LeMagduCiné

Fort d’une conclusion qu’il aura su faire murir via deux films plutôt efficaces, Wes Ball signe avec Le Labyrinthe : Le Remède Mortel, le final attendu mais explosif de la saga littéraire de James Dashner.

Il se sera écoulé 3 ans entre la sortie du Labyrinthe : La Terre Brulée et celle du Remède Mortel. 3 ans, c’est long. Suffisamment en tout cas pour avoir vu le genre dans lequel les films s’insèrent – le divertissement young-adult- dépérir. C’est donc dans une industrie étant passée à autre chose et proposé à un public qui l’aura oublié que la franchise arrive ; chargée de clore l’arc de Thomas et de sa bande, partis mater l’ultime bastion de WICKED ; mais aussi celui du genre tout entier. Une double mission qui n’aura pas manqué d’être portée à l’attention du réalisateur, ce dernier s’évertuant à proposer tant bien que mal la conclusion spectaculaire et ambitieuse que laissait présager les deux films précédents.

La boucle est bouclée

Puisque « a contrario » d’Hunger Games qui aura su dès ses débuts ameuter un casting de star, la saga du Labyrinthe n’aura su pour capter l’intérêt de son spectateur que se reposer sur deux choses : son concept tout droit issu de la Quatrième Dimension et le talent de son principal artificier, Wes Ball. Sans surprise, ce dernier joue de tout son poids sur cet ultime volet, lui donnant ambition et maîtrise, et ce, dès l’entame via une ouverture « in media res » assez efficace, voyant la clique à Thomas effectuer un spectaculaire braquage à bord d’un train lancé à vive allure. Une ouverture qui a le chic de brosser rapidement la trame : les résistants menés par Thomas et sa bande, toujours à la recherche de Minho, kidnappé dans le climax du volet précédent, se décident à le suivre jusque dans l’ultime bastion de WICKED, grimé en une ville futuriste où les nantis se cachent derrière une gigantesque muraille. De quoi transformer la fuite en avant du second volet en un heist-movie futuriste et donc permettre à son réalisateur de convoquer d’autres références dans l’entreprise. Ainsi, exit celles évidentes à Mad Max et Résident Evil du second opus et place à des œuvres aussi variées qu’Elysium, Hunger Games, 28 Semaines plus Tard et même le récent Détroit de Kathryn Bigelow. Un joyeux cocktail émaillé ça et là de scènes d’action invraisemblables, de retournements de situations nombreux et variés d’où n’émanent qu’un plaisir furibard ou une profonde envie de lever les yeux en l’air, le choix étant laissé à l’appréciation du spectateur pour le genre, rompu à ces numéros d’équilibristes incessants. Mais curieusement, là ou l’ambition est un point fort du métrage, il est aussi sa principale faiblesse.

Trop plein d’ambition

En effet, ce trop plein d’ambition se révèle problématique à bien des égards. On ne pourra ainsi occulter toutes les scènes se déroulant uniquement pour servir les lubies visuelles du cinéaste, ou celle clichées, montrant les dilemmes du héros aussi vite expédiés qu’inutiles. Le pire étant malheureusement à ranger au rayon du script, qui outre d’accumuler les incohérences propres au genre, délaissent toute rationalité au profit de l’action. Les scènes se multiplient, quitte à introduire des thèmes survolés (dont celui amené bien maladroitement par Walton Goggins et ses envies de révolution), on fait revenir des personnages des anciens films sans aucune explication, on donne à voir une flopée de personnages étonnamment vides et on ne peut être que consternés quand on voit la fin, de comprendre comment WICKED a su prospérer vu leur profonde débilité à trouver un remède quand il était devant leur nez depuis toujours. Certains argueront que c’est propre au genre, mais il faut bien admettre que Wes Ball a été trop gourmand ; ce qui est d’autant plus troublant quand l’intrigue prend de grosses libertés avec la trame contenue dans les romans.

Plus étoffé que le précédent sur tous les aspects, Le Labyrinthe : Le Remède Mortel a le chic d’être un divertissement bien troussé qui conclut avec brio la trilogie initiée en 2014. Reste que pour accepter le spectacle, il faudra passer par une intrigue absurde, parfois bâclée et assez inconsistante. A double tranchant donc.

Le Labyrinthe : Le Remède Mortel : Bande-annonce 

Synopsis : Thomas et les « Blocards » s’engagent dans une ultime mission, plus dangereuse que jamais. Afin de sauver leurs amis, ils devront pénétrer dans la légendaire et sinueuse Dernière Ville contrôlée par la terrible organisation « Wicked ». Une cité qui pourrait s’avérer être le plus redoutable des labyrinthes. Seuls les « Blocards » qui parviendront à en sortir vivants auront une chance d’obtenir les réponses tant recherchées depuis leur réveil au cœur du labyrinthe.

Le Labyrinthe : Le Remède Mortel – Fiche Technique

Titre original : Maze Runner : The Death Cure
Titre français : Le Labyrinthe : Le Remède mortel
Réalisation : Wes Ball
Casting : Dylan O’Brien, Kaya Scodelario, Thomas Brodie-Sangster, Aidan Gillen, Patricia Clarkson, Walton Goggins, Will Poulter, Rosa Salazar, Giancarlo Esposito, Bary Pepper…
Scénario : T. S. Nowlin, d’après Le Remède mortel de James Dashner
Direction artistique : Daniel T. Dorrance
Costumes : Sanja Milkovic Hays
Montage : Dan Zimmerman
Musique : John Paesano
Production : Wyck Godfrey et Ellen Goldsmith-Vein
Société de production : Gotham Group, Temple Hill Entertainment et 20th Century Fox
Société de distribution : 20th Century Fox ; 20th Century Fox France
Langue originale : anglais
Format : couleur – 35 mm – 2,35:1 – son Dolby Digital
Genre : aventure, science-fiction
Durée : 143 minutes
Dates de sortie : 7 Février 2018

États-Unis – 2018

Après des incontournables de l’animation comme Wallace & Gromit, Chicken Run ou encore Shaun le mouton, le studio Aardman revient avec Cro-Man. Un nouveau-né portant sur ses épaules l’héritage de créations parlant à tous les publics, et à la saveur si particulière.

Synopsis : Une famille d’hommes de Cro-Magnon mène une vie paisible de chasseurs-cueilleurs, plusieurs millénaires après l’extinction des dinosaures où, selon cette histoire, vivaient déjà des ancêtres unis derrière le sport du ballon rond. Alors que le chef d’un peuple médiéval débarque et prend possession de leur territoire, la survie de leur milieu de vie devra se décider lors d’une partie de football.

Cro-Man est d’abord appréciable pour ses visuels irréprochables. La patte artistique et le stop-motion caractéristiques du studio sont poussés à leur paroxysme, l’univers est développé de manière simple tout en étant attachant, et sur ce point le film est une réussite. On retrouve certaines touches d’humour absurde qui fonctionnent à merveille (ouvrir le film au temps des dinosaures en précisant que l’on est à « Manchester »), tout comme les différents anachronismes qui sont toujours des trouvailles (du rasoir-scarabée aux marionnettes pour faire les ralentis des matchs). Il y a même quelques (rares) références à l’attention des plus grands, avec par exemple un vendeur de « jurassic pork » ou un marchand de silex nommé « flint [silex, en anglais] eastwood ». Enfin, le film se moque ici et là de certains clichés inhérents au monde du football (les joueurs qui se recoiffent sans cesse, les simulations, etc).

Malheureusement, c’est en terme d’histoire et surtout d’humour que le bât blesse. La trame narrative est des plus convenues dans son déroulement, les thèmes et valeurs véhiculés sont vus, revus et éculés (l’amitié triomphante, l’esprit d’équipe face à l’individualisme, le courage), si bien que Cro-Man ne surprend à aucun moment. Pire, les gags sont souvent téléphonés et peu originaux, à l’image de la ridiculisation du chef et de la figure du pouvoir, faite de manière peu subtile, sans finesse ni nuances aucunes. Un humour aseptisé qui touchera un plus large public, certes, mais se faisant laissera sur le banc de touche ceux qui appréciaient les créations Aardman pour leur impertinence et leur second degré. Cro-Man est un peu trop premier degré. L’intelligence muette de Gromit mettait justement en exergue la bouffonnerie d’un Wallace toujours trop bavard et maladroit. Il manque ici cet équilibre entre les personnages qui se suffisent à eux même, sans vraiment servir ce genre de relations improbables qui faisaient la sève des films précédents du studio. Pourtant les personnages proposés sont dans l’ensemble charismatiques et réussis (à commencer par le sanglier de compagnie et le petit lapin), mais ils manquent de ce cynisme involontaire qui participait à l’étrangeté de leurs aînés, parfois effrayants et cruels comme dans Chicken Run.

Cro-Man souffre peut-être de sa grande générosité. Le film donne tant de choses à voir en moins d’une heure et demie qu’il paraît parfois brouillon, confus, noyant le spectateur dans ce trop-plein d’idées (intelligentes, au demeurant) comme sont perdus les personnages à leur arrivée dans la forteresse médiévale, débordante de choses qui leur sont inconnues. Il glisse tout un tas de détails faisant échos à l’actualité (le grillage et les pancartes d’interdiction, rappelant la frontière Mexique/États-Unis et le problème de l’intégration ou des enjeux autour de la question du territoire), mais qui ne sont pas suffisamment creusés pour être de réels atouts à créditer au film.

En se fondant parfaitement dans le paysage des films d’animation de ces dernières années, Cro-Man oublie la « magie Aardman » qui en fait un studio bien à part, et pas que sur le plan graphique. Un bon film qui assure un agréable moment mais qui, par son manque de profondeur, ne marquera sûrement pas autant les mémoires que ses grands frères. Souhaitons lui tout de même une réussite au box office, afin que le studio continue à nous offrir ces belles créations qu’il serait malgré tout dommage de bouder.

Bande-annonce : Cro-Man

Fiche technique : Cro-Man

Titre original : Early man
Réalisation : Nick Park
Scénario : Mark Burton, John O’Farrell
Interprétation : Eddie Redmayne, Tom Hiddlestone
Durée : 89 minutes
Genre : Animation, comédie
Date de sortie : 7 février 2018

France/Royaume-Unis – 2018

Inspiré des événements de l’attentat du Thalys, 15h17 pour Paris retrace la genèse des trois héros américains qui ont neutralisé Ayoub Elh Khazzani, terroriste du train. Avec ce film, Eastwood n’échappe pas à un manichéisme patriotique pro-militaire navrant mais propose une oeuvre troublante qui interroge sur la limite entre fiction et réalité.

Lorsque Clint Eastwood a annoncé consacrer un long-métrage à l’attentat du Thalys, massacre potentiel évité le 21 aout 2015 sur la ligne LGV NORD, on pouvait être sceptique. Que pouvait-il raconter de cet événement si court et furtif dans le temps sans tomber dans un récit pompeux et étiré ? Une seconde nouvelle est finalement venu attirer notre curiosité tout en confirmant nos premières craintes : les trois héros américains du Thalys joueront leur propre rôle. On comprend alors vite le choix de Clint Eastwood qui retrouve dans le destin des américains ses thèmes de prédilection : l’armée, la religion et la bonne vieille Amérique. Avec une première bande-annonce qui laissait présager du pire, on ne peut que poser tristement le constat : 15h17 pour Paris n’évite pas une propagande pro-arme fatigante et un récit manichéen où les héros semblent être guidés par une force divine. Le ton est annoncé dès le début lorsque la mère de Spencer Stone (Judy Greer) déclare :  » Mon Dieu est au dessus de vos statistiques « . Cette allusion à la religion se poursuivra tout le film, notamment lorsque Spencer Stone, en voyage à Venise, affirme être guidé par une force supérieure qui l’attend pour quelque chose de grand. Cette connivence avec la religion atteint son paroxysme lors qu’après l’attaque, la voix-off conte une prière comme pour mieux affirmer l’idée d’un acte d’ héroïsme mené par Dieu. A cela s’ajoute une éloge très lourde sur l’armée et le devoir citoyen. Deux des protagonistes ont fait un passage chez les militaires. Alek Skarlatos et Spencer Stone s’habillent en tenue de camouflage et ont des posters Full Metal Jacket.  Ils seront d’ailleurs les deux personnages les plus développés du film, Anthony Sadler étant laissé de côté et n’apparaissant que comme simple faire-valoir des ses amis. Cette propagande pour la guerre frôle le ridicule lors d’un montage où Stone se prépare physiquement. Le tout est accompagné d’une voix-off digne d’une vidéo Youtube de motivation pour perdre du poids. Là où le film préfère n’accorder qu’une dizaine de minutes à l’attentat, il donne plus d’1h10 à l’enfance des amis et à la formation à l’armée de Spencer Stone. Autant dire l’ennui arrive très vite, surtout lors de l’escapade des protagonistes à l’étranger. Le terroriste lui n’apparaît que comme un fantôme, une silhouette tacite.

Hasard ou destin ?

La durée du film est très courte (1h34) et n’aurait pas mérité une seule minute de plus tant le récit de vie est étiré. Et c’est ici qu’Eastwood commet sa plus grosse erreur : en essayant de donner un sens métaphysique à l’acte d’hommes qui n’ont été là que par hasard. Mais on ne peut nier la réalité historique et factuelle de l’événement : ces hommes se sont bien trouvés là et ce sont leurs expériences passées qui leur ont permis de Sauver la vie de centaines de personnes. Ainsi, plusieurs éléments disséminés au cours de l’histoire prennent tout leur sens lors de la scène finale. L’addiction d’Anthony aux selfies fera bouger la bande de potes vers la première classe, là où il y a une meilleure wifi pour poster les photos sur Instagram. Un cours de survie donné à Spencer Stone quelques années plus tôt va lui permettre de maintenir en vie Mark Moogalian, victime d’une balle tirée par le terroriste. Un homme dans un bar donnera envie aux amis de se rendre à Amsterdam, puis de passer par Paris. Un nombre incroyable d’éléments ont mené à cet acte d’ héroïsme, sans lequel l’histoire serait bien différente. Et c’est en essayant de s’approprier une histoire de hasard et de chance pour servir son idéologie conservatrice et religieuse qu’Eastwood rate son film. Le long-métrage semble d’ailleurs jouer sur cette ambiguïté, sans faire exprès. D’un côté, il émet une prophétie quasi-divine qui mène Spencer Stone à son destin, et de l’autre il souligne de nombreuses fois le hasard lié aux décisions des héros.

Quand s’arrête la fiction ?

C’est finalement là que ressort le caractère le plus intéressant du film : le lien troublant entre la fiction et la réalité. La scène de l’attaque est saisissante : 15 minutes incroyables sous tension qui placent le spectateur au cœur de l’action et de l’horreur. En plus des héros, les autres véritables passagers du Thalys revivent également la scène dont le couple Moogalian. Deux des six vrais héros ont décidé de ne pas jouer leur rôle, dont « Damien », un français, absent du film, qui a tenu à rester anonyme. De ce point de vue, les séquences dans le train sont fascinantes. Regarde t-on un documentaire ? Une reconstitution des faits? On ne peut imaginer l’effet cathartique que rejouer cette scène peut avoir sur les vrais passagers du Thalys. La véritable force du film réside donc dans son parti-pris réaliste. Comment pouvoir juger la performance des acteurs qui jouent tout le long leur propre rôle ? Sont-ils capables de mal se jouer ? Pouvons-nous les accuser de ne pas être assez convaincants dans la reproduction de leur propre vie ? L’amateurisme du trio, parfois palpable, ne se révèle pas comme un défaut tant la caméra, tremblante,  semble vouloir les capturer comme un documentaire. Selon les interviews donnés lors de la tournée promo, la bande d’amis semble épouser le traitement manichéen de Clint Eastwood. Peut-être est-ce pour eux un moyen de donner sens à un événement si brutal et hasardeux ? Dans une volonté presque malsaine, Clint Eastwood refait vivre à Mark Mooliagan une situation où l’homme était mourant. Il impose à Spencer Stone de refaire tout son parcours militaire. La véritable équipe médicale présente lors de l’attentat rejoue ses gestes et ses mouvements.

L’apothéose de ce lien curieux entre fiction et réalité apparaît lors de la séquence finale, remise de la légion d’honneur par François Hollande. D’abord filmé de dos, par une doublure (Patrick Braoudé), le président se révèle de face. Surprise : il s’agit du vrai François Hollande, Clint Eastwood ayant décidé d’utiliser des images d’archives. De leur côté, les trois héros du Thalys restent les même entre la reconstitution mise en scène et les images des JT diffusées à l’époque. François Hollande agit alors comme un pont entre le récit fictionnel et la véritable histoire, ancrant les personnages définitivement dans la réalité. Avec ce film, Eastwood donne sa réponse à un enjeu culturel qui se pose depuis peu : La question de la représentation des attentats au cinéma. On souligne le réalisme de l’attentat, on rejette le message.

Bande-annonce : 15h17 pour Paris

Synopsis : Dans la soirée du 21 août 2015, le monde, sidéré, apprend qu’un attentat a été déjoué à bord du Thalys 9364 à destination de Paris. Une attaque évitée de justesse grâce à trois Américains qui voyageaient en Europe. Le film s’attache à leur parcours et revient sur la série d’événements improbables qui les ont amenés à se retrouver à bord de ce train. Tout au long de cette terrible épreuve, leur amitié est restée inébranlable. Une amitié d’une force inouïe qui leur a permis de sauver la vie des 500 passagers …

Fiche technique – 15h17 pour Paris

Titre original : The 15:17 to Paris
Réalisation : Clint Eastwood
Scénario : Dorothy Blyskal, d’après l’autobiographie The 15:17 to Paris: The True Story of a Terrorist, a Train, and Three American Heroes de Jeffrey E. Stern, Anthony Sadler, Alek Skarlatos et Spencer Stone.
Casting : Avec Anthony Sadler, Alek Skarlatos, Spencer Stone, Jenna Fischer, Judy Greer, P.J. Byrne
Direction artistique : Timothy David O’Brien
Décors : Ronald R. Reiss
Costumes : Deborah Hopper
Photographie : Tom Stern
Montage : Blu Murray
Musique : Christian Jacob et Thomas Newman
Production : Clint Eastwood, Jessica Meier, Tim Moore et Kristina Rivera
Sociétés de production : Malpaso Productions ; Warner Brosv (co-production)
Sociétés de distribution : Warner Bros. (États-Unis), Warner Bros. France (France)
Budget : 40 millions de dollars
Genre : drame biographique
Durée : 94 minutes
Date de sortie : 7 Février 2018

Pays : États-Unis

The Cloverfield Paradox, troisième film de la saga, se révèle vite être d’un vide sidéral.

Synopsis : dans un avenir proche mais indéterminé, les réserves naturelles seront quasiment épuisées sur Terre, ce qui emmènera l’humanité au bord d’un conflit planétaire. La dernière chance de l’éviter consiste à expérimenter un accélérateur de particules spatial, le Sheppard, placé en orbite autour de la Terre dans une station internationale. Mais, au bout de deux ans, les essais restent toujours infructueux.

Les deux premiers film de la saga Cloverfield proposaient une relecture du film de monstres tout en gardant une identité propre. Le premier exploitait de façon intelligente le procédé du found footage tout en mettant en avant des réminiscences du 11-Septembre, alors que le deuxième jouait à fond, et de façon réussie (du moins si l’on excepte le quart d’heure final), la carte de la claustrophobie. Tous les deux permettaient d’entretenir une part de mystère sur ce qui se déroulait réellement à l’écran, s’amusant avec ce que l’on voit et surtout ce que l’on ne voit pas, ce que l’on devine et ce que l’on peut supposer.

Le troisième film, The Cloverfield Paradox, disponible sur la plate-forme Netflix depuis le lundi 5 février, mise sur la carte de l’espace tout en essayant de donner plus de densité au monde Cloverfield. Ainsi, une partie de l’histoire se déroule sur Terre et multiplie les clins d’œil aux deux premiers opus. Le personnage de Michael, médecin et mari d’un des membres de la station spatiale, découvre la ville attaquée par ce que l’on suppose être une grosse bestiole, puis s’enferme avec une gamine survivante dans un bunker.

Voilà qui est assez symptomatique de The Cloverfield Paradox. Au lieu de proposer quelque chose de vraiment nouveau, le film va se contenter de brasser du déjà-vu, en enfilant comme des perles des scènes caractérisées par leur manque absolu d’originalité et d’inventivité. Pour les amateurs de film de science-fiction et/ou d’horreur, tout, dans ce film, a déjà été vu, revu et rerevu des centaines de fois ces quarante dernières années. Pire : la plupart du temps, c’était bien mieux que ce que nous propose Julius Onah ici. Car le manque d’idée ne se limite pas au scénario, il se propage également à la mise en scène.

Ne sachant pas vraiment comment se positionner, le scénario nous propose un amalgame bancal de scènes de pseudo-horreur spatiale et de mystère quantique. Et le réalisateur se contente de filmer son joli décor en se prenant pour Ridley Scott, tant certaines séquences rappellent furieusement le premier Alien. Sauf qu’ici, chaque scène semble indépendante du reste du film : on accumule les morts sans qu’il y ait la moindre relation causale. Les séquences sont placées les unes à la suite des autres sans être reliées entre elles. Le but est de montrer des gens mourir sans la moindre logique scénaristique.

Si ces scènes se contentaient d’être mauvaises, ce serait presque bien. Mais non, elles vont beaucoup plus loin que cela et le film s’enfonce joyeusement dans le ridicule lorsqu’un homme d’équipage plaisante au sujet de son bras sectionné, lequel bras continue à vivre sa vie tout seul de son côté.

L’aspect « mystère » parvient parfois à sauver deux ou trois scènes. Toutefois, ne réussissant pas à faire aboutir cela sur quelque chose d’intéressant ou d’utile sur le plan de l’histoire, les scénaristes se sont contentés de noyer le tout sous un flot de mots qui font intelligents (« particules », « quantique », etc.) mais ne parviennent pas à cacher l’ineptie de l’ensemble.

La réalisation, quant à elle, se contente d’être plate. Là aussi, elle brille par son absence complète de la moindre idée de mise en scène. Julius Onah se révèle strictement incapable d’instaurer un minimum d’ambiance anxiogène. Du coup, les personnages ont beau hurler à l’écran, le spectateur regarde tout cela d’un œil totalement désintéressé.

Enfin, pour dire un mot du casting… Les acteurs font ce qu’ils peuvent dans une telle situation, mais ça ne va pas bien loin. Il faut juste noter la présence de Zhang Ziyi, seule tête d’affiche du film, qui doit sûrement sa présence dans le film à une volonté d’attirer le public chinois sans lequel un long métrage ne peut plus être un succès international de nos jours.

Bref, The Cloverfield Paradox est raté d’un bout à l’autre, et il n’y a franchement pas grand chose pour sauver l’ensemble. Ce qui est d’autant plus dommage que la saga Cloverfield offre de nombreuses possibilités aux différents cinéastes. Mais, pour cela, il faudrait avoir un brin d’imagination, ce qui est totalement absent ici.

The Cloverfield Paradox : bande annonce

The Cloverfield Paradox : Fiche Technique

Réalisateur : Julius Onah
Scénario : Oren Uziel, Doug Jung
Interprètes : Gugu Mbatha-Raw (Hamilton), Daniel Brühl (Schimdt), John Ortiz (Monk), Chris O’Dowd (Mundy), Aksel hennie (Volkov), Zhang Ziyi (Tam).
Musique : Bear McCreary
Photographie : Daniel Mindel
Montage : Alan Baumgarten, Matt Evans, Rebecca Valente
Production : J. J. Abrams, Lindsey Weber
Société de production : Bad Robot, Paramount Pictures
Société de distribution : Paramount Pictures
Genre : science-fiction
Durée : 102 minutes
Date de sortie : 05 février 2018 (Netflix)

États-Unis – 2018