La 54e Semaine de la critique, présidée cette année par la comédienne et réalisatrice israélienne Ronit Elkabetz, décernera pour les longs le Grand Prix Nespresso et le Prix Révélation France 4, ainsi que le Prix Découverte Sony CineAlta du court métrage.
Créée en 1962 et organisée par le Syndicat français de la critique de cinéma, cette compétition parallèle du Festival de Cannes, se tient cette année du 14 au 21 mai 2015. Notons que le Grand prix avait été remis, l’année dernière au film ukrainien The Tribe de Myroslav Slaboshpytskiy.
Les Anarchistes : Adèle Exarchopoulos et Tahar Rahim en ouverture
En ouverture Les Anarchistes d’Elie Wajeman, le film est composé d’un beau casting: Tahar Rahim révélé par Un Prophète en 2009 de Jacques Audiard et Adèle Exarchopoulos (La Vie d’Adèle, palme d’Or au Festival de Cannes en 2013). Le film raconte l’histoire d’un brigadier chargé d’infiltrer un groupe d’anarchistes dans le Paris de la fin du 19e siècle.
Les Deux Amis, le premier long-métrage du jeune cinéaste, Louis Garrel, s’inspire des Caprices de Marianne de de Musset et a été co-écrit avec Christophe Honoré. Louis Garrel a réalisé les courts-métrages : Mes Copains, Le Petit Tailleur, et enfin La Règle de Trois, récompensé par le Prix Jean-Vigo du court-métrage en 2012.
Ni le ciel ni la terre de Clément Cogitore, un film présenté pour la première fois en compétition: L’histoire est celle d’un groupe de soldats français dans le désert, en pleine guerre d’Afghanistan, victime d’étranges disparitions. Au casting, on retrouvera Jérémie Rénier et Kevin Azaïs, l’espoir césarisé vu dans l’excellent Les Combattants.
Les films qui font du bruit sont: Krisha (Krisha Fairchild) de Trey Edwards Shults : Alors qu’elle décide de passer des vacances avec sa famille qu’elle n’a pas vue depuis des années, les démons intérieurs de cette vieille dame dénommée Krisha refont surface.
Un premier long métrage personnel, vainqueur du Grand Jury et Prix du public au festival SXSW (South by Southwest). Krisha présage l’arrivée d’un nouveau talent dans le cinéma indépendant.
Coin Locker Girl: Un premier film pour le réalisateur Coréen Han Jun-hee mais aussi le seul film asiatique sélectionné à la Semaine de la Critique du Festival de Cannes 2015. Au casting de Coin Locker Girl on retrouve là aussi un beau casting Kim Hye-soo (The Thieves), Kim Go-eun (A Muse), Park Bo-gum (Roaring Currents) et Kyo Gyung-pyo (High Heels).
Pour le pitch: Alors qu’elle vient de naître, Il-young est abandonnée dans la consigne n°10 d’une station de métro. Huit ans plus tard, elle est vendue à la marraine d’un gang de Chinatown, connue sous le nom de Mom. Elle devient ainsi un membre de sa famille. Seuls les personnes « utiles » peuvent tenir dans cette famille de Chinatown. Coin Locker Girl raconte l’histoire de deux femmes qui ont trouvé chacune leur façon de survivre dans un monde cruel.
La Semaine de la Critique se clôturera avec un troisième film français : La Vie en Grand, première réalisation de Mathieu Vadepied, on suit deux enfants qui font l’apprentissage de la vie, partagés entre l’éducation de l’école et des expériences insolites pour le moins surprenantes.
Sélection des onze longs métrages dont sept en compétition :
Ouverture : Les Anarchistes d’Elie Wajeman
Séance spéciale : le premier long métrage de Louis Garrel, Les deux amis Sleeping Giant du Canadien Andrew Cividino Paulina de l’Argentin Santiago Mitre Mediterranea de l’Italo américain Jonas Carpignano Krisha de l’Américain Trey Edward Shults Ni le ciel ni la terre, du Français Clément Cogitore Land and Sand du Colombien Cesar Augusto Acevedo Dégradé des frères palestiniens Arab et Tarzan Abunasser Coin Locker Girl du Sud-Coréen Han Jun-Hee
Clôture : La vie en grand du Français Mathieu Vadepied
Sélection des dix courts métrages :
L’enfant est au cœur de Varicella, de l’Italien Fulvio Risuelo Command Action de João Paulo Miranda Everything will be okay de l’Allemand Patrick Vollrath Ramona par le Roumain Andrei Cretulescu Too Cool for School de l’Américain Kevin Phillips Love Comes Later de l’Américaine Sonejuhi Sinha Boys de la Suédoise Isabella Carbonell The Fox Exploits de Tiger’s Might de l’Indonésien Lucky Kuswandi Jeunesse des loups garous du Français Yann Delattre La fin du dragon de la Française Marina Diaby
Hors-compétition
Les Anarchistes d’Elie Wajeman, 2e film, film d’ouverture. Avec Adèle Exarchopoulos et Tahar Rahim Les deux amis de Louis Garrel, 1er film. Avec Louis Garrel, Vincent Macaigne et Golshifteh Farahani. Coin Locker Girl de Han Jun-hee (Corée du sud), 1er film La Vie en grand (ex-Adama) de Mathieu Vadepied, 1er film, film de clôture
Charles Tesson, Délégué général, commente la 54e sélection
La vidéo diffusée sur les réseaux sociaux, détaille la composition de la plus ancienne sélection parallèle du Festival de Cannes : Onze premiers ou seconds longs-métrages et dix courts-métrages représentant 13 pays.
No Country For Old Men, un western post-moderne au look crépusculaire et à la noirceur inégalée.
Synopsis: À la frontière qui sépare le Texas du Mexique, les trafiquants de drogue ont depuis longtemps remplacé les voleurs de bétail. Lorsque Llewelyn Moss tombe sur une camionnette abandonnée, cernée de cadavres ensanglantés, il ne sait rien de ce qui a conduit à ce drame. Et quand il prend les deux millions de dollars qu’il découvre à l’intérieur du véhicule, il n’a pas la moindre idée de ce que cela va provoquer…Moss a déclenché une réaction en chaîne d’une violence inouïe que le shérif Bell, un homme vieillissant et sans illusions, ne parviendra pas à contenir…
« Non, ce pays n’est pas pour le vieil homme »
Difficile d’imaginer qu’à travers ces quelques mots, donnant le titre à leur film, les frères Coen parviennent à évoquer déjà toutes les ambitions et volontés contenues au sein du projet, à savoir celles de cristalliser en un film, autant un hommage au genre matriciel du cinéma américain – le western –, qu’une énième réflexion de leur part sur les dérives de la société et son inévitable évolution.
Car malgré leur style très incisif, dressant un éloge à peine voilé à l’humour noir et leur prédilection à user du ressort comique au travers de leurs longs métrages, les frères Coen sont des cinéastes éminemment plus matures que l’image délurée et débridée qu’ils véhiculent. Réfléchis, investis, profonds, ces derniers, un peu à l’instar du gotha des réalisateurs indépendants, semblent comme dépendants de leur époque pour façonner leur style. Tel un Martin Scorsese, dressant un éloge de la mafia, alors au sommet à travers sa trilogie constituée de Casino, Les Infiltrés et Les Affranchis ; les frères Coen ont toujours su surfer sur la vague de l’Histoire pour dresser, à travers leurs films, un regard biaisé du monde contemporain.
Sacrant la crétinerie humaine à travers leur trilogie dite des crétins composée de O’Brother, Intolérable Cruauté et Burn After Reading, ou encore la perte de vitesse enregistrée par l’industrie musicale, couplée à l’essor du caractère asocial de la population, à travers le délicieusement rétro Inside Llewyn Davis, les frères Coen agissent ainsi en parangons d’un monde en constante évolution, livré à lui-même et dont la cruauté a, telle une gangrène, envahi toutes les strates de la population.
Manifesté par le rire ou l’absurdité (on pensera alors à Fargo ou The Big Lebowski, pourtant tout deux radicalement différents, mais empruntant à cette même veine de démystification de la société, devenue impitoyable, avare et violente), ce regard ne s’était toutefois jamais appliqué à travers le prisme de la violence, comme c’est le cas avec ce No Country For Old Men, film à l’esthétisme et au propos, encore une fois, vintage et dont la teneur émane, surprise, d’un romancier récompensé du mythique Prix Pulitzer : Cormac McCarthy.
Romancier américain souvent assimilé, outre-Atlantique, au grand William Faulkner et au tout aussi grand Herman Melville (l’auteur de Moby Dick), McCarthy semble, à la vue du long-métrage, être une sorte d’alter ego des frères Coen, tant sa prose aussi agressive qu’enivrante, mise au service de romans noirs (La Route notamment), perpétue cette évolution brutale de la société, laissant sur le carreau nombre de personnes perdues et désespérées, accablées par la fatalité, la détresse et l’absence de repères.
Une perte de repères savamment entretenue par le tandem de réalisateurs qui, sortant d’une décennie de comédies (Ladykillers, The Big Lebowski, Intolérable Cruauté), ont souhaité innover et illustrer avec la maestria qu’on leur connait ce changement, en se délestant de leurs traditionnels habitués (Frances McDormand, George Clooney, John Turturro),et en dressant par leur intrigue, un fond éminemment plus sérieux et mature que ce qu’ils ont tendance à proposer aux spectateurs acquis à leur cause. Sans doute brusque pour certains, quitte à instaurer une certaine appréhension, ce changement fut heureusement balayé tant, encore une fois, le génie de ces frères cinéastes, a su transcrire avec le même désespoir que McCarthy, cette brusque évocation d’un monde changeant à toute vitesse que les vieux acteurs, le vieil homme du titre, ne comprennent plus.
Il Était Une Fois Dans l’Ouest
Disposant d’une ouverture sur fond de grandes plaines filmées à l’orée du jour, surmonté d’un monologue laconique de Tommy Lee Jones, le vieil homme du titre, énonçant son passé de shérif au sein du Comté de Terrel, NoCountry For Old Men démontre déjà dans cette classieuse introduction son attirance pour ce passé révolu, à la fois noble et fier, voyant le respect de la loi primer et une certaine paix s’installer. Usant d’images douces et puissantes obtenues par le travail du chef opérateur Roger Deakins (Skyfall, Prisoners), les frères Coen parviennent de manière rapide à instaurer une certaine tranquillité, telle la paix ardemment défendue par le shérif Bell (Tommy Lee Jones), qui pourtant s’effrite dès lors que son monologue prend fin, à la vue du premier protagoniste venu, en l’occurrence un prisonnier amené à une voiture de police ; un peu comme si Lee Jones, par sa figure patriarcale évidente, symbolisait à lui seul, la barrière entre l’ordre et le néant.
Hautement symbolique, cette première scène permet de prouver également que la violence, pourtant ardente dans les pages du roman éponyme, ne trouvera pas forcément sa place de manière textuelle au sein du long-métrage, un peu à la manière du récent A Most Violent Year qui, usant d’un titre reflétant une violence omniprésente, ne cédait toutefois jamais à la pression et préférait consacrer cette violence en la rendant à la fois inattendue et déchaînée.
Telle alors une chape de plomb s’étendant sur ces plaines désertiques désolées cette violence, signe annonciateur de cette évolution ayant relégué le vieil homme du titre, laisse place aux protagonistes évoluant tous de manière désordonnée sur ces plaines suffocantes et désertiques du Texas.
On y suit ainsi le prisonnier cité au-dessus, dont l’identité sera révélée un peu plus tard, au volant d’une voiture de police, supposant donc la production d’un élan de violence dévastateur, qui arrête un simple conducteur et qui, sans raison apparente, décide par le biais d’un instrument destiné à assommer des bovins, de sèchement l’abattre. Claire et nette, la violence hypertrophiée et contenue de la mise en scène des frères, trouve son point d’orgue avec cette scène qui, outre le fait d’imprimer durablement la rétine avec ce sourire angélique du tueur, permet d’étayer le profil psychologique de ce dernier et laisse donc supposer une violence dont les limites semblent inquantifiables.
De l’autre côté, il y a Llewelyn Moss (Josh Brolin), authentique redneck et pur produit triomphant de l’Amérique reaganienne, patriotique et fière, qui chasse et qui va arriver, sur ce qui constituera finalement l’enjeu dramatique du film, à savoir un parking où un trafic de drogue a mal tourné, voyant un monceau de cadavres s’amonceler autour d’une camionnette bourrée de cocaïne et d’un mexicain à l’attaché-case rempli de dollars, que Moss n’hésitera pas à subtiliser compte tenu de l’absence miraculeuse de témoins.
En apparence deux cas isolés, pourtant vite rapprochés par le sherif Bell, dont le mode opératoire et les techniques d’investigation, laissent de prime abord circonspect, puis désabusé devant une telle violence qui, malgré ses efforts, ne s’estompe pas. Tel un rejet du progrès et l’incarnation filmique du spectateur, ce dernier semble perdu, l’air hagard, comme si ce nœud ou s’entremêlent violence accrue et calme olympien, ne faisait qu’accentuer son désenchantement et sa réflexion sur le temps qui passe.
History Of Violence
Un tueur froid et méthodique, un cow-boy et un shérif; ainsi se voit formé le trio de protagonistes qui portera ce film sur les versants abrupts de la corruption, de la violence et de l’absurdité, à tel point que son principal auteur, Joel Coen, déclarera qu’il « s’agit certainement du film le plus violent auquel il a contribué »
Pourtant, cette violence ne trouve jamais de fondements explicites et est donc amplifiée à chaque fois que l’une de ses manifestations vient à apparaître sur l’écran. Tel le personnage iconique du Joker dans l’univers de Batman, le tueur, incarné à l’écran par le terrifiant Javier Bardem parvient, de par son jeu désarticulé et déshumanisé, à symboliser l’étonnante imprévisibilité de l’intrigue, qui véhiculera ainsi tout du long son lot de surprise, comme celle de voir Llewelyn Moss revenir sur les lieux du massacre, et se faire prendre en chasse par ce tueur, préalablement décrit par un ancien collègue apparu furtivement, comme un chien enragé, ne cessant d’aboyer dès lors que sa mission est finie.
Ce faisant, le film délaisse alors cette vaine très atmosphérique et contemplative, pour n’en retenir que la tension, inhérente à la chasse à l’homme se déroulant sous nos yeux, et voyant Anton Chigurh, le tueur, tenter d’éliminer Moss, au gré d’armes insolites, pour mettre la main sur cet argent. Une tension discrète, en filigrane, présente jusque sur l’image, et amplifiée par l’absence de musiques additionnelles, donnant au long-métrage un parfum de plausibilité effarant et une anormale quiétude.
Une quiétude qui ne disparaîtra jamais vraiment tant les frères Coen, maîtrisant autant l’art du scénario que celui de la réalisation, font progresser leur récit d’une manière diabolique, en maximisant les ruptures de ton brutales entre terreur et humour pince-sans-rire, action chauffée à blanc et désenchantement sous-jacent, sans jamais toutefois ouvrir les vannes du spectaculaire ou de la violence gratuite.
Et à ce petit jeu de massacre sous un soleil de plomb, autant Josh Brolin incarnant la brebis galeuse, que Javier Bardem jouant, quant à lui, le grand méchant loup, excellent, véhiculant par leurs interprétations aussi bien les doutes que la motivation inhérentes à cette transformation de la société, à laquelle sont contraints tous les protagonistes.
Une transformation qui, couplée au genre matriciel du cinéma américain et à une vision à la fois humaniste et symbolique de ses auteurs, ne démérite pas, et aurait sans doute du triompher sur le tapis rouge du Festival de Cannes, festival où, en cette année 2015, le président aura pour la première fois un double visage, personnifié en l’espèce par ce tandem de réalisateurs, décidément peu rancunier mais au talent inégalé.
Magistral.
No Country for Old Men ( bande annonce VOST )
No Country for Old Men: Fiche Technique
États-Unis – 2007
Réalisation: Joel Coen, Ethan Coen
Scénario: Joel Coen, Ethan Coen d’après: le roman de: Cormac McCarthy
Interprétation: Tommy Lee Jones (Bell), Javier Bardem (Anton), Josh Brolin (Llewelyn), Woody Harrelson (Carson Wells), Kelly Macdonald (Carla Jean).
Image: Roger Deakins
Costume: Mary Zophres
Son: Greg Orloff, Craig Berkey et Peter F. Kurland
Montage: Joel et Ethan Coen alias Roderick Jaynes
Musique: Carter Burwell
Producteur: Scott Rudin, Joel Coen, Ethan Coen
Production: Scott Rudin Productions, Paramount Classics et Miramax Films
Distributeur: Paramount Pictures France
Genre: Thriller, Drame
Date de sortie: 23 janvier 2008
Durée: 2h02
Synopsis :Un délit mineur conduit JR derrière les barreaux pour un séjour de 6 mois. Au milieu des malfrats de grande envergure, JR perdra la coupe cheveux longs rebelle et avec elle l’innocence juvénile. Ses aptitudes au jeu d’échecs lui permettront d’être repéré par un braqueur de haut vol, Brendant Lynch, chef de gang crasseux néanmoins accessible. En échange de son aide pour une évasion ambitieuse par les airs, JR sera protégé, évitant ainsi bien des déconvenues.
Le rôle principal est tenu par Brenton Thwaites, jeune acteur australien de 25ans, qui a entre autres incarné le Prince Philippe dans Maléfique et qui sera à l’affiche de Pirates des Caraïbes : Les Morts Ne Parlent Pasà sortir dans les salles en 2017. Ses yeux et son corps vigoureux traduisent la juste mesure de la crédulité pervertie par l’application du dicton « Quitte à être puni pour un œuf, autant se taper un bœuf ».
Ewan McGregor quant à lui, semble entamer une reconversion dans l’habit de l’antihéros barbu, entretenant une partie d’échecs avec « Oncle » Sam, libre comme l’air à l’extérieur du trou ; d’ailleurs vêtu de blanc, signe qu’au sommet de la hiérarchie on ne se salit jamais les mains.
La rencontre des deux protagonistes intervient déjà dans l’épilogue, sans que l’on sache vraiment qui est JR, ni connaître les raisons qui ont amenées Brendant en prison. Le spectateur pourra attendre, en vain, qu’on l’invite à s’attacher à la psychologie des rôles; cette rencontre maladroite est trop subite, la suite n’est plus opportune pour traiter les antécédents des profils. La séquence aurait gagné en profondeur en étant mieux orchestrée, à l’aplomb de l’intérêt du spectateur pour les personnages, acquis avec davantage de préparation. L’accroche initiale par le biais du jeu est bancale, tout bonnement invraisemblable.
La distribution a audacieusement attribué un rôle fort à McGregor qui, malgré des soubresauts, ne parvient pas vraiment à convaincre. Si l’on peine à dévisager ce qui flanche dans le premier tiers du métrage, le corps révèle clairement que c’est non moins l’écriture modeste des rôles et les faibles dialogues, que sa propre prestation, qui pèchent.
Le scénario, doucement conventionnel, passe sur bon nombre de détails qui auraient pimenté le récit. Manquant d’originalité, le potentiel percutant se désagrège, laissant surgir la banalité du film d’action simpliste. La réalisation suit JR pas à pas; souvent caméra à l’épaule, on pourra lui reprocher de sautiller ou de n’être pas toujours opportune. L’image reste étroite et se fait avare des beaux paysages d’Australie. Il faudra se contenter des quelques passes d’armes et courses poursuites, certes réussies, qui finiront par camper les vrais fondements du film. La B.O., disons-le, est communément montée de quelques notes en Reverb, qui trouvent la bonne résonance vis-à-vis de la scène qu’elles viennent appuyer. Un point positif de ce côté-là.
Si Son of a Gun n’est pas l’œuvre que l’on pourrait aduler, il lui reste l’avantage du divertissement. Le film rappelle tout de même que la prison est loin d’être le curatif du crime, et qu’au contraire elle l’encourage. Au-delà de la rigidité carcérale ressort l’absurdité de mélanger les fautifs de tous horizons, sans la volonté d’étudier au cas par cas la possibilité d’une réintégration. Le système qui consiste à mettre hors du circuit les tréfonds de la criminalité fabrique finalement de nouveaux prétendants au brigandage. Une sorte de roue qui tourne…sans jamais s’arrêter.
Bande Annonce – Son Of A Gun
Fiche technique – Son Of A Gun
Titre original : Son of a Gun
Réalisation : Julius Avery
Scénario : Julius Avery
Décors : Fiona Crombie
Photographie : Nigel Bluck
Son : William Ward
Montage : Jack Hutchings
Musique : Jed Kurzel
Production : Timothy White
Société(s) de production : Altitude Film Entertainment, Media House Capital et Southern Light Films
Société(s) de distribution : Entertainment One
Distribution : Brenton Thwaites, Ewan McGregor, Alicia Vikander, Matt Nable, Jacek Koman, Damon Herriman, Tom BUdge & Nash Edergton
Sortie: 1er mai 2015 en e-cinéma
Captain America : Civil War : La Vision, Ant-Man … rejoignent le casting
Les Studios Marvel viennent d’annoncer le castingcomplet du prochain Captain America : Civil War réalisé par Anthony et Joe Russo ainsi que le synopsis du film.
Les premières prises de vue impliquaient la petite troupe tant attendue : Iron Man, la Veuve Noire/Black Widow et bien sûr Captain America. Mais bien d’autres personnages se joindront au trio : le robot « Vision » (Paul Bettany), l’archer « Oeil-de-Faucon » (Jeremy Renner aka Hawkeye), War Machine (Don Cheadle), Black Panther (Chadwick Boseman de Get on Up) et peut-être même le prochain Scott Lang /Ant-Man (Paul Rudd), fera sa première apparition aux côtés des Avengers dans Captain America : Civil War.
Captain America retrouvera aussi Le Soldat de l’Hiver (Sebastian Stan vu dansCaptain America : Le Soldat de l’Hiver, Captain America : First Avenger), Le Faucon (Sam Wilson), La sorcière rouge/Scarlet Witch (Elizabeth Olsen, Avengers : L’Ère d’Ultron), L’Agent 13 (Emily VanCamp), Crossbones (Franck Grillo) tous deux issus de Captain America : Le Soldat de l’Hiver, William Hurt (A History of Violence, L’Incroyable Hulk) en Général Thaddeus ‘Thunderbolt’ Ross et Martin Freeman (Le Hobbit : Un voyage inattendu, Le Hobbit : La Bataille des Cinq Armées).…
Captain America : Civil Wars reprend là où Avengers : L’ère d’Ultron s’était arrêté.
Captain America dirige désormais l’équipe des Avengers dans leur combat pour protéger le monde. Mais suite à un incident lors d’une mission, les héros provoquent de graves dommages collatéraux.
La pression politique augmente alors et un système délimitant leurs actions et décidant de leurs interventions est mis en place.
Cette nouvelle organisation mondiale crée des tensions au sein du groupe tandis qu’une menace sans précédent gronde à l’horizon…
Le Plus Beau Des Chemins – La B.O./Trame Sonore/Soundtrack
À Prendre Et À Laisser
Il y a à prendre et à jeter dans la bande originale du film Le Plus Beau Des Chemins. En effet, deux albums bien distincts la composent. D’un côté « l’original score », autrement dit la trame sonore, composée par Mark Isham (48h Chrono, La Conspiration). De l’autre « l’original soundtrack », autrement dit la musique réellement. L’écart entre ces deux partitions est absolument gigantesque : d’un côté une trame catastrophique, de l’autre une musique bien meilleure. Oui la trame sonore est une catastrophe et vient s’ajouter à l’affiche du film comme mauvais présage. Elle sonne comme celle d’une bluette vue mille fois au cinéma, celle d’un film « américain » dans la mauvais sens du terme, dégoulinante d’eau de rose et de bons sentiments.
Oui la musique est une réussite, alignant les chansons rock/country comme seuls les États-Unis savent en produire, alignant des stars du genre telles que Black Pistol Fire, Pistol Annies sans oublier l’immense Ben Harper. Bref de la bonne, qui sent les grands espaces, les prairies sur lesquelles galopent encore des mustangs et les soleils couchants sur un horizon infini. Voilà donc ce qu’est la bande originale du Plus Beau Des Chemins : un contraste saisissant, presqu’une opposition entre une trame sonore sirupeuse jusqu’à la nausée et une musique qui sent l’invitation à une soirée square dance.
Sortie : 9 avril 2015
Distributeur : Milan Music
Durée : 90’
Tracklist :
Originale Score :
1. Ruth And Ira 1’53
2. In The Saddle 2’56
3. Picnic 1’21
4. Date Ends Early 1’53
5. Saving Ira 1’10
6. Calling Luke 1’33
7. Good Shabbos 2’08
8. Nice Walk Home 1’26
9. Proposal 0’48
10. Beach Frolic 0’37
11. War 3’46
12. Ruth’s Struggle 0’46
13. New House 0’58
14. Making Up 1’08
15. Shower Love 1’40
16. Riding Tutorial 1’33
17. Black Mountain 2’11
18. Daniel And Rurh 2’10
19. Childless 1’41
20. YouTube Research 2’48
21. How I Love You Now 2’20
22. Growing Old Together 1’58
23. Ruth’s Legacy 1’50
24. Mom’s Advice 1’27
25. Postcards From Ira 2’21
26. Defeating Rango 4’11
27. The Longest Ride 1’04
28. Luke And Sophia 2’28
Original Soundtrack :
1. Wildfire par Seafret 3’46
2. Blue Eyes par Middle Brother 4’05
3. Sleep With A Stranger par Nikki Lane 3’35
4. Learn It All Tomorrow par Ben & Ellen Harper 3’03
5. Backwoods Company par The Wild Feathers 3’05
6. I Feel A Sin Comin’On par Pistol Annies 3’19
7. Oh, Tonight par Josh Abbott Band feat. Kacey Musgraves 3’26
Dolph Lundgren, l’armoire à glace, star des films d’action et spécialiste des arts martiaux jouera dans le prochain film des frères Coen, présidents du jury du 68e Festival de Cannes.
Hail Caesar, 17ème film des deux frères, raconte l’histoire d’Eddie Mannix, qui a travaillé dans les années 50 comme « fixer » pour la protection des plus grandes stars hollywoodiennes et surtout de leur image.
Dolph Lundgren rejoindra un casting déjà bien fourni aux côtés de Josh Brolin (Avengers : l’Ere d’Ultron, Les Gardiens de la Galaxie), Channing Tatum, Scarlett Johansson, George Clooney, Tilda Swinton (Only Lovers Left Alive), Ralph Fiennes (Dragon Rouge) et Jonah Hill, ainsi que l’actrice préférée des réalisateurs, Frances Mc Dormand (Burn After Reading).
Lundgren, champion de karaté dans sa Suède natale, s’est fait un nom en tournant dans Rocky IV et Universal Soldiers.
L’acteur a déclaré qu’il était surpris d’être dans le film : « Ça a été un choc. Ils m’ont appelé sans prévenir il y a quelques mois (…) Ils voulaient quelqu’un pour jouer un commandant de sous-marin. Je suppose qu’ils voulaient un personnage emblématique pour surprendre le public. Ce sont des mecs sympas. Je suis évidemment un très grand fan. Jamais je n’aurais imaginé jouer dans l’un des films des frères Coen mais je crois que ça y est ! »
Synopsis : Michael Logan est un mélange complexe d’alcoolique occasionnel et d’officier de police corrompu. Mais l’univers sinistre dans lequel il évolue est en pleine mutation. L’arrivée en masse de gangsters sans pitié venus d’Albanie menace de bouleverser le paysage criminel londonien. Jusqu’ici son instinct lui avait toujours donné une longueur d’avance, mais son comportement de plus en plus autodestructeur et la brutalité des nouveaux chefs de gangs vont le plonger dans une spirale de peurs et de doutes.
Dans les bas-fonds de Londres
Ce film est un polar sombre et violent, adoubé par Nicolas Winding Refn, déclarant « le futur du thriller a un nom : Hyena« . Sa déclaration est à l’image de son cinéma : excessif. Régulièrement, un film reçoit les louanges d’un réalisateur prestigieux, comme Quentin Tarantino avec Big Bad Wolves, qu’il avait qualifié de « meilleur film de l’année 2013 ». Là aussi, son enthousiasme ne fût pas vraiment partagé. Comme souvent, tout est une question de goût, d’humeur et de sensibilité.
Hyena nous plonge dans différents univers, celui de la corruption dans la police, à travers une équipe de quatre personnages, emmenée par le charismatique Michael Logan (Peter Ferdinando). L’entrée en scène de ces hommes est violente, malgré leurs tenues de policiers, on se demande, si ce ne sont pas des malfaiteurs. Ils ont des physiques imposants et jouent de cette ambiguïté, tout en abusant de l’alcool et de la drogue. Ils font penser à l’unité antigang de la série The Shield, avec cette ligne entre le bien et le mal, devenue si infime, que l’on ne sait plus qui ils sont vraiment, malgré leurs plaques. On va les suivre dans un Londres sale et malsain, où s’affrontent les mafia turques et albanaises, pour le contrôle de la drogue. Mais pas seulement, car il y a aussi la traite des blanches, sous les traits d’Ariana (Elisa Lsowski). Dans ce monde, il n’y a pas de règles, seule la violence est dominante.
On est frappé par l’esthétique du film Hyena, dès la première scène, où la brutalité des faits est fascinante, dans une boite de nuit, illuminée par des spots d’une bleutée envoûtante, le tout sous la musique hypnotique de Matt Johnson. On comprend mieux l’engouement de Nicolas Winfing Refn pour ce thriller, tant cela ressemble à son cinéma. Gerard Johnson maîtrise l’espace à merveille, aussi bien dans le calme, que dans la tempête. Il colle aux basques de son anti-héros Peter Ferdinando, en s’enfonçant avec lui dans les profondeurs de cette ville, où sévit la violence sans limites. Le ton est donné dès le premier meurtre, les Albanais ne font pas de sentiments, c’est un adversaire redoutable, avec lequel il va tenter de s’allier, pour continuer à vivre de la corruption et de ses vices.
C’est un Londres cosmopolite, où se croise les Anglais, Turcs et Albanais, où fusent les réflexions racistes et où se mélangent les traditions culturelles et folkloriques. Les policiers côtoient les voyous, en adoptant leur train de vie, tout en étant sous la surveillance de la police des polices. Un adversaire supplémentaire, dans un récit qui se veut déjà dense et ambitieux. L’intensité des débuts s’efface peu à peu, face aux multiples intrigues et personnages. Le rythme du film s’en trouve pénalisé, avec aussi l’introduction de David Knight (Stephen Graham), qui semble à avoir du mal à se défaire de son interprétation d’Al Capone dans Boardwalk Empire. Il en a gardé les excès et manque de subtilité, dans un rôle, qui en avait besoin.
Le côté obscur de l’être humain est souvent celui qui nous attire le plus et George Johnson, en joue à merveille. On peut lui reprocher d’encenser la violence, qui nous procure souvent des poussées d’adrénaline, en nous secouant dans notre fauteuil, tant elle est brusque et brève. Mais malgré des moments de répits, il ne nous laisse que peu d’espoir et la fin se dessine inexorablement, en se traînant , comme s’il ne s’avait plus quoi faire d’eux, jusqu’à un final frustrant et faussement surprenant.
Le film est brillant dans sa première partie, c’est intense et palpitant. George Johnson s’est inspiré du Bad Lieutenant d’Abel Ferrara pour le personnage de Michael Logan, aussi fascinant que celui interprété par Harvey Keitel, sans toutefois en atteindre la folie excessive. Même si cela reste sombre et étouffant, la seconde partie ne fonctionne que par intermittence, et souvent grâce à la violence. Les enjeux sont pourtant importants et les masques tombent, mais il y a une baisse d’intérêt, rendant le temps plus long. On reste sous le charme de la caméra de George Johnson, surtout dans les bars et boites de nuits, avec cette alternance de bleu et de rouge.
Un polar pas vraiment réussi, mais qui donne envie de suivre les traces de George Johnson. Il y a des scènes et des images qui marquent l’esprit, tout en nous mettant parfois mal à l’aise. Une violence esthétique et fascinante, dans un Londres, où l’argent reste le seul moteur en ce monde, que ce soit pour les financiers ou les voyous et policiers, où seule l’apparence est différente.
Hyena : bande-annonce
Fiche technique : Hyena
Royaume-uni – 2014
Réalisateur : Gerard Johnson
Scénario : Gerard Johnson
Distribution : Peter Ferdinando, Stephen Graham, Neil Maskell, Elisa Lasowski, Myanna Buring, Richard Dormer, Gordon Brown et Tony Pitts
Musique : Matt Johnson
Productions : Film4 et Number 9 Films
Distribution : Le Pacte et The Jokers
Durée : 112mn
Genre : Policier et Drame
Sortie France : 6 Mai 2015
Dixième film des frères Coen, Intolérable Cruauté affiche un casting alléchant : Georges Clooney en avocat brillant mais blasé et Catherine Zeta-Jones en femme fatale manipulatrice forment le duo de tête de cette parodie de comédie romantique que nous offrent les frères Coen, après s’être essayés aux genres du film noir (Miller’s Crossing, Fargo, The Barber) et du western (O’Brother). Les deux réalisateurs s’amusent à déconstruire les clichés de l’écriture romanesque qu’ils remplacent par un chassé-croisé amoureux loufoque, où l’ambition de l’un et la vénalité de l’autre rendent toute sincérité impossible.
Une rencontre inattendue
Intolérable Cruauté, c’est l’histoire d’une rencontre fortuite de deux êtres amoraux et cupides. Lui, c’est Miles Massey, beau-gosse richissime qui n’a plus rien à attendre de la vie. Célèbre avocat spécialisé dans les divorces, il a même un contrat prénuptial à son nom, le « Massey pre-nup ». Président de la National Organization of Matrimonial Attorney, l’association des avocats du divorce, Miles Massey est maître dans l’art de gagner des procès a priori perdus d’avance. À l’image de celui de son client Rex Rexroth, millionnaire abruti qui passe sa vie à tromper sa femme.
L’heureuse épouse de ce vieux sympathique, c’est Marylin Rexroth, croqueuse d’hommes à la limite du vulgaire, aux lèvres pulpeuses et regards lascifs : drôle d’association que ce vieux millionnaire et cette bombe sexuelle, on se dit bien que quelque chose ne tourne pas rond. Lorsque Marylin demande le divorce alors qu’elle a obtenu la preuve visuelle des coucheries de son mari, Miles n’est pas dupe : la belle ne veut rien d’autre que gagner son indépendance financière, sa villa de luxe et sa piscine. Un jeu du chat et de la souris débute alors entre nos deux protagonistes qui ont de sérieux atomes crochus : Miles tombe tout de suite sous le charme de Marylin, alors même qu’il va par un coup de maître lui faire perdre le procès et donc tout l’argent qu’elle pensait toucher.
Les frères Coen poussent le chassé-croisé amoureux à son paroxysme, puisque c’est ensuite Marylin qui va piéger Miles, devenu l’espace d’un instant sincère – notamment lors d’une scène mémorable où il se lance dans une apologie de l’amour et se plaint du cynisme ambiant.
Une parodie de comédie romantique
Les frères Coen adorent parodier, c’est bien connu. Ils jouent avec les genres cinématographiques comme d’autres jouent avec les mots : Intolérable Cruauté n’échappe pas à la règle. Le jeu des acteurs est tellement accentué qu’il en devient caricatural. De Clooney, on ne voit que les dents parfaitement blanches et le smoking flambant neuf. Le film fait aussi référence à la carrière de l’acteur, notamment à son rôle dans le soap-opera médical Urgences.
Intolérable Cruauté semble nous dire : nous sommes tous des acteurs, cachés derrière notre cupidité et nos mensonges, un « message » moralisateur qu’on regrette un peu pour son simplisme. En même temps, la critique est moins évidente qu’elle en a l’air. Les frères Coen s’amusent à reprendre les codes de la comédie romantique, tant et si bien que l’on ne sait plus trop s’ils en rient ou s’ils y croient eux aussi.
Intolérable Cruauté marque la seconde collaboration des frères Coen avec George Clooney après O’Brother. L’acteur colle parfaitement à l’univers décalé et fantaisiste des deux réalisateurs, fondé sur des personnages excentriques et hors normes. Face à lui, l’actrice du sulfureux Chicago était toute choisie pour interpréter la sensuelle mais dangereuse Marylin, aux pattes de velours mais aux griffes d’acier : un casting réussi donc, pour un film léger, drôle et modeste.
Synopsis : Miles Massey, célèbre avocat des cas de divorces difficiles, ressent un grand vide existentiel. Marylin Rexroth, quant à elle, espère faire carrière en « plumant » de richissimes maris. Lorsqu’elle divorce, Miles Massey l’empêche de toucher l’argent de son mari Rex Rexroth, elle ne pense plus alors qu’à se venger de l’avocat en feignant d’en tomber amoureuse.
Intolérable Cruauté : Bande-annonce
Fiche Technique – Intolérable Cruauté:
États-Unis – 2008
Réalisation: Joel Coen, Ethan Coen
Image: Emmanuel Lubezki
Montage: Joel Coen, Ethan Coen
Musique: Carter Burwell
Producteur: Tim Bevan, Eric Fellner, Joel Coen, Ethan Coen
Interprétation: George Clooney (Harry Pfarrer), Brad Pitt (Chad Feldheimer), Frances McDormand (Linda Litzske), John Malkovich (Osbourne Cox), Tilda Swinton (Katie Cox), Richard Jenkins (Ted Treffon)…
Date de sortie: 10 décembre 2008
Durée: 1h35
En l’honneur de la parution du numéro hors-série des inRocKuptibles « Les Super-Héros Dieux D’Hollywood», une rencontre a eu lieu hier soir à la Librairie du Cinéma du Panthéon dans le Vème arrondissement parisien. Cet espace dédié spécialement à la culture cinématographique (scénarios, dvd, romans dédicacés, cartes postales et revues selon les genres) était décoré pour l’occasion.
Trois talentueux journalistes des inRocks, auteurs de ce numéro spécial, étaient présents dans le quartier de la Sorbonne pour nous éclairer de leurs lumières : Jacky Goldberg, Jean-Marc Lalanne et Théo Ribeton. Autant vous dire que les trois rédacteurs sont des puits de sciences. Après nous avoir fait un retour chronologique sur les super-héros dans l’histoire du cinéma et un parallèle avec les comics Marvel, ils ont imaginé les héros de demain et les prochains blockbusters.
Entre la sortie d’Ant-Man de Peyton Reed (avec Paul Rudd) prévue en juillet prochain, le Batman vs Superman de Zack Snyder (Man of Steel) et les super-vilains de Suicide Squad en 2016, les films de super-héros ont encore de beaux jours devant eux. Pour paraphraser nos journalistes, « les Studios Marvel auront toujours de la ressource ».
Écrit en 1931 par l’auteur britannique Aldous Huxley, « Le meilleur des mondes » est 21ème dans le classement des 100 meilleurs livres du XXème siècle, et figure dans tous les palmarès des meilleurs romans de science-fiction.
La société de production Amblin Entertainment créée par Steven Spielperg, Kathleen Kennedy et Franck Marshall va adapter en série le célèbre roman de sciences fiction d’Aldous Huxley, Le Meilleur des Mondes. Frank et surtout Justin Falvey (Under the Dome, Falling Skies) en seront les producteurs exécutifs.
Écrit en 1931 par Huxley, en 4 mois seulement, Le Meilleur des Mondes (en anglais, Brave New World) décrit une dictature idéale où les êtres humains, conçus en laboratoire, sont génétiquement modifiés puis conditionnés et drogués afin d’obéir aux règles et au système de castes d’un monde dit « parfait ». Ces castes sont au nombre de cinq et regroupent les individus des plus brillants et beaux (les Alphas) aux plus simples et laids (les épsilons).
Évidemment, un héros va sortir des rangs et libérer le peuple cette emprise idéologique.
Allons-nous assister à un duel entre classiques adaptés en séries ? La mini-série pourrait, en effet, rivaliser avec celle de chez Amazon Le Maître du Haut Château, (The Man in the High Castle), un roman de Philip K. Dick publié en 1962 aux États-Unis.
Indiana Jones 5: LucasFilm confirme la préparation d’un nouveau volet de la saga
Les rumeurs d’un cinquième volet pour la Saga Indiana Jones planaient depuis quelques années sur la planète hollywoodienne mais la récente interview par Vanity Fair de Kathleen Kennedy, productrice de nombreux films de Steven Spielberg et Georges Lucas (dont Star Wars), a confirmé le retour de l’archéologue aventurier.
« Un Indiana Jones va être réalisé par la compagnie (Lucas Film racheté en 2012 par la Walt Disney Company). Je ne sais pas encore quand. Nous n’avons pas encore commencé à travailler sur le scénario mais nous sommes en pleine discussion. », a assuré Kathleen Kennedy.
Si Spielberg a précisé qu’il n’excluait pas l’idée de réaliser le film, rien n’a été dit sur le retour de Harrison Ford au grand dam des fans d’Indy ! Il est vrai que Harrison n’est plus tout jeune et que le nom de Chris Pratt (Les Gardiens de la Galaxie) avait été lâché fin janvier.
De son côté, l’acteur a avoué que reprendre le rôle de l’homme au chapeau serait « une fantastique opportunité » bien qu’il n’ait pas été contacté. Depuis plus d’un an des noms circulent pour jouer le rôle de l’homme au chapeau en feutre tels que ceux de Bradley Cooper et Robert Pattinson.
La Tête haute d’Emmanuelle Bercot ouvrira le Festival de Cannes 2015
Un film de femme ouvrira le 68e Festival de Cannes, le 13 mai, la réalisatrice, Emmanuelle Bercot, la co-scénariste de Polisse, de Maïwenn (en Compétition cette année à Cannes avec Mon Roi, dont elle tient le rôle principal) ouvrira le bal avec le film, La tête haute, elle met en scène Malony (Rod Paradot), un enfant habitué dès le plus jeune âge aux visites chez une juge pour enfants (Catherine Deneuve), élevé par une mère dépassée (Sara Forestier), et un éducateur à la vie personnelle tourmentée (Benoît Magimel). Il va rencontrer une jeune femme (Diane Rouxel, vue dans le dernier Larry Clark, The Smell of us) qui va tenter de l’apaiser.
Un film d’auteur avec des implications sociales déroge à la règle de ses soirées de Gala mettant en scène des films plus spectaculaires mais loin d’avoir toujours une réelle sensibilité artistique.
Thierry Frémaux, Délégué général de la manifestation déclare : « Le choix de ce film pourra paraître surprenant au regard des codes généralement appliqués à l’ouverture du Festival de Cannes »
« Cette année, on a voulu commencer par un bon film. C’est un film universel, qui exprime bien les questions qui se posent sur nos modèles de société ; un film qui parle de la jeunesse, de transmission, du rapport entre la justice et la société, des mécanismes sociaux et éducatifs mis en place dans un pays comme la France pour traiter des cas de délinquance… »
La Tête Haute – Bande annonce
Distribué par Wild Bunch, Le film, La tête haute, sortira en salles le 13 mai, le jour de la sortie cannoise. une sortie parallèle en salles qui a pour objectif d’encourager les cinémas à lancer le film en même temps que la projection cannoise, et à retransmettre en direct la soirée d’ouverture.
