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Avec Go Home, la réalisatrice Jihane Chouaib livre un long métrage très personnel qui pose des questions pertinentes sur l’identité de la jeune génération libanaise en perte de repères.

Synopsis : Nada a grandi à Beyrouth avec son frère, dans une belle maison. Elle garde de son enfance un souvenir ému, elle qui a dû quitter son pays pour la France alors qu’elle était encore fillette. Des années plus tard, elle retourne au Liban pour régler une affaire d’héritage et réalise que le paradis perdu qu’elle avait idéalisé n’est en fait qu’un champ de ruines marqué par les stigmates d’une guerre civile qu’elle a fuie. 

Go Home est un film personnel et ambitieux qui met en scène l’errance identitaire d’une jeune femme perdue, qui ne reconnaît pas son pays. Elevée à Beyrouth dans la joie et l’insouciance, Nada doit soudain quitter son paradis pour s’installer en France et échapper à la guerre civile qui fait rage au Liban. Alors forcément, lorsqu’elle revient dans sa maison de famille des années plus tard, elle ne se sent plus à sa place. Elle a oublié sa langue maternelle et peine à s’exprimer en arabe malgré sa volonté farouche de prouver qu’elle est légitime, qu’elle appartient à ce territoire meurtri. Mais veut-on vraiment d’elle au village ? Ignorée par ses anciens voisins, calomniée et très isolée, elle s’interroge sur ce qui lui vaut d’être ostracisée par ceux qui jadis étaient sa famille, ses amis, ses proches. Elle retrouve une maison en ruines, saccagée : a-t-elle été vandalisée par des ennemis, des clans rivaux ? Rapidement, elle est victime de chantage et d’intimidation de la part de résidents mystérieux qui taguent les murs de sa demeure décrépie : « Go Home ». Le message est clair : Nada n’est pas la bienvenue chez elle. Mais pourquoi tant d’hostilité ?

Ces questions aussi entêtantes qu’obsédantes habitent et hantent l’héroïne, qui, à l’image de sa vieille maison vide, est brisée, blessée par un pan de son histoire qu’elle ignore, troublée par une mémoire qui lui fait défaut. Qu’est-il advenu de son grand-père, mystérieusement disparu pendant la guerre ? A-t-il été assassiné ? Nada ne sait plus à quelle vérité se raccrocher, elle ne fait plus confiance à personne pour élucider un passé dont elle ne se souvient pas, et s’enlise dans une mélancolie destructrice. Recluse dans une pièce, elle se construit une petite cabane faite de bric et de broc pour se reconstituer une sorte de nid chaleureux et rassurant, et arpente les couloirs de cette bâtisse froide et sombre dont les murs semblent parfois saigner, suinter, comme si la douleur refoulée de tout un pays transpirait à travers les parois de cette maison témoin, symbole du drame identitaire de toute une nation, de toute une jeunesse.

Progressivement, l’incertitude et le doute envahissent l’héroïne, qui va entamer une quête ardue, se replonger dans son enfance et faire revivre des souvenirs. Lever le voile sur une vie tronquée, déblayer le jardin pour creuser, creuser et toujours creuser dans l’espoir de trouver quelque chose sous terre. A l’image de son cerveau et de son inconscient qui ont enterré une partie de son identité, le sol de sa maison a englouti des objets, des breloques qui sonnent comme des bribes de son passé, des fragments d’un vécu oublié, refoulé. Parfois très enfantine dans son comportement, cette jeune femme, qui se livre à une sorte de chasse au trésor au propre comme au figuré, va devoir traverser des moments éprouvants et se confronter à une réalité difficile pour finalement se réconcilier avec son pays, ses racines, et avec elle-même.

Malheureusement, ce film n’exploite pas suffisamment ses atouts et sonne creux, inabouti. Là où l’on aurait pu s’attendre à un drame rude et âpre – presque fantastique – habité par le mystère et l’étrangeté grâce à une maison fantomatique qui convoque les spectres d’une Histoire douloureuse, Jihane Chouaib ne parvient pas à nous transporter. Plat, aride et trop distancié, Go Home raconte une errance qui nous laisse tristement insensible et s’attarde sur des rites et des pratiques que l’on ne comprend pas. Très ancré dans la culture libanaise, son long métrage semble s’adresser à cette jeunesse perdue et déroutée plutôt qu’à un public occidental qui n’a jamais connu cette guerre, tragédie qui paraît très loin de nous. Il est donc difficile d’appréhender à sa juste valeur le contexte de Go Home et de comprendre les motivations des personnages, ce qui est dommage car on n’éprouve par conséquent peu d’empathie à l’égard des protagonistes, et toutes les interrogations qui restent en suspens ne nous captivent pas autant qu’elles l’auraient dû.

En somme, Go Home est une œuvre intime et personnelle qui signifie sans doute beaucoup pour sa réalisatrice mais qui nous laisse sur le bord de la route en raison d’un hermétisme émotionnel et d’une narration figée, marquée par la thématique d’un enfermement et d’un replis identitaire qui atteint rapidement ses limites. On se retrouve donc face à une belle tentative artistique et un objet cinématographique intéressant qui passe à côté de son potentiel.

Go Home : Bande-Annonce

Go Home : Fiche Technique

Titre original : Go Home
Réalisation : Jihane Chouaib
Scénario : Jihane Chouaib
Interprétation : Golshifteh Farahani (Nada) ; Wissam Fares (Chadi) ; Julia Kassar (Colette) ; Mireille Maalouf (tante Nour) ; François Nour (Jalal) ; Maximilien Seweryn (Sam)
Photographie : Tommaso Fiorilli
Costumes : Beatrice Harb
Montage : Ludo Troch
Musique : Béatrice Wick, Bachar Mar-Khalifé
Producteurs : Nathalie Trafford, Marie Besson, Alice Labbe Le Picard, Pierre Sarraf
Production : Né au Liban
Distribution : Paraiso Production Diffusion
Durée : 98 min
Langues : Français, Arabe, Anglais
Genre : Drame
Date de sortie : 7 décembre 2016

France-Liban-Suisse-Belgique – 2015

Réalisateur prolifique du cinéma français, Benoît Jacquot apporte une nouvelle adaptation à sa filmographie. Après Dostoïevski, Henry James ou encore Marivaux, c’est au tour de l’auteur fantasque Don DeLillo de passer à la moulinette du réalisateur français. A Jamais, malgré un résultat inégal, voit avant tout briller Julia Roy, véritable révélation du film et future étoile du cinéma français.

Synopsis: Laura et Rey vivent dans une maison au bord de la mer. Il est cinéaste, elle crée des « performances » dont elle est l’actrice. Rey meurt —accident, suicide ?—, la laissant seule dans cette maison. Mais bientôt, seule, elle ne l’est plus. Quelqu’un est là, c’est Rey, par et pour elle, comme un rêve plus long que la nuit, pour qu’elle survive.

Un film de genre inégal, bipolaire et complexe

Benoît Jacquot est un grand littéraire. Fervent adepte de romans et de philosophie, il considère l’adaptation comme un exercice libre, où le style de l’auteur et ses idées doivent primer sur la fidélité au support originel. Un point de vue pour le moins étonnant, quand on connaît la tendance des cinéastes à reproduire fidèlement les ouvrages qu’ils adaptent, mais pas dénué d’intérêts, puisque la notion d’adaptation trouve ici tout son sens. Cependant, si Dostoïevski ou Marivaux semblent accessibles pour la majorité des lecteurs, Don DeLillo, auteur fantasque contemporain, reste une autre affaire. Seul le grand David Cronenberg s’y est risqué, avec Cosmopolis, l’un des longs métrages les plus controversés et haïs du réalisateur. C’est donc la jeune actrice Julia Roy, aperçue brièvement dans Arrête ou je continue de Sophie Fillières, qui propose à Benoît Jacquot un script, adapté très librement de The Body Art de Don DeLillo. Si les thématiques restent fidèles à l’œuvre d’origine, le mot d’ordre reste la liberté dans l’adaptation, une absence de contraintes à la fois louable et préjudiciable. Divisé en deux parties bien distinctes, A Jamais dissocie aussi les genres dans cette bipolarité du récit. Benoît Jacquot n’arrive donc jamais à trouver l’équilibre entre film de genre à l’aura mystique et drame psychologique poignant, préférant allouer à chacune de ces parties le genre le plus pertinent. Cette division est malheureusement discutable, tant elle rend alambiqué un long métrage déjà complexe par l’œuvre originale qu’elle adapte. Malgré tout, on ne peut que saluer le soin apporté à la photographie ainsi qu’au cadrage, tout deux utilisés comme une arme efficace pour troubler le spectateur. Il n’en reste pas moins un constat inégal pour la réalisation, tantôt contemplative et maligne avec la présence de plan séquence envoutant et tantôt peu inspirée dans le traitement qu’elle dévoue au mysticisme du long métrage. Un bilan d’autant plus décevant, quand il contraste avec la réussite du scénario, prenant et déroutant, écrit intégralement par l’actrice Julia Roy.

Une adaptation libre et prenante, portée par Julia Roy, la révélation du film

Originaire d’Autriche, Julia Roy a débuté sa carrière d’actrice au théâtre dans des représentations de Shakespeare ou Tchekhov. Véritable révélation, elle porte le long métrage pour son premier grand rôle sur grand écran, arrivant même à effacer ses ainés tels que Matthieu Amalric ou Jeanne Balibar, prouvant son réel talent. Elle livre une performance habitée de Laura, personnage troublant et imprévisible, un rôle écrit avec maestria par son interprète. En effet, le film constitue en réalité sa réussite, une œuvre qu’elle a imaginée de bout en bout et qui constitue un succès aussi vif que réjouissant. Toujours prenant, tout en étant assez déroutant pour laisser place à l’interprétation, le scénario de Julia Roy émeut autant qu’il intrigue, rendant le récit empli de mysticisme. Ce même mystère se déployant tout au long de l’histoire, avec des rebondissements classiques mais efficaces, réussissant la prouesse de clarifier un ouvrage originel déroutant de complexité. Malgré sa facture conventionnelle, Julia Roy réussit pour sa première œuvre d’écriture à toucher à l’émotion tout en mêlant les genres au sein d’un seul et même long métrage. Une réussite qui réjouit avant tout par son caractère rare dans un premier scénario et parce qu’il s’agit là d’un film de genre, style de cinéma très intéressant et pourtant beaucoup trop sous-représenté dans le paysage cinématographique français. On pourra regretter un manque de justesse et de clarté, inhérent au livre de Don DeLillo et qui s’est révélé être une marche trop haute pour la jeune scénariste. Néanmoins, on retiendra des thématiques intéressantes, notamment celle de la passion amoureuse, au point de rompre psychologiquement, et l’influence de la condition d’artiste dans la vie de tous les jours. Julia Roy gagne donc son pari, celui d’adapter librement une œuvre complexe et trouble dans son récit, tout en sacralisant les thématiques qui lui étaient chères.

Ainsi, A Jamais constitue un exercice de style imparfait mais intéressant dans le genre sous-représenté du cinéma de genre. Malgré ses faiblesses de réalisation et de complexité, il consacre l’immense espoir de Julia Roy, interprète habitée et scénariste de talent. A Jamais reste donc un long métrage perclus de bonnes intentions et regorgeant de qualités, un film français honnête, troublant et prenant. De par ses thématiques, son ambiance et son récit, il constitue une réussite pour une adaptation de l’un des auteurs les plus mystérieux de notre génération.

A Jamais : Bande-annonce

L’Histoire de l’Amour : Fiche Technique

Titre original : A Jamais
Réalisation : Benoît Jacquot
Scénario : Benoît Jacquot et Julia Roy d’après le roman Body Art de Don DeLillo
Interprétation : Julia Roy (Laura), Matthieu Amalric (Rey), Jeanne Balibar (Isabelle)
Décors : Paula Szabo
Costumes : Raf Simons
Montage : Julia Gregory
Musique : Bruno Coulais
Production : Paulo Branco
Sociétés de production : Alfama Films Production et Leopardo Filmes
Sociétés de distribution : Alfama Films
Langue : français
Durée : 86 minutes
Genre : Drame, Fantastique
Dates de sortie : 7 décembre 2016

France, Portugal – 2016

Juan Bayona s’impose comme un raconteur d’histoires de talent grâce à son adaptation du roman Quelques minutes après minuit qui parlera à toutes les générations de spectateurs.

Synopsis : Le jeune Connor vit très mal de voir l’état de santé de sa mère s’aggraver jour après jour tandis qu’il est lui-même quotidiennement victime de violences scolaires. Pour échapper à cette vie déprimante, il s’échappe dans son imagination fleurissante, où un impressionnant monstre lui apprendra justement à accepter la dure réalité.

Quand le cinéma et l’imaginaire s’alimentent mutuellement

Après deux premiers films qui narraient respectivement la peur qu’inspirait un fantôme à de jeunes orphelins et le calvaire d’une famille prise au piège dans une catastrophe naturelle (L’orphelinat et The Impossible), on pouvait encore avoir du mal à cerner un fil conducteur dans la filmographie balbutiante de Juan Antonio Bayona. Son troisième film semble avoir été pensé comme une réponse à cette question tant le rapport entre la mort et l’enfance est clairement au cœur de sa fable fantastique. Il est certain que le célèbre livre pour enfants de Patrick Ness dont il est adapté possédait en lui une puissance cinématographique. Son histoire de géant moralisateur rappelle même directement le récent Le Bon Gros Géant de Steven Spielberg, tandis que le parcours du jeune héros vers une certaine maturité au contact d’un univers fantastique renvoie davantage au Labyrinthe de Pan de Guillermo Del Toro. Cette double comparaison n’est pas anodine : Del Toro fut le producteur du premier film de Bayona, tandis que Spielberg sera celui de son prochain film (Jurassic World 2 prévu pour l’an prochain). Autant dire que le jeune réalisateur marche dans les pas de ses mentors. La vraie question à se poser alors est de savoir si l’élève a dépassé ses maîtres.

Outre la suppression d’un personnage secondaire féminin qui n’aurait été qu’une sous-intrigue superficielle et l’ajout d’une scène finale particulièrement inutile, la principale différence entre le film et le roman initial est la place des dessins du jeune héros. Les esquisses à l’aquarelle qu’apprécient tant Connor sont utilisées par le réalisateur comme un moyen d’illustrer les histoires racontées par le monstre. Plutôt qu’opter pour un dispositif assimilable à celui d’un banal film à sketchs, Bayona a eu la brillante idée d’exploiter la dimension métafilmique de ces « fables dans la fable » grâce à des saynètes animées. Ainsi, ces histoires sont à la fois directement rattachées à l’imaginaire du jeune héros tout en apparaissant dans un visuel qui parlera aux spectateurs de son âge davantage que si elles étaient interprétées par des acteurs. La scène dans laquelle Connor regarde un film (en l’occurrence King Kong), qui aura au final une même place que ses souvenirs du monstre et de ses récits, nous mène à penser que, selon Bayona, quels que soient la forme et le support de l’histoire qu’on lui raconte, celle-ci forge la personnalité de l’enfant.  C’est ainsi que le lien entre les contes et le cinéma trouve une certaine résonance qui elle-même fait de Quelques Minutes après minuit un film bien plus intelligent qu’un banal conte de fées puéril.

Avec un lyrisme détaché de tout manichéisme, des personnages intelligemment développés et une envie de cinéma trop rares dans les films fantastiques estampillées « pour enfants », cette histoire d’arbre qui parle a tout ce qu’il faut pour rester dans les mémoires comme un modèle du genre.

Qu’il s’agisse des films qu’il voit ou qu’un monstre aux allures de Transformers en bois lui raconte, chaque fiction est un pas de plus dans l’émancipation du jeune public, et en particulier dans sa capacité à appréhender les moments les plus durs de la vie. Car là où la grande majorité des scénarios opposerait presque machinalement le héros de son âge à un ou des monstres, ici la menace n’est ni plus ni moins que la mort elle-même, assurant au récit une imparable portée universelle. C’est en l’occurrence le cancer incurable de la mère de Connor qui forme toute la charge mélodramatique du long-métrage. Fort heureusement, Bayona n’a pas réitéré le traitement poussivement tire-larme de son The Impossible. Le parti-pris de son écriture est au contraire de ne pas insister sur le drame à venir mais de laisser Connor le comprendre de lui-même et vivre mal d’être ainsi laissé dans un certain flou par des parents qui espèrent pourtant le protéger. Ce mensonge le ronge autant que la morale des histoires lyriques du Monstre lui sera salvatrice. La question que le film pose directement aux adultes est donc de savoir ce qu’il faut ou non raconter aux enfants. C’est justement parce qu’il s’adresse aussi bien aux petits qu’aux grands que Quelques minutes après minuit s’impose comme un film mature et malin, doublé d’une très belle initiation au 7^ème art pour les plus jeunes.

Pour en revenir à la comparaison à Spielberg et Del Toro, et au regard des récentes déceptions de ces deux derniers, on peut affirmer sans peine que Bayona rentre dans la cour des grands. Comme une preuve de son talent, on remarquera que ses choix de casting et sa direction d’acteurs sont tout bonnement excellents : Sigourney Weaver en grand-mère inflexible mais non moins touchante est juste parfaite et Felicity Jones est surprenante de sincérité dans le rôle de cette mère mourante. Liam Neeson s’est, pour la première de sa carrière, prêté à l’exercice de la motion capture et, grâce à une équipe en effets spéciaux des plus efficaces, a su donner vie à cet arbre humanoïde. Mais évidemment, la vraie révélation du film est le jeune Lewis MacDougall (déjà aperçu dans Pan) à qui l’on augure une carrière remarquable tant sa capacité à exprimer des émotions contradictoires est bluffante. Autant d’argument qui font de ce conte fantastique un très bon moment à passer en famille.

Quelques minutes après minuit : Bande-annonce

Quelques minutes après minuit : Fiche technique

Titre original : A Monster Calls
Réalisation : Juan Antonio Bayona
Scénario : Patrick Ness d’après son roman homonyme
Interprétation : Lewis MacDougall (Conor O’Malley), Liam Neeson (Le Monstre), Felicity Jones (la mère), Sigourney Weaver (la grand-mère), Toby Kebbell (le père)…
Photographie : Oscar Faura
Montage : Jaume Marti, Bernat Vilaplana
Direction artistique : Eugenio Caballero
Musique : Fernando Velázquez
Producteurs : Belén Atienza, Patrick Ness, Jeff Skoll, Bill Pohlad, Jonathan King…
Sociétés de production : River Road Entertainment, Participant Media, Lionsgate, Focus Features, Apaches Entertainment
Distribution : Metropolitan FilmExport
Durée : 108 minutes
Genre : Fantastique, drame
Date de sortie : 4 janvier 2017
Etats-Unis – 2016

Avec 3000 nuits, Mai Masri s’engage dans le conflit israélo-palestinien et filme la vie de prisonnières palestiniennes dans une geôle israélienne.

Synopsis : Années 80, la révolte gronde dans une prison israélienne, où sont détenues des prisonnières politiques palestiniennes. Layal, une jeune institutrice de Naplouse vient d’arriver, condamnée à 8 ans de prison pour un attentat dans lequel elle n’est pas impliquée. Elle s’habitue progressivement à l’univers carcéral. Mais Layal découvre qu’elle est enceinte. Envers et contre tous, elle décide de garder l’enfant.

La source des femmes

Layal est arrêtée et emprisonnée. Les raisons de son arrestation sont floues. On comprend qu’elles sont liées à un attentat, mais sa culpabilité est clairement remise en cause. La voilà bientôt seule au monde. Enfermée dans une cellule où elle subit la violence de ses co-détenues, elle perd bientôt espoir. C’est l’annonce de sa grossesse qui va progressivement lui faire remonter la pente. Paradoxalement, elle rejoint d’autres prisonnières moins haineuses mais toujours méfiantes. Elle y découvre des solidarités, des défaites, mais surtout la révolte. Sans nous rendre limpide le conflit israélo-palestinien, Mai Masri nous plonge dans un pan de l’histoire de ce conflit infini. Nous voilà pris au cœur d’un monde clos dont la caméra tente de d’extraire de l’espoir, de la lumière. Pourtant, la réalisatrice ne nous épargne pas la réalité, elle rappelle ainsi que près de 20% des Palestiniens ont été détenus dans des prisons israéliennes à un moment ou à un autre. La réalisatrice parvient peu à peu à nous faire oublier qui des détenues sont palestiniennes ou israéliennes pour nous rappeler avant tout à l’humanité. L’enfant qui naît est l’occasion de montrer que plus elle est isolée plus Layal trouve un moyen de rester forte, sereine, de s’évader par la pensée. La description du quotidien de cette prison est loin d’être morne, les personnages évoluent, se cherchent. C’est leur courage qui sera la cause de nombreuses libérations. Malgré les corps qui flanchent, la réalisatrice parvient à nous montrer comment ils résistent, même à terre.

34 jours

L’actrice principale développe un jeu intense, habité, porté par ce personnage fort, entraîné dans un quotidien inattendu. On devine en effet que cette femme mariée avait un tout autre destin entre ses mains. Elle se libère presque en prison des carcans qui auraient pu peser sur elle. Son enfant est le signe de cette libération. Élevé en prison les deux premières années de sa vie, il ne perd pas en vivacité, ni en connaissance du monde. Un petit oiseau de bois symbolise cette rencontre entre l’enfermement et la liberté. Son ombre projetée sur un mur est une belle image poétique. Les images sont en effet très fortes, le cadre extrêmement travaillé pour donner à voir des vies. On sent cet élan dans un film qui a été tourné en 34 jours. 3 000 nuits résumées en une heure et demie. 3 000 nuits, soit huit années de prison auxquelles Layal est condamnée.  Le passage du temps est très fluide, dû à un montage finement précis dans lequel seuls certains détails nous font comprendre que les mois ont filé. Ainsi, la réalisatrice choisit bien les moments de vie qu’elle filme, insistant sur les regards échangés, les manipulations, ce qui est vu, entendu. Certaines jouent un rôle, il devra être dévoilé. Les quatre murs des cellules deviennent des lieux de complots, de révoltes. A l’image d’Ombline, autre femme devenue mère en prison (mais dans des circonstances bien différentes), Layal est une femme qu’on n’oublie pas. 3 000 nuits est le premier film de Mai Masri à sortir en France, espérons qu’il soit l’occasion de la sortir de l’ombre (en 2007, elle a tourné 33 jours, un long métrage inconnu en France). Histoire de rendre hommage à une femme qui sait mettre les femmes dans la lumière, sans cacher leurs failles. La sensibilité du film est rare car elle s’attache à des gestes, des regards, sans nier la violence, la peur… Le conflit perdure, peut-être finalement que la vie aussi… Mais à quel prix ?

3 000 nuits : Bande annonce

3000 Nuits : Fiche Technique

Titre original : 3000 Nights
Réalisation : Mai Masri
Scénario : Mai Masri
Interprétation : Maisa Abd Elhadi, Nadira Omran, Raida Adon, Abir Haddad, Karim Saleh, Zaid Qoda’, Rakeen Saad, Anahid Fayad
Photographie : Gilles Porte
Montage : Michele Tyan
Décors : Hussein Baydoun
Musique : Sharif Sehnaoui
Producteurs : Mai Masri, Sabine Sidawi Hamdan, Charlotte Uzu
Sociétés de production : Nour Films, Orjouane Productions, Les Films d’ici
Distribution : JHR Films
Durée : 103 minutes
Genre : Drame
Date de sortie : 4 janvier 2017
Palestine/France – 2016