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C’est avec beaucoup d’intelligence et de justesse que Vent du Nord, le premier long métrage du cinéaste tunisien Walid Mattar, pose les questions liées au travail dans un monde sans frontières.

Une usine qui délocalise. Des ouvriers qui manifestent et prennent leur patron en otage. Des CRS qui chargent. Des fumigènes d’un côté contre des gaz lacrymogènes de l’autre. Et finalement des machines-outils qui partent dans des camions, laissant les locaux de l’usine désespérément vides. Le cinéaste tunisien Walid Mattar, dont Vent du Nord est le premier long métrage, joue habilement sur des images déjà vues et revues, synonymes de détresse sociale.

Mais son film, justement, ne sombre pas dans la détresse. Comme Hervé, cet ouvrier du Nord qui a accepté un plan de départ volontaire contre une certaine somme d’argent (30 000 Euros pour 32 ans de carrière : comme il le dit, « ça fait pas cher l’année »). Hervé, il a une idée derrière la tête : avec cet argent, il achète un petit bateau et va concrétiser ce que l’on devine être un rêve déjà ancien : devenir pêcheur. Faire de sa passion pour la pêche une activité professionnelle.

Mais tout le monde n’a pas forcément un projet comme le sien. Et c’est avec beaucoup de justesse que Walid Mattar nous montre les ouvriers déchirés entre les fatalistes qui acceptent ce qui se passe et ceux qui veulent se battre pour préserver leur emploi, même si le combat est perdu d’avance. Et c’est toute la place du travail qui est posée ici, une question qui traversera tout le film. Le travail occupe une position paradoxale, à la fois indispensable et secondaire. Indispensable pour espérer vivre décemment, mais, lorsque l’on a un travail, il est de bon ton de s’en plaindre, de le dénigrer, comme ce patron de bistrot qui en a « plein les bottes ». Il faut avoir un travail pour ne pas s’en inquiéter. Et le film de nous interroger sur la place que nous accordons au travail, le nôtre bien, sûr, mais aussi celui des autres.

Car nous allons suivre le conteneur qui emmène les machines de l’usine délocalisée vers la Tunisie, où elle trouve un nouvel emplacement. Il ne s’agit bien entendu pas ici d’opposer les travailleurs français aux travailleurs tunisiens. Au contraire, en quelques plans, Walid Mattar nous place aux côtés de Foued, l’ouvrier qui occupe le poste qu’avait Hervé. Très vite nous sympathisons avec lui, personnage un peu rêveur (car amoureux de la belle Karima), pas toujours motivé, mais qui a besoin du travail pour soigner sa mère malade.

Le spectateur comprend vite ce qui sera le ressort scénaristique principal de Vent du Nord : la trajectoire parallèle des deux ouvriers, de chaque côté de la Méditerranée. Hervé et Foued vont avoir un parcours identique. Ils vont avoir des espoirs en même temps. Ils vont avoir des doutes, et même des déceptions. Tout cela, par un habile jeu de construction, se déroulera en même temps.

La réalisation va aussi créer des effets miroirs entre les deux lieux où se déroulent le film : présence de la mer, la plage, le poisson, les bateaux, la pêche, autant de détails qui vont tisser des liens et densifier le parallèle entre les deux personnages.

Sous bien des aspects, Vent du Nord est un digne descendant des films de Ken Loach. Ne sombrant jamais dans le misérabilisme, le film n’hésite pas cependant à observer à la loupe les obstacles qui se mettent sur le chemin de ses personnages. Et, ce faisant, il en profite pour décrire avec justesse les conditions de travail dans un monde sans frontières.

Car l’image des frontières, des clôtures, est très importante dans le film. Les barrières qui clôturent l’usine, les portes que ferment les ouvriers pour empêcher leur patron de sortir, le fils d’Hervé qui va s’enfermer volontairement derrière les grilles militaires : d’un certain côté, ces différentes représentations de la fermeture profitent aux ouvriers, elles sont des protections, elles rassurent. Face à cela, il y a l’ouverture des frontières. Une ouverture qui permet les délocalisation, qui met en concurrence les ouvriers, qui sert d’excuse au patronat pour augmenter ses bénéfices. Mais une ouverture qui permet aussi de faire voyager les personnes, légalement ou illégalement.

Ainsi, petit à petit, le film va développer d’autres thèmes secondaires : le tourisme comme nouvelle forme de colonialisme ; le rôle du libéralisme dans l’immigration clandestine ; les obstacles administratifs qui s’opposent à l’initiative personnelle. Finalement, Walid Mattar nous décrit un système qui pousse à agir en marge de la légalité. « Tu te crèves pour rien, il n’y a rien de mieux que la débrouille », dira Chiheb à Foued. Là aussi, on se retrouve devant un thème typiquement loachien.

Pour son premier long métrage, Walid Mattar signe un beau film. Les personnages sont attachants, la construction en allers-retours des deux côtés de la Méditerranée est parfaitement maîtrisée et le scénario nous incite à réfléchir sur notre perception du travail, non pas en nous donnant des réponses toutes faites mais en nous mettant face à des questions. Un bon film politique qui sait éviter les grands débats stériles pour se concentrer sur l’essentiel : l’humain.

Synopsis : ouvrier dans une usine de chaussures dans le Nord, Hervé accepte de partir contre une somme versée par la direction, ce qui provoque la colère de ses collègues. Malgré l’opposition des syndicats, l’usine est délocalisée en Tunisie, où le jeune Foued reprend le poste de Hervé. Il espère ainsi pouvoir soigner sa mère et conquérir le cœur de la belle Karima.

Vent du Nord : bande-annonce

Vent du Nord : fiche technique

Réalisateur : Walid Mattar
Scénario : Leyla Bouzid, Claude Le Pape, Walid Mattar
Interprétation : Philippe Rebbot (Hervé), Mohamed Amine Hamzaoui (Foued), Corinne Masiero (Véronique), Abir Bennani (Karima)
Photographie : Martin Rit
Montage : Lilian Corbeille
Musique : Malek Saïed
Production : Saïd Hamich
Sociétés de production : Barney Production, Hélicotronc
Sociétés de distribution : KMBO
Genre : drame social
Durée : 91 minutes
Date de sortie : 28 mars 2018

France-Tunisie- 2018

S’il n’y a rien d’original à adapter l’épisode biblique de la Passion du Christ, dont les versions toujours polémiques pullulent au cinéma, le défi pour chaque nouveau réalisateur qui s’y frotte réside dans le traitement qu’il fera de cette histoire déjà connue de tous. Marie Madeleine, au carrefour d’influences cinématographiques marquées, parvient en ce sens à tracer sa propre voie.

Synopsis : Marie Madeleine est un portrait authentique et humaniste de l’un des personnages religieux les plus énigmatiques et incompris de l’histoire. Ce biopic biblique raconte l’histoire de Marie, une jeune femme en quête d’un nouveau chemin de vie. Soumise aux mœurs de l’époque, Marie défie les traditions de sa famille pour rejoindre un nouveau mouvement social mené par le charismatique Jésus de Nazareth. Elle trouve rapidement sa place au cœur d’un voyage qui va les conduire à Jérusalem.

Après avoir réalisé Lion l’an dernier, son premier film, Garth Davis change totalement de registre et part à l’assaut d’un biopic bien plus dangereux. En effet, il est périlleux de parler d’événements bibliques en tant qu’ils mêlent toujours mythe et réalité historique. Dès lors, les questions de la fidélité religieuse et de l’interprétation de l’épisode mis en scène passent avant toute performance cinématographique, pouvant jusqu’à condamner un film à elles seules. Malgré les dangers d’une telle entreprise, Garth Davis décide d’inscrire son récit dans une réflexion à deux niveaux : explicitement religieuse et intemporelle, implicitement féministe et moderne.

La première question que l’on se pose, avant même d’entrer en profondeur dans le film, concerne le choix de Marie comme prisme pour raconter l’histoire de Jésus : cela apporte-t-il quelque chose ? Déjà, il faut savoir que Marie Madeleine est un personnage historique polémique et problématique : longtemps assimilée à une pécheresse, voire à une prostituée possédée par des démons, elle fut finalement réhabilitée avec le temps. Elle incarne une figure de femme émancipée, libérée des codes sociaux et religieux de son époque, qui refuse que sa vie soit dictée par les hommes, responsable de sa propre volonté et de ses choix. Le film propose donc une réflexion qui dépasse le simple récit biblique en s’inscrivant dans des questionnements sociaux actuels qui en aucun cas ne contredisent la réalité historique ni ne sombrent dans le piège de l’anachronisme. Un équilibre délicat mais réussi qui devient une force évidente du métrage.

Marie Madeleine est une longue errance métaphysique et contemplative, narrée par une voix off qui chuchote ses questionnements à l’oreille d’un spectateur directement impliqué. En cela, le film est éminemment « malickien » dans sa forme ; un choix qui divisera d’emblée, à n’en pas douter. Autre influence visible, le questionnement sur Dieu qui se rapproche de celui développé par Scorsese dans Silence (2017) : les personnages s’interrogent sur comment connaître Dieu, comment sentir sa présence et comment entendre sa Parole. Ils sont hantés par la peur d’une foi qui ne serait qu’apparence et illusion, cachée derrière des rites, cérémonies, sacrifices et prières qui détournent de la pure et simple contemplation de Dieu. Dans ce monde où les pièces d’or achètent le pardon, dans ce monde où tout ce décorum superfétatoire est de plus en plus bruyant, Marie Madeleine prône le retour au silence et à l’écoute de Dieu, incarnant une forme de pureté spirituelle et de dépouillement en adéquation avec la parole du Christ.

Pour mettre en scène ces réflexions, Garth Davis propose une réalisation intelligente et la plupart du temps symbolique. Les gros plans sur les visages sont omniprésents, souvent filmés par une caméra-épaule tremblante, avec une mise au point telle que les arrières-plans deviennent flous et indiscernables : on illustre ainsi la perte de repères des personnages, l’informité et l’opacité de leur esprit en plein doute, en plein vertige métaphysique. D’ailleurs, les personnages déambulent continuellement dans de grandes plaines désertiques, nature vide et immobile qui représente le désert spirituel qu’ils traversent en eux-mêmes, à la recherche d’un signe ou d’un guide. Cette recherche d’une lueur divine au milieu de ces terres désolées est accentuée par le travail important sur la lumière, dont les sources sont toujours très faibles et vacillantes (d’une bougie à un timide rayon de soleil perçant, en passant par un feu de camp) comme pour souligner que la foi véritable est une flamme fragile à préserver, perdue au milieu d’une religion de la mise en scène et du spectacle, froide et inerte.
Marie Madeleine est un film organique, à la fois sain et malade. Se dégage d’un côté la pureté de Marie, sa blancheur, sa quiétude méditative ; et de l’autre la souffrance des vieillards, la saleté des misérables, la faim des enfants, les cris glaçants des femmes déchirant le silence. La mort, la violence et la désolation sont partout et accentuent le questionnement sur le Bien et le Mal, sur cette fin des temps annoncée qui semblent enfin approcher.

L’ambiance sonore est également réussie, avec un essoufflement constant des personnages, une respiration anarchique qui appuie les mouvements frénétiques d’une caméra qui parfois s’emballe. La musique lancinante accompagne l’errance, tout comme le bruit constant des vagues et du vent qui peut là encore symboliser une forme d’ébranlement spirituel. Grâce à cette réalisation perfectionniste, le film prend vie et devient la mise en abîme formelle de son propre contenu, de ses propres thématiques. En cela, le spectateur est plongé  au cœur d’une expérience extatique déroutante.

Mais ce qui d’un côté fascine peut de l’autre ennuyer. La lenteur et l’hermétisme volontairement exacerbés ont de quoi rebuter si l’on n’entre pas entièrement dans le récit. Là où Silence parvenait à maintenir un questionnement perpétuel chez le spectateur, Marie Madeleine se perd parfois dans ses divagations religieuses : on ne comprend pas toujours ce que veulent les personnages, ce qui les motivent à agir de telle ou telle façon. Si le film flirte souvent avec les frontières de l’ennui, il est sauvé par de nombreuses scènes marquantes et un casting convaincant : Joaquin Phoenix en Jésus de Nazareth est aussi impénétrable qu’hypnotique, et Rooney Mara semble décidément faite pour ce genre de films (cf Song to Song, A Ghost Story) où son regard et sa prestance suffisent à nous ensorceler. Les scènes finales prouvent combien les performances d’acteur sont remarquables, l’entièreté des sentiments ineffables trouvant son mode d’expression dans leurs seuls yeux, à la fois point d’orgue, de rencontre et de séparation.

Marie Madeleine est une expérience difficile à évaluer, capable d’ennuyer comme de fasciner sans que l’on sache jamais vraiment de quel côté on se trouve. Ce qui est sûr, c’est que ces deux heures poussent à la réflexion, à l’implication totale du spectateur, et en cela c’est une proposition de cinéma réussie. Visuellement époustouflant, porté par des acteurs impériaux, Marie Madeleine divisera assurément, de par l’austérité radicale de sa forme et l’opacité de son propos, et ce malgré des échos aux enjeux sociaux d’aujourd’hui dont on ne peut que saluer le traitement. Autrement dit, un film qui sera admiré comme détesté pour des raisons valables d’un côté comme de l’autre : à vous de vous abandonner ou non à ce long pèlerinage contemplatif qui, finalement, se vit plus qu’il ne s’explique.

Bande-annonce : Marie Madeleine

https://youtu.be/eadeEXie810

Fiche technique : Marie Madeleine

Titre original : Mary Magdalene
Réalisation : Garth Davis
Scénario : Helen Edmundson, Philippa Goslett
Interprétation : Rooney Mara, Joaquin Phoenix, Tahar Rahim, Chiwetel Ejiofor
Durée : 120 minutes
Genre : Biopic, historique
Date de sortie : 28 mars 2018

États-Unis – 2018

Dans une industrie ayant cessé de rêver depuis belle lurette et qui se contente d’appliquer vainement de la nostalgie partout, Ready Player One avait tout du projet opportuniste. C’était sans compter sur Steven Spielberg, dont la lucidité et le recul auront vite fait de transformer ce divertissement en un tour de force technique doublé d’un cri du cœur (subversif) à son public : les rêveurs.

A la vue de Ready Player One, certains ne se priveront pas pour maugréer que Steven Spielberg a joué la carte de l’opportunisme, en transposant à l’écran ce que Stranger Things tente de faire sur Netflix ; a savoir un concentré hardcore de référence aux 80’s pour appâter le chaland et admettre en sous-texte la déchéance d’idée qui sévit sur le milieu. Ce que ces mêmes gens ignorent en affirmant une telle idée, c’est bien deux choses : la première, c’est que Spielberg n’a pas grandi avec les références évoquées dans le best-seller à l’origine du film. Pour certaines, il les a même créées. La deuxième, c’est qu’en bon conteur qu’il est, ses films ne sont pas que de simples divertissements bien troussés. Un constat d’autant plus vérifiable avec son récent Pentagon Papers (tourné pendant la longue post-production de Ready Player One), dont l’existence même agit en réponse aux fake news colportées par Donald Trump. Dès lors, difficile de voir en cette adaptation une quelconque volonté de surfer sur la vague, voire même un regard de fan de la part de Spielberg mais plutôt un regard SUR les fans avides des images qu’il a lui-même façonnées il y a de ça 30 ans avec l’avènement d’Amblin.

Le divertissement Amblin des années 2010’s

Ça n’est d’ailleurs pas un hasard si le film, dans une sobriété étonnante, s’ouvre avec le logo du studio phare de Spielberg. Car derrière, se cache encore l’envie pour le réalisateur de 71 ans de divertir, qui plus est au biais d’une recette ayant déjà fait ses preuves. Amblin, après tout, c’est la figure enfantine qui se rebelle, la camaraderie, l’optimisme, l’espoir, le tout enrobé dans un cocktail fluide et dynamique qui exalte le petit spectateur qui réside en chacun de nous. De quoi directement instaurer sur l’histoire, bien qu’écrite par un tiers – Ernie Cline – un parfum spielbergien. Quasi idiosyncrasique. Après tout, il y est question d’un jeune garçon obligé de mûrir (comprendre ici se rebeller) pour lutter face à une figure totalitaire – IOI – contre laquelle il va user de sa meilleure arme : l’imagination. Mieux encore, la culture populaire. Et dans un sens, ça rejoint toute l’ambition de Spielberg qui, dans un récit que d’aucuns s’accorderaient à dire balisé, cultive le sens de l’oxymore avec une rare acuité. Il mêle dystopie et utopie dans un même élan, étant persuadé que la première n’existe que pour être combattue par la seconde. Un constat d’autant plus vrai à la vue de son premier morceau d’action – une course poursuite motorisée – mettant à l’amende 95% de ce que produit Hollywood.

Scène virevoltante si elle en est car conjuguant dans une énergie vivifiante autant trop-plein de références, lisibilité que jouissance, elle est surtout l’occasion pour le natif de Cincinnati de montrer qu’il n’a non seulement pas perdu la main pour divertir la masse mais surtout qu’il a bien l’intention d’éblouir si ce n’est de révolutionner le médium cinéma. Cela se voit dans l’usage qu’il fait de l’OASIS, véritablement monde de tous les superlatifs, ou l’on peut devenir qui l’on veut et qui, à ce titre, embrasse toutes les embardées de son récit sans jamais tomber dans le travers de l’univers puant le fond vert. Mais aussi soigné puisse être la résolution de cet OASIS, il n’est après tout qu’un simulacre servant à alimenter le vrai propos de Ready Player One : le poids des rêves à l’ère du divertissement doudou.

Un cri du cœur subversif de Spielberg à son public

Car là où beaucoup aimeraient y voir un réalisateur trop content d’user des marques établies par ses pairs (King Kong, Last Action Hero, Akira), d’autres y verront un cinéaste soucieux de l’héritage qu’il laisse et plus encore du poids de celui-ci. On l’a dit, Spielberg n’a pas grandi avec les références largement usitées dans son film, au pire il les as crées. Et ce détail a une importance capitale ici en ce qu’il peut oser émettre un regard si ce n’est une critique sur ce courant. Loin de réfuter l’image qu’il a auprès du public (après tout il signe encore une fois un divertissement référentiel et populaire), il met surtout en garde contre ce qui fait la substance de l’OASIS. Il a beau ne pas la dénigrer en terme d’entité, puisqu’il met en scène des personnages de sexualité/nationalité différente du tout venant du blockbuster, mais il délivre un message pour le moins subversif à l’égard de ce qui fait le fonds de commerce de l’OASIS : les souvenirs. C’est d’autant plus vrai à la vue de la première scène d’action du film ou certains piliers de la pop-culture en viennent non pas à agrémenter un décor d’un New-York dystopique mais à inquiéter physiquement voire menacer les joueurs. Là se pose finalement le regard subversif de Spielberg : il est conscient de l’héritage qu’il laisse, d’où le qualificatif de film somme qui plane sur ce Ready Player One, mais il sait tout aussi bien que les souvenirs et les références sont dangereuses à l’heure où le monde n’a jamais été aussi mal. Difficile donc à la fin du visionnage de RPO de ne pas voir dans ce monde de 2045 un univers dystopique dangereusement plausible dans lequel Spielberg, non dénué de malice, invite, voire incite fortement son audience à dépasser ces références. A s’en créer de nouvelles, à regarder vers le futur en somme et non plus le passé. Et finalement à stimuler/développer ce qui est le propre de l’OASIS : les contacts humains. Après tout, comme tous les personnages ont l’air de le dire de manière implicite via leur actions : ceux qu’on aime sont plus importants que ce qu’on aime.

Outre de convoquer un plaisir d’une intensité/fluidité tel qu’il renvoie le reste d’Hollywood à sa propre médiocrité, Ready Player One se double d’une lucidité et d’une générosité qui l’installe non seulement comme l’un des blockbusters les plus euphorisants de ces dernières années mais comme l’un des plus réfléchis et personnels de son auteur. Chef d’œuvre !

Ready Player One : Bande-annonce 

Synopsis : 2045. Le monde est au bord du chaos. Les êtres humains se réfugient dans l’OASIS, univers virtuel mis au point par le brillant et excentrique James Halliday. Avant de disparaître, celui-ci a décidé de léguer son immense fortune à quiconque découvrira l’œuf de Pâques numérique qu’il a pris soin de dissimuler dans l’OASIS. L’appât du gain provoque une compétition planétaire. Mais lorsqu’un jeune garçon, Wade Watts, qui n’a pourtant pas le profil d’un héros, décide de participer à la chasse au trésor, il est plongé dans un monde parallèle à la fois mystérieux et inquiétant…

Ready Player One : Fiche technique

Réalisateur : Steven Spielberg
Scénario : Ernest Cline et Zak Penn, d’après Player One d’Ernest Cline
Casting : Tye Sheridan, Mark Rylance, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, Simon Pegg, T.J Miller, Lena Waithe, Hannah John-Kamen, Letitia Wright, McKenna Grace…
Direction artistique : Mark Scruton
Décors : Adam Stockhausen
Costumes : Kasia Walicka-Maimone
Photographie : Janusz Kaminski
Montage : Michael Kahn
Musique : Alan Silvestri
Production : Steven Spielberg, Donald De Line, Dan Farah et Kristie Macosko Krieger ; Adam Somner (associé)
Sociétés de production : Amblin Partners, Amblin Entertainment, De Line Pictures, Farah Films & Management, Reliance Entertainment, Village Roadshow Pictures et Warner Bros.
Société de distribution : Warner Bros.
Format : couleur
Genre : science-fiction
Durée : 140 minutes
Dates de sortie : 28 mars 2018

États-Unis – 2018