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Après leur Voyages en Italie, Jean-Phi et Sophie décident d’y retourner pour de nouvelles vacances, mais en Sardaigne cette fois, et avec leurs enfants : une fille de 12 ans, d’une précédente union de Sophie, et leur fils de 3 ans. Tout s’y déroule de la manière la plus ordinaire du monde, autrement dit de la manière la plus intéressante qui soit. Parce qu’elle ne triche pas avec cet ordinaire, parce qu’elle en reprend loyalement les formes, Letourneur réussit, encore une fois, à en manifester subtilement toute la complexité et la profondeur émouvante.

Les films de Sophie Letourneur suivent un rythme toujours à peu près semblable : un début cacophonique, des corps et des voix qui s’entremêlent, s’entrecoupent, des visages isolés par le montage, le tout saturé d’incommunicabilité, puis, généralement, non sans quelques retours ponctuels au chaos, les choses s’apaisent, s’éclaircissent, et de là émerge une certaine joie, toujours doublée en même temps d’une certaine mélancolie. Il est un peu pénible d’entrer, malgré l’humour, dans un film de Letourneur, tant les personnages semblent d’abord se manquer, ne pas se voir ni s’entendre. C’est que Letourneur filme des quotidiens, et que dans les quotidiens, il y a des hommes et des femmes quotidiens, entretenant des rapports quotidiens. Dans l’extraordinaire, on se regarde, on se parle en se regardant, on est requis par la situation, et cela donne naturellement de beaux champs/contre-champs bien ordonnés. Les champs/contre-champs de Sophie Letourneur sont souvent alambiqués, apparemment mal fichus, parce que le quotidien, c’est le lieu du laisser-aller, de la méprise et du lapsus, c’est-à-dire le lieu de la vérité et de la vie. Et ce que vient capter la réalisatrice, ce sont justement ces interstices de vérité brute affleurant de l’agitation lunaire du quotidien.

Un mot, un plan, un effet de montage, et tout est dit : la peur de vieillir de la mère, la solitude de la fille, la confirmation progressive, pour le père, que son couple est mort. Tout cela aurait pu se dire à travers de grandes tirades, jouées par d’anciens de la Comédie-Française tentant leur chance au cinéma. Ici, tout se dit comme dans la vraie vie, insensiblement, imperceptiblement, à bas bruit. Il suffit d’un long travelling de Philippe Katerine marchant dans une rue de Sardaigne, portant tout le poids invisible de sa sourde peine sur son dos légèrement voûté ; il suffit d’un agacement de l’adolescente devant le très jeune frère qui accapare toute l’attention des parents ; il suffit d’une main posée sur une cuisse froide, ou d’un conflit sur la logistique, pour révéler la profondeur de ce quotidien, ici quotidien de vacances, pas moins quotidien que l’autre au final, avec son schéma répétitif de plages, de glaces à l’eau et de canicules.

Le cinéma n’est jamais autant lui-même que dans cette façon de se saisir du tout-venant de l’existence pour mieux en exposer les inaperçus, les secrets. Le réel, c’est tout ce qu’on ne voit pas à force de le vivre. Ainsi, le cinéma prend-il en charge de reproduire, reconstituer, rejouer ce réel pour enfin le voir, et, en un sens, enfin le vivre. Dans l’Avventura d’Antonioni, son amant et sa meilleure amie recherchent une femme disparue. Chez Letourneur, ce qui a disparu, ce qui a toujours déjà disparu, c’est le réel, le moment vécu, et c’est au cinéma de le retrouver, de le restituer enfin dans toute sa richesse sensible, affective, symbolique. Il n’est de réel que revisiter par le plan et le montage, sans quoi les instants s’enchevêtrent sans s’écouter les uns les autres, telle une famille légèrement dysfonctionnelle en vacances. Le cinéma recolle les bouts, redéploie une unité et une totalité : rend la vue et la mémoire. Il n’est d’expérience que par le cinéma, car lui seul sait combien telle parole anodine, telle plaisanterie innocente transporte avec soi toute la trame cachée des événements. On n’a rien vu tant qu’on ne l’a pas revu.

Cette conviction, Letourneur en fait un procédé central de ses films, en particulier de ses deux derniers, dans lesquels on voit les personnages eux-mêmes s’employer à retracer les menus faits de leur existence. Mais on aurait tort de considérer ce procédé comme redondant. Entre l’événement vécu et l’événement raconté, il y a toute l’épaisseur de l’indicible. Et, par ailleurs, les moments de réminiscence familiale font encore pleinement partie de la vie. Ce qui est le plus émouvant sans doute, c’est, à travers ce procédé, de pouvoir apprécier ce rapport du dicible et de l’indicible, du factuel et du réel. Ces réminiscences sont assez scrupuleuses ; le détail le plus anodin y est consigné ; ce qui ne manque pas de créer un effet comique. Mais quand ces listes à la Prévert sont replacées dans l’élément vital, alors il apparaît avec une clarté inouïe à quel point rien n’est anodin, jamais.

Le personnage de Jean-Phi, le père, joué par Philippe Katerine, émet des doutes quant à l’intérêt de faire un film à partir de tous ces souvenirs, parce que, dit-il, « ça ne parle de rien ». Sa femme, jouée par Sophie Letourneur elle-même, lui répond qu’au contraire : « ça parle tout ». L’esthétique de Letourneur est comme tout entière contenue dans ce simple dialogue. C’est dans ses creux, dans ses vides apparents, que la vie est paradoxalement la plus dense. Comme pour enfoncer le clou, la cinéaste choisit de faire raconter, mais sans le montrer, le seul événement un peu aventureux du séjour, quand la famille, ayant oublié la clef de son logement, dut y entrer par effraction. La vraie aventure, semble-t-elle nous dire, n’est jamais celle que l’on raconte, car elle dévoile un sens trop lourd à assumer. On ne raconte que le prodige, car il est généralement superficiel.

On ne saisit sans doute pas suffisamment le niveau de sophistication des films de Letourneur. Tout y paraît, en effet, simple, prosaïque, d’une banalité presque humiliante, tant notre propre existence se reflète en elle un peu trop fidèlement. Mais à celui qui accepte ce dépouillement, qui vient au cinéma non pour rêver, mais pour voir, un amour renouvelé de la vie s’éveillera dans son cœur, un enchantement un peu triste, tout pénétré de la drôlerie et de la fragilité des choses.

L’Aventura : bande-annonce

L’Aventura : fiche technique

• Titre original : L’Aventura
• Réalisation : Sophie Letourneur
• Scénario : Sophie Letourneur et Laetitia Goffi
• Distribution : Philippe Katerine : Jean-Philippe ; Sophie Letourneur : Sophie ; Bérénice Vernet : Claudine ; Esteban Melero : Raoul
• Photographie : Jonathan Ricquebourg
• Son : Charlotte Comte, Carole Verner et Laure Arto
• Montage : Sophie Letourneur
• Production : Sophie Letourneur, Tristan Vaslot, Mathieu Verhaeghe et Thomas Verhaeghe
• Société de production : Tourne Films et Atelier de Production
• Société de distribution : Arizona Distribution
• Budget : 700 000 euros
• Pays de production : France
• Langue originale : français
• Durée : 100 minutes

Le Rire et le Couteau de Pedro Pinho surgit comme une onde tellurique dans le paysage cinématographique contemporain. Ce film-monstre de 3h31, sélectionné à Un Certain Regard, déploie une cartographie sensuelle et politique des corps en mouvement entre Portugal et Guinée-Bissau. À travers le périple de Sergio, ingénieur aux yeux grands ouverts sur l’altérité, Pinho compose une symphonie de chair et de paroles où chaque scène palpite d’une vitalité contagieuse. Entre érotisme des discours et critique postcoloniale, le réalisateur portugais invente rien moins qu’une nouvelle grammaire du réel – frémissante, odorante, électrique. Un film-monde qui, comme son titre l’annonce, caresse et entaille avec une égale générosité.

Dans un film polyphonique intitulé Le Rire et le Couteau, inclassable, mêlant érotisme de la parole et critique de nos conforts des Blancs postcolonialistes, Pedro Pinho crée un film-vie, une œuvre-monde fébrile et labile de 3h31. Un dépaysement face à nos étroites catégories d’Occidentaux privilégiés. Le Rire et le Couteau déplace en nous des perspectives, remanie des certitudes, bouscule des territoires autant qu’il sidère et captive.

Un univers à l’image de son titre

Le Rire et le Couteau ressemble à son titre. Un univers palpitant, déroutant et troublant. Contradictoire et généreux. Éclatant et tranchant. Pénétré d’ailleurs, de chaleur, de torpeur, de sueur, d’odeurs, de ventilateurs, de géographies, d’altérités et de décentrements.

Un ingénieur portugais, Sergio (Sergio Coragem, remarquable), de caractère ouvert, plutôt indolent, perméable et disponible à l’imprévisibilité, voyage en Guinée-Bissau pour vérifier la faisabilité d’une route entre désert et forêt. À partir de cette trame narrative et à travers les yeux toujours attentifs, (faussement ?) candides et curieux de Sergio, Pedro Pinho livre un récit qui procède par prolifération et fièvre, foisonnement de rencontres et éruptions dansantes.

Une réalité frémissante

Immédiatement, ce qui happe le regard de Sergio comme celui du spectateur, c’est l’extrême réalité que le film capte, une réalité jamais vue, jamais filmée de cette manière, frémissante et sensuelle. Une vie pulsatile, jaillissante, proche et lointaine, étrange et étrangère, épuisée et enfiévrée. C’est là le cœur du film, qui bouscule toutes les normes narratives et insuffle du vivant, du mouvant, de l’aventure.

L’aventure du vivant : la vie mène la danse, la caméra poursuit

Le credo de Pedro Pinho pour filmer est : La vie se déploie, la caméra poursuit. Et c’est exactement ce que l’on ressent dans cet entretien infini des métamorphoses que la caméra enchevêtre et prolonge.

Peu importe presque l’histoire avec son fil narratif conventionnel, ce qui pousse ici Pedro Pinho à filmer, c’est autre chose : les regards qui se fondent en rencontres possibles, les cultures et les sangs qui se jaugent, les scènes de sexe comme modes de circulations et discours qui abolissent furtivement les anciennes aliénations, les vies modestes et joyeuses affairées à ce qui les mène du côté de la fête, de l’euphorie et du désir.

Érotique des discours : musicalité cassavetienne des scènes

Et puis, dans cette énergie vitale bruissante, Le Rire et le Couteau travaille la matérialité des discours. Beaucoup de personnages, secondaires ou non, s’enflamment par la parole ou s’en emparent charnellement. Et Sergio, sorte d’ethnographe (à la place du réalisateur et du spectateur), écoute et se fascine par cette musicalité.

Si Le Rire et le Couteau s’autorise à ne jamais être binaire, accostant l’Afrique queer avec quasi volupté et tendresse, les tribulations de Sergio nous amènent à rencontrer une frange d’ouvriers portugais ultra-masculinistes fêtant l’anniversaire de la fille de l’un d’entre eux dans une scène puissante et belle, proche de Husbands de Cassavetes.

Surtout, une scène entre Sergio et une prostituée de Guinée-Bissau est d’une intensité de filmage, de ton, de points de vue et de renversements sur les pseudo-compassions (dominations ?) et préoccupations des anciens colons blancs qu’à elle seule, elle justifie de traverser ce film enivrant et questionnant.

Bande-annonce : Le Rire et le Couteau

Fiche technique : Le Rire et le Couteau (O Riso e a Faca)

• Titre original : O Riso e a Faca
• Réalisation : Pedro Pinho
• Pays de production : Portugal
• Année de production : 2025
• Durée : 3h31
• Genre : Drame polyphonique, film-vie
• Section officielle : Un Certain Regard – Festival de Cannes 2025

Distribution principale

• Sérgio Coragem : Sergio, un ingénieur environnemental portugais
• Cleo Diára : (rôle non précisé)
• Jonathan Guilherme : (rôle non précisé)

Équipe technique

• Scénario : Pedro Pinho
• Photographie : (directeur de la photographie non mentionné)
• Montage : (monteur non mentionné)
• Musique : (compositeur non mentionné)
• Production : (société de production non mentionnée)

Synopsis

Un ingénieur portugais, Sergio, accepte une mission en Guinée-Bissau pour étudier la faisabilité d’une route entre désert et forêt. Il y développe des relations complexes avec des habitants locaux tout en enquêtant sur la disparition inexpliquée de son prédécesseur. À travers son regard candide et curieux, le film explore les rencontres, les discours enflammés et les tensions postcoloniales dans un récit qui procède par prolifération et fièvre.

Festivals et récompenses

• Sélection officielle – Un Certain Regard, Festival de Cannes 2025
• Cleo Diára a remporté le Prix d’interprétation féminine Un Certain Regard pour son rôle dans le film

Notes de production

• Le film a été ajouté après l’annonce initiale de la sélection cannoise
• Pedro Pinho y développe une approche sensorielle, captant une réalité jamais filmée de cette manière, frémissante et sensuelle
• Tourné en Guinée-Bissau, il mêle langues locales et portugais

Thématiques

Postcolonialisme, érotisme de la parole, critique des privilèges occidentaux, relations Nord-Sud, musicalité des discours.

Entre overdose de super-héros et renouvellement d’une franchise qui n’a jamais connu le succès des Avengers, le retour de l’Homme d’Acier au cinéma est pourtant porteur d’espoir. Les figures héroïques en sont la source, afin d’insuffler au public une dose d’optimisme. Le Superman de James Gunn en est imprégné, si bien qu’on se laisse volontiers happer par la lumière du personnage, profondément humain. Le cinéaste réussit à en faire une figure touchante, dans une odyssée qui le confronte à sa vulnérabilité et à l’échec. Et c’est en cela que ce nouveau portrait, guidé par la compassion, bouleverse et mérite qu’on lui accorde notre temps et notre soutien.

Alors que Marvel Studios continue (péniblement) à croire en son multivers super-héroïque, James Gunn et le producteur Peter Safran se démènent pour ressusciter la franchise de leur concurrent direct. Un défi presque insurmontable, alors que les cendres du DC Extended Universe (DCEU), initié par Zack Snyder, viennent tout juste de se refroidir. Pourtant, le choix de confier à Gunn cette relance face aux Avengers n’est pas anodin. Malgré les contraintes inhérentes aux films de studios, souvent synonymes de concessions et de résultats bancals, Gunn demeure l’un des rares cinéastes à avoir imposé et affiné une signature artistique forte. Avec Les Gardiens de la Galaxie vol. 3, il boucle une trilogie aussi déjantée qu’émouvante, mélange savant d’humour décalé et d’émotion brute. Entre-temps, son passage chez DC avec The Suicide Squad lui a valu un succès public et critique instantané, réussissant à faire oublier l’œuvre inégale et chimérique de David Ayer. Cette double réussite offre un socle solide et une crédibilité rare pour relancer une franchise aussi emblématique que délicate.

Tous les voyants sont au vert pour que Gunn insuffle à cette nouvelle franchise – baptisée Gods and Monsters – l’élan nécessaire pour démarrer sur de bons rails. Mais subsiste toujours l’angoisse du premier pas, celui qui peut coûter les 225 millions de dollars investis dans le film et la crédibilité d’un studio déjà fragilisé. L’échec cuisant de Green Lantern, porté par Ryan Reynolds, témoigne de la difficulté à faire renaître ces icônes. La question demeure donc : Gunn a-t-il vraiment trouvé la recette du succès face à de tels enjeux, au-delà du simple effet nostalgique ou de l’attrait marketing ?

Héros de demain

Outre la partition iconique de John Williams – subtilement réarrangée par John Murphy – qui accompagne une entrée en scène spectaculaire, la silhouette du héros se distingue immédiatement : cape rouge, slip rouge, et le S emblématique. Ce n’est donc ni un avion, ni un oiseau. Ce Superman-ci n’est pourtant pas le sauveur invincible que l’on connaît. Comme le précise le carton d’ouverture, il s’agit d’un héros en chute libre, confronté à ses premiers échecs, qu’ils soient physiques, sentimentaux ou en termes de popularité. Sa vulnérabilité ne provient ni de kryptonite ni d’un soleil rouge, mais d’une dimension plus humaine et existentielle. Gunn conserve ainsi l’esprit et la trame du comic All-Star Superman, œuvre qui condense l’essence même du justicier kryptonien : un protecteur de l’humanité souffrant d’une maladie incurable. Face à sa propre finitude, Superman entame une série de Travaux, à l’instar d’Hercule, incarnant une quête universelle de sens et de dépassement.

Comme le proclamait si justement Jor-El (Marlon Brando) dans le film original de Richard Donner : « Vis comme un mortel, pour découvrir ta force et tes pouvoirs. Mais garde toujours au cœur la fierté de ton héritage. Ils ont la vocation de la grandeur. Il ne leur manque que la lumière pour leur montrer la voie. Pour cette raison entre toutes, leur aptitude au bien, je leur ai envoyé mon fils unique. » Ce principe fondateur résonne tout au long du film et donne une portée mythologique à cette relecture.

Superman devient ainsi un symbole de dévouement, dont les plus hautes vertus résident dans la compassion et l’acceptation de ses propres limites. Il combat sans détour, ouvertement, dans une quête où amour et solidarité sont les piliers d’un avenir incertain. Cette vision peut sembler mélancolique, voire moins virile que les représentations habituelles de ces dix dernières années, mais elle apporte une profondeur bienvenue. Le spectacle reste pourtant captivant, notamment grâce à un climax impressionnant où Gunn manie habilement une simili « zone fantôme » pour recréer la catastrophe de la faille de San Andreas du film de 1978, tout en gardant une certaine retenue, conscient des enjeux narratifs et financiers.

Le procès de la bienveillance

Succéder à Christopher Reeve, icône du Superman classique, est un défi colossal. Brandon Routh avait échoué à raviver la flamme avec Superman Returns, tandis que Henry Cavill n’a jamais vraiment pu briller dans un DCEU incohérent et sans souffle. David Corenswet hérite d’un rôle complexe, mais il parvient à incarner un Superman dont le costume reflète la force tranquille et les convictions intérieures du personnage. Dans une scène d’interview improvisée avec Lois Lane (Rachel Brosnahan), se dévoile la dualité unique de Clark Kent/Superman, fusion d’une seule personnalité portée par un optimisme inébranlable.

James Gunn ancre son Superman dans la réalité contemporaine, un monde saturé de conflits sanglants, de fake news, et de haine virale sur les réseaux sociaux. Dans ce contexte cynique, la force d’intégrité de Superman devient un véritable acte de résistance. Ce Superman se mue en procès subtil de la bienveillance, une valeur presque utopique dans notre société actuelle. Si ce message peut sembler naïf, il est néanmoins porté avec sincérité et trouve son équilibre lorsque l’humour absurde et décalé – marque de fabrique de Gunn – évite de tomber dans l’excès. Hélas, cet équilibre est parfois fragilisé par une écriture inégale des personnages secondaires, véritables porte-étendards d’un burlesque fonctionnant seulement par intermittence.

On retiendra notamment la coupe au bol et l’allure ringarde du Green Lantern incarné par Nathan Fillion, une sorte de Gardien de la Galaxie fauché, qui aurait pu être un ressort comique, voire dramatique, brillant. Malheureusement, ce personnage – comme tant d’autres – souffre  d’un traitement trop superficiel, bridé par une narration ambitieuse qui peine à contenir cette profusion d’idées et d’intrigues. Même les apparitions de Krypto, qui prêtent souvent à sourire, se limitent à un simple running gag, sans véritable impact sur l’évolution intérieure du héros, lui-même en lutte contre le rejet de l’opinion publique.

Vers la justice et au-delà ?

La trame principale, consistant à arrêter une guerre impliquant les États-Unis (aux sources d’inspiration manifestes), conduit Superman à travers des décors variés, de la Forteresse de Solitude à un terrain de jeu interdimensionnel. Ses actions ont des répercussions lourdes, provoquant la riposte de ses propres partisans. Il cherche à la fois à restaurer sa dignité et à accomplir une quête identitaire profonde. Mais le plan machiavélique de Lex Luthor, incarné par un Nicholas Hoult brillant dans un rôle cartoonesque, complique la donne. Luthor, figure d’une intelligence froide incarnée par une armée de geeks et de cyborgs désincarnés, ressent une frustration palpable d’être éclipsé par l’extraterrestre – comme il aime le rappeler. Cette ambivalence humaine, entre rivalité et empathie, rend le duel passionnant et complexe.

Cette opposition souligne une détresse commune que les deux antagonistes ne parviennent jamais à réprimer totalement. Leur différence fondamentale réside dans leur entourage respectif. Superman y trouve un avantage, soutenu par le « Justice Gang » – Green Lantern, Hawkgirl, Mister Terrific –, l’équipe de reporters du Daily Planet, et ses parents adoptifs. Par cette dynamique, James Gunn parvient à traduire cette lueur d’espoir emblématique des comics, portée par des héros imparfaits mais profondément humains. On y trouve son compte et on en redemande.

Malgré quelques défauts persistants, cette nouvelle incarnation de Superman réchauffe le cœur et offre à DC une occasion précieuse de rebondir. On espère qu’il ne s’agit pas d’un simple sursis pour une franchise maudite, marquée par de nombreuses déconvenues. Ce film pourrait bien être la dernière envolée d’un héros qui a encore le pouvoir de rassembler les fans historiques et ceux qui n’ont pas complètement coupé les ponts avec les super-héros. Les dés sont jetés.

Superman – bande-annonce

Superman – fiche technique

Réalisation: James Gunn
Scénario : James Gunn, d’après le personnage Superman créé par Jerry Siegel et Joe Shuster et d’après All-Star Superman de Grant Morrison et Frank Quitely
Interprètes : David Corenswet, Rachel Brosnahan, Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Anthony Carrigan, Nathan Fillion, Isabela Merced, Skyler Gisondo, Sara Sampaio, María Gabriela de Faría, Wendell Pierce, Alan Tudyk, Pruitt Taylor Vince, Neva Howell
Photographie : Henry Braham
Décors : Beth Mickle
Costumes : Judianna Makovsky
Montage : William Hoy, Craig Alpert
Musique : John Murphy et David Fleming
Production : James Gunn et Peter Safran
Sociétés de production : DC Studios, The Safran Company et Troll Court Entertainment, présenté par Warner Bros.
Pays de production :  États-Unis
Distribution France : Warner Bros. Pictures
Durée : 2h09
Genre : Science-fiction, Action, Aventure
Date de sortie : 9 juillet 2025

Considérés comme les poumons de l’océan, les coraux abritent un écosystème essentiel à la biodiversité marine. Alors qu’ils sont aujourd’hui gravement menacés par le réchauffement climatique, le fondateur de l’organisation Coral Gardeners, Titouan Bernicot, et ses collaborateurs œuvrent pour sensibiliser le public à la nécessité de restaurer les récifs coralliens. Leur initiative continue de mobiliser des bénévoles venus du monde entier, tous préoccupés par la santé d’une planète malade, accablée par une succession de crises climatiques.

Récifs en péril

Direction la Polynésie française, destination souvent réduite à ses clichés de carte postale, mais qui abrite également une organisation non gouvernementale unique, composée de jeunes âgés de 14 à 25 ans. Née en 2017 sur l’île de Moorea, Coral Gardeners s’est donné pour mission de protéger les récifs, dont le blanchissement s’accélère de manière alarmante. En effet, la hausse de la température des océans ne laisse que peu de temps à ces animaux marins pour s’adapter.

Le film s’attarde ensuite sur les actions concrètes mises en œuvre, notamment la technique du bouturage et la création d’une colle naturelle, qui permettent de reproduire de nouveaux coraux à partir de fragments récupérés. Cette méthode s’accompagne d’une sélection rigoureuse des espèces les plus résistantes aux vagues de chaleur de plus en plus fréquentes. Le documentaire met également en lumière l’implication des jeunes, des scientifiques et des volontaires, qui s’expriment avec force et conviction, porteurs de l’espoir d’un avenir plus durable.

Le réalisateur Karim Mahdjouba laisse pleinement la parole à ces voix engagées, qui dressent un état d’urgence face à la situation. Pourtant, malgré ces témoignages forts, le film semble hésiter entre le reportage scientifique et l’outil pédagogique. Le montage rapide, fait de séquences explicatives juxtaposées, nuit parfois à la profondeur du propos. Le manque de contrepoints ou de perspectives extérieures renforce une impression de discours unilatéral, où l’élan militant prend parfois le pas sur la complexité du sujet. Chaque appel à l’action oscille ainsi entre sincérité et didactisme, risquant de vider le message de sa dimension humaine et solidaire initiale.

Jeunesse en vigil

Explorer d’autres récifs que ceux de la Polynésie et suivre leur évolution, comme dans le documentaire Chasing Coral, aurait sans doute permis d’élargir la portée du message et de mieux contextualiser la crise corallienne à l’échelle mondiale. De plus, la redondance des plans aquatiques, souvent statiques, laisse entrevoir des limites budgétaires évidentes. Paradoxalement, alors que le corail est au cœur du sujet, il finit par manquer de véritable présence, au point que l’on en oublie l’un de ses rôles majeurs : celui de transformer le CO₂ en oxygène.

Dans sa dernière partie, le film adopte un ton plus posé et gagne en recul. Bien qu’il cultive un sentiment d’émerveillement dans ses premières images, il n’emprunte jamais le ton du miracle. Le réchauffement climatique y est présenté comme une réalité tangible, dont les conséquences dépassent largement le cadre des récifs montrés à l’écran. Titouan et son équipe en sont conscients et s’engagent dans une campagne visant autant à réparer ce qui peut l’être qu’à encourager un mode de vie plus respectueux de l’environnement.

Ces bonnes volontés, émanant des « jardiniers de l’océan », rappellent l’importance de transmettre un savoir-faire précieux, à la fois scientifique et humain.Titouan, les enfants du corail parvient ainsi à maintenir un cap : celui de l’espoir, porté par une jeunesse investie, bien décidée à préserver un monde habitable – sur terre comme en mer.

Titouan, les enfants du corail – Bande-annonce

Titouan, les enfants du corail – Fiche technique

Réalisation : Karim Mahdjouba
Direction de la photographie : Tim McKenna
Narration : Françoise Cadol
Musique : Stéphane Rossoni
Ingénieur du son : Jean-Luc Casula
Montage : Kealoha Pou
Production : KMH Media Production
Pays de production : France
Distribution France : Panoceanic Films
Durée : 1h09
Genre : Documentaire
Date de sortie : 9 juillet 2025

Depuis les premiers James Bond, Grand Prix ou encore Bullitt, le cinéma met en valeur l’image de la voiture. Tantôt symboles de luxe, fidèles compagnons de route ou instruments de vitesse, les véhicules ont envahi l’écran. Et lorsqu’ils sont calibrés pour la course, comme dans F1, on s’attend à des scènes sensationnelles. Si le film de Joseph Kosinski offre bien des séquences spectaculaires, il convainc davantage sur sa promotion de ce sport d’équipe à haut risque que sur ses qualités cinématographiques. Malgré la présence de Brad Pitt, presque seul sur la piste, F1® le film se limite en effet à un scénario tout tracé.

Technicien dans la modélisation 3D, Joseph Kosinski (Oblivion, Tron : l’héritage) recourt souvent aux caméras embarquées pour traduire la vitesse. Depuis plusieurs années, il souhaitait tourner un film de course. Il a travaillé sur le projet de Le Mans 66 et envisageait alors Tom Cruise et Brad Pitt pour les rôles principaux. Malheureusement, faute d’accord sur le budget, c’est James Mangold qui s’est assis à la place du pilote. Qu’à cela ne tienne, après avoir fait ses preuves grâce à Top Gun : Maverick, le réalisateur américain reprend la route avec F1, qui s’ouvre d’ailleurs sur les 24 Heures de Daytona, une course déjà mise en scène dans Le Mans 66.

Soutenu par le milieu automobile et toute une galerie de pilotes renommés, comme Fernando Alonso, Max Verstappen et Lewis Hamilton, également producteur, F1 a été tourné sur les authentiques circuits de Formule 1, entre Monza, Zandvoort, Las Vegas et Abou Dhabi, durant les saisons 2023 et 2024. Pur blockbuster hollywoodien, le film nous fait voyager à travers le monde, mais se cantonne paradoxalement à une intrigue assez plate au sein d’une seule écurie fictive, APXGP.

Conduite sur les chapeaux de roue

Après un grave accident, Sonny Hayes, incarné par un Brad Pitt iconique, a quitté les circuits de Formule 1 depuis trente ans. Il mène une existence nomade dans sa caravane, mais n’a pas totalement renoncé à son rêve de remporter un jour un Grand Prix. Aussi, lorsque son ancien coéquipier, Ruben Cervantes, lui propose de rejoindre, comme second pilote, son équipe APXGP, Sonny ne peut pas refuser. Au sein de l’écurie au bord de la faillite, il rencontre le rookie Joshua Pearce, alias JP, un homme impétueux qui le juge totalement has been, ainsi que Kate McKenna, une directrice technique ayant progressivement gravi les échelons. Malgré des divergences d’opinions et des conflits internes, en particulier entre Hayes et JP, APXGP doit impérativement prendre du galon pour survivre face à la concurrence.

F1 utilise ainsi largement l’aspiration de Jours de Tonnerre, dont il suit la trame initiale. Un pilote qui rejoint une petite écurie. Un travail de collaboration avec des techniciens. Un objectif de victoire sur les circuits. Cependant, dans F1,  l’adversité a déserté les pistes. Sonny et Joshua n’entretiennent qu’un conflit de façade, essentiellement générationnel, qui se traduit par des piques verbales pas franchement subtiles. Les personnages féminins n’apportent pas plus de profondeur au récit. La mère de Joshua, ultra protectrice, ne sert qu’à questionner la prise de risques des pilotes. Quant à Kate McKenna, première femme à occuper le poste de directrice technique, elle se réduit à une figure de génie obscur de l’aérodynamique. Finalement, le scénario d’Ehren Kruger, à l’instar des Transformers 2, 3 et 4 puis de Top Gun : Maverick, sert plutôt de prétexte à une cascade de scènes d’action. Rush, qui mettait en scène la rivalité entre James Hunt et Niki Lauda, et Le Mans 66, celle entre Ford et Ferrari, développaient des intrigues bien plus fournies. Peut-être parce que les deux films se fondaient sur des faits historiques.

Du réalisme, c’est précisément ce que ne propose pas F1. Crashs à répétition, manœuvres d’antijeu pour ralentir les concurrents, drapeau rouge, les règlements et stratégies de la F1 sont exposés avec une certaine exagération. Et si le film loue l’esprit du sport, en particulier le travail d’équipe, c’est d’une manière caricaturale. Les pilotes et les mécaniciens passent pour des héros, tandis que les financiers restent obsédés par l’appât du gain. Malgré son récit balisé, F1 offre de bonnes scènes de course, même si les prises de vue répétitives et le montage nerveux ne donnent pas vraiment l’impression de vitesse, bien plus ébouriffante dans Le Mans 66. Grâce à la musique d’Hans Zimmer – qui a déjà signé la bande-originale de Rush – et à l’interprétation de Brad Pitt, on ne boude cependant pas son plaisir devant le stand, que l’on soit fan ou non de Formule 1.

F1® le film – Bande-annonce

F1® le film – Fiche technique

Réalisation : Joseph Kosinski
Scénario : Ehren Kruger, d’après une histoire de Joseph Kosinski et Ehren Kruger
Interprètes : Brad Pitt, Damson Idris, Javier Bardem, Kerry Condon, Tobias Menzies, Kim Bodnia
Image : Claudio Miranda
Décors : Mark Tildesley
Costumes : Julian Day
Montage : Stephen Mirrione
Musique originale : Hans Zimmer
Producteurs : Jerry Bruckheimer, Dede Gardner, Lewis Hamilton, Jeremy Kleiner, Joseph Kosinski, Chad Oman, Brad Pitt
Société de production : Copper, Dawn Apollo Films, Jerry Bruckheimer Films, Plan B Entertainment
Pays de production :  États-Unis
Distribution France : Warner Bros. Pictures (cinema), Apple Original Films (VOD)
Durée : 2h35
Genre : Action, Drame
Date de sortie : 25 juin 2025

Dans un film radical L’Accident de piano d’une grande laideur, Quentin Dupieux met en scène les délires psychopathes d’une influenceuse (Adèle Exarchopoulos) et nous livre là une œuvre suicidaire et débilitante.

Que nous aimions ou pas le cinéma de Dupieux, il faut reconnaître à ce cinéaste une ligne drue : une manière Maverick de dynamiter le processus de fabrication des films.

Il tourne vite des films brefs, il tourne régulièrement, à petit budget, est maintenant courtisé par tous les acteurs-stars et fétichisé par un certain public qui voit en ses films le parangon du rire ou de l’absurde hilarant.

Cette méthode a fait ses preuves. Et fait éclore le meilleur de Dupieux : Le Daim, actuellement son film le plus fou, le plus dingue de la dinguerie de ceux qui continuent à aimer l’humanité mais ne savent pas comment lui dire. Et fabriquent alors un objet non-domesticable, une œuvre-sorcière.

L’Accident de piano est censé dénoncer les avatars malsains et abjects de l’ultra-capitalisme, ce néo-monde inepte où la seule valeur digne de se torturer, de pleurer ou de vivre serait l’argent et comment faire pour parvenir à en gagner sans souffrir ni travailler, sans que jamais l’affect, l’humain, la délicatesse d’un sentiment ou la noblesse d’une émotion ne viennent interférer.

Une youtubeuse (Magaloche) affublée de naissance d’un handicap cynique ou magique au choix : une insensibilité à la douleur commence à se filmer dans des scènes où elle endure bêtement les dangers des souffrances les plus extrêmes. Nous la voyons se faire tomber une machine à laver sur le corps, se faire boxer le visage jusqu’à la tuméfaction, mettre sa main à l’épreuve d’un pic à glace ou autres joyeusetés bêtes. Tout est écrit dans une surenchère grossière, absurde, dévitalisante, et seule l’évidence du talent d’Adèle Exarchopoulos arrive in extremis à surmonter le déficit de langage cinématographique d’une telle litanie.

Le personnage est tellement littéral qu’il n’est même pas construit à la manière d’une Marina Abramovitch, performeuse de l’impossible. Non, ici, Magaloche – vaguement impliquée dans ce qui va donner lieu au titre du film : le coup de l’accident de piano – n’est animée 24h/24 que par la laideur, la bêtise et l’idiotie matérielle et morale dont l’affublent Dupieux.

Rien n’est fin dans ce film. Rien n’est travaillé pour duper ou transcender le système capitaliste d’asservissement par le vide dont le film se voudrait le pourfendeur. Rien ne vient surtout densifier ou concentrer notre intérêt face à un film misanthrope et malade de cette maladie de l’absence d’amour pour l’humanité.

Magaloche stagne, ragne, , hahanne ou tue, taloche la pauvre journaliste qui vient tenter de l’interviewer (on se demande comment Sandrine Kiberlain peut supporter, même au énième degré, d’être maltraitée ainsi à l’écran).

C’est le degré zéro de la laideur condensé dans une sorte de film jusqu’au-boutiste, expérimental, pauvre en cinéma, pauvre en beauté et surtout extrêmement noir et morbide.

L’ensemble vire au film d’horreur (c’est bien, Dupieux y est à l’aise) mais tout y est convenu sauf le jeu plus que vivant et jamais déprimant d’Adèle E.

Fiche technique : L’Accident de piano (2025)

• Réalisation : Quentin Dupieux
• Scénario : Quentin Dupieux
• Musique : Quentin Dupieux (Mr. Oizo) et Chilly Gonzales
• Photographie : Quentin Dupieux
• Montage : Quentin Dupieux
• Costumes : Justine Pearce
• Son : Guillaume Le Braz

Production

• Producteur : Hugo Sélignac
• Sociétés : Chi-Fou-Mi Productions, Arte France Cinéma, Auvergne-Rhône-Alpes Cinéma
• Distribution : Diaphana Distribution
• Budget : Non communiqué

Caractéristiques

• Genre : Comédie noire
• Durée : 88 minutes
• Pays : France
• Tournage : Haute-Savoie (Megève, Combloux) et Var
• Sortie : 2 juillet 2025

Distribution

• Adèle Exarchopoulos : Magalie « Magaloche » Moreau
• Jérôme Commandeur : Patrick Balandras
• Sandrine Kiberlain : Simone Herzog
• Karim Leklou : Roméo
• Gabin Visona : Karim
• Clara Choï : La coiffeuse
• Georgia Scalliet : La femme de Patrick

Secrets de tournage

• 5ème collaboration Dupieux/Exarchopoulos
• Prothèses dentaires et orthopédiques pour Adèle Exarchopoulos
• Tournage principal en Haute-Savoie (chalets bourgeois)