LeMagduCiné

Après La Plage, on dit de Danny Boyle qu’il est retourné dans son Angleterre natale, épuisé et déçu par cette première expérience hollywoodienne. Si cela ne l’a pas empêché d’y revenir par la suite, il profite de son retour pour se lancer dans des productions télévisées modestes avant de se voir très rapidement recontacté par son producteur Andrew Macdonald et Alex Garland (scénariste de La Plage) pour un projet de film sur des « zombies » capables de courir.

Synopsis: Un commando de la Protection Animale fait irruption dans un laboratoire top secret pour délivrer des dizaines de chimpanzés soumis à de terribles expériences. Mais aussitôt libérés, les primates, contaminés par un mystérieux virus et animés d’une rage incontrôlable, bondissent sur leurs « sauveurs » et les massacrent. 28 jours plus tard, le mal s’est répandu à une vitesse fulgurante à travers le pays, la population a été évacuée en masse et Londres n’est plus qu’une ville fantôme. Les rares rescapés se terrent pour échapper aux « Contaminés » assoiffés de violence. C’est dans ce contexte que Jim, un coursier, sort d’un profond coma…

A l’époque de leurs discussions, le terme « zombie » est employé mais il faut bien avoir à l’esprit que 28 Jours Plus Tard n’est pas un film de zombies, mais un film de contaminés. Si la différence semble mince, pour les spécialistes elle est essentielle, car selon les codes initiés et démocratisés par Georges A. Romero dans La Nuit des Morts-Vivants, un zombie n’est pas censé courir, tout comme un contaminé n’est pas censé être mort. Débat très sérieux dans le milieu qui avait par ailleurs été rediscuté à l’occasion de la sortie en salles de World War Z. Quoiqu’il en soit, Danny Boyle collabore à nouveau sur un scénario d’Alex Garland et démarre le tournage du film en septembre 2001. Pour les scènes à l’intérieur de Londres, Alex Garland s’est inspiré du roman Le Jour des Triffides de John Wyndham, où un homme se réveille à l’hôpital et découvre que toute la population est devenue aveugle. Cette impressionnante séquence d’un Londres vidé de toute sa frénésie est une introduction brillante en la matière. Tout le monde se souvient de Cillian Murphy, déboussolé et errant dans cette capitale abandonnée sur la composition envoûtante, aventureuse et saturée de Godspeed You! Black Emperor, qui inspira assurément par la suite les créateurs du jeu vidéo The Last of Us.

L’Enfer, c’est les autres

Ce qui surprend dans une production de ce calibre, c’est l’utilisation de caméras de qualité relativement modeste -certes en plus nombreuses quantité- en comparaison de ce qui se faisait à cette époque, surtout du côté de Panavision. Danny Boyle justifie ce choix d’utilisations de caméras digitales pour alléger l’organisation du tournage, tant dans la gestion matérielle que pour alléger le temps de préparation. Ce parti-pris confère à 28 Jours Plus Tard un style quasi-documentaire, proche du reportage. Le réalisateur dessine alors le portrait d’une société victime de sa fureur et se déchirant littéralement les uns des autres. Film d’anticipation et road-movie horrifique, Danny Boyle épate par la dimension narrative et émotionnelle de ce film de genre qui transmet avec brio ce sentiment de solitude, de chaos et de crédibilité. Les survivants deviennent tout aussi furieux que les contaminés, qui ne s’autorisent en aucun cas à avoir des sentiments et des émotions, de peur de finir comme le reste de la population. On se rappelle avec choc cette séquence où un survivant griffé est abattu aussi soudainement que brutalement par Séléna (Naomie Harris) alors qu’ils venaient de passer trois semaines ensemble. C’est là toute l’image d’une civilisation qui ne se laisse plus aucun répit et tente seulement de survivre, au détriment de ce qui fait toute l’essence de la vie. Ce qui est intéressant dans le traitement de ces contaminés, c’est que la faute incombe aux hommes autant à cause de leurs maladresses (les écologistes qui ne se rendent pas compte de ce qu’ils libèrent) que des mauvais traitements qu’ils ont fait subir à leur environnement. Des singes porteur d’un virus dangereux et transmissible sont libérés et donnent lieu ainsi à un chaos inédit en Angleterre. C’est le point de départ d’un film où les premiers plans montrent un nouveau monde, redécouvert par Jim (Cillian Murphy) alors qu’il sort d’un coma. Au-delà du rapprochement très (trop ?) rapide qui a été fait avec les zombies, le personnage de Jim découvre avant tout des hommes victimes d’un mal qui semble incurable. Des hommes, des femmes, des enfants, des curés, personne ne semble échapper à cette folie qui les anime et les rend aussi féroces. Ainsi, il s’agit d’humains qui attaquent d’autres humains. La peur de l’inconnu et de l’étranger n’est finalement pas ce qu’il y a de plus terrifiant, car le véritable mal nous ronge de l’intérieur et est présent au sein même de notre société. A ce propos, le major Henry West (Christopher Eccleston) s’exprime sur la situation depuis l’infection dans un monologue glaçant de vérité :

« Ce que j’ai vu durant les quatre semaines depuis l’infection : des gens s’entretuer. Ce qui est également ce que j’ai vu durant les quatre semaines avant l’infection, les quatre semaines encore avant… d’aussi loin que je me souvienne, des gens s’entretuent. Ce qui, à mes yeux, nous met dans un état de normalité en ce moment. » 

A l’origine, Ewan McGregor, puis Ryan Gosling devait être la tête d’affiche du film. Mais des problèmes d’emploi du temps empêchèrent de trouver un accord pour ces deux comédiens, Le rôle échoira finalement à Cillian Murphy, permettant de le révéler sur la grande scène internationale après quelques rôles discrets au cinéma. Il est secondé par un casting de seconds rôles tous plus excellents qui confèrent à ce film de genre une distribution prestigieuse. Naomie Harris est également révélée dans ce film par son tempérament sauvage, déterminée avec une pointe de sentimentalisme. Brandan Gleenson confirme qu’il est une véritable gueule du cinéma anglais et qu’il est toujours aussi plaisant de le retrouver sur grand écran. Son rôle de père prêt à tout pour sa fille participe à donner quelques moments de poésie, de contemplation et de franche camaraderie dans un film au registre dur. Après Petits Meurtres entre Amis, Christopher Eccleston retrouve Danny Boyle et joue ce major à la philosophie bien discutable. Tous participent à sublimer le travail de narration et de psychologie des personnages initié par Danny Boyle et Alex Garland. Un point également sur la composition magistrale du film dirigé par un John Murphy qui apporte cette tension et cette dimension apocalyptique nécessaire au film. Quand bien même vous n’avez pas vu le film, il est impossible d’être passé à côté du sublime morceau In The House – In A Heartbeat, réutilisé dans le second opus dans une introduction au rythme effréné.

Comme toute production, le scénario a connu de nombreux changements. A l’origine, Alex Garland avait imaginé voir arriver les survivants dans le laboratoire de l’introduction (celui à l’origine de la contamination). Frank (Brandan Gleenson) étant contaminé, un médecin survivant expliquait qu’il était possible de le sauver en pratiquant une transfusion de sang complète. Jim décida alors de se sacrifier pour sauver Frank. Danny Boyle n’a pas apprécié cette fin et a changé tout le script de la seconde partie du film. Et c’est finalement ce qui permit au film de prendre une dimension plus réflexive, en s’intéressant à la gestion militaire des événements et montrer que l’homme reste un loup pour l’homme. Pour les héros du film, atteindre ce camp militaire était une opportunité de trouver un refuge, une sécurité, un paradis qui se révélera n’être rien d’autre que l’Enfer (celui de Sartre) pour ces personnages qui ne devront plus compter que sur eux-mêmes. Car au sein de ce camp, les intentions -d’abord voilées- de ces soldats survivants ne sont rien d’autres que de faire subsister la civilisation humaine, et ce par tous les prix. Le major Henry West énonce froidement le programme des réjouissances à venir: rationaliser l’espèce humaine non contaminée, féconder les femmes survivantes consentantes ou non, et tuer les hommes non valides. Dans ces conditions, quel camp est le pire entre les contaminés et les survivants ? Fondamentalement pessimiste, Danny Boyle ne tombe pas non plus dans le nihilisme radical, comme en témoigne son final porteur d’espoir et de volonté de vivre en marge de tout ce système oppressant. En s’intéressant déjà à la thématique du communautarisme et de la difficulté du vivre ensemble et égaux dans ses précédents films, Danny Boyle montre que la vie en communauté cache toujours un rapport dominant/dominé qui ne peut être maintenu que par la violence. C’est là toute la force et la maîtrise d’un cinéaste qui se construit une filmographie cohérente et passionnante.

A sa sortie, 28 Jours plus Tard a obtenu un succès commercial considérable, rapportant dix fois sa mise au box-office international. Pour autant, son succès fût surtout d’estime, notamment en France où moins de 200 000 spectateurs se sont déplacés en salles. C’est avec le temps que le film a acquis une nouvelle notoriété, devenant instantanément un classique du cinéma d’horreur. Fort de son succès, l’idée d’une suite était inévitable mais Danny Boyle et Alex Garland ne restèrent que producteurs exécutifs sur ce 28 Semaines Plus Tard réalisé par Juan Carlos Fresnadillo. Si le film s’éloigne considérablement de l’idée d’un petit groupe de survivants face à la contamination pour aller directement dans le camp des réfugiés sous l’autorité militaire, cela ne l’empêche d’être une nouvelle et jubilatoire proposition qui se révèle efficace à défaut d’atteindre les grandeurs du premier volet. Ce que l’on appelait déjà la « Saga des 28 » avait de quoi devenir une oeuvre monumentale dans le cinéma d’horreur. Mais alors que les fans attendent toujours l’arrivée d’un troisième opus, Danny Boyle a récemment déclaré qu’il serait peu probable qu’un « 28 Mois plus Tard » voit le jour. Dommage, tant ce premier opus condense tout ce qui se fait de mieux dans le cinéma de genre « contaminé ». Le cinéaste mancunien renouvelle un genre qui avait pris un sérieux coup de vieux et qui prendra un nouvel élan à la suite du film. Il ne s’agit ni plus ni moins de l’un des meilleurs films d’épouvante-horreur du XXIème siècle. D’un budget modeste et avec des moyens limités, mais étonnamment surprenant (inoubliable Londres vidé de sa frénésie), Danny Boyle prouve à cet instant qu’il peut s’attaquer à des genres différents, sans perdre de sa maîtrise. Il confirmera cette polyvalence en s’attaquant à Sunshine, une magnifique et éblouissante proposition de science-fiction. Quant à Alex Garland qui recollaborera par la suite avec Danny Boyle, il a réalisé son premier film l’an passé, l’envoûtant et énigmatique Ex Machina.

Auteur de la critique : Kévin List

Bande Annonce VF

Fiche Technique: 28 Jours Plus Tard

Titre original : 28 Days Later
Royaume-Uni
Genre: Epouvante-horreur
Durée: 112min
Sortie en salles le 28 mai 2003

Réalisation: Danny Boyle
Scénario: Alex Garland
Distribution: Cillian Murphy (Jim), Naomie Harris (Selena), Christopher Eccleston (Henry), Megan Burns (Hannah), Brendan Gleeson (Franck)
Photographie: Anthony Dod Mantle
Décors : Mark Tildesley
Costume: Rachael Fleming
Montage: Chris Gill
Musique: John Murphy
Producteurs : Robert How,Andrew Macdonald
Sociétés de Production: DNA Films, British Film Council
Distributeur: UFD
Budget : 8 000 000 $
Festival: Meilleur Film britannique lors des Empire Awards 2003, Narcisse Award du Meilleur Film 2003 (Festival de Neuchâtel), Saturn Award du Meilleur Film d’Horreur 2004

Dès ses deux premiers longs métrages, Petits meurtres entre amis et Trainspotting, Danny Boyle s’était fait remarquer surtout par de jeunes cinéphiles qui ont adhéré à sa réalisation novatrice et ses personnages décalés, voire déjantés. Il était donc attendu au tournant pour ses films suivants.
La Plage, son quatrième long métrage, semble d’emblée se présenter comme une plus grosse production internationale, de part la présence de Leonardo DiCaprio, star internationale trois ans après Titanic et la publicité qui fut faite au film au moment de sa sortie.

Synopsis : Richard, un jeune Américain, fuit son pays et sa famille par quête d’aventures. Coincé à Bangkok, il entend parler d’une île, légendaire selon certains, où la vie serait paradisiaque.

Paradis promis
L’ouverture du film paraît tenir ses promesses. Par une mise en scène très immersive, Boyle nous plonge dans un Bangkok que l’on devine dangereux, lieu de toutes les tentations, surtout si elles sont illicites. Le cinéaste nous fait ressentir le côté poisseux et glauque de la ville.
C’est dans ce milieu que Richard pense être parti à l’aventure. Richard (Leonardo DiCaprio), on ne sait pas grand-chose de lui, sinon qu’il fait partie de ces jeunes qui pensent que la vie est plus belle ailleurs, avec ce snobisme de vouloir s’éclater dans des endroits où personne ne va. Parti à Bangkok en croyant y être seul, il se retrouve entouré de milliers de gens qui ont pensé la même chose que lui, d’où un sentiment d’amertume.
Au milieu d’allusions permanentes à Apocalypse Now (salle de cinéma qui diffuse le film, ventilateur au plafond qui produit un bruit d’hélicoptère…), allusions lourdes et qui peuvent sembler inappropriées puisqu’elles n’apportent rien au film (sinon un clin d’œil un peu vain de cinéphile) apparaît alors Daffy (Robert Carlyle, génial comme toujours), personnage visiblement cinglé (et au crâne rasé : encore une allusion ?) qui passe son temps à hurler dans les couloirs de l’hôtel.

Daffy va donc mentionner l’existence de La Plage ! Oui, parce que ce n’est pas une plage ordinaire. C’est le Saint-Graal de la plage, le paradis sur Terre. Il y a une distorsion comique entre la façon dont cette plage est présentée (comme une légende cachée, un mythe, le secret le mieux gardé, avec sa carte au trésor et ses malédictions si on en enfreint les règles) et la réalité : nous avons une plage, avec du sable et de l’eau !
Et de la drogue. Oui, parce que les personnages de ce film passent leur temps à fumer des choses pas très légales. En cela, Richard, Françoise (Virginie Ledoyen), Etienne (Guillaume Canet) et les autres se présentent comme les cousins lointains des personnages de Trainspotting. Le thème est clair et il traverse les films de Boyle à cette époque-là : fuir la réalité, partir loin de la vie ordinaire, échapper à un train-train quotidien pour partir à l’aventure, avoir le sentiment de vivre réellement, que ce soit en voyageant ou en se droguant.

Mauvais choix
Nos trois personnages arrivent donc sur l’île et se retrouvent dans une communauté qui vit là-bas dans le plus grand secret, à l’écart du monde. Là, le film arrive à un carrefour important. Boyle aurait pu, avec cette communauté, nous livrer une belle réflexion sur la vie en société, la naissance d’une nation, etc. Les possibilités d’études politiques qui lui étaient offertes alors étaient énormes. Mais il a préféré se focaliser sur… « Richard veut se faire Françoise, qui sort déjà avec Etienne ». Et c’est là que le film bascule et qu’il ne se relèvera plus, plombé par une succession de mauvais choix scénaristiques et esthétiques.
Le film commence à sérieusement perdre de son intérêt avec une scène de photographie d’étoiles. Les dialogues montrent alors leur vanité (même si on peut remercier Boyle d’avoir encore du second degré à certains moments), les personnages sont des stéréotypes creux, l’opposition entre les cultures est caricaturée à l’extrême. Ainsi, nous avons un Richard qui, étant Américain, manque forcément de culture (« C’est qui, Molière ? ») alors que les Français sont des insouciants un peu enquiquinants et ne pensent qu’à l’amour. Quant aux Suédois, ils sont forcément d’excellents pécheurs, etc.

Les histoires d’amour et de sexe, les oppositions entre personnages, les mensonges et les secrets, même les coups de théâtre, tout donne une impression de déjà-vu. Boyle ne parvient pas à renouveler le cinéma d’aventures romantique comme il semblait en avoir l’ambition. Pire, il sombre dans les lieux communs, comme cette scène pseudo-romantique d’amour sur la plage.
Quant à la dernière demi-heure du film, elle s’enfonce carrément dans le ridicule le plus complet. Avec un montage qui défie la raison (on a parfois l’impression qu’il n’y a aucun lien entre les différentes scènes), Boyle nous montre un Richard transformé en Rambo survivant dans la jungle thaïlandaise, creusant des pièges et se ceignant le front d’un bandeau en mode « guerrier survivor ». L’esthétique rappelant les jeux vidéo peut encore se justifier par la culture du personnage principal, mais l’ensemble est complètement bancal et d’une laideur rare.
Enfin, la conclusion du film nous délivre, avec une voix off décidément trop envahissante, une leçon de morale digne des pires téléfilms, du style « l’important, c’est ce qui est dans votre tête ».
Une fois de plus, rappelons que le film partait plutôt bien, mais son échec repose sur une série de mauvais choix fort dommageables.

La Plage : fiche technique

Titre original : The Beach
Réalisateur : Danny Boyle.
Scénariste : John Hodge, d’après le roman d’Alex Garland
Interprétation : Leonardo Dicaprio (Richard), Tilda Swinton (Sal), Robert Carlyle (Daffy), Virginie Ledoyen (Françoise), Guillaume Canet (Etienne), Paterson Joseph (Keaty)…
Directeur de la photographie : Darius Khondji
Musique : Angelo Badalamenti
Montage : Masahiro Hirakubo
Producteur : Andrew MacDonald
Société de production : Figment Films
Société de distribution : 20th Century Fox
Date de sortie en France : 16 février 2000.
Budget : 50 millions de dollars
Durée : 1h59.

Danny Boyle s’est toujours fait le défenseur des opprimés. Qu’ils soient incompris, inadapté sociaux ou simplement solitaire, les personnages qu’il a dirigé sous son scope n’auront toujours été que des figures/archétypes éprouvés psychologiquement ou physiquement et évoluant contraints et forcés, aux devants d’un spectre, récurrent dans sa mise en scène : la société.

Synopsis : Le 26 avril 2003, Aron Ralston (James Franco), jeune homme de vingt-sept ans, se met en route pour une randonnée dans les gorges de l’Utah. Il est seul et n’a prévenu personne de son excursion. Alpiniste expérimenté, il collectionne les plus beaux sommets de la région. Pourtant, au fin fond d’un canyon reculé, l’impensable survient : au-dessus de lui un rocher se détache et coince son bras contre la paroi rocheuse du canyon. Le voilà pris au piège, menacé de déshydratation et d’hypothermie, en proie à des hallucinations… Il pense à son ex-petite amie et à sa famille et se demande si les deux filles qu’il a rencontrées dans le canyon juste avant son accident seront les dernières. Cinq jours plus tard, comprenant que les secours n’arriveront pas, il va devoir prendre la plus grave décision de son existence…

Qu’elle soit avilissante pour les héros de Trainspotting, puisque se conciliant difficilement à cette brochette de toxicos ; à l’agonie comme dans Sunshine ou (et c’est son plus bel exemple), décadente comme dans La Plage, cet amas d’individus et de normes l’aura toujours influencé, quitte à voir son style, s’éroder quelque part entre un symbolisme obséquieux (conséquence de son passé dans la publicité) et un manichéisme omniprésent. Mais au milieu de cette quête de diabolisation de la société, dont sa filmographie s’est fait l’objet, on constate heureusement quelques digressions, des exercices de style, qui, s’ils ne perdent en rien de cette substance caractéristique de son style, sont à ranger du côté de son caractère aventureux et indirectement de son statut de technicien de l’image.

Et autant dire que malgré la complexité revêtue par son dernier projet, Slumdog Millionaire, qui l’avait vu délocaliser son action au beau milieu de l’Inde et convoquer un casting presque exclusivement issu du pays de Gandhi, Boyle aura avec 127h réellement pris des risques. Et le premier d’entre eux sera aisément décelable dès l’annonce du sujet. Comment convoquer un style fait de réflexions sur la société et de fulgurances esthétiques, dans un survival, genre paradoxalement très peu enclin à tolérer ce genre de digressions formelles ?

Récit d’un aller-retour.

Là sera tout le problème, ou du moins le défi auquel sera confronté Boyle. Car si beaucoup de personnes au vu de la forme adoptée par le britannique, en l’occurrence un huis-clos statique mâtiné d’un survival naturaliste, y auront vu une manière pour lui de se reposer après le tournage titanesque du film susmentionné, peu y auront vraiment vus le potentiel dégagé par cette dramatique histoire. Ça serait ainsi, se fourvoyer que de penser le britannique à la recherche du repos, tant ce 127h reflète davantage toutes les aspérités du style de son auteur, et plus indirectement toutes ses obsessions, que ne l’a été ses précédentes réalisations.
Se faisant encore une fois l’écho de l’adversité, cette fois-ci opposant l’Homme à la nature, le film n’oublie cependant pas à y inclure une réflexion sur les dérives sociétales. Le simple début du film sert à prouver toute la vindicte adressée par le réalisateur à cet ensemble d’individus et de normes. Montage rapide quoique un brin (trop) symbolique, faisant la part belle à des déplacements de foules alternés à la mouvance normale du héros (James Franco), l’entame sert à prouver que ce personnage principal est un marginal, une victime de cette société dépravée et pernicieuse. Une victime, qui pour pallier à une vie sociale qui fout le camp et aux interactions sociales réduites, décide de partir dans un parc national d’Utah, à la recherche de sensation forte. Une décision qui ne sera en réalité que le point de départ d’un voyage pour l’alpiniste, qui devra au fond de ces canyons, embrasser une nouvelle facette de sa personnalité pour survivre. Car au biais de son parcours qui le verra affronter un éboulis ayant raison de son bras droit, piégé par la roche, l’homme (interprété par un édifiant James Franco) passera par plusieurs stades. L’occasion pour le metteur en scène britannique d’étayer par la force de sa technique, toutes les composantes qu’un tel sujet peut revendiquer, entre folie, abnégation et volonté de survivre.  Ainsi, par le biais de la caméra vidéo de l’alpiniste, qui agit en tant que legs testamentaire, et la caméra du réalisateur qui agit en tant que manifeste de survie, Boyle dresse une mise en scène presque schizophrénique se faisant côtoyer respectivement les moments d’errance et de folie aux cotés de la réalité, dont cherche à tout prix de s’en défaire Franco. Et ça en a quelque chose de grisant en fin de compte. Multipliant les ruptures de tons et les songes de Franco, qui se met à fantasmer par plusieurs fois à des éléments intra-sociétaux (entre une soirée, de l’eau et un échappatoire), Boyle parvient à maximiser la surprise au sein de son métrage, quand bien même son issue est déjà connue. Et ça il tient beaucoup à son style. Virtuose de l’image, Boyle ne dément à aucun instant de sa solide réputation dans le milieu, sachant à tout instant rendre compte d’images léchées, parfois rugueuse mais sachant faire fi de l’exiguïté confondante du canyon où la quasi-totalité du film prend place.
Pour autant, on pourra déplorer un tantinet la place réservée à la symbolique dans le film. Outre d’appuyer parfois de manière outrancière le propos, quitte à s’apparenter alors à une sorte de redite narrative, le réalisateur ne démord pas, et s’engouffre à nouveau dans ses montages parfois épileptiques qui, s’ils trouvent une certaine légitimé dans le dernier acte, ne font que presser un film, qui paradoxalement appose de sa marque le spectateur par sa seule lenteur, qui agit en tant que piège à la fois sur le corps et l’esprit dudit alpiniste.

127h : Fiche Technique

Titre original : 127 Hours
Titre français : 127 heures
Réalisation : Danny Boyle
Scénario : Danny Boyle et Simon Beaufoy, d’après l’autobiographie d’Aron Ralston
Interprétation : James Franco, Clémence Poésy, Treat Williams, Kate Mara, Amber Tamblyn, Lizzy Caplan
Direction artistique : Christopher R. DeMuri
Décors : Suttirat Anne Larlarb
Costumes : Suttirat Anne Larlarb
Photographie : Enrique Chediak et Anthony Dod Mantle
Montage : Jon Harris
Musique : A.R. Rahman
Lyrics : Dido, Rollo Armstrong
Production : Danny Boyle, Christian Colson, John Smithson
Coproduction : Tom Heller, John Smithson
Production déléguée : Bernard Bellew, Lisa Maria Falcone, John J. Kelly, Tessa Ross
Sociétés de distribution : Drapeau des États-Unis Fox Searchlight Pictures, Drapeau de la France Pathé Distribution
Budget : 18 millions de dollars2
Pays d’origine : Drapeau des États-Unis États-Unis et Drapeau : Royaume-Uni Royaume-Uni
Langue originale : anglais américain et britannique
Format : couleur – 35 mm – 1,85:1 – son Dolby
Genre : aventure, drame
Durée : 94 minutes (1h 34)
Dates de sortie :
Sortie États-Unis : 4 septembre 2010 (Festival du film de Telluride), 5 novembre 2010 (sortie à New York et à Los Angeles), 12 novembre 2010 (sortie nationale limitée)
Sortie Canada : 12 septembre 2010 (Festival international du film de Toronto)
Sortie Royaume-Uni  : 28 octobre 2010 (Festival du film de Londres), 7 janvier 2011 (sortie nationale)
Sortie France : 23 février 2011

Depuis combien de temps un film n’a t-il pas scellé aussi exactement une vérité de l’émotion ? Trainspotting appartient à ces films rares qui reconfigurent tout lorsqu’on les voit, ceux qui bouleversent le cinéma. Il est d’une beauté plastique particulière et exaltante.

De fix en aiguilles

Boyle dresse le portrait déstabilisant d’une jeunesse née sous le signe du vide et du non-sens, qui ne trouve un exutoire à sa soif de révolte que dans l’abandon et la destruction des corps et ici, tout cela passe par l’héroïne. La banalisation des drogues dures au sein du paysage urbain contemporain leur donne ainsi une échappatoire aussi folle que le reste de ce monde qui les étouffe.

C’est le naufrage existentiel d’une génération dévorée par le consumérisme et la perte de tout repère humain. Une photographie brute d’une jeunesse à la dérive, sacrifiée par l’indifférence et la désocialisation. Mais la société, magma englobant et mortifère, finit toujours par récupérer ses marginaux, d’une manière ou d’une autre: ici, en vampirisant les énergies et la recherche de plaisir de ces héroïnomanes aux silhouettes filiformes.

Boyle filme la déliquescence d’une jeunesse qui consomme à mesure qu’elle est consommée,et  qui sans cesse se consume.

Oeuvre caractéristique de cette fin des années 90 qui virent le monde basculer dans la fureur feutrée de l’après guerre froide, Trainspotting est vite devenu un film culte pour toute une génération : encensé par la critique lors de sa sortie (il recevra de nombreuses récompenses), il s’est imposé comme une référence majeure d’un cinéma britannique qui dit ce qu’il pense.

C’est un film artisanal de début de carrière qui démontre un certain talent pas encore dévoré par les impératifs de rentabilité, propres à l’industrie cinématographique. Le résultat est un film non formaté avec des mouvements de caméra particuliers et un jeu d’acteurs sincère.

La caméra de Danny Boyle était dynamique et nerveuse à l’époque, les mouvements et la succession de plans étaient rapides provoquant une sensation de malaise, fondamentale pour donner au film la vigueur de la jeunesse dont il est question. Avec sa réalisation proche d’un vidéo-clip, Trainspotting change de rythme comme une compilation de morceaux de rock passe d’une chanson à l’autre, ce qui témoigne d’un sens de la narration tout à fait redoutable chez le réalisateur. La bande originale par ailleurs est extrêmement riche et variée. On trouve beaucoup de morceaux pop et rock symboles des années 90 et de la naissance du mouvement punk. Mais on retiendra surtout l’utilisation de « Perfect day » de Lou Reed, « Carmen » de Bizet ainsi que « Lust for life » d’Iggy Pop.

Basé sur le roman éponyme d’Irvine Welsh, Trainspotting est un condensé d’humour noir, de cynisme et de tragédie. Par son esprit et son impétuosité, l’oeuvre glisse d’ailleurs des allusions à peine voilées à Orange mécanique, le chef-d’œuvre de Stanley Kubrick.

Danny Boyle trouve ici la recette qui va faire son succès : des idées visuelles novatrices.

Plutôt que d’ancrer son film dans le réel, le réalisateur choisit de s’en détacher, préférant livrer une fable onirique, aux images figurales qui transcendent la représentation et qui rompent avec le discours (la scène la plus marquante restant celle de l’overdose). C’est un film sur la drogue certes, mais surtout sur la recherche du plaisir absolu, du plaisir qui permet de s’échapper du quotidien banal et morose. Intelligemment, Danny Boyle oppose alors constamment l’image au discours, montrant ce qu’il veut, malgré les apologies des paradis artificiels de ses protagonistes.

A l’inverse de Requiem for a Dream, de Darren Aronofsky, autre superbe film de référence sur le sujet, auquel on pourrait peut être de reprocher de trop tirer sur la corde sensible, de frôler le pathos à grand renfort de musiques dramatiques et de larmes, et de moraliser sur l’usage des drogues, Trainspotting distille un message bien plus efficace avec un humour cynique, une mise en scène très travaillée et des personnages traités avec beaucoup de justesse. La force de l’œuvre ne réside pas dans son extrême violence mais dans le fait que le film ne se veut pas moralisateur; en aucun cas le réalisateur ne se permet de juger la vie des protagonistes, sans tomber non plus dans l’apologie de la drogue. C’est un hymne à l’anticonformisme.

Ewan McGregor, dans le rôle d’un héroïnomane au bout du rouleau en pleine repentance mais inéluctablement tiré vers le bas par ses proches, livre une performance incroyable. Un portrait déroutant d’un junkie pas tout à fait comme les autres, un narrateur porte-voix subjectif, une caisse de résonance émotionnelle universelle, mais surtout une véritable révélation artistique et la naissance d’un grand acteur.

Trainspotting reste pour beaucoup le chef-d’oeuvre de Danny Boyle, le seul où il a su trouver l’alchimie particulière qui lui donne cette énergie propre, cette véritable et authentique identité cinématographique.

Intéressé depuis plusieurs années pour tourner une suite à Trainspotting sous la forme d’une adaptation du roman « Porno » du même Irvine Welsh, Danny Boyle a confirmé que le scénario a été écrit et qu’il espère tourner le film en mai et juin 2016.

Synopsis : Les aventures tragi-comiques de Mark Renton, junkie d’Edimbourg, qui va tenter de se séparer de sa bande de copains, losers, menteurs, psychopathes et voleurs.

Trainspotting – Bande annonce:

Trainspotting – Fiche technique:

Royaume-Unis – 1996
Réalisation : Danny Boyle
Scénario : John Hodge d’après le roman éponyme d’Irvine Welsh
Interprétation : Ewan MacGregor, Ewen Bremner, Johnny Lee Miller, Robert Carlyle, Kevin McKidd et Kelly Macdonald
Décors : Kave Quinn
Costumes : Rachael Fleming
Photographie : Brian Tufano
Montage : Masahiro Hirakubo
Producteur : Andrew Macdonald
Production : Channel Four films et Figment films
Distribution : Poyglam filmed entertainment
Langue : Anglais
Durée : 94 minutes
Genre : Drame, Comédie noire

Auteur : Clement Faure

Peu de jours nous séparent maintenant de la sortie du très attendu Steve Jobs du britannique Danny Boyle, cinéaste versatile s’il en est. C’est l’occasion rêvée pour la rédaction de CinéSéries Mag de se retourner sur la carrière de ce cinéaste, un des happy few à avoir fait le grand chelem du Golden Globe, du Director’s Guild, du BAFTA, et des Oscars pour un seul et même film (Slumdug Millionaire).

Synopsis: A la recherche du colocataire idéal, trois amis font passer un examen d’entrée très strict à bon nombre de postulants jusqu’à ce qu’ils découvrent la perle rare en la personne de Hugo. Celui-ci se révèle tellement discret qu’il meurt en silence, enfermé dans sa chambre, quelques heures seulement après avoir emménagé. Avec le corps se trouve une valise pleine de billets qui va rapidement avoir raison d’une longue amitié…

JH partagerait appartement.

La rétrospective commencera par le commencement, à savoir Petits meurtres entre amis (Shallow Grave pour son titre original), le premier film du réalisateur après quelques faits d’armes à la télévision.

Accompagnée de la musique électronique de Leftfield, groupe emblématique des années 90, la caméra se fixe sur le visage de Christopher Eccleston, et pendant que le gros plan du visage tourne en rond comme un disque, la voix off annonce le sujet : l’importance de l’amitié, de la confiance, de la confiance dans l’amitié… Puis la caméra fonce en angles obliques vertigineux dans les rues d’Edimbourg, des plans entrecoupés par des paysages forestiers qui eux sont au contraire présentés au ralenti.  Ce générique est à l’aune du film, simple, mais inventif.

Alex (Ewan McGregor), David (Christopher Eccleston) et Juliet (Kerry Fox) sont trois colocataires à la recherche d’un quatrième pour partager leur appartement. C’est un véritable casting qu’ils font passer pour trouver la perle rare, dans un rythme effréné où les punchlines fusent aussi rapidement que les candidats sont renvoyés à leurs pénates. Même si ces scènes se passent dans l’appartement avec un dispositif quasi-théâtral, avec tous ces candidats qui défilent sur le canapé, le spectateur est happé par la bonne humeur du film. Les candidats sont bombardés de questions surréalistes, comme par exemple celle-ci : « cette relation que vous n’aviez pas nouée, ce n’est pas avec un homme ou ce n’est pas avec une femme ? », des questions facétieuses posées par des personnages facétieux.

Quand enfin ils tombent sur Hugo, un anglais taciturne mais « intéressant » du point de vue de Juliet, rarement insensible au charme des hommes, les choses se gâtent un peu. Dès le lendemain de son arrivée,  ils découvrent leur nouvel « ami » gisant sur son lit, victime d’une overdose, sa valise bourrée à craquer  de pounds, de l’argent qu’on imagine provenant également de la drogue (contrairement à l’habitude que Danny Boyle prendra plus tard, où les œuvres se suivent mais de façon très étanche les unes vis-à-vis des autres, le personnage de Hugo, joué par le même acteur Keith Allen, sera en effet de nouveau aperçu dans Trainspotting, également scénarisé par John Hodge, faisant de ce dernier un prequel qui ne dit pas son nom…).

A partir de là, le film s’installe dans son genre, le thriller, sans pour autant abandonner les instants loufoques et la veine comique servie essentiellement par un tout jeune Ewan Mc Gregor dont c’est le premier grand rôle au cinéma. Au milieu de la tourmente, au moment de décider qui va prendre en charge les actions qu’ils ont décidé de mener, Juliet refuse de réaliser certaines tâches sordides. Alex lui rétorque : « Mais Juliet, tu es un médecin, tu tues des gens tous les jours ! » …Tout est à l’avenant, avec ce mélange continu d’humour britannique et de violence tarantinesque.

Cette balance entre la drôlerie et la violence des actions menées par le trio et d’autres parties prenantes à l’affaire suite à cette découverte macabre est bien vue, car certaines scènes sont particulièrement évocatrices et pourraient être difficiles à supporter dans le cas contraire…

Il y aura donc des meurtres, une enquête, des cliffhangers, et même l’incontournable plot twist final, toute la panoplie habituelle du thriller, en somme.  Mais le plus important dans le film est l’évolution des 3 protagonistes, individuellement, et dans leur interaction. Sans avoir aucunement un aspect moralisateur, Petits meurtres entre amis montre la puissance destructrice de l’argent. A mi-chemin du film, Alex et Juliet craquent et vont dévaliser les magasins. Les images suivantes les montrent ivres de consommation, ivres de possession, ce qui fait dire à Alex : « I’m so happy I could die », ou le bonheur mortel de l’argent. Mais le plus spectaculaire est le changement drastique de David, celui qui paiera le plus de sa personne dans la mise en exécution de leurs divers plans. De l’homme affable mais rigoureux qu’il était, un gentil comptable dans une boîte plan-plan, et sous l’emprise d’une paranoïa galopante, David se transforme graduellement en autre chose, et la prestation de Christopher Eccleston sera de bout en bout aussi élégante que très juste…

Petits meurtres entre amis est le film surprise de 1995 ; tourné avec un budget de 1 million de Livres, il a rencontré un succès commercial et critique considérable des deux côtés de la Manche. C’est un coup d’essai qui peut passer pour un coup de maître. La fraîcheur est là même si le sujet ne s’y prête pas. Simple, sans prétention, shallow* comme son titre et pourtant efficace. Le film va ouvrir la trilogie « Bag of money** » où le manque d’argent est le moteur de très mauvaises décisions, avec Ewan Mc Gregor en tête de pont. Malgré la fascination que l’on voue à Trainspotting, érigé au statut de film culte par des générations entières de cinéphiles, ce film-ci en est peut-être la meilleure part.  Quant à tous ses films hollywoodiens, c’est tout à fait une autre histoire…

*Peu profond

** Petits Meurtres entre amis, Trainspotting, Une Vie moins ordinaire

Petits meurtres entre amis – Bande annonce

Petits meurtres entre amis – Fiche technique

Titre original : Shallow Grave
Date de sortie : 19 Avril 1995
Réalisateur : Danny Boyle
Nationalité : UK
Genre : Thriller
Année : 1994
Durée : 92 min.
Scénario : John Hodge
Interprétation : Kerry Fox (Juliet Miller), Christopher Eccleston (David Stephens), Ewan McGregor (Alex Law), Ken Stott (Inspecteur McCall), Keith Allen (Hugo), Colin McCredie (Cameron), John Hodge (Agent Mitchell)
Musique : Simon Boswell
Photographie : Brian Tufano
Montage : Masahiro Hirakubo
Producteurs : Andrew McDonald, Allan Scott
Maisons de production : Channel Four Films, The Glasgow Film Fund, Figment Films
Distribution (France) : Pan Européenne Distribution
Récompenses : nombreuses, dont le BAFTA du meilleur film en 1995, Grand prix des festivals de Cognac, d’Angers, de Dinard, …
Budget : 1 000 000 GBP