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Avec une délicatesse rare, Isabelle Carré transforme ses souvenirs en cinéma. Son premier film, porté par la jeune Tessa Dumont Janod, nous plonge dans les années 80 d’une pédopsychiatrie en tension, entre solitude, révolte et rêves d’évasion. Un récit initiatique où l’art devient refuge et acte de soin.

Pour son premier long-métrage, Isabelle Carré filme une autobiographie intimiste et sensible de son adolescence, inspirée de son roman éponyme.

Par le personnage d’Elizabeth, l’immense actrice expose ainsi, de manière pudique et sincère, le malaise profond de ses 14 ans, sous les traits de la jeune Tessa Dumont Janod (son premier film), qu’elle dirige tout en douceur avec l’émotion et les souvenirs de ses jeunes années. C’est par une approche agréablement onirique où les oiseaux passent comme les anges, que la réalisatrice nous plonge avec Elizabeth dans les services de pédopsychiatrie de l’hôpital Necker, où elle vécut plusieurs semaines, isolée de ses parents, au milieu de jeunes désorientés et en mal de vivre, qui sortent à peine de l’enfance. Et à cette époque des années 80, les soins étaient surtout médicamenteux et administrés par l’équipe du professeur du service, raillé sous le nom de « la Gestapo », joué par un Bernard Campan (ami et partenaire d’Isabelle Carré) d’abord terrible puis amadoué par les initiatives téméraires d’Elizabeth et de son amie Isker (Mélissa Boros touchante et juste dans ce rôle). Ensemble et entourées de soupirants, elles rêvent d’une vie meilleure, fumant en cachette, contemplant la tour Montparnasse et ses lumières en imaginant la vie qui s’y cache, et visionnant des films (avec Romy Schneider dans Une chambre en ville de Pierre Granier-Deferre, sans doute pas un hasard…).

Par des flash-forwards et superposition de visages, la réalisatrice fait intervenir Elizabeth adulte, 40 ans après, interprétée avec finesse par elle-même. Et comme par coïncidence, on la retrouve dans le même environnement de l’hôpital Necker où elle anime des séances d’atelier théâtral auprès d’enfants souffrant de dépression, autres temps, autres méthodes de soin !

Elle en profite pour revenir sur les traces de son enfance, questionnant les approches d’antan et enquêtant pour tenter de retrouver Isker.

Et dans les deux époques, on va ainsi comprendre ce qui l’a sauvée, en bouclant une forme de boucle. On découvre aussi les difficultés de son environnement familial, avec ses parents et son frère. Les impacts ont été lourds mais sont finalement libérateurs. Reconnaissons que c’est un beau scénario, riche en émotions, et superbement mis en scène.

La participation d’acteurs de renom comme Nicole Garcia dans son premier rôle de comédienne, Vincent Dedienne, le fils du professeur des années 80, ainsi qu’Alex Lutz, dans le rôle du frère aujourd’hui, apportent une crédibilité au film, par ailleurs focalisé sur les enfants.

Dans ce film très personnel, on sent qu’Isabelle Carré en profite pour jeter un cri d’alarme sur la faiblesse des moyens humains qui sont octroyés à la santé mentale en général, et des jeunes en particulier, notamment par le biais de l’Art, à l’instar du Rire Médecin (Sur un fil) pour les autres maladies graves. Et s’il devait y avoir militantisme, il est tellement bien abordé qu’on a envie d’y adhérer, quel que soit son avis sur la question.

Isabelle Carré signe un premier film profondément humain, savoureusement onirique (on l’entend chanter Il fait toujours beau au-dessus des nuages de Zaho de Sagazan) et émouvant qui confirme, s’il en était besoin, l’extrême sensibilité de la réalisatrice, dont les failles n’ont fait que la renforcer. Et gageons qu’elle finisse par retrouver enfin Isker, pourquoi pas à la faveur de la sortie de ce film.

Bande annonce : Les rêveurs

Fiche technique : Les rêveurs

Sortie en salles : 12 novembre 202, durée : 1h46

Réalisatrice : Isabelle Carré

Scénaristes : Isabelle Carré, d’après son œuvre, en collaboration avec Agnès De Sacy

Musique originale : Benoît Carré, compositeur

Équipe technique

• Irina Lubtchansky : Directrice de la photographie
• Quentin Janssen : 1er assistant réalisateur
• Elsa Pharaon : Directrice du casting
• Annette Dutertre : Cheffe monteuse
• Isabelle Legay : Cheffe coiffeuse
• Isabelle Mathieu : Cheffe costumière
• Françoise Chapuis : Cheffe maquilleuse
• Vincent Robillard : Coordinateur de production
• Rachel Corlet-Soulier : Scripte
• Nicolas De Boiscuillé : Chef décorateur
• Antoine-Basile Mercier : Ingénieur du son
• Benoît Gargonne : Ingénieur du son
• Emmanuel Croset : Ingénieur du son

Distribution & presse

• André-Paul Ricci : Attaché de presse
• Bianca Longo : Attachée de presse

Sociétés de production et distribution

• Pan Distribution : Distribution
• Pan Cinema : Production
• France 2 Cinéma : Coproduction

Casting

• Isabelle Carré : Elizabeth adulte
• Judith Chemla : Alice
• Tessa Dumont Janod : Elizabeth adolescente
• Alex Lutz : Paul
• Pablo Pauly : Jacques
• Mélissa Boros : Isker
• Bernard Campan : Professeur Jullian
• Nicole Garcia : Professeure de théâtre
• Vincent Dedienne : Fils du professeur Jullian
• Solan Machado-Graner : Renaud

Le plus petit des grands détectives reprend du service sur grand écran dans Détective Conan : La Mémoire retrouvée, un 28ᵉ opus où les montagnes enneigées deviennent le théâtre d’un polar introspectif, où thriller rigoureux et fragilité des souvenirs s’entrelacent.

Après Le Sous-marin noir et L’Étoile à 1 Million de dollars, Katsuya Shigehara signe son premier long-métrage en solo à la tête de la franchise. Ancienne animatrice et storyboardeuse, elle succède à des metteurs en scène plus chevronnés comme Chika Nagaoka ou Yuzuru Tachikawa, qui avaient su insuffler un souffle visuel et narratif à la série. Shigehara, elle, adopte une approche plus sobre, presque appliquée : son film est fonctionnel et discipliné, mais manque de l’éclat visuel et de l’audace narrative que l’on attendait d’une fresque hivernale de cette envergure.

À Tokyo, Conan assiste impuissant à l’assassinat d’un ancien collègue de Kogorô Mōri. Déterminé à venger son ami, ce dernier remonte la piste du tueur jusqu’aux montagnes enneigées de Nagano, où il retrouve l’inspecteur Kansuke Yamato, blessé dix mois plus tôt lors d’une avalanche. Ses souvenirs troublés pourraient bien contenir la clé de l’enquête.

Cependant, La Mémoire retrouvée démarre sur un faux pas : une triple introduction (flashback, exposition, action) brouille les repères et retarde l’immersion. Le récit peine à installer sa tension, tandis que Kogorô, censé en être le pivot émotionnel, reste curieusement en retrait. Le club des détectives juniors, pourtant symbole d’énergie et de légèreté, est réduit à quelques apparitions superficielles. On suit alors le film sans véritable élan, tel une avalanche tranquille glissant droit vers sa conclusion, prévisible et linéaire.

Fragments d’une enquête immobile

Le scénario de Takeharu Sakurai privilégie les thématiques du deuil, de la vengeance et du code moral policier, mais peine à leur donner chair. Certains personnages citent, avec une insistance presque scolaire, L’Art de la guerre pour justifier leurs choix, alourdissant inutilement un récit qui aurait gagné à se fier davantage à son mystère qu’à ses maximes. Les crimes ici sont à hauteur d’homme : pas d’organisation mondiale ni de complot tentaculaire, mais des fautes, des regrets et des serments brisés. Cette simplicité humaine, pourtant, aurait pu être exploitée pour développer une tension psychologique plus fine, mais le film reste souvent à la surface de son intrigue.

Le décor principal – un observatoire astronomique perché dans les hauteurs – évoque la distance entre vérité et perception, sans jamais vraiment en exploiter la puissance symbolique. Une meilleure utilisation de cet espace aurait pu renforcer la dimension métaphorique du récit et accentuer le contraste entre le monde intérieur des personnages et la froideur extérieure des montagnes. Ce n’est qu’à la toute fin, dans un climax spectaculaire et généreux, que le film retrouve vie : la neige s’effondre, la gravité n’existe plus, Conan bondit au milieu du chaos. La mise en scène se libère enfin, assumant pleinement la fantaisie propre à la saga.

Dans cette énergie régressive, Détective Conan retrouve son cœur : un mélange de collectif, de famille et d’amour, porté par la fidélité de Ran et la dualité de Shinichi, éternel adolescent prisonnier du corps d’un enfant. La Mémoire retrouvée n’est ni le plus haletant ni le plus limpide des volets, mais il porte une maturité mélancolique, celle d’une œuvre qui vieillit avec son public. Un film froid, parfois raide, mais sincère, où le petit détective – quelque part entre Sherlock Holmes, James Bond et Ethan Hunt – continue de courir après une vérité toujours prête à s’effacer sous la neige.

Détective Conan : La Mémoire Retrouvée – bande-annonce

Détective Conan : La Mémoire Retrouvée – fiche technique

Titre original : Meitantei Conan: Sekigan no Furasshubakku
Titre international : Detective Conan: One-eyed Flashback
Réalisation : Katsuya Shigehara
Scénario : Takeharu Sakurai
Musique : Yûgo Kanno
Sociétés de production : TMS/1st Studio
Pays de production : Japon
Société de distribution : Eurozoom
Durée : 1h50
Genre : Animation, Policier, Action, Aventure
Date de sortie : 12 novembre 2025

Une ouvrière, jouée par Virginie Efira, s’engage dans un mouvement social joyeux et ambitieux, qui lui redonne à la fois une dignité et un lieu où exercer ses talents. Pendant ce temps, son mari, chef d’une petite entreprise de transport, préfère, lui, garder ses distances avec une lutte qui lui apparaît vaine et continuer de jouer le jeu du système. Toute ressemblance avec des faits historiques s’étant déroulés en l’an -2 avant la COVID est parfaitement voulue. Un film social français à la tournure habituelle, qui s’efforce d’éviter soigneusement toute caricature, et c’est justement ce qu’on lui reproche.

On s’attendait à pire. Quand le cinéma français entend représenter la misère sociale, il balance généralement entre le grotesque et le lisse. Thomas Kruithof a choisi la seconde option. Il a évité le pire sans doute, mais sa très relative justesse manque surtout d’audace.

Le lissage commence dès le casting. Malgré leur talent, Virginie Efira et Arieh Worthalter peinent à faire oublier leur classe d’origine. Elle, semble à chaque instant prête à dégainer une carte de presse ou un stéthoscope, et lui, débarquer d’une représentation de Tchekhov à la Comédie-Française. Kruitof avait si peur de produire une caricature indigne de beauf qu’il en a fait des petit-bourgeois de centre-ville, à son image. Les gilets-jaunes qui entourent Efira sont autrement mieux castés, mais la narration ne leur accorde qu’une place très secondaire et la mise en scène presque une fonction de décor. Le pauvre, ainsi en a décidé Thomas Kruitof, n’est pas cinématographique, sauf en arrière-plan.

Le lissage est enfin politique. On ne verra pas presque rien des discussions de rond-point à perte d’ouïes, où le sublime et le vulgaire, l’émouvant et le colérique, le généreux et le contempteur, l’utopique socialisant et le logomachique complotard se mêlaient avec autant de grâce que de lourdeur. Dans les Braises, on a le verbe bien posé, on s’écoute religieusement, on est toute politesse. Par peur de stigmatiser la beauferie du pauvre, on en a lissé toutes les aspérités, tous ses mauvais penchants, sa bêtise et sa méchanceté, et, de ce fait : son humour et sa tendresse. Ne reste que des petits blancs bien rangés, dont on se demande bien comment, avec si peu de vitalité, ils surent mettre le feu à une préfecture.

Ce dernier incident, tiré de fait réel, est dans le film l’un des rares moments où ce mouvement des gilets jaunes accuse une ambiguïté morale. D’autres pourraient y voir un motif de fierté et considéraient que les révoltés n’ont au contraire pas suffisamment saccagé et saboté. Pour ne pas donner prise aux condamnations morales qui servirent à les délégitimer, Kruithof retranche de son portrait des gilets jaunes toute leur rage et leur détermination, ne laissant à la fin que des visages d’agneaux étonnés. Désireux de les disculper, il les modère, les attiédit.

Mais, au final, reste une question : s’agit-il vraiment d’un film sur les gilets jaunes ? Que le réalisateur ait voulu donner une incarnation concrète à un type sociologique, explorer les liens entre l’intime et le politique, montrer comment des individus prennent conscience de leur destin collectif, tout cela constitue une intention certes louable, mais dont l’actualisation reste ici confuse. Les Braises est-il un film sur le couple où le mouvement des gilets jaunes joue le rôle de prétexte, ou est-ce un film sur les gilets jaunes où le couple joue celui de fil rouge narratif ? Dans les deux cas, l’échec est cuisant. Soit le film manque terriblement d’émotion et d’intensité dramatique, soit le nombre et la longueur des scènes consacré aux gilets jaunes est par trop resserrés ; toujours, les Braises semble manqué son sujet.
Ceux qui ont vibré à l’unisson de cette révolte trouveront au début et la fin l’occasion de réminiscence émouvante. Pour le reste, il ne se dégage des atermoiements familiaux d’Efira et Worthalter qu’un ennui poli.

Si la mise en scène est sobre et évite maints écueils, c’est au service d’un objet froid qui peine à honorer le débordement d’idées, de joie et de colère, probablement trop formidable, trop vivant, trop inconvenant pour un trop sage réalisateur parisien. On notera tout de même une représentation honnête et fine du travail ouvrier, chose, il faut l’avouer, devenu rare. D’un autre côté, tristement, on n’y verra pas grand-chose de la vie des ronds-points ou des manifs du samedi. Les Braises est à peine tout ce qu’il veut être : à peine un film social, à peine un drame familial, à peine une mémoire.

Bande-annonce : Les Braises

Fiche Technique : Les Braises

Réalisation : Thomas Kruithof
Scénario : Thomas Kruithof et Jean-Baptiste Delafon
Acteurs principaux : Virginie Efira, Arieh Worthalter, Mama Prassinos
Musique : Grégoire Auger
Décors : Jean Rabasse
Costumes : Carine Sarfati
Photographie : Christophe Beaucarne
Son : Nicolas Provost et Jon Goc
Montage : Jean-Baptiste Beaudoin et Guadalupe Cassius
Production : Thibault Gast et Matthias Werber
Production déléguée : David Giordano
Production associée : Jean-Baptiste Delafon
Sociétés de production : 24 25 Films, Wild Bunch, France 3, Kallouche Cinéma, Les Films Velvet et SRAB Films
Sociétés de distribution : Wild Bunch
Pays de production : France
Langue originale : français
Format : couleur
Durée : 102 minutes

Des millions qui volent, des secrets qui éclatent, des toilettes somptueuses et une mobylette en guise de cheval blanc : Thierry Klifa nous embarque dans une comédie aussi savoureuse que décapante, où Isabelle Huppert et Laurent Lafitte brillent dans un duo fantasque et jubilatoire. Derrière les éclats de rire, un vieux secret lié à la collaboration et une relation mère-fille pleine de failles viennent fissurer les dorures familiales.

Pour son sixième long-métrage, Thierry Klifa réussit une comédie jubilatoire et grinçante, caricaturale et haute en couleur, s’inspirant librement de la célèbre et passionnante affaire Banier-Bettencourt. La même qui a fait l’objet d’un documentaire récent sur Netflix « L’affaire Bettencourt : scandale autour de la femme la plus riche du monde » de Baptiste Etchegaray et Maxime Bonnet, s’appuyant sur les enregistrements pirates réalisés entre 2007 et 2010 par le maître d’hôtel de Liliane Bettencourt.

S’affranchissant des contraintes du biopic, le réalisateur s’approprie l’affaire par un scénario fictionnel satirique façon thriller qui met aux prises, sur une durée de plus de 20 ans, la richissime Hélène Farrère, sa fille héritière Frédérique Spielman et l’extravagant et fantasque écrivain photographe Pierre-Alain Fantin. Déboulant sur sa mobylette un jour de 1987 dans cette famille guindée, il bouscule les certitudes par un dynamitage en règle de l’ordre établi. Par son excentricité, il séduit Hélène, alors souffrante et dépressive, lui donnant une perspective réjouissante de la vie, peu importe le prix à payer pour cela quand on est tellement fortunée !

Autour de ce trio sur lequel l’intrigue principale d’un prétendu abus de faiblesse est bâtie, le réalisateur associe les maris, Guy Farrère et Jean-Marc Spielman, sans oublier le majordome et confident Jérôme, et met l’accent sur les complexités et rivalités familiales où tous les coups bas sont permis.

Et même si les millions d’euros volent bas, la guerre de succession mère/fille n’est pas qu’une question d’argent, puisqu’un secret de famille autour de la collaboration fait vaciller les ambitions du groupe de cosmétiques qu’Hélène dirige de loin, un sujet collatéral qui élargit la perspective du film, et que Thierry Klifa introduit avec subtilité et justesse, d’autant que son gendre est de confession juive.

Mais au-delà du cynisme et d’un tableau grinçant d’une famille scandaleusement riche, le réalisateur sait faire craquer le vernis en explorant les failles et les sentiments de l’amour filial entre une mère et sa fille. La jalousie de cette dernière, qui estime ne pas être à la hauteur de sa mère flamboyante, provoque sa soif de vengeance ; une position difficile à justifier puisqu’elle est déjà l’unique héritière.

Ce qui fait le succès du film est avant tout le fantastique couple d’acteurs Laurent Lafitte (Banier/Fantin) et Isabelle Huppert (Bettencourt/Farrère) qui se mettent en valeur l’un l’autre dans leur relation extravagante : Lafitte est époustouflant et génial dans ce rôle hallucinant d’insolence, avec sa chevelure de jeune premier, cet acteur boulimique qui transforme son image, jadis policée, depuis quelques films (Les Barbares, Classe Moyenne, T’as pas changé – en lien avec son départ de la Comédie Française en 2024 ?) tandis qu’Huppert, davantage dans la continuité (La Syndicaliste, Mon Crime, La prisonnière de Bordeaux), trouve ici un rôle lumineux, parfaitement taillé à sa mesure, sous la forme d’une renaissance joyeuse. Ensemble ils paraissent vraiment s’amuser, ce qui contribue à la réussite de cette farce, d’autant que l’écriture et les dialogues sont d’une grande qualité, à l’instar de ces témoignages en mode confidence face caméra des différents protagonistes en amont du procès.

Le reste du casting des personnages principaux est certes très bon, mais en retrait des deux acteurs principaux, que ce soit Marina Foïs, féroce et excellente, cachée derrière sa frange, mais avec moins d’ampleur que dans le récent Moi qui t’aimais, Raphaël Personnaz qu’on sent à l’étroit dans le rôle shakespearien du majordome et ses cheveux blonds ambiguës, ou encore André Marcon et Mathieu Demy, les maris qui servent quasiment de faire-valoir.

Le soin apporté aux décors, avec une image gros grain qui fait ressortir les couleurs chaudes, contribue à une ambiance vintage très cossue, davantage suggérée qu’ostentatoire, que ce soit dans la fabuleuse résidence principale de Neuilly ou les luxueuses résidences secondaires en bord de mer (en réalité tout est filmé en Belgique). Et comme il se doit dans ce milieu, la richissime Hélène a une toilette différente lors de chacune de ses apparitions.

Présenté à Cannes 2025 en hors compétition, le film de Thierry Klifa s’avère être de loin la meilleure comédie française de l’année, même avec ses accents dramatiques et sa durée de plus de deux heures qu’on ne voit pas passer.

Le réalisateur se raille certes des travers d’une grande famille française, mais sait appuyer sur la sensibilité des relations humaines, au fond comme dans toutes les autres. Se concentrant sur le retentissant fait de société, il sait éviter avec soin les embarras politiques de l’époque, qui renverraient inévitablement à aujourd’hui, et aborde très peu le fonctionnement business des grandes entreprises, ce qui est nettement préférable dans le contexte géopolitique de nos temps troublés.

A voir sans modération pour un moment irrésistible de drôlerie et savoureusement décapant !

Bande annonce : La femme la plus riche du monde

Fiche technique : La femme la plus riche du monde

• Titre : La femme la plus riche du monde
• Réalisateur : Thierry Klifa
• Scénaristes : Thierry Klifa, Cédric Anger, Jacques Fieschi
• Genre : Comédie dramatique
• Pays de production : France, Belgique
• Date de sortie : 29 octobre 2025
• Durée : 123 minutes
• Musique originale : Alex Beaupain
• Directeur de la photographie : Hichame Alaouie
• Directeur du casting : Sarah Teper
• Chef monteur : Chantal Hymans
• Chefs costumiers : Jürgen Doering, Laure Villemer
• Producteur : Mathias Rubin
• Sociétés de production : Recifilms, Versus Productions
• Distribution France : Haut et Court

Casting principal

• Isabelle Huppert : Marianne Farrère
• Marina Foïs : Frédérique Spielman
• Laurent Lafitte : Pierre-Alain Fantin
• Raphaël Personnaz : Jérôme Bonjean
• André Marcon : Guy Farrère
• Mathieu Demy : Jean-Marc Spielman
• Joseph Olivennes : Raphaël d’Alloz
• Micha Lescot : De Veray
• Paul Beaurepaire : Charles Spielman