LeMagduCiné

Adam Jacek Winkler est un personnage dont on comprend aisément l’attrait pour un cinéaste. Il se voulait héros, cherchant à donner un sens à sa vie en s’inscrivant dans l’Histoire. La réalisatrice Anca Damian inscrit son film la Montagne magique au sein d’une trilogie dédiée à l’héroïsme entamée en 2012 avec Le Voyage de monsieur Crulic.

Synopsis : La biographie d’Adam Jacek Winker, traverse près d’un demi-siècle d’histoire. Polonais réfugié à Paris dans les années 60, sa vie aventureuse prend un tournant radical dans les années 80. Se rêvant chevalier du 20ème siècle, Jacek quitte la France pour combattre les soviétiques aux côtés du commandant Massoud en Afghanistan.

Une vie à chercher le héros

« Crulic (le héros de Le Voyage de M. Crulic) était un quidam, un inconnu devenu célèbre à travers sa mort. Un personnage kafkaïen broyé par la société, qui ne trouva que la mort pour prouver sa vérité. Winkler est au contraire un héros romantique, un de ces chevaliers dont les origines proviennent des racines profondes de l’histoire de l’humanité. Sa vie prend sens dans une lutte contre le mal qui doit être menée jusqu’à la mort. » Entretien avec la réalisatrice (dossier de presse du distributeur)

 

Le film s’intéresse à ce personnage et à son histoire méconnue, celle d’un homme qui voulait mourir au combat, faire quelque chose de sa vie. Il est donc parti en guerre contre le communisme invasif des années 80 qu’il va combattre aux côtés des Afghans. Sans adhérer à une frange politique particulière, c’est uniquement de sa destinée en tant qu’individu qu’il est question dans ce film. La Montagne magique, c’est donc le biopic de ce personnage, on suit la trajectoire sinueuse de sa vie, sans manichéisme mais avec une certaine bienveillance dans le regard. Cela se traduit dans les choix esthétiques singuliers et originaux de la réalisatrice.

La Montagne magique est un film singulier qui flirte avec les genres canoniques et démontre la caducité d’une partition du cinéma en fiction, documentaire et animation. Une œuvre de cinéma transcende son sujet, peu importe les codes qu’elle emprunte, et ce sont d’ailleurs bien souvent les films qui se moquent des étiquettes. Avant Anca Damian, d’autres cinéastes ont choisi l’animation dans des films qui surprirent un public occidental trop habitué à considérer encore l’animation comme un sous-produit de cinéma destiné aux enfants et qui serait donc bêtifiant. On l’a vu avec Persepolis de Marjane Satrapi (2007) ou encore Valse avec Bachir (2008) de Ari Folman. Dans un cas, il s’agit de raconter une histoire familiale qui prend une tonalité universelle par la magie de ce dessin en noir et blanc; pour le film de Folman, l’animation est une manière de retranscrire les images mentales dans tout ce qu’elles ont d’inquiétant et d’instable. Le film d’animation, en recréant de toutes pièces un univers peut se jouer des stéréotypes et proposer une vision plus libre et fantasmée que ne peut le permettre la prise de vue réelle. La Montagne magique participe de cette animation qui s’affranchit du réalisme, du mouvement fluide et de la texture toujours plus proche du réel. Le film s’appuie sur un matériau divers et très riche puisé dans les archives de la famille d’Adam Winkler. On y trouve des photographies et des dessins fait par Winkler lui même. Anca Damian s’inspire des dessins de Winkler pour créer l’univers graphique de son film, et elle inclut au milieu de ces images oniriques des photographies qui par contraste contextualisent fortement l’histoire.

« L’objectif de ce mélange est à la fois de créer une surréalité crédible, et de toucher l’universalité à travers des archétypes préexistant dans l’art. » Entretien avec la réalisatrice(dossier de presse du distributeur)

Ainsi, l’image rotoscopée d’Adam Jacek Winkler évolue au milieu de paysages rappelant les peintures des nabis ou les fantaisies de Chagall. Le film est magnifique mais va au-delà du beau livre d’images en présentant une réalité loin d’être en noir et blanc en gardant tout ce qui fait la complexité du personnage: idéaliste, égoïste, naïf et passionné.

La Montagne magique – Bande annonce

La Montagne magique: Fiche technique

Roumanie, Pologne, France
Durée : 89 minutes
Genre : Biopic onirique & utopie animée
Réalisé par : Anca Damian
Scénario : Anca Damian et Anna Winkler
Distribution (voix) : Christophe Miossec (Adam Jacek Winkler), Lizzie Brochère (Anna Winkler)
Directeur artistique : Theodore Ushev
Animation : Sergiu Negulici, Raluca Popa, Dan Panaitescu, Tomek Ducki
Musique : Alexander Balanescu
Son : Frédéric Théry, Sebastian Wlodarczyk
Produit par : Anca Damian (Aparte Film), Joanna Ronikier & Włodzimierz, Matuszewski (Filmograf), Guillaume de Seille & Bénédicte Thomas (Arizona Productions)
Distribué par : Arizona Films
Date de sortie : 23 décembre 2015

            Synopsis : Dans une galaxie lointaine, très lointaine, un nouvel épisode de la saga « Star Wars », 30 ans après les événements du « Retour du Jedi ».

Le Retour de la Critique et des Jedi-Rédacteurs

            « Enfin la critique du Magduciné, le meilleur webzine ou web revue de cinéma et de série du monde » pourriez-vous vous dire. En effet, la critique arrive, comme promis dans l’article des retours de la rédaction sorti le 16 décembre, le jour de la sortie de ce septième épisode de Star Wars. On vous apportait une multiplicité de regards face à ce film universel, et les avis étaient réellement partagés. Hélas pour Le Point selon qui les rédacteurs ayant écrit un « oui, mais… » dans leur critique de ce nouveau Star Wars sont des « énergumènes », vous devrez alors à nouveau nous compter parmi ces contrebandiers de la critique. Car très chers collègues et lecteurs, peut-être sommes-nous au contraire des Jedi, plus sages que beaucoup d’autres… Aussi, comme dit dans notre précèdent texte, la critique contiendra alors des spoilers. Donc à toi jeune padawan qui n’a pas encore fait tes premiers pas à l’une des séances de ce film, comme le dirait l’un des plus grands maîtres Jedi, « Evite d’entrer dans cette grotte de la Force car bouleversée par un trop plein d’informations, tu seras ». Ou encore comme dirait Obi-Wan : « Ce n’est pas la critique que vous cherchez… ».

            Les lumières de la salle s’éteignent. Le logo Lucasfilm apparaît pour laisser place à l’éternel « Il y a bien longtemps dans une galaxie lointaine, très lointaine… ». Tout-à-coup, trente-huit ans après le premier film, dix ans après La Revanche des Sith qui venait clôturer la saga Star Wars, qui n’est autre que l’histoire de Dark Vador, d’un père qui tombera puis se relèvera grâce au fils pour enfin accomplir sa destinée : « rétablir l’équilibre dans la Force » (tout cela a été dit par Lucas, dans les commentaires des dernières éditions DVD et Blu Ray), le titre jaillit à nouveau à l’écran suivi de son générique inoubliable.

On y apprend le synopsis de ce nouvel épisode : un groupe politique fasciste héritier de l’Empire, le Premier Ordre, combat la République par tous les moyens. La Résistance, missionnée par la République, combat elle-même le Premier Ordre afin de protéger la jeune nouvelle République. Mais le Premier Ordre s’est donné une mission autrement plus précise : retrouver et éliminer Luke Skywalker, le dernier des Jedi.

            Vous vous dites déjà que ce résumé n’est pas sans rappeler le premier volet de la saga Un Nouvel Espoir (1977, même si le sous-titre fut rajouté en 1979) et L’Empire Contre-Attaque (1980) ? Rassurez-vous, vous n’êtes pas des cas isolés aigris ou n’ayant pas compris ce nouveau Star Wars, bien au contraire…

https://www.youtube.com/watch?v=cpxrMwUsbIY

Planètes désertique, enneigée, forestière,

base spatiale hyper-armée, il est temps du…

Réveil du Magnétoscope

            Star Wars Le Réveil de la Force n’est pas juste un sequel de la saga monstre de George Lucas. S’il est un film presque entièrement créé par des fans héritiers et des anciens de l’empire Lucasfilm tels que Lawrence Kasdan – « presque » car lancé par Lucas et Kennedy bien avant la vente –, on peut se demander s’il n’est pas aussi un film justement trop fait par des fans, et si le créateur fou déifié à de maintes reprises mais assumant ses défauts qu’est Lucas ne nous manque pas ici.

            Car, en effet, ce septième volet tend plus à ressembler à un medley des deux premiers épisodes auquel sont venus se greffer d’autres morceaux du Retour du Jedi (1983) – que ce soient des situations trop similaires, des personnages (le/la jedi, le gars cool de l’espace au blaster entre autres) et des lieux (planète désertique, planète forestière, planète enneigée mélangée avec l’Étoile de la Mort puissance dix) et même quelques idées de la prélogie. Il ne faut toutefois pas oublier que la saga a été construite par Lucas à partir des réutilisations de récits mythologiques et légendaires, et sur des parallèles entre des événements et des récits entre les deux trilogies. Mais ici, il semble que le film n’a pas continué de se construire à partir des recherches et réflexions Campbell-iennes – Joseph Campbell est l’auteur du Héros aux mille et un visages et d’autres ouvrages clefs sur la narratologie, science du récit et ses schémas et personnages-archétypes (…) – de Lucas. Non le film reprend les autres films, voilà où est le problème. Plus frustrant encore, il réutilise les deux premiers films pour en faire une seule et même œuvre. Ainsi il ne s’agit pas ici de poursuivre la saga, mais plus de faire un rembobinage des anciens pour toutefois mieux avancer peut-on espérer. Aussi nuançons notre propos en disant que comme Lucas qui a fait de ses films des métaphores de nos sociétés (avec la prélogie) ou encore des paraboles (avec la trilogie originale), Abrams a pensé le Premier Ordre comme le retour brutal des nazis, regroupés et réarmés. Et le film renvoie visuellement à cela, avec l’iconographie du mal en blanc, noir et accompagné de rouge. Si cela peut renvoyer à la montée du fascisme en Europe et même aux US avec Donald Trump, ce n’est pas une véritable métaphore de notre réalité. On sait que Lucas voulait revenir sur le côté politique avec l’impact des actions passées sur le présent politique, social et familial – toujours du côté des Skywalker donc. Il s’agit donc pour Lucas de travailler la mémoire, le trauma, et le retour de forces fanatiques des ténèbres du passé malgré tout ce qui s’est passé. C’était alors un véritable travail sur le retour du fascisme ou du nazisme avec des individus prêts à assumer leur histoire malgré tout, ou d’autres qui ne la connaissent pas. Ces deux motifs sont présents dans le film sorti ce mercredi 16 décembre, mais assez différemment, loin du travail à la fois macro- et microcosmique de Lucas qu’on peut avoir dans la prélogie.

Transmission, Histoire, histoire et impact…

Traumatisme et mémoire individuelle et collective

            Dans le film, plusieurs personnages sont victimes d’une histoire personnelle (l’arrachement à une famille pour certains et la perte d’un fils pour d’autres) et collective (la défaite de l’Empire qui a marqué des paysages – voir Jakku – et tout de même donné naissance au Premier Ordre). Ces traumatismes permettent de montrer l’impact de l’histoire sur le présent, un présent toutefois présenté de manière microcosmique, c’est-à-dire qu’on voit à peine les modes de vie des civilisations, des grandes communautés. Il s’agit de suivre un individu ou des groupes, ce qui n’est pas sans rappeler le tout premier Star Wars, qui arrivait toutefois à nous présenter dans des dialogues propres et concis ou encore mystérieux le contexte socio-politique de la galaxie, on peut par exemple penser au Grand Moff Tarkin qui nous parlait du Sénat Galactique et de sa dissolution au profit de sa domination par des Gouverneurs. Ou bien même à Obi-Wan qui, lors de son explication rapide et mystérieuse d’une ère qui l’était tout autant à l’époque, évoquait « the clone wars », la Guerre des Clones. Un manque de subtilité par rapport aux anciens nous direz-vous ? Et nous vous acquiescerons avec ce petit sourire et ce regard empli de malice et de sagesse digne d’Obi-Wan Kénobi. Si bien que lorsque Kylo Ren – le sombre nouveau seigneur noir de la saga, point du film sur lequel nous n’aurons pas le temps de s’attarder, hélas pour vous et nous – évoque l’utilisation d’armée de clones plus obéissante que les stormtroopers arrachés aux familles et conditionnés dès la naissance, nous nous disons que non seulement ça n’est pas subtil mais surtout c’est peu pertinent. Pourquoi pas utiliser des clones ? Parce que, comme nous l’avons appris depuis avec les films et la première série animée (ou encore avec l’Univers Étendu détruit par Lucasfilm pour devenir des légendes mais étant toutefois une certaine source d’inspiration pour le nouveau volet), les clones ont un vieillissement accéléré qui leur permet d’être opérationnels au plus vite, mais dès lors limités par leur obsolescence programmée. Nous avions discuté avec Patrice Girod lors de la soirée George Lucas chez TCM Cinéma de la possible présence d’éléments précis incohérents. Il parlait notamment d’un stormtrooper qui arrivait en pleine bataille pour affronter Finn (le héros incarné par John Boyega) avec une sorte de bâton de force et un bouclier. Cette individualité dans une armée censée être programmée et vidée de toute humanité et personnalité propre à chacun était incohérente. Certes nous avons affaire au Premier Ordre et non à l’Empire pourrait-on penser. Problème, beaucoup de passages concernant ce First Order et se concentrant sur lui, présentent et insistent sur le conditionnement de leur troupes et leurs possibles dérèglements psychologiques vérifiés et à retravailler. Donc que fait ce stormtrooper, déjà bien trop individualiste disant « Traître ! » à Finn, au milieu de cette bataille armée de manière aussi différente à part incarner un challenge de combat de sabre laser pour le héros et la cause d’un combat brutal et attendu par le public ? Autre idée incohérente, on peut entendre un personnage dire de son fils qu’il a « trop de Vador (Vader) en lui ». L’oncle de Luke dans le premier film, Owen Lars, avait rencontré son père alors empli de rage, et toujours en mouvement, entre autres choses. Il disait justement – c’est-à-dire de manière parfaitement cohérente avec la prélogie sortie plus tard des 1999 à 2005 – dans le premier volet à propos de Luke, en réponse au « Il ressemble à son père » de sa femme Béru : « C’est bien ce qui me fait peur… ». Il s’agissait de rapprocher le père au fils, tout en étant conscient de ce que savait l’oncle du père. Une subtilité à laquelle on échappe à nouveau ici, puisqu’ils ne comparent pas le père au petit-fils, mais la personnalité qui avait pris le pouvoir sur celle de « l’homme de bien » (dixit Obi-Wan Kénobi) émotionnellement et psychologiquement instable qu’était le grand-père. Non, ils le comparent directement au seigneur Sith. « Ce sont des détails, des subtilités » pourriez-vous nous répondre un peu pantois, oui, nous sommes d’accord, des subtilités qui manquent cruellement au récit.

Ces éléments incohérents, ces traumas et informations peu subtiles ont une cause commune : le rythme du film.

Un réveil bien énergique pour tout le monde, voire dopé ?

Épisode III : La Revanche du Magnétoscope

            « Le rembobinage de la saga a été trop rapide » murmure Lawrence Kasdan, « Mince, faut qu’on avance alors ! » lui répond Kathleen Kennedy. « Shit ! Comment je vais faire ? », lâche dans un coin J.J. Abrams. Une conversation née de notre imagination qui reflète toutefois très bien une réalité : le récit à la fois passéiste et tourné vers le futur roule bien plus vite qu’à quatre-vingt huit miles. En effet, à partir d’une vingtaine de minutes du film, toutes les actions s’enchaînent sans temps morts, sans ellipse évidente, sans repos des personnages, somme toute en 24h chrono ou moins. Il s’agit alors pour le spectateur de s’accrocher à cette pure attraction que devient Star Wars Le Réveil de Force, ponctuée de révélations attendues pour certains, malvenues pour d’autres, et de grandes séquences d’émotions, parfois mystiques, trop courtes et mal situées pour être aussi puissantes que la Force. D’ailleurs, même pendant les vingt premières minutes, s’il y a un bien une chronologie temporelle claire, la réalisation ne nous laisse pas assez de temps (à l’inverse de ce « diable » de Lucas) pour contempler comme il se doit le génie visuel Abram-sien. Cette avancée rapide empêche la caractérisation des personnages d’être aussi souple et humaine que ce qu’on a pu voir avant et dans bien d’autres films, même fonctionnant sur des non-dits. Car ici, même ces derniers sont trop vite exposés (n’oublions pas que le film n’est pas subtil), on pense au personnage de Rey dont on sait rapidement qu’elle a des secrets et qu’elle est traumatisée… De même, tout ce qu’on savait sur les stormtroopers se retrouve explicité tel une scène érotique de Lynch qui serait reprise par des pornographes, ainsi Finn révèlera aussi trop vite son trauma, d’ailleurs vécu à sa première mission dira-t-il dans le film. Ou encore pour finir, la nouvelle arme du Premier Ordre –fanatique de l’Empire ne l’oublions pas, présenté comme un parti « fasciste » émergeant à la politique brutale, et toutefois surpuissant –, qui à l’image de celles des aliens dans le prochain Indépendance Day Resurgence, est toujours plus grosse qu’avant, plus puissante, technologiquement plus avancée, et toujours plus fragile… Ainsi on peut constater ceci, l’équipe du film n’a pas retenu l’une des leçons les plus importantes de la trilogie originale qu’ils ne cessent de reprendre, citer (nous avons même entendu des gens crier au plagiat, assez exagérément bien sûr) tels des puits de pétroles avec la richesse de notre chère planète. Une leçon de Yoda (à propos de Luke dans L’Empire Contre-Attaque) : « Celui-ci depuis très longtemps je l’observe et toute sa vie, il a regardé vers l’avenir, vers l’horizon. Jamais l’esprit là où il était, hum! A ce qu’il faisait. ». Assez explicite, n’est-ce pas ?

Fans as a Phantom Menace Theme & Finale

            (Re)Imaginez alors ce film, sorte de « remake » des deux premiers, aussi un pot pourri de toute la saga, peu subtil – peu humain avec la caractérisation des personnages douteuse et malvenue – et trop rapide pour l’être, un film qui n’est pas tant une suite qu’un reboot… Mais alors que reste-t-il ?

Il en reste un très bon film bancal trop nostalgique toutefois empli de bonnes idées, extrêmement bien réalisé même si son mixage sonore en Atmos efface dans les moments (d’action) la très belle bande-son de John Williams qu’on penserait plus inspiré chez un Lucas. Une belle aventure humaine aussi, parfois surprenante, souvent émouvante, parfois brillante, mais qui manque cruellement de temps. Temps dans un second sens ici, puisqu’on sait que le scénario fut terminé peu avant le tournage, et Abrams nous a appris dernièrement qu’il y avait de nombreuses réécritures pendant celui-ci. Si la Force s’est bel et bien réveillée, le film aurait du sortir en Mai 2016, et aurait du écouter Lucas et moins les fans afin de donner autre chose que ce que beaucoup attendaient de lui, du grand spectacle Star Wars. Ainsi Le Réveil de la Force, à l’inverse de la saga, néglige beaucoup trop l’humain, l’histoire, les personnages pour présenter une attraction cinématographique centrée sur l’aspect technologique et la science-fiction. Mais EA Games a déjà réussi cette mission avec Star Wars Battlefront, sorti au mois de Novembre 2015, en nous faisant « vivre » l’expérience Star Wars. Nuançons par le fait que c’est la réalisation et la mise en scène d’Abrams qui apportent la subtilité, par les jeux de regards, la contemplation, concentration et émotion qu’il sait apporter, ou encore avec la violence et la brutalité, l’horreur, la catastrophe humaine et universelle qu’il rapporte dans Star Wars, servant alors l’aspect de parabole historique qu’est la saga tout comme son cinéma, qui a toujours été empli d’espoir, optimiste sans vraiment l’être, car conscient de l’horreur du monde. Un film qui poursuit l’œuvre mélancolique, douce-amère et emplie d’espoir d’Abrams. Aussi nuançons à nouveau par le fait que le film est tout assez cohérent avec la saga. Un très bon film d’Abrams, loin d’être le meilleur Star Wars, ni le pire. La fin nous promet une suite emplie d’inattendu même si déjà un élément qui créera un parallèle avec l’Empire Contre-Attaque peut être attendu, la formation du jedi par un maître exilé. Ou alors, peut-être que Rian Johnson, réalisateur et scénariste de l’Épisode VIII prendra d’autres directions et alors nous surprendra, bien plus que ce volet, une tâche non difficile à remplir.

           Surprise, hors-sujet ou presque, Columbo sort de sa tombe et nous demande avec son air interrogatif toujours aussi amusant : « Euh just’ une dernière question M’sieur, est-ce que c’était nécessaire ? Je veux dire… Ce film et le reste ? ».

PS : Si cette critique termine sur une question, elle en pose d’autres, elle n’a pas travaillé certains sujets pour respecter un certain format et une ligne réflexive. Il s’agit aussi de vous respecter lecteurs / spectateurs afin d’éviter plus de spoilers. Enfin ces commentaires manquants peuvent être trouvés en grande quantité ailleurs sur la toile, traités de manière positive et négative, précise et généralisatrice, concernant Kylo Ren, le personnage féminin fort qu’est Rey, le retour des anciens de la trilogie originale, la 3D du film, etc.

FICHE TECHNIQUE 

Titre original : Star Wars: Episode VII – The Force Awakens
Réalisation : J.J. Abrams
Scénario : Lawrence Kasdan, J.J. Abrams, & Michael Arndt, d’après George Lucas
Acteurs principaux : Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isaac, Harrison Ford, Carrie Fisher, Mark Hamill, Peter Mayhew, Anthony Daniels, Andy Serkis, Max Von Sydow

Décors : Rick Carter & Darren Gilford

Costumes : Michael Kaplan

Photographie : Dan Mindel

Montage : Maryann Brandon & Mary Jo Markey

Son : Ben Burtt & Matthew Wood

Musique : John Williams
Pays d’origine : U.S.A.
Sortie : 16 décembre 2015
Durée : 2h16min

Producteurs : Kathleen Kennedy, J.J. Abrams & Bryan Burk
Production : Lucasfilm, Bad Robot, Walt Disney Pictures

Distributeur : The Walt Disney Company France

A la découverte du nom de Jean-Pierre Bacri au générique, l’idée d’un film stéréotypé nous vient à l’esprit : personnage bougon, acteur cabotin, comédie généralement drôle, et peut-être un peu convenu. Mais au final, le nouveau film de Michel Leclerc, la Vie très privée de Monsieur Sim, est très typé… Michel Leclerc. Le même genre d’humour féroce que dans le Nom des gens, avec son doux délire, la même forme de comédie réaliste que pour Télé Gaucho, avec son anti-héros…

Synopsis: Monsieur Sim n’a aucun intérêt. C’est du moins ce qu’il pense de lui-même. Sa femme l’a quitté, son boulot l’a quitté et lorsqu’il part voir son père au fin fond de l’Italie, celui-ci ne prend même pas le temps de déjeuner avec lui. C’est alors qu’il reçoit une proposition inattendue : traverser la France pour vendre des brosses à dents qui vont « révolutionner l’hygiène bucco-dentaire ». Il en profite pour revoir les visages de son enfance, son premier amour, ainsi que sa fille et faire d’étonnantes découvertes qui vont le révéler à lui-même…

Quand l’amer monte

Pour autant, le film est une adaptation assez fidèle et réussi du livre de Jonathan Coe « The terrible privacy of Maxwell Sim », un roman pourtant très britannique dont il a fallu transposer à peu près tout pour cette version française. Jonathan Coe, un des des écrivains contemporains les plus lus outre-Manche, au même titre et un peu dans la même veine que Nick Hornby, est reconnaissable pour sa plume très acérée et drôle sur des sujets ultra-modernes (et éminemment british !). On peut avancer sans trop se tromper que le cinéaste a du se reconnaître dans l’écrivain, et dans ce livre en particulier, tant on retrouve leurs deux univers intimement mélangés dans l’œuvre.

François Sim (Jean-Pierre Bacri, magistral, car débarrassé de -certains de- ses tics), « Sim comme la carte » aime-t-il à préciser, est un homme dépressif, incapable de communiquer normalement avec ses semblables. Sa femme Caroline (pétillante Isabelle Gélinas) l’a quitté, son employeur l’a lâché, et quand il profite d’un voyage que Caroline a acheté sur Internet un mois avant de le quitter, c’est seul, et c’est seul qu’il va monter à bord d’un avion qui va l’emmener vers les Pouilles à la rencontre de son père. Dans ces premières minutes, on le découvre très bavard, un vrai moulin à paroles étourdissant, assommant littéralement son voisin de siège (et quel voisin !), une vraie logorrhée à la hauteur de son mal-être.

Cette scène inaugurale donne le ton de cette comédie française très travaillée, à savoir un comique apporté essentiellement par les dialogues truculents à la fois de Jonathan Coe, de Baya Kasmi, la coscénariste et compagne du cinéaste, et de Michel Leclerc lui-même. Le comique traverse le film de part en part, mais également une certaine tristesse liée aux situations vécues par le protagoniste : la solitude extrême (« j’ai 70 amis Facebook» assène-t-il à son voisin), les ruses qu’il emploie pour s’immiscer dans la vie de son ex-femme, la précarité et les concessions qu’il est obligé de faire pour retrouver un travail, les mensonges et les non-dits qui ont façonné sa vie, rien ne prête à rire, vraiment…

Le film, dans le sillage du livre, est bâti comme un road-movie, en PACA et ailleurs, qui permet au cinéaste de confronter son héros à différents personnages : son père, peu désireux de lui tenir compagnie, son ex-femme qui oscille entre mépris et compassion à son égard, Luigia (la toujours très belle Valeria Golino) son amour de jeunesse qui lui a permis de découvrir quelque chose à propos de son père, et dont un carnet resté à son domicile méridional a valu à François de découvrir encore autre chose sur ce père ; des nouveaux collègues stéréotypés aux bornes de la caricature, avec une Carole Franck survoltée à leur tête -qui décidément bonifie avec l’expérience-, Poppy (Vimala Pons) et son oncle Samuel (Mathieu Amalric, faussement affable comme à son habitude), des rencontres de hasard mais d’importance qui l’emmènent à Donald Crowhurst, un navigateur amateur qui a réellement existé et qui a bâti la fin de sa vie autour d’un mensonge lié à une course autour du monde. Les parallèles entre la vie de Crowhurst et de François Sim sont en effet nombreux et évidents, et en découvrant la vie du « navigateur » dans un livre que Samuel lui a prêté, François se découvre, ou plus exactement apprend à se découvrir, et une scène où il lit ce livre comme s’il lisait en lui-même est une des plus émouvantes du film.

La vie très privée de Monsieur Sim est un beau film malgré un problème de rythme ; certaines scènes sont étirées inutilement en longueur, d’autres sont répétitives (celles avec le GPS de la 3008 Hybride flambant neuve qu’on lui a donnée pour aller vendre des brosses à dent bio : la métaphore de l’homme seul et apeuré qui a pour fiancée idéale une voix virtuelle est un peu trop surlignée, et déjà vue en mieux dans le Her de Spike Jonze)…

La vie très privée de Monsieur Sim est un film faussement joyeux. Disparu en mer, à la suite d’une folie suicidaire probablement, Donald Crowhurst a écrit dans son journal ces mots ultimes : « C’est fini, c’est fini. C’est la fin de mon jeu. La vérité a éclaté. » , des mots qui sont repris dans le film et qui résonnent étrangement quand à la fin, on découvre enfin toutes les vérités sur la vie privée de François Sim. Sans en avoir l’air, le film recèle jusqu’à son terme des rebondissements qui au lieu de faire grand bruit, s’insinuent fortuitement chez le spectateur, de manière quasiment hitchcockienne, et redonne un tout autre sens à tout ce qui vient d’être vu. Une mise en scène très intelligente dont la paternité est davantage à attribuer à Jonathan Coe, car on retrouve les mêmes ressorts scénaristiques dans le livre, mais que Michel Leclerc a réussi à transposer dans son film. Malgré ses défauts, une des meilleures comédies françaises de 2015.

La vie très privée de Monsieur Sim – Bande annonce

La vie très privée de Monsieur Sim – Fiche technique

Titre original : –
Date de sortie : 16 Décembre 2015
Réalisateur : Michel Leclerc
Nationalité : France
Genre : Comédie
Année : 2015
Durée : 102 min.
Scénario : Jonathan Coe (roman), Michel Leclerc, Baya Kasmi
Interprétation : Jean-Pierre Bacri (François Sim), Isabelle Gélinas (Caroline), Vimala Pons (Poppy), Sixtine Dutheil (Lucy), Christian Bouillette (Jacques Sim), Vincent Lacoste (Jacques Sim (20 ans)), Félix Moati (Francis), Carole Franck (Audrey), Mathieu Amalric (Samuel), Valeria Golino (Luigia)
Musique : Vincent Delerm
Photographie : Guillaume Deffontaines
Montage : François Gédigier
Producteurs : Caroline Adrian, Fabrice Goldstein, Antoine Rein
Maisons de production : Delante Films, Karé Productions, Rhône-Alpes Cinéma, France 2 Cinéma, Mars Films
Distribution (France) : Mars Distribution
Récompenses : –
Budget : –

Quelques mois après la sortie de son film précédent, le très austère et minimaliste Tsili adapté d’un roman d’Aharon Appelfeld, Amos Gitaï fait un virage stylistique radical en proposant une œuvre se voulant plus facilement accessible.

Synopsis : Le 4 novembre 1995. Yitzhak Rabin, Premier ministre israélien, qui avait obtenu l’année précédente le Prix Nobel de la paix grâce à ses négociations ayant abouti aux accords d’Oslo, est froidement abattu de trois balles. Retour sur cet assassinat, ses causes et ses conséquences.

Une enquête aussi falsifiée que ce film à thèse

Toujours soucieux de dépeindre son pays, Israël, sous toutes ses facettes, le réalisateur de Kippour et Free Zone revient, vingt ans plus tard, sur un événement qui en a bouleversé la (courte) histoire. Le choix d’aborder le meurtre du premier ministre Yitzhak Rabin en prenant pour point de départ l’enquête qui l’a suivi n’est évidemment pas sans rappeler le processus avec lequel Oliver Stone avait élaboré son JFK en 1991, mais la façon dont Gitaï a conçu son film est bien différente de l’enquête que menait Kevin Costner sur l’homicide de Kennedy. En   mêlant des images d’archives à des reconstitutions, le cinéaste s’assure une indiscutable caution de vérité.

L’interview de Shimon Peres qui revient sur l’assassinat de Rabin, dont il était très proche (ils avaient gagné le Prix Nobel ensemble, avec Yasser Arafat, le troisième négociateur, en 1994) qui ouvre le long-métrage lui offre l’aura de respectabilité de celui qui est le dernier père fondateur encore en vie de l’État d’Israël. Puis débute l’enchainement d’archives et de fictions documentées avec les images du meurtre en lui-même puis, pendant environ une heure, une succession de scènes nous faisant vivre les réactions d’un peuple en état de choc et les conférences de presse évasives d’une Police dépassée par les événements, des images qui nous renvoient immanquablement au traumatisme qu’a vécu la France en novembre dernier. Mais apparait aussitôt une scission au sein de la population israélite puisque beaucoup d’entre eux ne pleurent pas celui qui prônait la réconciliation israélo-palestinienne, mais au contraire célèbrent la mort de celui qu’ils qualifient de traitre au sionisme. La seconde moitié du film se concentrera davantage sur l’enquête menée par la commission Shamgar qui, plutôt que de rechercher les véritables instigateurs du drame, vont se focaliser sur les défaillances du système de sécurité l’ayant permis.

Comme bien souvent, le gros défaut de Gitaï est de tenir un discours trop appuyé car, dès l’instant où il montre des images des meetings du parti d’opposition, le Likkoud, en faisant apparaitre ses militants comme des gens uniquement mus par la haine assimilables à des fascistes et où il imagine une réunion de ses dirigeants en faisant d’eux d’infâmes manipulateurs, son parti-pris devient bien trop pesant. Et, dès lors que l’on a compris que l’enquête de la commission n’est qu’un simulacre de justice ourdi par des institutions qui ne veulent pas voir la vérité en face, faire se suivre les interrogatoires des témoins du meurtre ne sert plus qu’à étirer vainement la durée du film dans un rythme rébarbatif. En dehors du dernier quart d’heure, qui permet de comprendre l’endoctrinement de Yigal Amir et se conclut par un plan séquence subtil et maitrisé (même si le cadreur a eu du mal à tenir le point tout du long), toute la partie reconstitution souffre d’un manque d’enjeux rédhibitoire. En découle un soi-disant thriller judiciaire bien trop bavard et théâtral aussi épuisant qu’inoffensif. La partie documentaire est en revanche plus captivante dans la façon dont Gitaï met en place son brûlot visant frontalement Benyamin Netanyahou. L’interview de la veuve Leah Rabin clôt cette partie en lui assurant, cette fois, une profonde émotion. La façon dont le réalisateur se sert des images pour donner du poids à son pamphlet politique s’apparente au travail contesté que fait Michael Moore, lui faisant perdre beaucoup de sa crédibilité.

Beaucoup trop long et rarement passionnant, Le dernier jour d’Yitzhak Rabin ne tente jamais de résoudre la moindre énigme complotiste puisque Gitai semble persuadé d’en avoir la clef et en profite pour illustrer ses opinions politiques d’une manière si peu subtile qu’elle ne convaincra que ceux qui les partagent déjà.

Le dernier jour d’Yitzhak Rabin : Bande-annonce

Le dernier jour d’Yitzhak Rabin : Fiche technique

Titre original : Yitzhak Rabin, the last day
Date de sortie : 16 décembre 2015
Nationalité : Israël
Réalisation : Amos Gitaï
Scénario : Amos Gitaï, Marie-Jose Sanselme
Interprétation : Ischac Hiskiya (Président de la Commission), Pini Mitelman (Membre de la Commission), Einat Weizman (Avocate de la Commission), Tomer Sisley (Chauffeur de Rabin), Michael Warshaviak (Membre de la Commission)…
Musique : Amit Poznansky
Photographie : Eric Gautier
Direction artistique : Miguel Merkin
Montage : Yuval Orr, Tahel Sofer, Isabelle Ingold
Sociétés de production : Thibault Grabherr, LGM Cinema, France 2 Cinéma, Les Films du Worso…
Sociétés de distribution : Sophie Dulac
Genre : Thriller, documentaire, drame
Durée : 180 minutes