes) ? Pas sûr que le style coréen ne plaise autant en Occident mais vu le succès qui précède l’arrivée du film dans l’hexagone, et la popularité toujours aussi forte des zombies (coucou The Walking Dead !), on peut difficilement nier que les zombies ne vont pas encore squatter quelques temps les salles de cinéma. Malheureusement avec son incapacité à dépoussiérer un genre usé jusqu’à la moelle, Dernier Train pour Busan n’en reste pas moins un film à oublier très vite.

Dernier train pour Busan : Bande-annonce

Dernier train pour Busan : Fiche Technique

Titre original :  부산행 (Busanhaeng)
Réalisation : Sang-Ho Yeon
Scénario : Sang-Ho Yeon
Interprétation : Gong Yoo (Seok-woo), Kim Soo-Ahn (Su-an), Yu-mi Jeong (Sung-kyung), Dong-seok Ma (Sang-Hwa)
Photographie : Lee Hyung-deok
Décors : Lee Mok-won
Montage : Yang Jin-mo
Musique : Jang Yeong-gyoo
Producteurs : Lee Dong-ha
Sociétés de Production : Red Peter Films
Distributeur : ARP Sélection
Festival et Récompenses : Séances de minuit du Festival de Cannes 2016
Genre : Action, fantastique
Durée : 118 minutes
Sortie en salles : 17 août 2016

Corée du Sud – 2016

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