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Thierry Frémaux avait promis de beaux portraits de femmes pour cette 72ème édition du Festival de Cannes, entre celui de Céline Sciamma et ce dernier de Justine Triet, c’est parole tenue. Sibyl met en scène le duo surprenant mais pas moins complémentaire Adèle Exarchopoulos et Virginie Efira.

Ce qui convainc directement dans Sibyl c’est le montage fluide avec lequel le film passe d’une temporalité à une autre, les faisant se confondre avec une grande délicatesse que Virginie Efira permet également par son jeu. Du fantôme d’un grand amour aux rencontres dont s’extrait de la quasi-obsession, l’actrice campe un rôle qui ressemble fortement à celui qu’elle avait déjà dans Victoria. Une femme dans une grande errance sentimentale pour laquelle la psychothérapie a une grande importance, qui nous permet de suivre ces réflexions les plus intimes.

Ici, c’est au travers d’un jeu de miroir entre Sibyl et Margot que l’étrange psyché prend sa place. Du plateau de tournage où les rôles se confondent et se mêlent à l’amant qui devient commun, les deux jeunes femmes offrent au public un lien assez intriguant qu’elles portent à merveille à l’écran. Drôle et pourtant sérieux, Justine Triet livre de jolis moments de dialogue que les actrices ont su s’approprier avec un naturel qu’on leur connaît. Si certaines scènes paraissent parfois un peu surfaites à l’image de celle où Sibyl répète les répliques de Margot, d’autres marquent par leur ingéniosité et leur justesse comme celle où Sibyl s’improvise réalisatrice et donne les directives aux deux acteurs dans une scène de sexe puissante. Les films dans le film sont rarement passionnants au cinéma dans leur manière d’aborder la création mais dans Sibyl, il se révèle être le point d’ancrage de multiples thèmes et tons, qui font de ce film une petite réussite. Cependant, la multiplicité des aspects fera s’égarer un peu l’oeuvre qui par l’art de la surenchère et du désir de vouloir trop en raconter, nuit à l’intrigue de base. Comme dans Victoria, les réflexions que propose Justine Triet sur le rapport entre cette femme et sa réalité sont passionnantes. Comment trouver une place dans ce monde, comment s’adapter à ce qui nous entoure ? Sibyl est dans la lignée du précédent avec davantage de fond et d’ambition là où Victoria était bancal, Sibyl est un joli portrait très juste.

Sibyl : Bande-annonce

Synopsis : Sibyl est une romancière reconvertie en psychanalyste. Rattrapée par le désir d’écrire, elle décide de quitter la plupart de ses patients. Alors qu’elle cherche l’inspiration, Margot, une jeune actrice en détresse, la supplie de la recevoir. En plein tournage, elle est enceinte de l’acteur principal… qui est en couple avec la réalisatrice du film. Tandis qu’elle lui expose son dilemme passionnel, Sibyl, fascinée, l’enregistre secrètement. La parole de sa patiente nourrit son roman et la replonge dans le tourbillon de son passé. Quand Margot implore Sibyl de la rejoindre à Stromboli pour la fin du tournage, tout s’accélère à une allure vertigineuse…

Le film Sibyl, de Justine Triet est présenté en compétition au Festival de Cannes 2019

Avec Adèle Exarchopoulos, Virginie Efira, Niels Schneider, Gaspard Ulliel
Genre : comédie dramatique
Durée : 1h40
Distribution : Le Pacte
Sortie : 24 mai 2019
FRANCE

Le dernier jour de cette 72ème édition du Festival de Cannes a sonné et la rédaction en a profité pour faire un classement des films vus toutes sélections confondues. Avant que Alejandro González Iñárritu et son jury remettent ce soir la fameuse Palme d’Or, nos rédacteurs Sebastien Guilhermet, Gwennaëlle Masle et Jules Chambry ont eux aussi décidé de faire leur palmomètre.

Notre Palmomètre : 

Gwennaëlle Masle :

Palme d’Or : Portrait de la jeune fille en feu, de Céline Sciamma
Grand Prix : Une vie cachée, de Terrence Malick
Prix du Jury : Douleur et Gloire, de Pedro Almodovar
Prix d’interprétation masculine : Xavier Dolan, dans Matthias et Maxime
Prix d’interprétation féminine : Adèle Exarchopoulos dans Sibyl
Prix de la mise en scène : Les misérables, Ladj Ly
Prix du scénario : Parasite, de Bong Joon-Ho
Caméra d’Or : Papicha, de Mounia Meddour
Queer Palm : Portrait de la jeune fille en feu, de Céline Sciamma

Sébastien Guilhermet :

Palme d’Or : Une vie cachée, de Terrence Malick
Grand Prix : Once Upon a Time in Hollywood, de Quentin Tarantino 
Prix du Jury : Les Misérables, de Ladj Ly
Prix d’interprétation masculine : Roschdy Zem, dans Roubaix, une lumière
Prix d’interprétation féminine : Adèle Haenel et Noémie Merlant, dans Portrait de la jeune fille en feu
Prix de la mise en scène : Le lac aux oies sauvages, Diao Yinan
Prix du scénario : Parasite, de Bong Joon-Ho
Caméra d’Or : J’ai perdu mon corps, de Jérémy Clapin
Queer Palm : Portrait de la jeune fille en feu, de Céline Sciamma

Jules Chambry : 

Palme d’Or : Une vie cachée, de Terrence Malick
Grand Prix : Portrait de la jeune fille en feu, Céline Sciamma
Prix du Jury : Parasite, de Bong Joon-Ho
Prix d’interprétation masculine : Pierfrancesco Favino, dans Le Traître
Prix d’interprétation féminine : Noémie Merlant, dans Portrait de la jeune fille en feu
Prix de la mise en scène : Le Lac aux oies sauvages, de Diao Yi’nan
Prix du scénario : Bacurau, de Juliano Dornelles et Kleber Mendonça Filho
Caméra d’Or : J’ai perdu mon corps, de Jérémy Clapin
Queer Palm : Portrait de la jeune fille en feu, de Céline Sciamma

Nos coups de cœur : 

Gwennaëlle Masle :

1) Portrait de la jeune fille en feu, de Céline Sciamma (Compétition)

Avec Portrait de la Jeune Fille en Feu, Céline Sciamma offre un film bouleversant et d’une grande intelligence visuelle. Noémie Merlant et Adèle Haenel sont à couper le souffle. C’est beau, pur, rempli de grâce et d’amour pour l’art. la réalisatrice nous fait revivre nos amours les plus inspirants. Immense coup de cœur.

2) Une Vie Cachée, de Terrence Malick (Compétition)

Il est de ces moments suspendus qui font un Festival, Une Vie Cachée est très clairement le chef d’œuvre de la 72ème édition du Festival de Cannes. Du très grand Malick, probablement son meilleur. Une émotion grandiose portée par un acteur qui mérite cent fois la récompense et une photographie inégalable.

3) Papicha, de Mounia Meddour (Un Certain Regard)

Papicha a été le premier coup d’éclat de la sélection Un Certain Regard, un grand tour de force algérien au féminin. Armé de résistance, avec une héroïne captivante qui porte le film d’une main de maître, c’est un premier film qui marque. Aussi rayonnant que révoltant, Mounia Meddour donne à vivre et à créer. Frappant.

4) Parasite, de Bong Joon-Ho (Compétition)

Parasite est le genre de moment jouissif dont un Festival a besoin pour respirer. Regorgeant d’humour et d’une alternance de tons formidables, le film est un véritable divertissement, dans ces moments sombres où l’humour prend toute sa place.

5) Douleur et Gloire, de Pedro Almodovar (Compétition)

Intimiste, introspectif, sensible, Douleur et Gloire présente un Almodovar délicat, rempli de sagesse et de tendresse autant envers ses acteurs que son passé. Un joli voyage dans la vie du cinéaste à travers un Antonio Banderas plus que convaincant.

Sébastien Guilhermet :

1) Une Vie Cachée, de Terrence Malick (Compétition)

Le cinéaste américain est à son meilleur et arrive à trouver le parfait équilibre entre la narration de ses premiers films et ses expérimentations visuelles actuelles. Une vie cachée est une mélodie, une symphonie céleste, un astre d’une autre galaxie venu nous émerveiller de toute son humanité. Incroyable.

#Cannes2019 : Malick signe un retour miraculeux. #UneVieCachée voit circuler en lui ce qui fait la sève du cinéaste, avec tout de même, le retour d’une narration propice à l’émotion. August Diehl est sensationnel. Beau, déchirant. pic.twitter.com/4lOQrhNzLe

— Velvetman (@velvetmannn) May 19, 2019

2) Once Upon a Time in Hollywood, de Quentin Tarantino (Compétition)

Once Upon a Time in Hollywood, qui ressemble à un frère éloigné d’Inherent Vice de Paul Thomas Anderson, est un film de personnages et de lieux. Quentin Tarantino n’a pas raté ses retrouvailles avec Cannes tant son film est une épopée aussi simple, passionnante que baroque qui, tristement, ne cesse de déclarer sa flamme au cinéma de genre qui a vu naître en lui le cinéaste qu’il est devenu.

3) Parasite, de Bong Joon Ho (Compétition)

Le film est d’une précision chirurgicale et comme Le Lac aux oies sauvages, reste un morceau de cinéma qui réussit tout ce qu’il entreprend tant la profondeur de champ de Parasite s’avère vaste. De par sa mise en scène qui cloisonne parfaitement son espace pour faire de la maison où se passe la majorité du film un terrain de jeu glaçant et vertigineux, de par sa direction d’acteur époustouflante et de sa violence incandescente, Parasite est un bijou noir.

4) Viendra le feu, de Oliver Laxe (Un Certain Regard)

Présenté à la section Un Certain Regard du Festival de Cannes 2019, Viendra le feu d’Oliver Laxe a marqué un grand coup. Le film est une longue errance dans la campagne espagnole, naturaliste et introspective, qui finira par s’évanouir dans les flammes du monde.

5) Une Grande Fille, de Kantemir Balagov (Un Certain Regard)

Kantemir Balagov nous éblouit avec un drame féministe d’une rare beauté picturale dans un monde d’après guerre mouvant et baroque. Après Tesnota, le jeune cinéaste montre toute sa panoplie esthétique et son immense direction d’acteurs. 

5) (ex aequo) J’ai perdu mon corps, de Jérémy Clapin (La Semaine de la Critique) 

Ce jeune film d’animation est une pépite. Ingénieux, percutant, sublime dans son animation basée sur le mouvement et l’emboitement narratif, J’ai perdu mon corps est un regard déstabilisant sur le deuil, la culpabilité que cela occasionne et la reconstruction sociale et sentimentale d’une vie. Magnifique.

Jules Chambry : 

1) Une vie cachée, de Terrence Malick (Compétition)

La possibilité de voir Malick revenir à une narration linéaire comme à ses débuts tout en conservant forcément une part de réflexions philosophico-religieuses était à la fois alléchante et effrayante, l’équilibre risquant d’être compliqué à trouver. Pari réussi, tant Une vie cachée éblouit par sa beauté : ses acteurs, ses plans naturalistes, son histoire d’amour, son discours transversal sur la foi – tout est sublime. Malick accouche de l’une des œuvres les plus complètes et mémorables de sa filmographie. Chef-d’œuvre.

2) Portrait de la jeune fille en feu, de Céline Sciamma (Compétition)

Tout en pudeur et retenue, Portrait de la jeune fille en feu laisse bouche bée devant la force dévastatrice de ses non-dits, de ses regards furtifs et de son final qui est peut-être le plus déchirant du festival. Et à côté de la réalisation – osons le dire – parfaite, Adèle Haenel et Noémie Merlant boulversent et  mériteraient toutes deux le Prix d’interprétation féminine.

3) Parasite, de Bong Joon-Ho (Compétition)

Parasite est sans doute le film qui aura fait l’unanimité sur la Croisette cette année. Son scénario est sans doute le plus intelligent et intelligemment articulé de ce cru 2019, dégageant une profondeur thématique en même temps qu’une légèreté et qu’une fluidité ouvrant les portes à tous les publics. Un mélange des genres atteignant une alchimie parfaite. Le meilleur film de son réalisateur depuis Memories of Murder.

4) Une Grande Fille, de Kantemir Balagov (Un Certain Regard)

Une Grande Fille avait tout pour concourir en Compétition ; il aura dû se contenter d’Un Certain Regard où Kantemir Balagov aura tout de même gagné le prix de la réalisation. C’était la moindre des choses, pour cette romance de guerre aussi émouvante qu’époustouflante dans sa mise en scène et sa palette de couleurs, et divinement bien interprétée.

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5) The Lighthouse, de Robert Eggers (Quinzaine des Réalisateurs)

Exercice de style indiscutablement réussi, The Lighthouse aura généré une hype assez impressionnante sur la Croisette. Sans date de sortie, le nouveau film de Robert Eggers a déjà convaincu ses fans et créé l’attente pour tous ceux qui suivaient d’un œil intrigué ce festival de Cannes 2019. Claque esthétique et prouesse de mise en scène en approche, moussaillons ! Vous n’êtes pas prêts à ce que ce duo Dafoe-Pattinson va vous faire vivre.

Alors que le nouveau film d’Abdellatif Kechiche, Mektoub My Love: Intermezzo vient d’embraser la croisette et créer en ce sens même une cohorte de débats plus enflammés les uns que les autres, un autre film du Festival de Cannes 2019 a retenu notre attention par son parti pris, sa capacité à mouvoir les corps et sa radicalité formelle : c’est Liberté d’Albert Serra, présenté dans la Section Un Certain Regard.

Les deux films, celui de Serra et celui de Kechiche, sont diamétralement opposés. L’un essaye de faire naître l’éclosion du désir, d’apprécier la lumière du pouvoir attractif de la jeunesse française et l’autre au contraire, s’enfouit dans la torpeur de la nuit pour pouvoir déterminer les limites d’un libertinage nocturne moribond et révélateur d’un monde qui s’écroule sous les pieds des personnages. L’un essaye de s’immiscer dans le réel,  la véracité des regards et l’autre tente avec aspérité et théâtralité de s’abandonner dans le tumulte d’un désir halluciné et déviant.

Liberté se vit comme une sorte de pièce de théâtre construite avec le minimum requis : la nuit, une forêt, des libertins. Ces éléments permettent au film de se suffire à lui-même, et de bâtir son ambiance sexualisée où la dépendance et la domination sexuelle vont changer de camp. Le film est très rêche, singulier dans sa manière de fabriquer sa narration : nous ne sommes pas dans Salo et les 120 journées de Sodome où Pasolini amorçait sa violence par un véritable propos politique et narratif. Là l’épure est la plus totale, on assiste à une nuit de débauche nocturne où les corps semblent autant se chercher que se détruire et où le réalisateur semble vouloir pousser le curseur encore plus loin au fil de la nuit. Cette nuit de débauche, ce jeu du chat et de la souris qui se joue beaucoup dans le hors champ, semble pourtant se mouvoir dans une certaine complaisance, où l’on suppose que le cinéaste veuille choquer pour choquer.

Pourtant à notre époque, est-ce vraiment si choquant que cela ? Le doute est permis. C’est d’autant plus flagrant que Liberté est parfois « bouffon » dans son phrasé : durant tous les moments où la sexualité et le désir farouche sont prononcés par les mots le film perd en puissance, en agilité sensuelle et s’octroie quelques sorties de route drolatiques – à leur insu – et faussement racoleuses sur ses tergiversations sur la scatophilie, la zoophilie et autres pratiques. Mais bizarrement, le charme, ou plutôt la fascination, l’attraction graphique du film prend le dessus sur le reste notamment grâce à envoûtement que procurent sa photographie et son ambiance mystique, qui convoquent autant Apichatpong Weerasethakul que Carlos Reygadas. Là où Kechiche cherche l’humain derrière le corps, Serra essaye de dépasser cette limite, de retrouver l’Homme à son état de nature et organique pour qu’il saisisse l’abandon et le partage. Avec cette vocation à y émettre la bestialité et l’animalité.

Liberté est radical, en perpétuel mouvement malgré sa caméra immobile, aussi abscons que nébuleux mais détient des fulgurances, de la poésie acide. C’est une discussion de corps qui s’éprennent de toute leur fougue mais aussi de leur impuissance : les corps sont parfois beaux, laids, disgracieux ou proprement naturels. Liberté d’Albert Serra est une séance d’hypnose et de répulsion imparable qui fait de son expérimentation et de sa provocation les parents d’une œuvre onirique, une plongée dans une sexualité sadienne, en quête d’imagination, moribonde et presque impuissante.

Synopsis : Madame de Dumeval, le Duc de Tesis et le Duc de Wand, libertins expulsés de la cour puritaine de Louis XVI, recherchent l’appui du légendaire Duc de Walchen, séducteur et libre penseur allemand, esseulé dans un pays où règnent hypocrisie et fausse vertu. Leur mission : exporter en Allemagne le libertinage, philosophie des Lumières fondée sur le rejet de la morale et de l’autorité, mais aussi, et surtout, retrouver un lieu sûr où poursuivre leurs jeux dévoyés. Les novices du couvent voisin se laisseront-elles entraîner dans cette nuit folle où la recherche du plaisir n’obéit plus à d’autres lois que celles que dictent les désirs inassouvis ?

Le film Liberté est présenté dans la section Un Certain Regard au Festival de Cannes 2019

Avec Helmut Berger, Marc Susini, Baptiste Pinteaux
Genre : Expérimental
Distribué par Sophie Dulac Distribution
Date de sortie : Prochainement (2h00min)
Nationalités : Espagnol, Français

Ce n’était probablement pas arrivé depuis 2002 et Irréversible de Gaspard Noé, Abdellatif Kechiche dynamite le Festival avec un film plus que problématique. Mektoub my love : Intermezzo est l’objet de tous les débats, colères et extases des festivaliers depuis hier soir. Un scandale comme il est important de les vivre à Cannes, et pourtant cette fois, cela n’a rien de jouissif que d’avoir subi ce film, qui plus est en Compétition.

Si jusqu’à présent, le réalisateur avait déjà ses détraqueurs et n’avait jamais fait l’unanimité, son regard libidineux n’avait jamais été aussi clair et violent que dans ce second volet Mektoub my love : Intermezzo. Le fond même du scandale provoqué sur la Croisette, c’est l’énorme cas de conscience que pose cette projection et ce à quoi tout ce film fait appel dans chacun d’entre nous, distinguer le génie de certains choix esthétiques et forces cinématographiques du regard pervers que le réalisateur pose sur chacune de ses actrices. Au sujet de la place des femmes, on pourrait y voir comme dans le premier, une sublimation de la posture féminine qui s’expose librement sur les podiums d’une boîte de nuit, mais Kechiche ne magnifie plus le corps de ses actrices, il les utilise pour en dresser un portrait où le malaise règne et le vice avec.

La chose plus importante pour moi, était de célébrer la vie, l’amour, le désir, le pain, la musique, le corps et de tenter une expérience cinématographique la plus libre possible.

C’est ce que le réalisateur déclare en ouverture de la conférence de presse qui a suivi la projection, une ode à la vie comme le Canto Uno alors ?  Il n’en est rien, qu’un vulgaire rinçage de l’œil misogyne qui fera apprécier l’oeuvre à une majorité d’hommes et détester le même film à de nombreuses femmes qui se sentiront humiliées par cette image féminine.  « Quand on lève la tête dans Paris, on voit beaucoup de fesses » : était-ce une raison pour reprendre cette problématique vision de la femme dans les publicités dans tout un film ? Est-ce le même Kechiche qui déplore la morale de l’époque qui tente de rendre le harcèlement sexuel et la femme-objet érotique dans son film ? Au nom de la liberté artistique, tout semble permis au cinéma et le cinéaste se l’approprie dans une oeuvre vraiment abjecte.  Pendant le film et même le lendemain de sa projection à Cannes, les regards se croisent maladroitement, le malaise est palpable tant les avis s’opposent et même ceux qui ont apprécié le film se questionnent sur les raisons d’un tel attrait.

Il est bien vrai que les 3h30 de film semblent quelque peu envoûter, en grande partie grâce au naturel des acteurs, surtout d’Ophélie Bau qui livre une prestation assez percutante. Mais là encore, tout cela est finalement bien problématique. S’abandonner soi-même en laissant toute la liberté au regard du réalisateur, il fallait l’oser et l’assumer. Mais l’absence de l’actrice lors de la projection, du photo-call et de la conférence de presse donne tout de suite une nouvelle tournure aux événements. Le traumatisme est-il le même que pour les actrices de La vie d’Adèle ? Il serait primordial d’avoir les sentiments du casting féminin de ce film afin de saisir toute l’ampleur des scènes et du travail évoqué par Kechiche comme phénoménal. Il est vrai que dans le don de soi, le casting a mis la barre très haute. D’un point de vue purement cinématographique, faire twerker ses actrices durant trois heures en captant leurs courbes dans des contre-plongées qui ramènent encore à cette domination féminine, c’était déjà très osé. Mais qui domine qui ? Les acteurs à qui Kechiche ne cesse de vouer un culte ou le réalisateur lui-même, tortionnaire dans ses attentes et ses exigences. Lorsque durant la conférence de presse, il élude chacune des questions interrogeant avec intelligence sa manière de travailler ces scènes et qu’il précise même avoir interdit aux acteurs d’en parler, c’est quand même un drôle de sentiment de pouvoir malsain qui prend le dessus.

Le film est boiteux, rempli de vice et d’émotions dérangeantes où le vide prend parfois toute la place. Que ce soit dans les dialogues ou la mise en scène qui s’oublie parfois, Kechiche s’est égaré et humilié. Filmer une scène de sexe à la manière d’un porno raté dans les toilettes d’une boîte où la caméra ressemble à un smartphone filmant une sextape, c’était osé dans l’intention mais encore une fois symptomatique d’un voyeurisme écœurant de la part de Kechiche qui profite de la réalité (le couple Ophélie Bau/Romeo de Lacour) pour en faire une chronique de jeunesse emplie de désir mais qui ne parviendra qu’à dégoûter. Ils ont beau porter des toasts à l’amour, on n’y verra que du sexe, mais jamais masculin. Evidemment, si les hommes et les femmes étaient sexualisés de la même manière, on pourrait parler de grand coup de génie, mais là où le vice prend tout son sens c’est dans cette disparité des corps filmés. Pas une once de nudité chez les hommes du film, sur 3h30, on aperçoit deux torses durant quelques minutes et le réalisateur prend même un soin particulier à éviter le sexe d’Amin dans la scène finale où celui de Charlotte est, lui, frontalement exposé.

L’énergie sexuelle est telle qu’elle force le respect pour les acteurs, et surtout les actrices condamnées à danser durant des heures de la même manière où les corps fatigués et humides d’effort auraient pu être l’une des grandes forces du film si l’on ne sentait pas l’oeil perverti de la caméra. Kechiche se place comme photographe devant ses modèles, à l’instar d’Amin dans le film qui est probablement le personnage dont l’évolution est la plus répugnante puisqu’il devient finalement le double du réalisateur. Amin embrasse une fille et regarde les fesses des autres bouger ; présenté comme l’homme idéal, il ne sera finalement que le symbole même du voyeurisme et de la lâcheté alors qu’il était l’un des protagonistes les plus passionnants du premier volet, dans sa pudeur et sa timidité.

« Les femmes en avant » qu’ils disaient, et bien c’est un triste retour en arrière que de voir un tel film en Compétition. Alors rien que pour cela (mais aussi parce que c’est un chef d’oeuvre) Céline Sciamma mériterait amplement de repartir avec la Palme d’Or demain soir pour son Portait de la jeune fille en feu.

Synopsis : Dans les années 80, l’été d’un adolescent de quinze ans.

Le film Mektoub my love : Intermezzo d’Abdellatif Kechiche est présenté en compétition au Festival de Cannes 2019.

Avec Shaïn Boumedine, Ophélie Bau, Salim Kechiouche..
Genre : Comédie dramatique
Date de sortie : Prochainement
Durée : 3h32
Distributeur : Pathé
Nationalité Français

La Quinzaine des réalisateurs aime nous faire découvrir des talents ou des points de vue différents. Et ça tombe bien, car c’est le cas de Dogs Don’t Wear Pants de Jukka-pekka Valkeapää, un film qui voit dans le SM une heureuse façon de se sortir du guêpier qu’est le deuil et la dépression.

Quelques années après la mort de sa femme, Juha n’arrive toujours pas à surmonter le drame. Il se sent seul, et ne se détache pas du souvenir de sa femme. Lorsqu’il se branle, par exemple, il s’embaume du parfum de sa défunte épouse : une manière assez acide et glauque de concevoir la sexualité lors du processus du deuil. Comme s’il ne pouvait pas trouver du plaisir sans qu’elle ne soit encore présente ou sans que son souvenir ne puisse hanter l’inconscient de Juha. Tout comme elle hante les images du film où Juha s’imagine, dans des scènes extrêmement sensorielles, en train de nager ou de plonger avec elle dans les abimes du lac où elle s’est noyée.

A cet effet, le film marque son récit d’une drôle d’ironie : faire que Juha soit chirurgien spécialisé dans la cardiologie alors que lui-même a le cœur en vrac. Drôle de coïncidence, forcée mais évocatrice et c’est toute la thématique du film qui se recentre sur ce point d’ancrage : comment se raccrocher à la vie et déboutonner le costume d’une mort qui se rapproche à petit feu. Pourtant, alors qu’il accompagne sa fille à une séance de tatouage, il va découvrir l’arrière-décor de la boutique et tomber nez à nez avec une dominatrice SM, Mona. Il va alors entreprendre des séances avec Mona en se faisant étrangler avec un sac plastique sur la tête afin de trouver un état stationnaire où il pourra de nouveau retourner dans ses propres souvenirs et revoir enfin sa femme. Relation sentimentale déviante, récit initiatique, incrustations sensitives, beauté du cadre, fétichisme et imagerie du monde SM clinquantes mais qui n’ont pas froid aux yeux, scènes coup de poing, ironie noire et burlesque dans les dialogues : Dogs Don’t Wear Pants ne manque pas de qualités qui officient autant pour la construction de l’empathie envers les personnages que pour la tragédie qui se déroule sous nos yeux.

Pourtant, c’est indéniable, Dogs Don’t Wear Pants n’est pas de la trempe d’un David Cronenberg ou n’a pas les effusions aussi sanguinolentes, suicidaires et répulsives d’un film comme Dans ma peau de Marina de Van : certes la douleur est une passerelle vers la connaissance de soi, une main tendue vers l’abandon et vers une certaine ramification avec la vie, mais Jukka-pekka Valkeapää veut surtout montrer le pouvoir résilient de cette pratique. Sa femme est un fantôme qui emboîte ses pas durant l’intégralité de son quotidien : il rate le coche avec sa fille, s’isole à son travail où il est limite considéré comme un mort vivant et détruit malgré lui ses relations sentimentales. Même si parfois le film s’appesantit un peu trop sur une mise en scène un peu tape à l’œil,  aussi chromatique qu’esthétisée et met en lumière une deuxième partie de film qui semble perdre un peu de vue l’envergure et la puissance de son sujet, Dogs Don’t Wear Pants est avant tout un beau portrait, entre légèreté et détresse inconsolable, entre pudeur et violence, d’un homme en quête, non pas de sensation forte, mais dont le souhait principal est celui de retrouver le goût à la vie. De retrouver cet émoustillement vital et sensoriel, pour enfin, une fois pour toute, dire au revoir à sa femme et se reconstruire.

Synopsis : Juha a perdu son épouse, victime d’une noyade. Des années plus tard, incapable de surmonter cette tragédie, il vit replié sur lui-même. Sa rencontre avec Mona, une dominatrice, va modifier le cours de son existence. Koirat eivät käytä housuja explore le vertige des sentiments, entre la perte et l’amour.

Le film Koirat Eivät Käytä Housuja (Dogs Don’t Wear Pants) de Jukka-pekka Valkeapää, est présenté à la Quinzaine des Réalisateurs au Festival de Cannes 2019

Avec Ester Geislerová, Ilona Huhta, Jani Volanen, Krista Kosonen, Oona Airola, Pekka Strang…
Genres Drame, Thriller
Date de sortie Prochainement
Durée : 100 minutes
Nationalités Finlandais, Tchèque, Letton

La Quinzaine des Réalisateurs continue de proposer des moments riches en étrangeté après Zombi Child de Bonello qui avait quelque peu divisé les avis. Avec le film portugais Sem Seu Sangue, la matinée fut sanglante.

Le sang et l’amour se marient souvent très bien au cinéma, et le film d’Alice Furtado en est une nouvelle preuve. En alternant cinéma de genre et cinéma romantique, la réalisatrice portugaise offre un film plutôt ambitieux où le mélange des tons et son évolution fonctionnent bien mieux que dans Atlantique qui est en Compétition pour la Palme d’Or.

Si le début donne à contempler les sentiments amoureux, le sujet est finalement tout autre. Le titre original fait d’ailleurs sens « Sans ton sang » en portugais ramène à la tonalité plus mortuaire que l’œuvre prend rapidement. L’histoire d’amour est loin d’être banale. La romance installée au début est une jolie ballade amoureuse qui fait fondre le cœur, mais très vite s’installe une atmosphère bien changeante où le monde des vivants cohabite avec celui des morts au rythme d’une imagerie fluorescente chère à l’Amérique du sud.

« Je la trouvais belle sa maladie » c’est ce qu’un ami dit à Silvia et cette phrase semble résonner durant tout le film ensuite. Du désir à l’amour du sang comme écho de la passion, tout semble alors prendre sens dans son aspect mortuaire. Sem Seu Sangue est un voyage à travers les corps intérieurs où l’étrange est planant grâce aux sons électriques et à la tonalité cosmique que l’actrice principale apporte au film. L’ineffable, l’insaisissable est subtil mais le scénario manque parfois un peu de profondeur.

Sem Seu Sangue d’Alice Furtado : Bande-annonce

Synopsis : Silvia est une jeune fille introvertie lassée par son quotidien, entre famille et lycée. Elle semble chercher quelque chose qui la ferait se sentir plus vivante. Elle croit l’avoir trouvé en la personne d’Artur, un adolescent qui débarque dans sa classe après avoir été expulsé de plusieurs lycées. Silvia est fascinée par la vitalité d’Artur qui souffre pourtant d’une maladie grave, l’hémophilie. Ils s’immergent dans une coexistence intense et brève, que la mort accidentelle d’Artur interrompt. Silvia tombe malade, tandis que sa vie se transforme en un cauchemar étrange. Le deuil devient une obsession, et l’obsession un but : Silvia fera tout pour le ramener à la vie.

Le film Sem Seu Sangue d’Alice Furtado, est présenté à la Quinzaine des Réalisateurs au Festival de Cannes 2019.

Avec Digão Ribeiro, Juan Paiva, Lourenço Mutarelli, Luiza Kosovski, Nahuel Perez Biscayart, Silvia Buarque
Genre : Drame
Date de sortie : Prochainement
Durée : 90 minutes
Nationalités Brésilien, Français, Néerlandais

Parasite de Bong Joon-Ho est un puzzle démoniaque, abrasif, violent, qui fait chavirer le cœur des spectateurs autant qu’il fait déjouer chaque rouage de son scénario pour faire de ses rebondissements un élément de langage qui parle autant à la fibre sociale du film qu’à son attachement pour le cinéma de genre. Un film extrêmement marquant de la compétition officielle du Festival de Cannes 2019.

A travers l’histoire de cette famille de prolétaires, qui voudrait vivre la grande vie par la ruse et l’ironie de la manipulation, c’est tout un pan de la société sud-coréenne qui se voit disséqué. Parasite, comme Burning, l’année précédente, tire la sonnette d’alarme et distingue un pays aux inégalités sociales de plus en plus affichées où les riches choisissent à leur guise qui dispose d’un travail ou non. C’est une habitude que l’on peut rapidement repérer chez le cinéaste : cette perpétuelle intention à vouloir casser sa dynamique par une rupture de tonalités. En une seule séquence, les enjeux peuvent nous faire passer du rire à la peur d’une seconde à l’autre.

Sans en dévoiler quoique ce soit, ce sont même les scènes les plus dures et les plus violentes qui sont parfois les plus drôles. Et c’est la même chose pour les genres tant la fluidité et la cohérence du montage et de la réalisation agrippent leur sujet : du thriller au survival, du huis clos au drame, de la comédie de bande à la satire politique, Parasite est un dédale cinématographique à l’horizon infini. Cette volonté d’inscrire l’horreur de la situation et la torpeur des personnages par une transposition du burlesque n’endigue jamais le sérieux ni la folie du scénario. L’architecture de chaque scène et de chaque dialogue est faite de telle manière que le souci de dénonciation sociale se fasse par le prisme du genre et la transposition sanguinolente à l’image. Comme dans Memories of Murder, Mother ou même The Host, le cinéma et l’originalité de sa forme sont toujours au service d’un propos. Parasite est, qu’on se le dise, l’un des nouveaux grands longs métrages de son réalisateur : une œuvre qui arrive à faire cohabiter les thématiques récurrentes du cinéaste –  la hiérarchisation de la société et la stratification sociale – avec une envie de jouer et de rogner l’os jusqu’à la moelle. Nous pourrions prendre Parasite pour une immense farce, un film qui voudrait tomber dans le grand guignol grâce à sa portée satirique et politique mais il va au-delà de ça.

Difficile de dire si le film aura la Palme d’or mais en tout cas, nous lui décernons la Palme du plaisir. Un plaisir implacable car l’aventure que nous propose le film est comme une sorte de rollercoaster trépidant qui ne s’arrête jamais et qui fait vivre son inventivité par sa capacité à surprendre son auditoire. Durant ce Festival de Cannes, et malgré la grande qualité de la sélection et des autres sections, il nous est arrivé de tomber sur de nombreux films qui essayaient de nous bercer d’illusions avec leurs choix programmatiques et schématiques : Parasite n’est rien de tout cela. Mais ne nous trompons pas de sujet, le film ne fonctionne pas uniquement par sa capacité à détourner le versant de ses enjeux.

Le film est d’une précision chirurgicale et comme Le Lac aux oies sauvages, reste un morceau de cinéma qui réussit tout ce qu’il entreprend tant la profondeur de champ de Parasite s’avère vaste. De par sa mise en scène qui cloisonne parfaitement son espace pour faire de la maison où se passe la majorité du film un terrain de jeu glaçant et vertigineux, de par sa direction d’acteur époustouflante et de sa violence incandescente, Parasite est un bijou noir dont la drôlerie du scénario tranche avec la violence du propos. Un bijou noir qui fera date dans la filmographie de son réalisateur.

Parasite : Bande-annonce

Synopsis : Toute la famille de Ki-taek est au chômage. Elle s’intéresse particulièrement au train de vie de la richissime famille Park. Mais un incident se produit et les 2 familles se retrouvent mêlées, sans le savoir, à une bien étrange histoire

Le film Parasite, de Bong Joon Ho est présenté en compétition au Festival de Cannes 2019.

Avec Song Kang-Ho, Sun-kyun Lee, So-Dam Park…
Genres : Drame, Thriller
Date de sortie :5 juin 2019
Durée : 2h 12min
Distributeur : Les Bookmakers / The Jokers
Nationalité sud-coréen

Habitué des récompenses cannoises depuis son premier film J’ai tué ma mère en 2009, Xavier Dolan est de retour au Festival de Cannes pour son huitième film Matthias et Maxime, qui marque quelques innovations dans son cinéma.

Matthias et Maxime est un tournant dans la manière que le cinéaste québécois a de raconter des histoires. Déstabilisant de prime abord, le film souffre de ce virage assez radical dans sa mise en scène mais comme à son habitude, Xavier Dolan finit toujours par transporter dans son récit et amener le public à l’intérieur même des relations entre ses personnages. En se fixant sur une bande d’amis, le réalisateur étonne, lui qui passionnait à travers des thèmes plus identitaires; le spectateur se retrouve au sein d’un groupe dont les punchlines font rire et passer un agréable moment. Matthias et Maxime est un beau roman d’amitié où ces sentiments, qu’il avait jusqu’à présent peu exploités, ont une force assez étonnante et prenante. Justement parce qu’ils sont le point d’ancrage du film et de la relation nouée entre les deux protagonistes principaux, ils font peser sur le film, une ambiance puissante où les sentiments se mêlent, se perdent et se déchirent entre deux axes.

Bien que prenant une tournure différente et beaucoup plus pudique, Dolan conserve le même procédé sur beaucoup d’aspects. Tout ne change pas dans le cinéma de Dolan. En glissant une relation toujours assez chaotique avec la mère, le cinéaste continue de traiter de l’un de ses thèmes favoris qu’est cette relation mère/fils et elle n’était pourtant ici pas forcément nécessaire. Aussi, faisant des rires l’un des aspects les plus innovants de son oeuvre, il ajoute quelques personnages dont la caricature deviendra très vite lourde. Malgré les rires provoqués, cette satire de la génération Y qui dabe, mélange l’anglais et le français pour être stylé et ne pense qu’à Instagram et Snapchat, finira très vite par s’essouffler mais sera rattrapé par la suite. Ajoutant la touche d’humour qu’on lui connaissait peu, c’est aussi grâce à ses références qu’on reconnait son cinéma. Qu’elles soient littéraires, musicales ou cinématographiques, l’empreinte dolanienne est ici bien présente et c’est comme toujours, ce qu’il met de lui-même dans son oeuvre, qui embarque pleinement. On aurait presque pu attendre D’amour ou d’amitié chanté par Céline Dion en plein milieu du film, mais on n’aura, tristement, que du Amir. Dolan avait pourtant habitué son public à davantage de création dans ses choix musicaux additionnels; bien que certains soient toujours aussi superbement choisis, la chanson de l’Eurovision reste l’un des grands mystères de ce film.

La musique a également une présence forte grâce à la nouvelle collaboration du réalisateur avec Jean-Michel Blais, pianiste québécois. Dolan change sa voie d’exploration de l’intime, et c’est ce qui fascine. Sans offrir de moments clés destinés à impressionner ou à servir de scène culte, le cinéaste se place davantage dans la retenue et utilise le piano pour livrer des intermèdes dans les instants amicaux où l’instrument et l’introspection de ses personnages fusionnent pour former des moments suspendus individuels dans lesquels les regards disent tout ce qu’il ne veut pas énoncer clairement.

Ce flou, c’est aussi là le charme fou du film malgré ses failles. Cette force avec laquelle Dolan magnifie l’amitié coûte que coûte et fait part de la difficulté à laquelle les personnages sont confrontés, troublés par un baiser, peut-être celui qui changera leur vie. Evidemment, la construction identitaire a toujours sa place dans son récit et les plans de route en sont la preuve en belle métaphore du chemin parcouru par les deux personnages centraux, mais elle prend cette fois une autre tournure et est doublée par cette vision qu’il propose de l’amitié, qu’il avait peu abordé auparavant. Comme si la recherche de soi était double, trouver le regard que l’on porte sur soi tout en essayant de garder celui que portait l’autre. L’oeuvre de la maturité pour Xavier Dolan ? Peut être, on sent en tout cas le chemin parcouru et les rencontres importantes. Si le film ne repart pas de Cannes avec l’une des récompenses, Xavier Dolan en mériterait au moins le Prix d’Interprétation tant il épate de force et de justesse dans la délicatesse avec laquelle il affronte son personnage.

Matthias et Maxime : Bande Annonce

Synopsis : Deux amis d’enfance s’embrassent pour les besoins d’un court métrage amateur. Suite à ce baiser d’apparence anodine, un doute récurrent s’installe, confrontant les deux garçons à leurs préférences, bouleversant l’équilibre de leur cercle social et, bientôt, leurs existences.

Le film, Matthias et Maxime de Xavier Dolan est présenté en compétition au Festival de Cannes 2019

Avec Xavier Dolan, Anne Dorval, Antoine Pilon, Catherine Brunet
Genre : thriller, drame
Durée : 1H59
Distribution : Mars Films
Sortie : prochainement
CANADA

Face aux mastodontes présents cette année dans une Compétition tout bonnement exceptionnelle, certains films plus mineurs peinent à trouver leur place. Pire, souffrant de la comparaison avec la concurrence, ils font même pâle figure. C’est le cas de Les Siffleurs de Corneliu Porumboiu, film noir moderne venu de Roumanie qui s’avère être un divertissement référencé correct, mais jamais à la hauteur de sa sélection.

Les Siffleurs est une proposition frustrante car dotée d’un énorme potentiel, mais qui l’exploite malheureusement sans inspiration. Premièrement, le film a du mal à démarrer, souffrant d’une exposition laborieuse malgré une séquence d’espionnage de scène d’amour assez drôle. Les enjeux manquent de clarté, les personnages sont un peu vite introduits. Heureusement, passé le premier tiers, le divertissement prend le dessus et l’on peut réellement prendre plaisir à suivre ce film noir aux multiples retournements scénaristiques.

Car comme tout film noir et d’espionnage qui se respecte, l’intérêt de l’écriture est de perdre le spectateur parmi les mensonges et les trahisons qui s’enchaînent. On ne sait jamais vraiment qui est avec qui, qui est une taupe, qui veut quoi et pourquoi. Le suspense fonctionne assez correctement, même si l’on a du mal in fine à s’impliquer dans les motivations du moindre personnage, étant tous plus ou moins antipathiques, et le protagoniste franchement apathique pour le coup.

Vlad Ivanov, sorte de croisement entre Michael Keaton et Laurent Baffie, sans le charisme du premier ni la vivacité d’esprit du second (indéniablement) est assez irritant. Sans émotion, monotone dans son jeu, l’acteur se contente de froncer les sourcils pour signifier qu’il ne comprend pas les situations et paraît toujours subir les scènes (sans que ce soit justifié par l’intrigue). La réalisation ne l’aide pas franchement non plus à donner de la personnalité à l’ensemble, tant celle-ci est plate et convenue. Le final, certes assez réussi esthétiquement, demeure lui aussi anecdotique.

Il y a tout de même des choses à sauver dans Les Siffleurs, notamment le malin plaisir que le réalisateur prend à insérer des références cinématographiques volontairement lourdingues pour mieux les détourner (un remake de la scène de la douche de Psychose, très drôle ; un extrait de La Prisonnière du Désert, où les sifflements des Indiens font écho à ceux du gang du film ; la femme fatale appelée Gilda, en référence au film éponyme de Charles Vidor ; etc.). On sent que le cinéaste roumain est un cinéphile averti mais conscient des risques de la citation gratuite. Sur ce point, c’est intelligent. Ceci dit tout le film dans son ensemble procède avec intelligence pour faire surgir des purs moments de comédie au milieu d’une intrigue violente et grave.

Réinventant à sa manière le film noir en lui apportant une chaleur latine bienvenue (des Roumains, des Espagnols, des Italiens, un bonheur pour les oreilles), Les Siffleurs ne parvient jamais à décoller et reste coincé dans les starting blocs du divertissement satisfaisant sur le moment, mais oublié aussitôt la projection terminée. Un film pas mauvais, mais pris au piège d’une Compétition acharnée cette année. À voir un dimanche soir sur son canapé, pour un moment agréable.

Synopsis : Cristi, un policier roumain, arrive sur l’île de La Gomera dans les Canaries. Ici l’attend Gilda, la femme dont il est amoureux. Il doit aider Zsolt à s’évader de prison, qui est le seul à savoir où sont cachés les 42 millions d’euros qui appartiennent à Paco, un mafieux mexicain S’ils ne trouvent pas cet argent, Paco les tuera tous.

Le film La Gomera (Les Siffleurs), de Corneliu Porumboiu est présenté en compétition au Festival de Cannes 2019.

Titre original The Whistlers
Scénariste : Corneliu Porumboiu
Avec Vlad Ivanov, Catrinel Marlon, Rodica Lazar…
Genre(s) : Fiction, Comédie, Policier
Date de sortie Prochainement (1h 37min)
Distributeur Diaphana Distribution
Nationalité : Minoritaire français (Roumanie, France, Allemagne)

Once Upon a Time in Hollywood était le film tant attendu de la Croisette. Celui qui a fait monter d’un cran l’effervescence autour du Festival de Cannes 2019 lors de ces derniers jours, et une nouvelle fois, Quentin Tarantino n’a pas raté ses retrouvailles avec Cannes tant son film est une épopée aussi simple, passionnante que baroque qui, tristement, ne cesse de déclarer sa flamme au cinéma de genre qui a vu naître en lui le cinéaste qu’il est devenu.

Là où Jim Jarmusch, avec The Dead Don’t Die, s’amusait à lancer un vif hommage à ses partenaires et à son univers avec une certaine flemmardise, Quentin Tarantino arrive de son côté à donner une ampleur fertile à son film. Au travers de cette reconstitution d’époque, Quentin Tarantino arrive à ne jamais être dans la fuite et ne se mue peu ou pas dans la facilité gimmick : le name dropping est présent certes, les petits détails fourmillent (affiches créées, pastiches inventés, scènes rejouées…) et les multiples références cinématographiques feront plaisir aux plus assidus d’entre vous. Mais l’effort cinéphilique ne se situe pas uniquement dans cette antichambre de la connaissance du genre. C’est une pure déclaration d’amour aux professionnels du cinéma : des acteurs aux doubleurs, des réalisateurs aux spectateurs, des futurs talents aux producteurs, tout le monde est auréolé de sa passion pour le septième art. Once Upon a Time in Hollywood est une œuvre qui se veut fédératrice et met en scène tout ce petit monde dans des saynètes assez succulentes (buddy movie, western etc.).

Tout le monde connait le cinéma de Quentin Tarantino et son aspérité pour des récits aux accointances post modernes, puis son amour pour les schémas biscornus et déconstruits avec des scénarios non linéaires dans leur temporalité (Pulp Fiction, Kill Bill etc). Alors qu’Once Upon a Time in Hollywood s’annonçait comme une orgie cinématographique qui allait nous en mettre plein la vue et qui allait nous abreuver de toute la science du cinéaste, avec ses dialogues savoureux, sa direction d’acteurs, la fétichisation de son cadre et sa violence épicurienne habituelle, le film apparaît aux premiers abords, extrêmement modeste dans son dispositif, très loin de son œuvre somme Les Huit Salopards malgré ses dernières 15 minutes tonitruantes. On retrouve le Tarantino que l’on aime, et pourtant l’approche se veut différente. Ce n’est pas pour nous déplaire car la minutie se trouve ailleurs, moins immédiate, moins structurelle mais plus évocatrice. Elle se trouve avant tout dans la bienveillance qu’il a pour ces personnages qu’il inonde de nostalgie, de drôlerie et de mélancolie. C’est un film bilan, un film hommage qui se métamorphose devant nous.

Cette dite nostalgie est plurielle : celle d’une époque (1969) qui se raccroche autant à son environnement politique et social qu’à sa formulation cinématographique. Once Upon a Time in Hollywood, qui ressemble à un frère éloigné d’Inherent Vice de Paul Thomas Anderson, est un film de personnages et de lieux, où l’on suit les doutes et les péripéties de tournage d’un acteur (Leonardo Di Caprio) sur la pente descendante et sa tendre et virile amitié avec sa doublure (Brad Pitt). Durant tout le film le spectre de Sharon Tate (Margot Robbie) et sa célèbre mort plane au-dessus du film : la bande à Manson errant dans un L.A. mutant, voyant son souffle libertaire, hippie devenir un lambeau du chaos qui se finira dans un bain de sang. L’euphorie a laissé place à une peur intérieure et au désenchantement moribond voyant de près la mort de l’utopie, la fin d’une génération dévergondée. Mais cela n’est qu’une partie de la surface de l’iceberg tant la reconstitution d’époque ne semble jamais gratuite, linéaire, mais au contraire, terriblement incarnée,  protéiforme et amoureuse de sa proximité avec le cinéma.

Quentin Tarantino nous immerge dans son amour du cinéma bis, de l’exploitation, nous parle avec vigueur du Nouvel Hollywood et de la démocratisation de l’empire que deviendra la télévision, avec cette idée que la mutualisation des formes audiovisuelles ne signifie pas forcément la mort du cinéma. Tarantino aime le cinéma : un cinéma que l’on regarde entre amis ou qu’on vient observer en salle tout en épiant les réactions des spectateurs voisins. Il y a, dans le film, cette idée de communion par le biais du cinéma mais aussi par le biais du fictif à l’image de cette très belle séquence où l’on voit Sharon Tate scruter les rires de la salle qui projette le film dans lequel elle joue. Comme il nous l’avait démontré avec Inglourious Basterds ou même Django Unchained par exemple, le cinéaste aime trifouiller dans l’Histoire, pour s’en accommoder et se la réapproprier. Mélanger à la fois le réel et son imagination : comme si le cinéma, aux travers de ses digressions récréatives, permettait au fictif de rendre hommage à un réel qui devenait le miroir de chacun de nous. Et ce n’est pas Once Upon a Time in Hollywood qui va déroger à cela.

Once Upon A Time In Hollywood : Bande-annonce

Synopsis : En 1969, la star de télévision Rick Dalton et le cascadeur Cliff Booth, sa doublure de longue date, poursuivent leurs carrières au sein d’une industrie qu’ils ne reconnaissent plus.

Le film Once Upon A Time In Hollywood de Quentin Tarantino, est présenté en compétition au Festival de Cannes 2019.

Avec Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie…
Genre : Comédie dramatique
Date de sortie 14 août 2019 (2h 45min)
Distributeur : Sony Pictures Releasing France
Nationalité Américain