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Avec ses carnets consacrés à la Croisette, parus aux éditions Delcourt, Joann Sfar nous offre une incursion piquante et introspective au cœur du festival de Cannes, événement emblématique du cinéma mondial. Sur quelque 320 pages, l’auteur et dessinateur mêle habilement récits personnels, anecdotes croustillantes et observations aiguisées sur les coulisses du prestigieux rendez-vous cannois.

D’emblée, Joann Sfar adopte une posture décalée, presque étrangère à l’euphorie ambiante, lorsqu’il évoque son invitation au 60e festival de Cannes en 2007. À mille lieues de l’excitation médiatique et cinéphilique, il s’interroge sur sa légitimité à être présent : ne se sentant guère concerné par l’actualité cinématographique, il est traversé par un sentiment persistant d’usurpation. Cette introspection, parfois teintée d’ironie, traverse en réalité tout l’ouvrage, donnant au récit une tonalité particulière, à mi-chemin entre le journal intime et la description intérieure lucide.

Joann Sfar excelle à restituer l’atmosphère particulière de Cannes, une ville momentanément prise d’effervescence mondaine et de désœuvrement généralisé, notamment à la veille de l’ouverture du festival, où les journalistes arpentent les rues sans but. Il évoque la fameuse projection matinale de 8h30, séance anticipée réservée aux médias : les commentaires fusent, avant la présentation officielle en soirée. La presse, justement, fait l’objet d’une attention spécifique : l’auteur n’hésite pas à pointer les absurdités et les excès du système, rappelant par exemple l’exaspération de Roman Polanski devant la superficialité des questions qui lui étaient posées. L’admiration béate est parfois la règle, loin de l’exercice analytique et critique attendu.

Par ailleurs, Joann Sfar livre des anecdotes en cascade sur les coulisses du festival, telles les répétitions prosaïques de la cérémonie d’ouverture, avec les jurés en tenue civile, ou encore l’inévitable déprime du milieu de l’événement, ce moment charnière où l’enthousiasme retombe et laisse place à une sorte d’abattement collectif. Son regard incisif capte parfaitement ce qui se cache sous les paillettes et l’emballement médiatique d’un événement très codifié… et parfois ennuyeux (de son point de vue en tout cas).

Chemin faisant, Joann Sfar s’amuse des réactions complaisantes du public vis-à-vis du cinéma asiatique, comparativement aux jugements plus sévères portés sur les œuvres européennes ou américaines. Le récit se fait plus incisif encore lorsqu’il évoque un film polémique de Barbet Schroeder mettant en scène Jacques Vergès, personnage excentrique et provocateur, suggérant avec un certain aplomb, par exemple, que George Bush serait pire qu’Adolf Hitler. Cette rencontre étonnante laisse Sfar perplexe, mi-amusé mi-médusé, mais incapable de prendre au sérieux ces déclarations délibérément outrancières.

Ces Carnets se distinguent aussi par une exploration de l’art cinématographique lui-même. Joann Sfar multiplie les références, citant notamment l’influence décisive du cinéma européen sur Martin Scorsese. Il revient sur le choix esthétique du noir et blanc dans Raging Bull, une stratégie consciente pour se démarquer de Rocky II, sorti au même moment. Ailleurs, il nous gratifie d’une planche pédagogique sur les focales et leurs effets visuels. Ou mentionne la fédération panafricaine de cinéma, ou la réalisation de Persepolis.

Enfin, loin de s’enfermer dans la seule description du festival, il élargit son propos vers des territoires inattendus, nous invitant notamment à partager ses inspirations et les résonances qu’ont eu sur lui des maîtres comme Hugo Pratt, dépassant ainsi le cadre strictement événementiel pour livrer une réflexion plus vaste sur son art et son rapport au réel.

Dense, « spirituel », balançant entre humour et observation stricte, Les Carnets de Joann Sfar – Croisette constitue une immersion subjective dans le plus célèbre des festivals de cinéma. Ici, la dérision sert de révélateur aux travers, mais aussi aux beautés discrètes, de ces événements qui rendent hommage, avant tout, au septième art.

Les Carnets de Joann Sfar – Croisette, Joann Sfar
Delcourt, avril 2025, 320 pages

Entre la conclusion du premier Tenkaichi Budokai et l’irruption de Tenshinhan dans l’univers de Dragon Ball, Akira Toriyama construit une transition en apparence discrète, mais pourtant décisive pour la suite des événements. Cette période charnière, quelque peu éclipsée par les combats plus spectaculaires des arcs suivants, glisse peu à peu de la comédie et l’esprit d’aventure vers une forme plus dramatique — prémices d’un futur déjà en gestation.

Haletante a été la finale entre Goku et Jackie Chun (le maître Kame sous couverture). Après un échec au plus près du but, le jeune garçon entame un nouveau périple, seul cette fois. Son itinérance le mène sur les traces des Dragon Balls, un chemin où il croise une forte adversité humaine, organisée et impitoyable. Face à l’armée du Ruban Rouge, aux officiers extravagants mais dangereux comme le Commandant Blue ou encore le redoutable Tao Pai Pai, Goku doit s’affirmer en tant que combattant. Et le récit, mine de rien, change de ton. Le lecteur passe des entraînements bon enfant pré-Tenkaichi Budokai à l’extrême cruauté d’une société tentaculaire et hautement militarisée.

Cette étape conditionne la trajectoire de Goku : il apprend à se méfier, à réfléchir, à encaisser, soit autant de leçons qui vont nourrir sa progression. C’est aussi la première fois qu’il prend conscience, non pas de sa force seulement, mais de sa mission implicite : corriger les injustices, protéger les faibles, vaincre ceux qui abusent de leur pouvoir. Un idéal qui ne le quittera plus.

Autour du jeune héros, les antagonistes se diversifient : tantôt grotesques, tantôt glaçants, ils composent une galerie haute en couleur, avec cette capacité propre à Akira Toriyama de mêler le caricatural au menaçant. Mention spéciale au Ninja Pourpre ou au Général White, qui président à des séquences où le pastiche le dispute à la tension. Plus généralement, cette période agit comme un sas. Les épreuves affrontées par Goku prennent un sens quasi initiatique. On assiste à la transformation d’un enfant curieux en futur guerrier. L’ADN de la série est en cours de fixation.

En filigrane, Toriyama prépare le terrain pour l’arc du 22e Tenkaichi Budokai et l’arrivée de Tenshinhan, un rival charismatique, issu d’une autre école martiale. C’est le début d’une structuration plus claire des forces en présence, avec l’émergence de clans, de lignées d’arts martiaux, de traditions antagonistes. Dragon Ball entre alors dans sa phase « classique », celle qui fondera les grandes lignes de la saga, qui mènent tout droit à l’arc Piccolo.

Entretemps, plusieurs sous-intrigues auront tenu le lecteur en haleine : le combat contre Tao Pai Pai, tueur à gages impitoyable ; l’ascension de la tour céleste pour rencontrer Karin, le maître-chat ; l’assaut de la Muscle Tower et la découverte de C8 ; la lutte contre l’armée du Ruban Rouge ; ou encore le tournoi organisé par la voyante Baba et la rencontre posthume avec Son Gohan, le grand-père défunt de Goku.

La publication de cette portion de l’histoire en version « Full Color » par les éditions Glénat offre un relief nouveau à ces arcs de transition. La colorisation, fidèle et soignée, permet d’apprécier toute la richesse visuelle de l’univers de Toriyama. Les décors prennent une ampleur nouvelle : montagnes, forêts, bases militaires, tout devient plus tangible, plus immersif. Les scènes de combat, quant à elles, gagnent en lisibilité et en intensité.

Ce segment intermédiaire de Dragon Ball, passage d’un tournoi à un autre, constitue une phase de consolidation (des personnages) et d’élévation (des enjeux). Goku y gagne en profondeur, l’univers s’élargit et les thématiques prennent une épaisseur insoupçonnée. Une montée en puissance maîtrisée, annonciatrice d’un âge d’or du shōnen.

Parmi les meilleures réalisations de la collection Pataquès, cet album se fait le témoin d’un monde où l’hyperbole et l’ironie se conjuguent pour dépeindre la déraison collective.

Album signé par Ami Inintéressant et Rémi Lascault, La Fin du sens s’inscrit comme une critique acerbe et terriblement pertinente des travers et des contradictions de nos sociétés modernes. Par le prisme de l’absurde et du non-sens, l’album prend un malin plaisir à déconstruire nos certitudes et à pointer du doigt les dysfonctionnements de notre époque. 

Dès les premières pages, le ton est donné : un homme, plongé dans la solitude, se réfugie dans des discussions avec des collègues complotistes, qui se révèlent être des amis imaginaires. Ce décalage entre réalité et fiction est une porte d’entrée vers l’univers de La Fin du sens, où les frontières entre raison et déraison se brouillent en permanence. Le personnage, comme beaucoup d’autres dans l’album, est à la dérive, cherchant des réponses là où il n’y en a pas.

Cette solitude apparente est omniprésente, de même que l’inanité des rapports sociaux. Dans un monde où le sens se dérobe, l’humour devient une bouée de sauvetage. À travers des scènes tantôt surréalistes, tantôt grinçantes, l’album parvient à faire rire tout en suscitant une réflexion sur l’état du monde. Ce n’est pas simplement la comédie qui prime ici, mais un certain désespoir qui se teinte de pathétisme.

L’album se penche ainsi sur des situations politiques et sociales qui semblent tout droit sorties d’un mauvais rêve. Les politiciens s’affrontent dans une course à l’invective, cherchant à déployer des discours racistes et démagogiques. Un élu nie ses liens avec la Russie, tandis que son bureau regorge de portraits de Poutine et arbore le drapeau russe. Un Français lambda devient président de la République à cause d’une coquille sur des bulletins de vote. 

La satire politique va bien au-delà de l’actualité, se nourrissant de l’incompétence apparente des dirigeants et de la vacuité de leurs discours. La mise en scène de personnalités comme Manuel Valls, toujours prêt à occuper une fonction politique dès qu’une place se libère, s’inscrit dans une critique en règle d’un système dévoyé, cherchant à plaire plus qu’à convaincre, à remporter des suffrages plus qu’à agir en faveur de la collectivité.

L’absurde trouve également ses résonances dans le monde de l’entreprise. On verra par exemple un patron garder ses employés non pour leur talent mais pour pouvoir les humilier, chose impossible avec les IA. Ce management toxique se double d’un spécialiste de la productivité qui se retrouve en burn-out ou de rapports de pouvoir au mieux dérangeants. C’est le cas avec une employée systématiquement interrompue par les hommes ou cette femme dans un canyon, niant l’existence du réchauffement et confortée dans ses opinions en entendant l’écho de ses propres mots climato-sceptiques. Une métaphore ingénieuse des chambres d’écho des réseaux sociaux et des idéologies figées.

La Fin du sens pousse l’hyperbole à son paroxysme. Avec des scènes farfelues mais au fond de vérité, l’album constitue une satire acerbe de la société contemporaine, où l’absurde devient parfois la seule réponse logique face à l’incohérence ambiante. Le racisme institutionnel, la montée du complotisme, l’incapacité à traiter des problèmes mondiaux avec sérieux… autant de thématiques abordées de façon hilarante – et un peu amère. À découvrir sans tarder, en particulier pour les adeptes de la collection Pataquès, qui trouveront ici l’une de ses œuvres les plus abouties.

La Fin du sens, Ami Inintéressant et Rémi Lascault 
Delcourt, mars 2025, 64 pages

James Tynion IV et Álvaro Martínez Bueno nous replongent dans leur univers post-apocalyptique avec The Nice House by the Sea, une suite bienvenue à l’excellent The Nice House on the Lake. Ce premier tome, regroupant les six premiers chapitres, s’ouvre sur une nouvelle maison, un nouveau maître des lieux et un groupe d’individus triés sur le volet. Mais derrière la beauté de cette résidence se cache une tension palpable et une humanité bientôt repoussée dans ses derniers retranchements.

Cette nouvelle série prend pour cadre une villa luxueuse sise au bord de la mer. Max, l’énigmatique hôte extraterrestre, a soigneusement sélectionné dix individus parmi les meilleurs dans leurs domaines respectifs : scientifiques, artistes, politiciens, écrivains… Ces personnages n’ont aucun lien personnel entre eux, ce qui marque une rupture nette avec la dynamique observée dans le premier cycle, où les invités étaient des amis proches de Walter. Ici, aucun passif, mais une maison constituée d’interactions froides et calculées, où chaque résident cherche à s’épanouir, souvent préoccupé par son ego, ce qui n’est pas sans effet sur la communauté.

On le sait, un confinement forcé dans une ambiance de fin du monde n’est pas sans conséquences psychologiques. Un tel isolement exacerbe les tensions, altère la communication, rend les défauts des uns et des autres quasiment intolérables. Contrairement aux résidents de la maison au bord du lac, qui luttaient pour comprendre leur situation et préserver leur humanité face à l’immortalité imposée, ces nouveaux personnages semblent avoir accepté le sacrifice du reste de l’humanité. Ils ont conscience de leur valeur, peut-être un peu trop, et jouissent de petits privilèges (changement d’apparence, cure de jouvence, balade en mer, farniente…). Cette configuration transforme la maison en un véritable laboratoire social où chaque interaction devient un microcosme des dissensions humaines. Mais que se passerait-il, en sus, s’ils venaient à apprendre l’existence d’une autre maison mettant potentiellement en péril leur pérennité ?

C’est ici que se joue l’essentiel de The Nice House by the Sea. Certes, les désaccords avec le prêtre ou la sénatrice alimentaient jusque-là quelques sous-intrigues, mais ce qui s’annonce est sans commune mesure : les résidents de cette maison idyllique, sélectionnés pour leurs qualifications, doivent se positionner quant aux actions à mener à l’encontre des personnages du premier cycle. Une seule maison survivra. Celle de Max va alors s’opposer à celle de Walter. Une intersection entre les deux maisons rend possible des attaques mutuelles, et soulève également des questions sur les intentions réelles des extraterrestres derrière ces expériences.

Álvaro Martínez Bueno livre une fois encore un travail visuel impressionnant. Chaque planche regorge de détails subtils qui enrichissent l’expérience narrative, tandis que le découpage accentue parfaitement la tension dramatique. De son côté, James Tynion IV n’oublie pas d’intégrer deux nouveaux protagonistes hauts en couleur, et liés aux résidents de la première maison : Max, dont on évente la relation passée avec Norm – notamment via des courriels –, et Oliver. Le premier décrit Walter comme un alien défaillant, qui s’est laissé emporter par ses sentiments et qui cherche à conserver dans le formol ses anciens amis, en les empêchant d’évoluer. Le second a été proche de Walter et de ses amis et est appelé à occuper une place ambiguë dans la suite du cycle. Il permet aussi de creuser plus avant les relations entre les uns et les autres. 

Avec The Nice House by the Sea, James Tynion IV continue d’explorer les recoins sombres de l’âme humaine tout en élargissant son univers narratif. Ce premier tome pose les bases d’une réflexion fascinante sur le pouvoir, la survie et les sacrifices moraux. Si vous avez aimé The Nice House on the Lake, cette nouvelle série ne devrait pas vous décevoir, puisqu’elle ouvre de nouvelles perspectives narratives sans rien renier des précédents tomes. 

The Nice House by the sea, James Tynion IV et Alvaro Martinez Bueno 
Urban Comics, avril 2025, 200 pages

Dans le recueil Mafalda et l’enfance, publié aux éditions Glénat, Quino montre toute l’étendue de son talent à travers un florilège savoureux des strips de sa jeune héroïne. À soixante ans passés, Mafalda n’a pas pris une ride. Son regard espiègle et lucide sur le monde continue de surprendre, de divertir et de questionner notre rapport à la vie, et ici, plus particulièrement, à l’enfance.

Grand virtuose de la bande dessinée, Quino marie une maîtrise de l’humour subtil à une capacité à sonder les paradoxes de la société. Et c’est précisément à travers Mafalda et la formidable galerie de personnages qui gravitent autour d’elle que l’auteur argentin donne vie à son propos.

Mafalda et l’enfance, c’est d’abord un univers familial plein de tendresse et de contradictions. Dans cet album, la famille de la petite héroïne loquace et intrépide occupe une place centrale. Guille, son petit frère, fait une entrée remarquée : il rampe sur un plateau d’échecs, confond les pièces avec sa tétine et distille une candeur désarmante qui illumine chaque vignette. Mafalda, toujours aussi prompte à s’inquiéter, se demande si sa maman l’aimera encore autant maintenant qu’il y a un bébé à la maison. Pourtant, les liens se resserrent, et l’album laisse transparaître une tendresse infinie entre les membres de cette famille, parfois débordés mais profondément unis.

Le papa de Mafalda, homme discret, se montre aussi délicieusement contradictoire : il refuse d’écouter sa fille lorsqu’elle se lance dans une rafale de questions existentielles, mais ne rase pas la partie de sa barbe qu’elle embrasse. Et qu’importe si cela lui donne une apparence ridicule. De son côté, la maman, attachée à ses habitudes (en particulier la fameuse soupe, que Mafalda déteste au point de considérer son appellation comme un gros mot), voit sa fille faire preuve de compassion après avoir testé ses lunettes et expérimenté une vision pour le moins… trouble. 

Autour de Mafalda gravitent des amis qui, chacun à leur façon, reflètent un pan de la société. Manolito, par exemple, capitaliste en herbe, rêve déjà de posséder une chaîne de supermarchés. Son obsession pour les comptes et la rentabilité pousse Mafalda à ne jamais accepter ne serait-ce qu’un bonbon de lui : elle se méfie de ses calculs postérieurs. Susanita, de son côté, est tout autant préoccupée… par le mariage. Son rêve de petite fille est de se marier et de fonder une famille, comme si la liberté dont Mafalda se réclame (et qu’elle attend impatiemment, pour s’affranchir de la tutelle parentale) ne figurait pas du tout au programme de Susanita. Ces caractères opposés donnent naissance à des conversations savoureuses et à des situations comiques qui portent en creux une critique légère mais acérée de nos modes de vie.

Comme à son habitude, Quino sait jouer sur plusieurs registres. Les gags d’observation pure ne manquent pas : la mer, que Mafalda juge indécise avec son va-et-vient incessant, ou son peigne, auquel elle demande s’il a « le trac » en découvrant ses cheveux ébouriffés au petit matin. Certaines blagues sont purement visuelles, comme ce moment où on s’amuse avec la cravate du père, ou quand un arc se brise en plein jeu. Mais, souvent, derrière le trait simple et limpide de Quino, pointent des interrogations presque philosophiques, un goût pour la dérision et cette fameuse conscience sociale qui a fait la renommée de l’auteur. 

L’enfant qu’est Mafalda ne cesse de s’interroger. Elle se soucie du gaspillage – même de ses propres dents de lait – et se désole de l’injustice de ce monde d’adultes. À travers son regard, l’auteur argentin nous invite à nous reconnecter à cette phase unique de l’existence qu’est l’enfance : un âge de transition, plein de curiosité et de doutes, où la logique candide se heurte à l’incohérence des comportements adultes.

Si Mafalda et l’enfance reprend des strips anciens, le recueil a su garder toute sa fraîcheur. Les thèmes abordés sont toujours d’une brûlante actualité : le rapport à la famille, l’éducation, la peur de l’avenir, la nécessité de préserver les ressources. L’album comprend un précieux bonus : les principes de la Déclaration des droits de l’enfant, publiés en 1976 par l’UNICEF et illustrés par Quino lui-même. 

Ainsi, Mafalda et l’enfance s’impose comme un album indispensable, plein d’acuité, où l’on rit beaucoup, apprend aussi, et duquel on ressort avec une tendre nostalgie, mais surtout avec un enthousiasme renouvelé pour ces grandes questions qui, dès l’enfance, nous habitent. Car plonger dans ces pages en noir et blanc, c’est s’offrir un moment de légèreté et de réflexion qui résonne, plus que jamais, avec nos préoccupations contemporaines.

Mafalda et l’enfance, Quino 
Glénat, avril 2025, 208 pages

Le tandem James Tynion IV et Christian Ward revient en force avec Spectregraph, une œuvre fascinante publiée aux éditions Delcourt, qui poursuivent la traduction du catalogue DSTLRY après Somna et Gone. Le récit emprunte à l’horreur psychologique, au fantastique et au thriller.

L’histoire débute dans un étrange manoir, perché sur la côte californienne, au nord de Los Angeles. Dès les premières pages, l’ombre plane sur ce lieu énigmatique et troublant, construit par un magnat de l’industrie obsédé par l’occulte et la promesse de vie éternelle. Après sa mort, la demeure suscite la convoitise des plus riches, avides de percer les mystères restés enfermés dans ses murs. 

Janie, mère célibataire se remettant difficilement d’une rupture amoureuse, est l’agente immobilière en charge de ce manoir. Elle accompagne Vesper, envoyée par un groupe inconnu (et inquiétant !), pour évaluer les secrets de l’étrange résidence. Très vite, le piège se referme sur elles ; les deux femmes se retrouvent captives d’une prison surnaturelle dont elles devront découvrir les secrets pour espérer survivre.

James Tynion IV, scénariste déjà reconnu pour ses précédents succès tels que The Nice House on the Lake et Department of Truth, reproduit à merveille les prouesses déjà réalisées dans ses récits d’horreur psychologique. Spectregraph se présente comme un puzzle narratif sophistiqué, déconstruit, où flashbacks et révélations partielles se succèdent avec maîtrise. Le suspense est finement charpenté et les éléments épars distillés çà et là nous maintiennent dans un état de tension fébrile, tout en sondant l’immortalité et l’abandon du corps au profit d’une éternité spectrale.

Un écueil se profile toutefois. James Tynion IV a tendance à effleurer ses thématiques sans les approfondir complètement. Si l’obsession et les dérives sectaires transparaissent clairement, il leur manque l’étoffe qui aurait permis de densifier le récit. Ce dernier maintient volontairement une certaine opacité, qui certes entretient le mystère mais contribue aussi à laisser le lecteur sur sa faim. Plus réussi est le portrait d’un couple désuni par une idée obsédante, et l’évocation de cette science qui n’a pas conscience de la valeur des choses simples.

Côté graphique, Christian Ward réalise un travail remarquable. Il construit une atmosphère surnaturelle idoine. Dans Spectregraph, les corps se fragmentent pour laisser apparaître leur structure interne, les murs sont porteurs des errances passées et des âmes en peine peuvent réapparaître à tout moment. 

La comparaison avec le film 13 Fantômes de Steve Beck (2001) semble évidente, avec des personnages enfermés dans un lieu mécanique où évoluent des spectres inquiétants. Cependant, James Tynion IV nous gratifie d’une intrigue bien plus subtile, davantage ancrée dans les psychologies tourmentées des protagonistes et leurs choix existentiels. Ainsi, tour à tour, la parentalité, l’amour perdu, l’obsession, l’immortalité, le renoncement irrigueront l’histoire.

Malgré quelques réserves sur la profondeur de son propos, Spectregraph est un album réussi, et souvent passionnant. Une incursion singulière dans les abysses de l’étrange, qui confirme une fois de plus le talent de ses auteurs à susciter l’angoisse et à nous tenir en haleine. 

Spectregraph, James Tynion IV et Christian Ward
Delcourt, mars 2025, 168 pages

Avec ce second tome de Zoé Carrington, publié aux éditions Bamboo, Jim clôt avec talent son diptyque, qui réunissait d’anciens amis – et amants – à Londres, dans un contexte des plus singuliers…

Dans ce second tome, Londres reste le théâtre d’une célébration à la fois festive et douloureuse, où le souvenir côtoie la perte, et où l’insouciance d’hier se heurte brutalement à la réalité du deuil. Le personnage de Zoé, « cheval sauvage » s’il en est, demeure le cœur battant du récit. Toujours aussi libre, indépendante et magnétique, elle incarne une féminité moderne, complexe et assumée, qui tend à vampiriser, dans le cas présent, la gent masculine. 

Jim la caractérise comme une personne énigmatique, fascinante et insaisissable. Elle est cette femme dont le charme et les formes provoquent autant d’admiration que de tourments chez ceux qui croisent sa route, à commencer par Simon, le personnage masculin principal, encore sous le coup d’une relation pourtant enterrée il y a plusieurs années. Ce qui n’empêche pas ce dernier de nourrir l’espoir évident de renouer avec celle qu’il n’a jamais pu oublier.

Zoé et Simon se retrouvent donc autour d’une célébration funéraire : la fête prévue pour les 30 ans de Léo, le mari de Zoé. Il s’agit en fait d’un enterrement à la hauteur du couple extravagant qu’ils formaient. Si la relation entre les deux principaux protagonistes est ambiguë, cette cérémonie l’est tout autant, dans un mélange des genres bientôt contaminé, à nouveau, par le spectre de la finitude.

Jim semble s’amuser de ces paradoxes. L’extravagance se conjugue avec la tristesse. Ailleurs, l’amour se mêle avec la prostitution. Cette nuit singulière cristallise les sentiments contradictoires qui traversent l’ensemble du récit, bercé de nostalgie, arrimé à des rêves déçus, tapissé d’amitiés plus ou moins perdues, et dans lequel l’amour n’est jamais véritablement éteint.

Finesse d’écriture, planches tantôt réalistes tantôt oniriques, ce second et dernier tome ne révolutionne pas ce qui avait été amorcé un an plus tôt. Tout tient dans les conflits internes des personnages et dans l’impossibilité d’accéder à la plénitude recherchée. Le final n’apporte d’ailleurs pas de conclusion joyeuse, preuve que l’auteur ne ménage pas ses protagonistes.

Finalement, Zoé Carrington aura beaucoup brodé autour d’amours perdues, de jeunesse enfuie et de cette douloureuse, inconsolable, confrontation au deuil. Jim signe une œuvre sensible, très humaine, où les attentes sont figées dans un idéal inaccessible. Ce second tome clôture habilement le cycle de l’auteur.

Zoé Carrington (Vol.2), Jim
Bamboo, mars 2025, 96 pages