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Suicide Squad : Coupe, Montage chaotique, l’échec de l’été 2016 ?

Synopsis : Avec la mort de Superman, Amanda Waller craint l’apparition du prochain méta-humain qui pourrait attaquer l’humanité. Pour prévenir cette possibilité, elle fait adopter le projet Task Force X, visant à utiliser des criminels aux capacités hors-normes pour répondre aux menaces de façon non officielle, et elle a déjà plusieurs noms sur sa liste, comme le tireur d’élite Floyd Lawton « Deadshot », la psychopathe Harley Quinn ou le tueur monstrueux Waylon Jones « Killer Croc ». Alors qu’une force surnaturelle se réveille, Waller appelle le colonel Rick Flag pour prendre le commandement des opérations.

Le monstre de la Warner

La campagne promotionnelle de Suicide Squad était ce qu’on pouvait qualifier d’éreintante. Il ne fait aucun doute que la Warner misait gros sur ce projet qui se devait d’asseoir définitivement la direction artistique que prendrait le DCEU (DC Extended Universe). Alors que la communication était accentuée sur des films de cinéastes, où les réalisateurs devaient tout simplement avoir carte blanche sur leurs œuvres, les choses semblent être bien différentes en coulisses. Reshots imposés par la production, rumeurs sur un changement de ton qui se veut plus léger avec ajouts de touches d’humours suite aux mauvais retours de Batman v Superman etc. Les quelques semaines qui séparaient la sortie faisaient craindre le pire malgré un discours qui se voulait rassurant de la part de la Warner. Non, un changement de direction n’a jamais été à l’ordre du jour. Mais force est de constater que le spectateur à été floué, pris pour un idiot et continue à l’être pendant que tout le monde ayant travaillé sur le film continue à dire que tout va bien dans le meilleur des mondes malgré un film qui est le reflet de sa production chaotique et tout un tas d’informations concrètes qui nous indiquent que l’on a une oeuvre différente de ce qu’elle a été initialement pensée. Pour preuve, on prendra l’excellent article du Hollywood Reporter qui révèle les coulisses de la production, les affirmations de Jared Leto qui indique que beaucoup de ses scènes ont été enlevées de la version finale ainsi que la description plausible du montage initial qui est apparu il y a peu. Tout indique qu’on aurait dû avoir un meilleur film que ce que l’on a eu, car oui Suicide Squad est une déception, Warner ayant perdu son sens froid et changé de direction au dernier moment, ce qui sacrifia le film de Ayer au profit d’un produit mal conçu qui se veut fun et subversif mais qui n’est que poudre aux yeux pour cacher le fait que l’on est face à une oeuvre terriblement classique.

Cependant tout ici ne peut pas être reproché aux erreurs de montage. Même si elles n’arrangent évidemment rien, il faut reconnaître que David Ayer déçoit aussi dans l’écriture de ses personnages. Il ne s’est jamais imposé par sa finesse en tant que cinéaste mais c’est ce qui faisait de lui l’homme de la situation, c’est dans son style bourrin qu’il trouve toute sa fulgurance et qu’il parvient à brosser le portrait de personnages borderlines avec une rare justesse. Surtout qu’il pouvait trouver ici le moyen de briller dans le film de groupe, genre qu’il explore depuis peu avec plus ou moins de réussite – dans Sabotage il avait du mal à gérer la cohésion d’équipe mais il s’améliorait avec son Fury – et qui se devait ici d’être son apothéose. Là, il choisit la facilité, celle de former des duos plutôt que s’intéresser à tout ses personnages. Il brille lorsqu’il met en relations deux personnages avec des personnalités différentes, c’est même le cœur de sa filmographie, il suffit de voir End of Watch pour voir avec quelle aisance il gère le buddy movie. On retrouve ça par petites touches ici, à travers la confiance qui se créée entre Deadshot et Harley Quinn, la relation conflictuelle entre Rick Flag et Amanda Waller ou encore à travers le personnage de El Diablo. Il essaye de rendre authentiques ses personnages, de les amener à être moins manichéens mais par la même occasion il dénature ses intentions, ils n’ont plus rien des méchants qu’ils sont supposés être et deviennent des héros lambda et inintéressants. L’histoire de Deadshot qui se rêve en bon père de famille tout comme la backstory et les motivations de El Diablo sont de banals récits de rédemption, qui accumulent beaucoup de pathos et qui tombent dans un classicisme que le film aurait pourtant aimé éviter. Le film se fait plus pertinent quand il explore la psyché de Harley Quinn, le personnage étant illogique dans ses réactions mais est le parfait reflet de sa folie débordante. Elle ne rentre dans aucun moule et arrive à être fidèle à sa représentation dans le comics tout en s’y imposant en marge, le personnage trouvant une dimension psychologique plus profonde et bienvenue dans ses discours parfois méta qui prouvent que derrière sa folie, elle reste consciente du monde qui l’entoure et décide d’en être une satire.

C’est dans sa relation avec le Joker que celle-ci se voit au final limitée. D’abord parce que la relation est édulcorée au possible par rapport à ce qu’elle aurait mérité d’être – si on se fie à la description du montage initial – tandis que le rôle du Joker est totalement sacrifié. Il n’est réduit qu’à un intérêt romantique qui apparaît dans le récit sans raisons valables et qui n’est pas assez développé pour qu’on puisse se faire une quelconque idée sur sa personnalité. Il est un personnage fonction qui sert de backstory a Harley Quinn et il n’a ni l’envergure ni l’aura fascinant qui nous à tant fait aimer le personnage par le passé. C’est quelque chose qui transparaît aussi à travers la performance de Jared Leto qui oscille entre le pur génie et le cabotinage incontrôlé. Il est clair qu’il a compris l’essence du personnage et qu’il en joue habilement mais c’est là que les problèmes de montage rentrent en jeu. Il est réduit dans cette version à des scènes beaucoup trop cut pour s’imposer dans le temps et marquer une scène. Ses apparitions sont bien trop furtives, alors que dans des scènes comme la torture de Harley Quinn ou celle où il tente d’intimider quelqu’un – la fameuse phrase « I can’t wait to show you my toys » présente dans de nombreuses bandes annonces n’est même pas là -, le film gagnerait à prendre son temps pour instaurer un vrai sentiment de malaise et rendre son Joker mémorable. Pour le moment, on attendra une de ses prochaines apparitions pour voir s’il est convaincant ou pas. Ce traitement chaotique touche au final tous les personnages, notamment dans leur introduction laborieuse lors des 20 premières minutes qui délaissent toute fluidité pour un montage clipesque de mauvais goût alourdi par une surcharge sonore agaçante, le film enchaînant les musiques comme un juke-box. La plupart des échanges entre les protagonistes, leurs personnalités et même l’humour que certains sont censés amener, tout ça se voit chambouler par un montage désastreux qui cherche le fun sans parvenir à le trouver et c’est d’autant plus décevant car, par moments, on aperçoit vraiment l’efficacité dans la dynamique du Suicide Squad qui dessine le contour d’un film guerrier attachant qui évolue dans un univers gangta authentique et plutôt bien retranscrit.

On ressent bien la patte de Ayer à travers cet univers, notamment dans le deuxième acte – le plus réussi -, qui dévoile les bases d’un film solide et prenant mais qui se voit étouffer par une envie du studio d’être une « Marvel machine », chose totalement en marge des intentions du cinéaste. Celui-ci lorgne plus vers le cinéma de Peckinpah et aurait aimé s’imposer en film d’action old school qui renvoie aux meilleurs des séries B des années 80. C’est quelque chose qui se ressent assez lorsque le Squad est bloqué dans la ville, la mission ne s’étalant que sur une nuit et la mise en situation rappellerait presque un bon vieux film de zombies ou même un New York 1997. Il y a de vraies intentions de réalisation et une mise en scène efficace lors de ce long passage qui se montre énergique mais qui sait aussi prendre le temps de respirer, chose qui manque au reste du film. On est clairement avec ce deuxième acte dans le film que voulait faire Ayer – jusque dans le score musical plus posé et inspiré de Steven Price qui prend le pas sur les morceaux pop – mais il est pris entre un début laborieux, qui sort tout droit d’un mauvais clip de rap malgré une ou deux scènes plutôt bien emballées, et un climax insignifiant et visuellement assez laid dans son abattage d’effets spéciaux mal finis. Surtout que le climax est globalement illisible en raison d’un sens du cadrage assez aléatoire notamment dans une partie qui se passe sous l’eau qui est incompréhensible ou encore faute à un montage bien trop rapide. L’autre problème de cette fin c’est aussi qu’elle est limitée par un méchant tout bonnement ridicule. Non seulement il n’est pas aidé par la mauvaise prestation de Cara Delevingne mais en plus le personnage est délaissé par un script qui n’est ni capable de correctement dévoiler ses motivations ni créer d’enjeux autour de ce qu’il représente. Sa relation avec Rick Flag, joué par un Joel Kinnaman inexpressif, n’est pas autant mise en avant qu’elle aurait dû être, ce qui laisse le développement romantique totalement accessoire alors qu’il aurait dû servir de moteur dramatique. Ici, même si cela avait été l’intention de base, le peu de place laissée aux deux personnages ne permet pas à la sous-intrigue qui les concerne d’avoir l’envergure qu’elle devrait. De manière générale c’est tout le background émotionnel qui est laissé de côté pour pouvoir mettre plus en avant Will Smith et Margot Robbie, les deux seuls à avoir des personnages qui évoluent. C’est surtout dû à cette version, qui mise tout sur ses deux plus grandes stars pour emmener le spectateur et il faut reconnaître que cela fonctionne par moments. Margot Robbie est excellente campant une Harley Quinn sensationnelle et plus nuancée qu’on aurait pu le croire, et Will Smith, même si il ne chamboule pas son registre de jeu, convainc en prenant vraiment plaisir à être là nous renvoyant par moments à ses meilleures rôles des années 90.

Suicide Squad est donc un film victime de son montage, qui est incapable de lui faire honneur. Même si le film a des défauts qui lui sont propres, notamment un méchant ridicule, des dialogues parfois un peu faibles et des personnages pas aussi borderlines qu’ils le devraient, il faut reconnaître que c’est dans son montage qu’il déçoit le plus. Le classicisme de l’oeuvre étant imputable à l’écriture de Ayer qui joue la facilité et mise sur des clichés du genre super-héroïque mais la phase de montage est aussi une écriture du film, celle qui lui impose un rythme, une structure et c’est désolant de voir qu’ici cela a été pris à la légère. Le résultat est brouillon, incohérent et on se retrouve face à un produit mal fini qui manque de fluidité et sacrifie ses fulgurances par un manque de développement. On en vient donc à la conclusion qu’il est difficile de juger un film dont on n’a vu qu’un aperçu, ce montage de Suicide Squad n’étant qu’un ersatz de l’œuvre initial de David Ayer. On y entrevoit ses faiblesses dans son aspect trop sage mais aussi ses qualités dans son envie d’être un film guerrier avec du cœur et de la personnalité tout en ayant un casting attachant et en étant plutôt bien emballé. Peut être qu’une autre version du film, une qui serait plus poussée dans ses développements pourra faire exploser tout le potentiel de ce Suicide Squad, mais en l’état, même si tout n’est pas catastrophique et que le film est par moments vraiment efficace, on ne peut qu’être déçu. Le DCEU ne parvient donc toujours pas à consolider ses bases et trouver une direction précise. Les producteurs tâtonnent dans le noir et suivent le sillage de la concurrence Marvel – ici avec une scène post-générique inutile et des caméos mal amenés – tandis que les cinéastes se voient limités dans leurs visions pourtant géniales de leurs personnages qui pourraient vraiment transcender le catalogue DC.

Suicide Squad : Bande annonce

Suicide Squad : Fiche Technique

Réalisation : David Ayer
Scénario : David Ayer
Interprétation: Will Smith (Floyd Lawton/Deadshot), Margot Robbie ( Harleen Quinzel/Harley Quinn), Jared Leto (Joker), Joel Kinnaman (Rick Flag), Viola Davis (Amanda Waller), Cara Delevingne (Dr. June Moone/l’Enchantresse), Jai Courtney (Digger Harkness/Captain Boomerang)…
Image : Roman Vasyanov
Montage: John Gilroy
Musique: Steven Price
Costumes : Kate Hawley
Décor : Oliver Schol
Producteur : Charles Roven et Richard Suckle
Société de production : Warner Bros., Atlas Entertainment, DC Entertainment, Dune Entertainment et Lin Pictures
Distributeur : Warner Bros. France
Récompenses : Oscars 2017 du Meilleurs maquillages et coiffures pour Alessandro Bertolazzi, Giorgio Gregorini et Christopher Nelson
Durée : 123 minutes
Genre: Super-héros
Date de sortie : 3 août 2016

Etats-Unis – 2016

Ma vie de chat, une comédie animalière aussi banale qu’inoffensive dont le visionnage se justifie avant tout par l’aridité cinématographique de cette période estivale.

Synopsis : Tom Brand, un riche homme d’affaires new-yorkais, travaille sans relâche, quitte à négliger sa famille. Pour preuve, il a même failli oublier l’anniversaire de sa fillette… Pour se rattraper, il décide de lui offrir un chat et se rend dans une animalerie reculée, où il jette son dévolu sur Mister Fuzzypants. Il repart avec le félin sous le bras, mais c’est sans compter sur un drame de dernière minute : il est victime d’un terrible accident qui le plonge dans le coma.  C’est alors que son esprit passe dans le corps de Mister Fuzzypants ! Pour Tom, c’est le début d’une nouvelle vie : une vie de chat ! 

Ma vie de chat s’inscrit dans la lignée des « talking animals movies », genre essentiellement destiné aux enfants consistant à faire parler des animaux, dont la popularité a été forgée par des films comme Babe le cochon, Stuart Little, Le chihuahua de Beverly Hills ou encore Garfield. Ici, on se trouve face à un schéma plutôt classique, voire canonique, qui reprend le canevas narratif d’un conte initiatique en le revisitant mollement à la sauce moderne. Un homme d’affaires égoïste et mégalomane est victime d’une malédiction qui l’oblige à vivre dans le corps d’un chat, épreuve douloureuse qui va peu à peu entraîner chez le personnage une prise de conscience décisive. Il va se rapprocher de sa famille, réviser ses priorités, se rendre compte de la tristesse de sa fille en manque de figure paternelle, redécouvrir l’importance de l’amour qu’il porte à sa femme, et lever le voile sur un complot professionnel de grande ampleur orchestré par ses ennemis de toujours. En ce sens, l’histoire, naïve et gentillette, peut être envisagée comme un récit d’apprentissage pour enfants. Le long-métrage leur inculque des valeurs solides, comme l’amour, le partage, l’honnêteté, etc. Sur le fond, le message, certes très simple et lisible, reste valable et présente des vertus éducatives sympathiques. 

Ma vie de chat a pour ambition d’être résolument moderne. Mais, là où l’on s’attend à une slasptick comedy féline 2.0, on assiste en fait à un résultat plat et convenu aux gags paresseux qui ne parviennent pas à nous arracher un seul éclat de rire. Les répliques sont minimalistes et répétitives, les situations dans lesquelles le chat tente de prouver qu’il est humain ne sont pas suffisamment décalées pour être humoristiques, et la storyline verse carrément dans le déjà-vu un poil ringard. Amitié complice entre un enfant et un animal intelligent, aventures saugrenues et enjeux ultra-prévisibles sont les ingrédients basiques de ce long métrage qui louche vers les fictions familiales des 90’s un peu loufoques (du type Maman j’ai raté l’avion), mais sans parvenir à en reprendre l’inventivité. Reste alors un maigre contenu qui déçoit par ses stéréotypes intempestifs : entre la mère de famille oisive qui attend que son mari rentre à la maison en dépensant son argent, la fillette toute gentille victime d’une peste en puissance qu’on dirait directement sortie d’un cartoon, et ainsi de suite. Ajoutons à cela des décors kitsch à souhait et des effets spéciaux carrément douteux, et on obtient un film qui ne tient pas ses promesses et qui n’est pas à la hauteur des attentes.

Restent cependant quelques meubles à sauver. D’une part, le concept amusant offre un minimum de divertissement : c’est toujours drôle de voir une bestiole parler, en tout cas les cinq premières minutes. Quand on est enfant, et donc moins exigeant, on s’amuse de voir un petit chat dans des postures insolites, et la confrontation de deux univers radicalement opposés (animaux domestiques VS monde des affaires) engendre un décalage comique qui marche toujours chez les plus jeunes. Le parallèle est efficace : le monde de l’enfance se confronte à celui des adultes, deux visions s’opposent, et des morales en sont tirées. D’autre part, les acteurs qui servent cette fable enfantine jouissent d’une renommée solide et s’imposent comme des têtes d’affiches convaincantes qui attirent forcément le chaland, entre un Kevin Spacey charismatique en avatar de Trump et un Christopher Walken toujours aussi allumé qu’on apprécie de retrouver dans un rôle farfelu qui lui laisse tout loisir de cabotiner : ça fait toujours plaisir !

En bref, Ma vie de chat avait matière à s’imposer comme un divertissement familial de qualité, drôle et moderne, servi par un casting de choix. Mais face à l’absence d’humour, l’histoire banale et désuète, les messages simplets et l’intrigue aussi minimaliste que prévisible, on ne peut que constater l’échec d’un projet qui sur le papier avait beaucoup à offrir mais qui à l’écran déçoit et ennuie. Sans être non plus un ratage total, cette comédie animalière potable passe le temps mais s’oublie aussitôt. 

Ma vie de chat : Bande annonce

Ma vie de chat : Fiche technique

Titre original : Nine Lives
Réalisation : Barry Sonnenfeld
Scénario : Dan Antoniazzi et Ben Shiffrin
Interprétation : Kevin Spacey, Jennifer Garner, Christopher Walken, Robbie Amel, Malina Weissman…
Photographie : Karl Walter Lindenlaub
Décors : Michael Wylie
Musique :  Evgueni Galperine et Sacha Galperine
Durée : 87 min
Genre : Comédie animalière, fantastique
Date de sortie en France : 3 août 2016

France, Chine – 2016

Bad Moms voilà qu’en deux mots, le LA est donné, et on connaît la chanson. Bad Moms serait selon son intitulé une comédie suivant les aventures hilarantes de mères de famille qui ne veulent plus faire dans le politiquement correct. Du déjà vu me diriez-vous ?

Synopsis : En apparence, Amy a une vie parfaite : un mariage heureux, de beaux enfants et une carrière qui décolle. En réalité, elle se met tellement la pression pour être au top sur tous les fronts, qu’elle est sur le point de craquer. Au bout du rouleau, elle trouve comme alliées deux autres mères épuisées elles aussi par le stress des règles imposées par Gwendolyn, la toute puissante présidente des parents d’élèves. Ces trois nouvelles meilleures amies se lancent dans une folle virée en quête de fun et de détente, loin de leurs responsabilités conventionnelles de mères de famille. Ce qui a tendance à crisper le clan de Gwendoline et ses mères parfaites…

Bad Moms une comédie sympathique qui rend hommage aux mères

Et bah, oui comme en atteste les deux cerveaux derrière cette comédie, à savoir Jon Lucas et Scott Moore, que les plus assidus reconnaîtront comme étant les scénaristes du légendaire Very Bad Trip. Avec Bad Moms, Jon Lucas et Scott Moore réalisent leur seconde production après la comédie dramatique 21 & Over. Ainsi, en recyclant la démence des trublions de Very Bad Trip, Bad Moms annonce la couleur dès ses premières minutes : il s’agira d’une comédie dont le livre de recettes est sorti tout droit des fonds de tiroirs des sacripants, Lucas et Moore.

Toutefois, il est à se demander si la dernière comédie de l’été n’est tout simplement pas victime de son temps. En effet, Bad Moms dépeint, non sans justesse mais en toute légèreté, l’histoire décadente de mères qui s’adonnent à une vie de débauche et de rébellion, dans un souci de plénitude de leur crise existentielle. Des bad moms pures et dures qui n’ont rien à envier aux incontrôlables Bad Teacher, Bad Grandpa ou Bad Santa qui nourrissent la machine hollywoodienne et font grincer par la même occasion les amateurs de comédie dans un very bad trip du rire.

Le script, oisif à souhait, se repose donc sur des clichés et des personnages sans véritable fond. On a tout d’abord Amy (jouée par Mila Kunis), qui est la protagoniste la plus développée. Elle est la figure maternelle à laquelle le public peut s’identifier dans le film. Sympathique, les pieds sur terre, Amy jongle entre son travail à mi-temps et sa vie domestique (enfants, mari, entretien de la maison, courses, et autres activités extra parentales -association des parents d’élèves-). Mila Kunis qui n’en est pas à ses premiers essais comiques (That 70’s show, Sexe entre amis, Ted…), reste relativement crédible dans son rôle de super maman de deux enfants.

Cantonnées au second plan, la douce et naïve femme soumise, Kiki (Kristen Bell), et la mère célibataire aguichante, Carla (Kathryn Hahn), plongent elles aussi dans la bouillie de stéréotypes qui remplit ce long métrage, où chaque personnage se voit doté de traits de caractère amplifiés. On pense là encore au vil personnage de Gwendolyn (Christina Applegate) et à ses sbires, Stacy (Jada Pinkett Smith) et Vicky (Annie Mumolo).

Une parfaite dichotomie entre d’une part Amy, Kiki et Carla, et d’une autre part Gwendolyn, Stacy et Vicky, qui malheureusement ne relève pas le manque de profondeur et l’absurdité de certaines scènes. Or, des thèmes intéressants sont à noter dans cette satire. Par exemple, l’image de la femme parfaite, de la mère parfaite qui est écornée et même jetée par la fenêtre. Relax, Take it easy, semblent murmurer Lucas et Moore à l’oreille de ses héroïnes au bord de la névrose. Mais ce même message est rapidement parasité par la manière décadente avec laquelle ces gentilles mamans font face à leur crise existentielle (boire de l’alcool, manquer le travail, vandaliser un magasin…). On n’oubliera pas la scène bacchanale de la fête tenue chez Amy où l’alcool coula à flot... jusqu’à 23h tapante. La raison ne serait donc pas totalement perdue chez ces femmes dévergondées.

Et si certains se demandent s’il est nécessaire pour ces mamans de passer par cet excès de folie pour s’imposer et se laisser aller, ils trouveraient réponse dans l’enchantement inavoué que procure la bonne alchimie entre Kunis, Bell et Hahn qui réussissent tant bien que mal à vendre la notion de camaraderie et de solidarité entre amies.

Une mention spéciale est à faire à la délicieuse Kathryn Hahn (Happy-ish, Afternoon Delight, Transparent), véritable carte joker du film. Cette dernière qui s’est illustrée ces dernières années dans un bon nombre de comédies aura illuminé chacune de ses scènes par ses répliques, son jeu d’actrice, son tout.

Véritable remède contre la morosité de ce monde en ces temps difficiles, Bad Moms scandalise par son absurdité et fait gentiment sourire qui décide de ne pas y voir autre chose qu’une comédie.

Bad Moms : Bande Annonce

Bad Moms : Fiche Technique

Réalisation : Jon Lucas et Scott Moore
Scénario : Jon Lucas et Scott Moore
Interprétation : Mila Kunis, Kathryn Hahn, Kristen Bell, Christina Applegate, Jada Pinkett Smith, Annie Mumolo, Emjay Anthony, Jay Hernandez, Oona Laurence
Décors : Marcia Hinds
Costumes : Julia Caston
Photographie : Jim Denault
Montage : Jeff Freeman
Musique : Christopher Lennertz
Production : Bill Block et Suzanne Todd
Sociétés de production : Block Entertainment et STX Entertainment
Sociétés de distribution : Metropolitan FilmExport
Budget : 20 000 000 $
Langue originale : Anglais
Format : couleur – son Dolby Digital
Genre : Comédie
Durée : 100 minutes
Dates de sortie : France : 03 août 2016

Etats-Unis – 2016

Adaptation de la pièce de théâtre Elephant Song écrite par Nicolas Billon en 2003, qui a écrit lui-même le scénario du film et qui lui vaudra le prix de la meilleure adaptation au Canadian Screen Award 2015, le film éponyme réalisé par Charles Binamé entraîne le spectateur dans un thriller psychologique brillamment mené par Bruce Greenwood dans le rôle du docteur Green, psychiatre bienveillant et un Xavier Dolan au top de sa forme en manipulateur ingénieux. Les deux hommes nous plongent dans un face à face prenant et inquiétant, coincés entre quatre murs.

Synopsis : À la veille de Noël, la disparition soudaine du docteur Lawrence provoque une onde de choc dans l’institution psychiatrique où il exerce. Le docteur Green, directeur de l’établissement, entreprend alors de questionner Michael, un jeune homme en traitement qui est le dernier à avoir vu le médecin. Malgré l’avertissement de l’infirmière en chef qui connaît mieux que quiconque le patient, celui-ci entraîne Green dans un jeu psychologique qui le trouble profondément.

Entre les murs

Seulement voilà, si l’aspect huis-clos de l’oeuvre est parfaitement maitrisé, le film souffre d’une volonté de se démarquer de la pièce de théâtre lors de son adaptation sur grand écran. L’intrigue, idéalement pensée pour se dérouler dans un espace réduit, perd en consistance lorsque le réalisateur se sent obligé de nous balader dans la cafétéria de l’hôpital, dans des scènes qui n’ont pas grand intérêt, et de nous de faire voyager d’une temporalité à une autre, alors que l’intrigue aurait gagné à se focaliser sur l’échange entre Michael et le psychiatre. La révélation finale n’en aurait été que renforcée. Le sentiment de claustrophobie s’évapore peu à peu et avec lui l’intensité du récit de Michael. Constamment dérangée par des péripéties extérieures qui n’en sont pas réellement (centrées principalement sur la vie de famille du psychiatre), la confrontation entre le médecin et le patient perd en intimité. Les éléments abordés ne sont pas exploités et ne servent en rien la narration, au contraire, ils ne font que nous en éloigner, ayant pour conséquence de nous détacher de l’essentiel.

Les personnages secondaires introduits au début du film, comme la femme (Carie-Anne Moss) et la nièce du docteur Green, ne sont là que dans le but de donner de l’épaisseur au personnage, manœuvre inutile et qui se tire une balle dans le pied puisqu’elle raisonne comme un écho à ce qui s’est déjà dit et laisse penser que les dialogues ne suffisent pas à donner de la profondeur aux personnages.

Quant à l’infirmière interprétée par la très juste Catherine Keener, Miss Peterson, son omniprésence laisse croire que son personnage aura de l’importance dans l’affaire de la disparition du docteur Lawrence ou dans la destinée de Michael, alors qu’il n’en est rien.

Un face à face déroutant

En ce qui concerne le jeu d’acteurs, il est impeccable. Xavier Dolan est étonnant en jeune homme perturbé et obsessionnel mais supérieurement intelligent et Bruce Greenwood est excellent pour lui donner la réplique, impartial et tendre à la fois. Le duo fonctionne parfaitement et parvient à fasciner autant qu’il peut, par moments, émouvoir. Le jeu du chat et de la souris qui s’installe dès leur rencontre est à la fois plaisant et glaçant, ne sachant jusqu’où chacun est capable d’aller pour obtenir ce qu’il veut; la vérité, pour l’un, la liberté pour l’autre. La relation entre les deux hommes se transforme petit à petit et ce qui était au départ un dialogue de sourd, débouche finalement sur une révélation poignante et déroutante.

Malheureusement, on ne comprend pas bien où le réalisateur veut en venir. Les twists nombreux qui font chauffer nos méninges pendant presque deux heures ne nous emmènent pas sur des pistes suffisamment solides, et nous voilà bien incapable lorsque sonne l’heure de la révélation, de faire le tri et de déceler le vrai du faux. 

J’ai encore tué ma mère

Les thèmes du film ne sont pas sans rappeler ceux si chers à l’acteur et réalisateur Xavier Dolan, la mort, l’homosexualité, l’amour-haine et la manipulation, que l’on retrouvaient déjà dans son premier film sorti en 2009, J’ai tué ma mère, dans lequel Hubert Minel (joué par Xavier Dolan) âgé de 17 ans, ne supporte pas sa mère.

Tantôt drôle, tantôt bouleversant mais toujours captivant, La Chanson de l’éléphant est un très bon thriller parfaitement interprété mais qui pêche dans sa réalisation qui manque parfois d’originalité et dans son scénario qui s’emmêle les pinceaux. Le film a tendance à s’éparpiller et aurait certainement beaucoup gagné en se contentant de conserver sa forme initiale de huis-clos.

La Chanson de l’éléphant : Bande annonce

La Chanson de l’éléphant : Fiche technique

Titre original : Elephant Song
Réalisation : Charles Binamé
Scénario : Nicolas Billon
Interprétation : Bruce Greenwood, Xavier Dolan, Catherine Keener, Carie-Anne Moss
Photographie : Pierre Gill
Décors : Chantel Carter
Musique : Patrice Dubuc et Gaëtan Gravel
Durée : 110 minutes
Genre : Thriller
Date de sortie en France : 3 août 2016

Canada – 2014

Auteur : Yael Calvo

Fun, chaotique et totalement barré, ce remake super-héroique des 12 Salopards est la preuve que DC Comics se détache de plus en plus de la concurrence proposée par Marvel. Et autant dire qu’on aime ça. Beaucoup même.

Synopsis : Face à une menace aussi énigmatique qu’invincible, l’agent secret Amanda Waller réunit une armada de crapules de la pire espèce. Armés jusqu’aux dents par le gouvernement, ces super-méchants s’embarquent alors pour une mission-suicide. Jusqu’au moment où ils comprennent qu’ils ont été sacrifiés. Vont-ils accepter leur sort ou se rebeller ?

Car oui, donner du crédit à des méchants dans un univers vouant une admiration sans borne pour les héros, les vrais, ça frisait la sortie de route assurée. Tout du moins décelait-on dans ce choix une volonté faussement subversive de jouer en profondeur l’antithèse de Marvel et donc revenir à des films dont la noirceur primait sur la niaiserie devenue caractéristique de la Maison à Idées. Et pourtant, comme souvent avec Warner, la réalité est un peu plus complexe qu’elle n’y parait. Ainsi, on se doutait qu’embaucher David Ayer, reconnu outre-Atlantique comme l’un des probables héritiers de Sam Peckinpah, n’était pas un acte isolé. Ex-sous-marinier pour le compte de la Navy, Ayer était un peu le simili Zack Snyder du projet aka la caution créative. Et un petit regard à son CV suffit de comprendre pourquoi le ricain de 48 ans s’imposait comme l’homme providentiel. Une écriture à la serpe, de la violence hard-boiled, de la camaraderie qui dégouline de l’écran et une tripotée d’histoires sentant bien bon la rédemption. Bref tout ce qu’un sujet de Suicide Squad pouvait s’enorgueillir de compter. Et comme bien d’autres, face à une campagne de promotion aussi agressive qu’enivrante, nous rappelant parfois l’alter ego maléfique de Gordon Gekko (Wall Street) nous susurrant à l’oreille « Bad is Good », on s’est mis à rêver. A fantasmer même avant sa sortie sur cette virée chez ces dingues ou frappés du bulbe (vous qui voyez), et qui, fort d’un contexte de marasme post BvS, incarnait l’espoir de DC Comics au cinéma.

Une relecture sous acide des 12 Salopards.

Mais d’emblée se posait un problème : comment susciter de la sympathie pour un ramassis de taulards pareils ? Car c’est bien gentil d’utiliser du Queen à outrance mais donner chair à un tueur à gage ou un dérangé aux boomerangs, ce n’était assurément pas une mince affaire. Heureusement, Ayer, en bon faiseur qu’il est, veille au grain. Ainsi, pas le temps de regarder sa montre que le bougre essaime déjà ses images de bon vieux hits des familles. Les Stones. The Animals. Tout respire les 70’s dans ce début, qui sujet oblige, renvoie illico au classique de Robert Aldrich, Les 12 Salopards. Et il y a de quoi. Même figure tyrannique (Amanda Waller), même équipe disparate (un fou de la gâchette, une figure du crime, un pyromane notoire, une cinglée) et même menace requérant les services de cette escouade. A la seule différence que le film saura s’appuyer sur l’un de ses (nombreux) atouts : sa lucidité. On saluera ainsi comme il se doit le travail de titan réalisé au début, permettant au film d’éviter les écueils type Gardiens de la Galaxie et d’affirmer son coté cool sans le transformer en un comique capilotracté somme toute gênant. De ce canevas, cool mais pas trop, Ayer enclenche alors la seconde. La ville est menacée par une entité que les soldats US ont, sans surprise, du mal à mater. Raison de plus pour envoyer la Task Force X, aka le joyeux nom donné à cet armada de crapules. D’équipe fantasmée, la team se mue en équipe bien réelle. L’occasion pour Ayer de faire montre de sa direction d’acteur et laisser libre cours aux frasques de Harley Quinn (impériale Margot Robbie) et Deadshot (Will Smith) qui brillent littéralement de leur présence, permettant d’oublier un moment la partition du Letoker, aka Mr.J, à la limite du risible et fanfaronnant comme jamais. A croire qu’Heath Ledger continuera de hanter longtemps les frasques pourpres du génie du crime de Gotham. Heureusement, ça sera peut-être la seule fausse note. Le reste, tel un métronome, garde le rythme. Humour graveleux, scénario retors, retournements nombreux, le film se plait à perturber son spectateur comme pour mieux lui rappeler, tel une bonne vieille mandale des familles, que méchant oblige, on n’est pas dans un délire de super-héros classiques. Non, ici quand les « héros » ont un coup de mou, ils vont au bar. Et tant pis si ça casse le rythme. Ça aura le mérite de faire crisser nombre de dentiers, mais la réalité est bel et bien là : Ayer, en vrai cinéaste qu’il est, a accouché dans la douleur d’un projet personnel. Pas question donc de le voir enfiler les vieux poncifs du genre ou le contraindre à une quelconque forme de diktat culturel. Une intention qui a au moins le mérite de faire sens au « Fuck Marvel » tenu par ses soins ; propos qui outre d’égratigner la maison à idées, illustre bien que le combat de DC se mène à rebours des attentes. Pas question donc de caresser dans le sens du poil le fan transi par l’excitation. Non ! éprouvons-le, faisons-lui affronter une nuée d’ennemis en CGI auxquels il ne se rattachera pas. Faisons lui accepter ce rythme goguenard, pédant par endroits mais sentant bien bon l’honnêteté et le travail bien fait. Une démarche suicidaire en somme. Mais pour un film de Suicide Squad, c’est normal non ?

Furibard, enlevé et carrément foutraque, Suicide Squad est la preuve que Warner est bel et bien en train de changer la donne dans le vivier super-héroique. Plus couillu que son homologue marvellien, le film est surtout l’occasion de voir les prémices d’un univers étendu où l’on se plait déjà à imaginer la suite de cet armada de crétin tueurs.

Suicide Squad : Bande-Annonce

Suicide Squad : Fiche Technique

Titre : Suicide Squad
Réalisation : David Ayer
Scénario : Justin Marks, David Ayer
Interprétation: Jared Leto (Le Joker), Margot Robbie (Dr Harleen Quinzel/Harley Quinn), Will Smith (Floyd Lawton / Deadshot), Joel Kinnaman (Rick Flagg), Viola Davis (Amanda Waller), Cara Delevingne (June Moore / L’Enchanteresse), Jai Courtney (Digger Harkness/Captain Boomerang), Adewale Akinnuoye-Agbaje (Waylon Jones/Killer Croc), Jay Hernandez (Chato Sandana/El Diablo), Karen Fukuhara (Tatsu Yamashiro/ Katana), Adam Beach (Christopher Weiss/ Slikpnot), Ben Affleck (Bruce Wayne/Batman), Ezra Miller (Barry Allen/The Flash), Scott Eastwood (Lieutenant « GQ » Edwards), Ike Barinholtz (Capitaine Griggs),
Décors : Oliver Schol
Costumes : Kate Hawley
Photographie : Roman Vasyanov
Montage : John Gilroy
Musique : Steven Price
Production : Richard Suckle, Charles Roven
Producteurs délégués : Zack Snyder, Deborah Snyder, Colin Wilson, Geoff Johns
Sociétés de production : Warner Bros., Atlas Entertainment, DC Entertainment, Dune Entertainment et Lin Pictures
Sociétés de distribution : Warner Bros. Pictures (États-Unis), Warner Bros. France (France)
Langue originale : anglais
Format : couleur
Budget : 225 000 000 $ (estimation)
Récompenses : Oscars 2017 du Meilleurs maquillages et coiffures pour Alessandro Bertolazzi, Giorgio Gregorini et Christopher Nelson
Genre : super-héros
Durée : 130 minutes
Date de sortie : 3 août 2016

Etats-Unis – 2016