LeMagduCiné

Malgré ses origines coréennes, il est frappant de voir à quel point Ounie Lecomte a les mêmes airs que Céline Sallette arbore dans son nouveau film Je vous souhaite d’être follement aimée : un front plus que buté, un regard intense, une mine grave. De même que la petite Kim Sae-ron du précédent film, Une vie toute neuve, pouvait être son exact double enfantin…

Synopsis: Elisa, kinésithérapeute, part s’installer avec son jeune fils, Noé, à Dunkerque, ville où elle est née sous X. Quelques mois plus tôt, elle y a entrepris des recherches sur sa mère biologique, mais cette femme a refusé de dévoiler son identité. À la recherche d’une mère inconnue, de son passé et de leur histoire, Élisa ne renonce pas et veut comprendre… Le hasard va bouleverser ses attentes…

Poetry

C’est que l’histoire personnelle d’Ounie Lecomte est indissociable de ses films : on y parle de l’adoption, mais surtout d’abandon, de la peur de l’abandon, de l’incompréhension de l’abandon.

Poetry, le titre de cet article, fait aussi bien référence à Lee Chang Dong crédité de remerciements dans le générique de fin, le producteur et mentor coréen d’Ounie Lecomte pour ce film autobiographique tourné en Corée, Une vie toute neuve, qu’à André Breton, à qui elle a emprunté la phrase « Je vous souhaite d’être follement aimée », une adresse du grand écrivain à la future jeune femme de 16 ans que son bébé de 8 mois allait devenir. Et de fait, malgré un ancrage social très fort (nous sommes à Dunkerque, ville multiple éprouvée par la guerre), le film n’est que poésie et douceur, au point peut-être de perdre pied par moments en terme de réalisme.

Elisa est une belle jeune femme trentenaire au regard triste qu’on découvre dans un trajet ferroviaire de Paris vers Dunkerque. Un trajet solitaire, une entreprise qu’elle ne peut mener que seule : elle part à la rencontre de la femme qui est habilitée à organiser une rencontre entre elle et sa mère biologique qui l’a abandonnée à sa naissance après un accouchement sous X. Celle-ci refuse de la rencontrer, mais Elisa persiste et accepte un remplacement de 6 mois à Dunkerque (elle est kinésithérapeute). Elle s’y installe avec son fils Noé, et laisse son compagnon Alex à Paris.

Le film d’Ounie Lecomte est un récit à deux voix, celle d’Elisa et celle d’Annette. Par construction, le spectateur comprend très vite que la personne recherchée par Elisa est Annette. Elisa donc, d’un côté, qui n’arrive pas à aimer correctement ni son compagnon -à l’écoute pourtant- ni son fils qui est perturbé par l’amorce de séparation de ses parents. Dans son travail de kiné, dans ces corps à corps multi-quotidiens filmés magnifiquement par la grande Caroline Champetier, Elisa est tactile, on l’imagine douce, aimante, voire sensuelle. Mais dans sa vie de tous les jours, elle n’arrive justement pas à s’abandonner. Par peur de s’y perdre, sans doute, ressassant depuis trop longtemps la question de son abandon par sa mère biologique. « Je ne sais pas comment m’y prendre » dit-elle en parlant des relations difficiles avec son jeune Noé. La cinéaste réussit à restituer parfaitement cette douleur originelle qu’est la sienne, ce trou béant que même la maternité n’est jamais venue combler.

D’un autre côté, Annette (Anne Benoît), une femme triste elle aussi, partageant sa vie entre sa mère Renée (Françoise Lebrun), habitant un étage au dessus d’elle, et ses trois chiens, arrivés les uns après les autres à son foyer au même rythme que des enfants qu’elle n’a pas eu. Travaillant à la cantine de l’école de Noé, elle se prend d’affection pour ce petit garçon révolté, inexplicablement mat et frisé avec un père « champenois de Champagne » et qui lui aussi, se heurte, si jeune déjà, à des questions d’identité. Au détour d’une discussion, Annette apprend que la maman de Noé est kiné. C’est ainsi, par le plus grand des hasards, que mère et fille se frôlent littéralement et apprennent à se connaître sans se reconnaître. Toutes ces scènes de séances de kiné où Elisa soigne Annette, où une sorte de complicité naît entre les deux femmes, sont merveilleuses de délicatesse et de beauté, avec en acmé celle où dans le cadre d’une banale technique de travail, Elisa englobe Annette dans une position fœtale extrêmement évocatrice et émouvante, dans une inversion des rôles très touchante.

La mise en scène permet au spectateur de profiter pleinement de ces émotions. Comme les deux protagonistes sont très vite parfaitement identifiées, toute son attention peut se tourner vers cette rencontre qui se fait en douceur, à l’insu des intéressées…

Le travail des acteurs est remarquable, celui de Céline Sallette en particulier : des regards qui suffisent à exprimer toute sa souffrance, des regards durs, inquiets, perdus ou au contraire pleins d’amour quand ils se tournent vers son fils ; une préparation sérieuse quant à son rôle de kiné, qui met en exergue son rapport avec le corps des autres et avec le sien propre. Eclairée d’une lumière très douce et filmée en très gros plans, la peau des patients sous la main d’Elisa, celle d’Anne Benoît notamment, incarne totalement le film d’Ounie Lecomte pour lui donner une épaisseur organique en adéquation avec les quêtes de soi qui sont en question dans Je vous souhaite d’être follement aimée.

Les autres acteurs sont à l’avenant : Anne Benoît, parfaite dans le rôle d’une femme qui vit la vie d’une autre, la vie de sa mère très intrusive, ce dernier personnage étant joué par Françoise Lebrun, décidément parfaite à tous les âges ; Louis-Do de Lencquesaing, sensible et délicat dans le rôle du compagnon d’Elisa, et même la discrète Catherine Mouchet dans son modeste rôle de celle par qui tout va arriver imprime le film de sa forte personnalité, aussi ténébreuse que malicieuse…

Une dernière actrice et non des moindres est la ville de Dunkerque, une belle endormie pour laquelle Caroline Champetier elle-même dit avoir eu un coup de foudre. Une ville que la très belle musique d’Ibrahim Maalouf et sa trompette (1) rendent presque méconnaissable, différente. Filmée de nuit ou de jour, avec des séquences marines nombreuses et variées, des séquences parfois à rallonge il est vrai, la ville de Dunkerque est propice à toutes les passions, à toutes les belles histoires d’amour : Parfait amour de Catherine Breillat en 1996, Quand la mer monte d’Yolande moreau et Gilles Porte en 2004, ou encore Les Beaux Jours de Marion Vernoux en 2013 pour ne citer qu’eux…

Je vous souhaite d’être follement aimée est un film idéal (casting, musique, scénario même si on peut le trouver un peu foisonnant). Alors que c’est une pure fiction, le film crie la sincérité d’Ounie Lecomte, sa souffrance d’enfant abandonnée aussi, et cette onde se transmet au spectateur de manière bouleversante.            

(1) à propos d’Ibrahim Maalouf : Le son singulier de sa trompette, inventée par son père, renvoie pour moi ici à l’idée du souffle. (Ounie Lecomte , dossier de presse)

Je vous souhaite d’être follement aimée – Bande annonce

Je vous souhaite d’être follement aimée – Fiche technique

Date de sortie : 06 Janvier 2016
Réalisateur : Ounie Lecomte
Nationalité : France
Genre : Drame
Année : 2015
Durée : 100 min.
Scénario : Ounie Lecomte, Agnès de Sacy
Interprétation : Céline Sallette (Elisa), Anne Benoît (Annette), Elyes Aguis (Noé), Louis-Do de Lencquesaing (Alex), Françoise Lebrun (Renée), Catherine Mouchet (Madame Kubiak)
Musique : Ibrahim Maalouf
Photographie : Caroline Champetier
Montage : Tina Baz
Producteurs : Laurent Lavolé
Maisons de production : Gloria Films
Distribution (France) : Diaphana Distribution
Récompenses : –
Budget : –

Que ce soit dans la bouche de Quentin Tarantino un soir de remise de prix ou dans celle de deux productrices un brin déjantées qui promettent de ne jamais rater un film, cette expression a bien du souci à se faire dans le dernier film de Diane Kurys, Arrête ton cinéma. On y croise Sylvie Testud – ici rebaptisée Sybille comme dans son livre C’est le métier qui rentre dont le film est adapté – qui tente désespérément, mais avec un optimisme sans faille, de réaliser son premier film.

Synopsis : C’est dans l’enthousiasme que Sybille démarre l’écriture de son premier film. Actrice reconnue, elle va passer pour la première fois de l’autre côté de la caméra. Tout semble lui sourire. Ses productrices Brigitte et Ingrid sont deux personnages loufoques mais attachants et Sybille se jette avec elles dans l’aventure, mettant de côté sa vie familiale. Mais, du choix improbable des actrices, aux réécritures successives du scénario, en passant par les refus des financiers, le rêve merveilleux va se transformer en cauchemar.

« Vive le cinéma »

En 38 ans et environ 15 films, Diane Kurys s’est à peu près essayée à tous les genres et ce, depuis le succès du tout premier Diabolo menthe. Qui pourrait ainsi croire que la réalisatrice du drame Pour une femme (2014), soit aussi celle de la comédie potache Je reste ? En racontant cette fois-ci les coulisses du cinéma avec son actrice « fétiche » (du moins depuis Sagan et Pour une femme), Diane Kurys se livre de nouveau à la comédie pour le meilleur comme pour le pire.

On achève bien les chevaux

Tout se passe bien pour Sybille quand elle apprend, après avoir terminé son dernier film en date en tant qu’actrice, que des productrices sont enchantées par son travail et veulent produire son « excellent » scénario dont elle n’a pourtant écrit que quatre pages. La voilà donc partie dans un rêve un peu étrange, d’autant plus étrange qu’elle semble être la seule à le vivre ainsi. Car tous ceux qu’elle contacte sont catégoriques : ce sont deux folles qu’elle a pour productrices. Pourtant, en incorrigible optimiste, Sybille ne se démonte pas et se lance même à corps perdu dans l’écriture de son film (en délaissant sa petite famille). La toute première partie du film est donc un formidable moment de réécriture qui fait passer l’histoire de Sybille d’un hôpital à un haras pour commencer. Mais décidemment cette première idée soufflée par les productrices elles-mêmes leur semble tout à coup bien mauvaise. Les chevaux mis de côté, ce sont trois « filles de joie » que l’on retrouve à l’écran.

« Où sont les femmes ? » 

Diane Kurys comme Sylvie Testud, présentent le soir où LeMagduciné a vu Arrête ton cinéma, ne se sont rien interdit pour le film, allant du vulgaire le plus potache à la pure comédie. Résultat, le film oscille entre de très bonnes idées – notamment du côté des productrices incarnées par deux actrices (Balasko et Breitman) qui visiblement s’amusent beaucoup – et une mise en scène un peu molle. Le scénario vaut pour ce jusqu’au-boutisme qu’il ne se refuse pas. Il nous fait entrer bien plus avant dans le monde impitoyable du cinéma que ne l’avait fait la série Dix pour cent. C’est d’ailleurs sûrement la raison pour laquelle Dix pour cent a trouvé sa place à une heure de « grande écoute » sur France 2 et qu’Arrête ton cinéma n’a trouvé aucune chaîne tv pour son financement. Diane Kurys est elle-même aux commandes de la production, ce qui lui laisse le droit de tout dire, de ne rien s’interdire. Et de donner la part belle depuis quelques films aux femmes, fragiles comme Sybille (qui a pourtant une force d’optimisme sans faille et de conviction étonnante) ou follement passionnées sans limites comme ces productrices vindicatives qui restent debout malgré les déconvenues. On notera à ce propos un formidable morceau de bravoure de Josiane Balasko alias Brigitte un jour de tournage de clip. Si le film frise sans cesse le mauvais goût, c’est assumé. Les personnages ont chacun leurs petites manies, leur particularité, mais plus que de la caricature, c’est dans le clownesque et la parodie que Diane Kurys est allée piocher.

Affreuses sales et méchantes

Au final, le film ne propose aucun conte de fées/happy end, mais décrit un monde de requins dans lequel les scénarios sont tirés dans tous les sens. La passion du cinéma semble à tout moment se perdre dans des considérations monnayables à l’infini. C’est que le « cinéma est une histoire d’amour aveuglante » pour Sylvie Testud, où il faut savoir faire des compromis. Ici, c’est presque la compromission (qu’il faut à tout prix éviter selon Diane Kurys) qui guette. En tout cas, Sybille y perd l’esprit dans des rêves-cauchemars qui brouillent un peu plus la frontière d’avec la réalité. Car dans ce film de fiction, adapté lui-même d’une fiction littéraire, Diane Kurys comme Sylvie Testud parlent d’elles-mêmes et de leur propre expérience de l’hystérie du cinéma, qu’elle soit sur les plateaux ou lors de la préparation des films. La douce folie qu’elles racontent nous envahie, elle démange chacun des personnages. Et ce sont deux productrices tyranniques – leur nom de famille rappelle d’ailleurs celui d’un célèbre tyran (Ceaușescu) même si « ça ne s’écrit pas pareil »- qui tirent les ficelles. On ne tient pas là un grand film sur le cinéma, mais un moment de folie partagée tout simple, à l’image de la discussion qui s’est déroulée ce soir-là entre les journalistes et Sylvie Testud, toujours un peu perchée, mais passionnée et passionnante. Pas le meilleur, mais loin d’être le pire film de Diane Kurys.

Bande annonce – Arrête ton cinéma

Fiche technique – Arrête ton cinéma 

Titre original : Arrête ton cinéma
Date de sortie : 13 janvier 2016
Nationalité : France
Réalisation : Diane Kurys
Scénario : Diane Kurys et Sylvie Testud
Interprétation : Sylvie Testud, Josiane Balasko, Zabou Breitman, Fred Testot, François Xavier-Demaison, Claire Keim, Hélène de Fougerolles, Virginie Hocq
Musique : Hugo Gonzalez Pioli, Paolo Bionvino
Photographie : Gilles Henry
Décors : Tony Egry
Montage : Sylvie Gadmer
Production : Diane Kurys, Alexandre Arcady
Sociétés de production : Alexandre Films
Sociétés de distribution : Bac Films
Genre : Comédie
Durée : 90 minutes

Film après film, le new-yorkais Noah Baumbach creuse le sillon de son sujet, l’angoisse du temps qui passe sans que l’on puisse avoir prise sur sa propre vie, une certaine inadaptation sociale de ses héros. En l’occurrence, il s’agit de deux héroïnes, deux facettes d’un même personnage. Brooke et Tracy sont deux futures « demi-sœurs », car leurs père et mère respectifs s’apprêtent à se marier.

Synopsis: Étudiante en première année dans une université de New York, Tracy se sent bien seule : elle ne fait ni les rencontres exaltantes auxquelles elle s’attendait, ni ne mène la vie urbaine trépidante à laquelle elle aspirait. Jusqu’au jour où elle est accueillie par sa future demi-soeur Brooke, New-Yorkaise pure et dure habitant à Times Square. Séduite par les extravagances de Brooke, Tracy découvre enfin le Manhattan dont elle rêvait…

The New-York trilogy

Tracy, la plus jeune, est « freshman » à la très select université féminine new-yorkaise de Barnard. Aspirante écrivaine, elle s’y ennuie pourtant terriblement, ne se reconnaissant dans aucune des activités proposées, basiques et ternes, très loin de l’idée qu’elle se fait de New-York. Seule, la rencontre avec Tony (Matthew Shear) apporte de la légèreté dans son quotidien, un étudiant de l’université de Columbia qui suit les mêmes cours qu’elle, qui a les mêmes ambitions littéraires qu’elle, et qui est tout aussi décalé qu’elle. Mais quand elle s’aperçoit que Tony sort avec une personne (Jasmine Cephas-Jones) rencontrée après elle (« j’ai besoin de quelqu’un à aimer et non de quelqu’un avec qui être en compétition » dira-t-il), Tracy finit par entrer en contact avec Brooke, une jeune femme plus âgée qu’elle, plus exubérante, plus enivrante, avec qui elle pense enfin pouvoir découvrir le New-York de ses rêves.

Mistress America est le titre d’une émission télévisée que Brooke souhaite monter, une activité comme les mille autres qu’elle entreprend ou qu’elle aimerait entreprendre, une activité avortée sur laquelle une fois de plus son inlassable babil prend le pas. Brooke a 30 ans, et a le besoin d’accomplissement à son taquet. Contrairement à Frances Ha, la protagoniste du film éponyme issu de la précédente collaboration de Noah Baumbach et de sa compagne Greta Gerwig – un personnage certes tout aussi déphasé que Brooke Cardinas – cette dernière se trouve à la limite d’une hyperactivité suspecte qui cache le même malaise, la même incapacité à trouver sa place dans une société où tout est balisé. Autant l’inconfort a paralysé Frances, autant il galvanise Brooke dans une étourdissante farandole qui va fasciner sa future petite sœur Tracy, qui va s’en inspirer pour écrire sa deuxième nouvelle intitulée aussi Mistress America.

Noah Baumbach s’attache décidément à ce personnage, puisqu’en effet, les deux héroïnes, et même les nombreux personnages secondaires du film sont tous une sorte d’émanation de Frances Ha, elle-même parente proche du tourmenté  Roger Greenberg que Ben Stiller incarnait déjà dans Greenberg (et dans lequel Greta Gerwig jouait également). Sa force est de savoir varier les situations qui gravitent autour du même thème, de réussir à nous surprendre encore par un angle de vue nouveau. Ici, c’est le potentiel comique de Greta Gerwig qui est porté à son comble, dans une performance digne des meilleures screwball comedies de Hollywood, tant dans sa gestuelle chaplinesque (il faut la voir mimer le rembobinage d’un discours qui a mal débuté, un vrai régal) que dans l’acuité des dialogues, des réparties vives que les non anglophones risquent de ne pas pouvoir apprécier dans leur pleine mesure, tellement elles fusent à toute vitesse…

Passé donc un temps d’adaptation, où on se familiarise avec ce rythme qui pourrait paraître trop frénétique à certains, les comiques de situations et la drôlerie du scénario font réellement mouche auprès du spectateur. Le personnage de Tony, incarné pourtant par un acteur peu charismatique, ponctue le métrage de ses hilarants et rugissants « Nicolette ! » à l’adresse de sa petite amie maladivement jalouse de Tracy, à la manière d’un running-gag très réussi. Mais tout comme les différentes tentatives professionnelles de Brooke, ce film mené tambour battant patine quelque peu dans sa partie centrale très théâtralisée, quand Brooke et ses amis étudiants se rendent à la très luxueuse résidence de sa némésis Mamie Claire, une ex amie qui lui a volé son riche fiancé Dylan, son idée de tee-shirts fleuris, ses petits chats. L’idée est de solliciter financièrement le couple pour un énième projet (un restaurant solidaire dont l’idée est aussi peu rentable qu’elle est poétique) que les investisseurs initiaux viennent de désavouer. Cette partie du film est un peu à rallonge, meublée par les performances visuelles et verbales de Greta Gerwig qui pour le coup tournent légèrement au cabotinage. Toute la délicatesse et la fraîcheur dont elle avait fait preuve dans Frances Ha sont partiellement écrasées par le tourbillon du personnage de Brooke qu’elle a co-écrit avec le cinéaste Noah Baumbach, cependant qu’elle-même fait de l’ombre à Lola Kirke, qui incarne pourtant avec beaucoup de justesse cette jeune femme qui essaie de faire feu de tout bois, afin de se sentir exister et vivre.

La jeune femme américaine telle que dépeinte par Noah Baumbach est aux antipodes de l’imagerie véhiculée par les médias ; c’est une femme pleine de doutes, ce qui fait son charme (« tu es drôle, car tu ne sais pas que tu es drôle » dit de Brooke à son ex fiancé Dylan), tout en étant paradoxalement déterminée. C’est une femme libre, mais insouciante, comme l’ont été avant elles toutes les héroïnes de Noah Baumbach : celles interprétées et co-écrites par Greta Gerwig elle-même, comme celles de While we’re young, où Baumbach officiait seul, la jeune Darby (Amanda Seyfried) et la moins jeune Cornelia (Naomi Watts), des personnages un peu plus caricaturaux, mais tout aussi peu conventionnels. Des new-yorkaises très proches de leurs aînées déjà rencontrées chez Woody Allen dont le cinéaste, avec sa trilogie new-yorkaise, est en passe de reprendre le flambeau, celui-ci désertant de plus en plus sa ville de prédilection pour succomber aux sirènes de l’Europe….

Mistress America – Bande annonce

Mistress America – Fiche technique

Titre original : Mistress America
Date de sortie : 06 Janvier 2016
Réalisateur : Noah Baumbach
Nationalité : US of A, Brésil
Genre : Comédie
Année : 2015
Durée : 84 min.
Scénario : Noah Baumbach, Greta Gerwig
Interprétation : Greta Gerwig (Brooke), Lola Kirke (Tracy), Matthew Shear (Tony), Jasmine Cephas Jones (Nicolette), Heather Lind (Mamie-Claire), Michael Chernus (Dylan), Cindy Cheung (Karen), Shana Dowdeswell (Ruth), Kathryn Erbe (Stevie Fishko), Dean Wareham (Harold)
Musique : Britta Philipps, Dean Wareham
Photographie : Sam Levy
Montage : Jennifer Lame
Producteurs : Rodrigo Teixeira, Lila Yacoub, Noah Baumbach, Scott Rudin, Greta Gerwig
Maisons de production : Fox Searchlight Pictures, RT Features
Distribution (France) : 20th Century Fox
Récompenses : –
Budget : –

Entre un scénario dispersé aux quatre coins du Web et la résignation de son auteur à le porter jusque sur l’écran, la genèse tout bonnement chaotique de The Hateful Eight aura provoqué nombre d’émules sur la Toile, quitte à faire naître, comme à chaque fois avec un film de Tarantino, un inextinguible sentiment d’attente. La sortie du film renommé chez nous Les 8 Salopards (en référence aux 12 Salopards de Robert Aldrich) approchant, l’heure était donc venue, de jeter un oeil à la nouvelle bravade cinématographique de QT, qui cherche encore une fois ici après Django Unchained à dépoussiérer le genre du western, avec une histoire convoquant autant règlements de compte et faux semblants que trahisons.

Le retour de QT

A première vue, The Hateful Eight (titre original qu’on préférera volontiers au titre français Les 8 Salopards) peut s’apparenter au film somme de QT. D’aucuns prétexteront avoir vu déjà tel paysage dans Django Unchained ou tels acteurs dans Pulp Fiction quand d’autres pointeront du doigt l’étonnante ressemblance du film avec Réservoir Dogs, tout deux jouant sur la peur de l’inconnu couplée à un adroit sens du timing et du huis-clos. Mais au fond, qu’est-ce que ça change ? Le natif de Knoxville malgré une production désastreuse est de retour ; prêt à montrer à la vindicte populaire l’ayant un temps dégoûté du projet, toute sa hargne et sa vigueur avec un film qui dès le départ semblait différent de ses précédents. Différent à d’ailleurs bien des titres. Que ça soit dans le choix du genre qui fait directement suite après Django (on retrouve l’univers du Western – un doublon historique chez Tarantino-) ou de la temporalité (les deux films semblent comme liés à la guerre de Sécession, période charnière de l’Histoire américaine) jamais QT n’avait semblé vouloir autant brouiller les pistes. Et pourtant, on saluera bien comme il faut ce choix, puisque celui-ci renforce encore plus l’attente posée à l’égard du film, le bonhomme étant passé maître dans l’art de transformer son travail en événement culturel. A l’issue de la projection (qui plus est à l’ancienne puisque comportant un entracte) et shooté en Panavision 70mm (un obscur format inutilisé depuis un demi-siècle), on se rend compte ainsi que si la facétie du natif de Knoxville semble moins évidente qu’avant, son sens du professionnalisme, lui n’a pas diminué d’un iota. Une exigence d’ailleurs perceptible dès la première scène, ou Tarantino pose ses caméras au beau milieu d’un blizzard. Une plaine enneigée balayée par des bourrasques de vent d’ou n’émane qu’un froid glacial qui suinterait presque de l’écran) et une diligence se mouvant au rythme d’une partition signée Morricone : en une économie de parole rarissime et un sens du cadre à faire pâlir la jeune génération, QT parvient à un stade qui le voit côtoyer les plus grands de sa profession, en réussissant à rendre identifiable la paternité de son oeuvre au regard du seul premier plan.

Le reste, hérité de son style de métronome, ne sera pas différent. Mise en scène plus aboutie, plus profonde, auscultant sans mal la condition féminine et noire dans une société morcelée par de graves crises identitaires et idéologiques, Tarantino assure le show quand bien même son premier acte et par la suite des choses, son second, ne consiste qu’en de longues tirades scandées tour à tour par un casting décidément ravi d’être là. Entre un Samuel L Jackson, bouffeur d’écran compulsif et un Walton Goggins portant bien haut les habits de LA révélation du film ; un Michael Madsen mutique et un Bruce Dern en vieux sage, le casting donne l’élégant contrepoids à une intrigue jouant constamment sur le clair-obscur et la dissimulation.

Une ode à la filmographie de John Carpenter.

Pour comprendre davantage, inutile ainsi de chercher plus loin, puisque la clé de l’intrigue réside dans le personnage campé par Kurt Russel. S’il ne sera évidemment pas question ici de révéler des éléments clés du film, on pourra toutefois rester amusé devant le personnage de Russel qui, à l’instar de celui qu’il occupait dans The Thing de John Carpenter, est le premier à amener un vent de suspicion dans l’endroit où se côtoient ce ramassis de criminel. Décor enneigé, aucune sortie possible, paranoïa qui s’installe, psychose et peur ; les deux œuvres, outre l’apparition de Russel comporte ainsi nombre de points communs, si bien que Tarantino, sans doute désireux de ne pas faire une zone d’ombre sur l’héritage de Carpenter, décide de travestir sa mise en scène pour s’en dissocier. N’hésitant pas à répéter des scènes entières pour saisir les points de vue et ressentis des différents personnages, Tarantino s’amuse à dresser une incompréhension généralisée dans un décor rappelant le huis-clos de Reservoir Dogs et se délecte à filmer le comportement de ces personnages, tous aux abois, soucieux de connaitre le fin mot de l’histoire et de trouver une issue favorable à ce massacre en devenir. Ça en devient quasi théâtral par endroit, ne faisant que renforcer le sentiment qu’en optant pour une entracte, QT a choisi la voie de la sagesse. Faisant monter la sauce de minutes en minutes, l’entracte devient alors presque nécessaire : au vu du festival de violence qui s’annonce, vaut mieux avoir les idées claires.

Et inlassablement, cette dernière partie suffit à elle seule le prix du ticket. Déferlement de violence sèche et abrupte (à des années-lumières de la violence quasi comique jusqu’à présent déployée dans ses anciens films), règlements de comptes et horreur ; Tarantino assène avec une puissance rare un dernier acte aux airs de chevauchée funeste et signe là encore un vibrant hommage au cinéma de Carpenter, en convoquant l’idéal d’un autre de ses films, Assaut. Car dans cet épilogue sentant bien bon la poudre et la haine, difficile de ne pas penser au film de Carpenter, qui voyait le bien s’associer au mal pour combattre le pire. Ici, même combat ou presque, sauf que Tarantino n’étant qu’un auteur au peu de vertus, difficile de pouvoir dénicher une personne respirant la droiture morale ; une absence de bon amenant donc l’occasion rêvée de voir d’improbables alliances se créer, les protagonistes choisissant leurs camps le plus souvent en se basant sur la croyance naïve en une maxime terriblement puérile : l’ennemi de mon ennemi est mon ami. On notera d’ailleurs dans cette conclusion inoubliable, ce désir lancinant qu’a eu QT de vouloir lier ce déferlement de violences avec le sous-texte dessiné par l’intrigue générale : The Hateful Eight en devient plus savoureux à regarder, puisque s’assumant sans honte être sa plus belle oeuvre, sa plus pessimiste et nihiliste aussi, mais chassant le cool comme une dameuse sur des congères. Pour autant, on pourra sans doute être agacé par ce soin quasi maladif du réalisateur que de vouloir emballer son oeuvre dans le plus large écrin possible. 2h47 de film, bien que très proche de son Django Unchained, passent ainsi plus ou moins difficilement, une longueur de plus appuyée par les nombreuses scènes se voyant répétées pour mieux servir l’intrigue et alimenter la paranoïa ambiante. Homme de mot, Tarantino est certes fort, mais pas infaillible. C’est peut-être la seule morale du film à coté de celle de la puissance des flingues et de l’argent. Mais franchement, qu’est-ce qu’on pouvait attendre de plus venant d’un réalisateur faisant tourner des barillets comme Patrick Sébastien ferait tourner des serviettes ?

Synopsis : Quelques années après la guerre de Sécession, le chasseur de primes John Ruth fait route vers la ville de Red Rock où il doit livrer à la justice sa prisonnière, Daisy Domergue. Ils rencontrent sur la route le major Marquis Warren un ancien soldat de l’Union devenu lui aussi chasseur de primes, et Chris Mannix, le nouveau shérif de Red Rock. Alors qu’ils sont surpris par le blizzard, ils trouvent refuge dans un relais de diligence où se trouvent déjà quatre autres personnes : Bob, qui s’occupe du relais en l’absence de la propriétaire, Oswaldo Mobray, le bourreau de Red Rock, le conducteur de troupeaux Joe Gage, et le général confédéré Sanford Smithers. Coincés par la tempête, les huit voyageurs vont s’engager dans une série de tromperies et de trahisons.

Les 8 Salopards – Bande-annonce

Les Huit Salopards – Fiche Technique:

Réalisation: Quentin Tarantino
Scénario: Quentin Tarantino
Interprétation: Samuel L. Jackson (Marquis Warren), Kurt Russell (John Ruth), Jennifer Jason Leigh (Daisy Domergue), Walton Goggins (Chris Mannix), Michael Madsen (Joe Gage), Tim Roth (Oswaldo Mobray), Demian Bichir (Bob le Mexicain), Bruce Dern (Gén. Sandy Smithers)
Image: Robert Richardson
Costumes: Courtney Hoffman
Montage: Fred Raskin
Musique: Ennio Morricone
Producteur(s): Richard N. Gladstein, Stacey Sher, Shannon McIntosh
Production: The Weinstein Company
Distributeur: SND
Récompenses : Oscar 2016 de la meilleure musique
Date de sortie: 6 janvier 2016
Durée: 2h48 (3h02 en 70mm
Genre: Western

États-Unis – 2015

Depuis l’excellent The Fighter, David O. Russell est plutôt apprécié à Hollywood et aux cérémonies des Oscars, s’étant assez vite imposé comme un directeur d’acteurs impeccable qui sait à coup sûr déceler le talent et offrit même à certains leurs meilleurs rôles comme pour Jennifer Lawrence et Bradley Cooper qui semblent tout deux être devenus son duo fétiche.

Synopsis : Inspiré d’une histoire vraie, JOY décrit le fascinant et émouvant parcours, sur 40 ans, d’une femme farouchement déterminée à réussir, en dépit de son excentrique et dysfonctionnelle famille, et à fonder un empire d’un milliard de dollars. Au-delà de la femme d’exception, Joy (Jennifer Lawrence) incarne le rêve américain dans cette comédie dramatique, mêlant portrait de famille, trahisons, déraison et sentiments.

Conflits familiaux 

Le cinéaste aime vraiment travailler avec les mêmes personnes dans un même registre cinématographique mais sa formule et son style s’effritent au fur et à mesure de ses œuvres car à toujours faire les mêmes choses, son cinéma commence sérieusement à manquer de renouvellement et attire les détracteurs, les avis sur ce film n’étant pas vraiment tendres. Mais s’imposant par certains aspects comme son film le plus ambitieux, est-ce que Joy parvient à renouveler le cinéma de l’auteur ou au contraire fait-il plonger celui-ci dans la caricature de lui-même ?

O. Russell ne s’est toujours intéressé qu’à une chose, les conflits internes, ce qui peut bien amener une groupe de personnes, réunies par les liens du sang, leurs devoirs ou encore une passion, à se détruire, se manipuler, tirer profit des autres, menant généralement à des scènes de confrontations intenses sous forme de joutes verbales. Rarement les conflits se traduiront par une forme physique, tout passe par le dialogue. Et c’est un aspect de son cinéma qui gagne de plus en plus d’importance au fil de ses œuvres au point de prendre le pas sur la narration. Ceci devenait un peu le défaut de ses deux précédents films, Silver Linings Playbook  et American Hustle, sans pour autant prendre des proportions envahissantes mais suffisamment pour être alarmant quant à la suite de sa filmographie. Car cette fois-ci, cela devient véritablement un handicap. La première partie est noyée sous les problèmes familiaux de l’héroïne sans que quelque chose ne vienne contrebalancer tout ça. L’histoire a beau être inspirée de faits réels, on sent que parfois O. Russell en rajoute et ce dès la deuxième scène qui part très vite dans la scène de dispute hors de proportion et téléphonée qui laisse augurer le pire pour la suite. La première heure de film se montre donc assez laborieuse et il est difficile de se passionner pour le parcours du personnage, l’ensemble va prendre une structure non linéaire pour insérer des flash-backs et expliquer son histoire et sa personnalité, à elle et à ceux qui l’entourent, en usant d’une voix-off agaçante et qui ne se justifie absolument pas. D’ailleurs durant cette partie du récit, le cinéaste va s’amuser à faire un parallèle peu subtil et grossièrement amené entre la vie de famille de Joy et les soap opéras que regarde sa mère, ce qui fait un remplissage inutile surtout que ce genre de scènes revient à plusieurs reprises pour apporter à chaque fois le même message.

Néanmoins un miracle va s’opérer en cours de route, le film faisant le choix d’élaguer un certain nombre de personnages inutiles pour se concentrer sur la conception de la « serpillière magique », la manière dont Joy va devoir la vendre et les obstacles sur sa route. Devenant une success story certes plus classique, l’ensemble gagne cependant un nouveau souffle parvenant même à susciter l’intérêt et à donner envie de connaitre le fin mot de l’histoire. Même les conflits familiaux gagnent en puissance avec la manière dont Joy est exploitée par son père, sa nouvelle belle-mère et sa belle sœur. Les dialogues deviennent plus acerbes et vifs et on se sent impliqué dans les événements, se surprenant même à être aussi révolté que le personnage. De plus tout ce qui entoure la télévision et le télé-achat est plutôt bien géré, le personnage incarné par Bradley Cooper apporte une touche de fraîcheur et une pointe d’humanité bienvenue qui relance, ou plutôt lance, vraiment la machine. Dans cette deuxième partie, O. Russell va même arriver à éviter à peu près tous les pièges que l’on trouve habituellement dans les biopics, évitant l’habituel panneau en début de générique de fin pour nous dire ce que son devenu les personnages, et misant sur une utilisation habile du flash-forward.

Le casting sert à merveille l’ensemble, comme toujours O. Russell s’impose comme un directeur d’acteurs hors pair et ici chaque acteur offre une excellente prestation. Malgré son jeune âge, Jennifer Lawrence parvient à être convaincante dans ce rôle de mère de famille épuisée par la vie. Elle fait preuve d’une profondeur de jeu et d’une maturité admirable et signe probablement son meilleur rôle. On retiendra aussi Édgar Ramírez, discret mais touchant, Robert de Niro, impeccable, mais on est surtout impressionné par Isabella Rossellini, farfelue comme jamais et absolument géniale. Sans parler de Bradley Cooper, encore une fois parfait, arrivant à faire transparaître toute l’humanité et la compassion de son personnage par la seule force de son regard.

La mise en scène de David O. Russell est globalement très réussie et maîtrisée mais a tendance à se montrer un peu sage. Comme toujours le cinéaste offre de belles images et des plans très travaillés servis par une photographie léchée et souvent accompagnés d’une sélection musicale qui flatte les oreilles mais son style reste quand même classique et esthétiquement très simple. Même si ici il tente quelques phases plus allégoriques, notamment quand il se plonge dans les rêves et les souvenirs de son personnage mais il ne va pas au bout de ses expérimentations. Sinon le montage est plutôt bien agencé et offre au film un rythme soutenu ; malgré la première partie qui laisse perplexe on ne s’y ennuie pas, les scènes s’enchaînant avec fluidité.

Joy est un film plaisant et qui sait se faire apprécier mais il impose clairement une limite dans la filmographie et le style de son auteur. La première heure se fait souvent douloureuse et apparaît comme une caricature de ce à quoi nous a habitué le cinéaste, ayant probablement plus de liberté en raison du succès de ses précédents films, il peine à s’imposer des limites pour contenir ses frasques. Cependant David O. Russell reste un cinéaste qui a un certain talent et il arrive très nettement à redresser la barre de son film pour offrir une success story certes attendue mais qui s’extirpe néanmoins admirablement du carcan des biopics académiques. Une certaine radicalité et énergie se dégage de l’œuvre qui se montre comme son personnage, insoumise, ce qui la rend admirable. Surtout que le tout est servi par des acteurs exceptionnels et de vrais moments de cinéma.

Fiche technique : Joy

Etats-Unis – 2015
Réalisation : David O. Russell
Scénario : David O. Russell et Annie Mumolo
Interprétation : Jennifer Lawrence (Joy Mangano), Bradley Cooper ( Neil, un cadre de QVC), Robert De Niro  (Rudy Mangano, le père de Joy), Édgar Ramírez (Tony Miranne, l’ex-mari de Joy ), Isabella Rossellini (Trudy, la petite-amie de Rudy et financier de Joy)…
Décors : Judy Becker
Costumes : Michael Wilkinson
Montage :Jay Cassidy
Photographie : Linus Sandgren
Production : John Davis, Megan Ellison, John Fox, Jonathan Gordon et Ken Mok
Société de production : Annapurna Pictures et Davis Entertainment
Société de distribution : Fox 2000 Pictures