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Comme l’a prouvé la rétrospective Danny Boyle effectuée par plusieurs de nos rédacteurs, le réalisateur américain aime s’attacher à un univers clippesque, dans lequel vient se greffer un rythme effréné, laissant rarement le temps au spectateur de reprendre son souffle. Trance ne déroge pas à la règle et s’inscrit dans cette droite lignée.

Synopsis : Commissaire-priseur expert dans les œuvres d’art, Simon se fait le complice du gang de Franck pour voler un tableau d’une valeur de plusieurs millions de dollars. Dans le feu de l’action, Simon reçoit un violent coup sur la tête. À son réveil, il n’a plus aucun souvenir de l’endroit où il a caché le tableau. Ni les menaces ni la torture ne lui feront retrouver la mémoire. Franck engage alors une spécialiste de l’hypnose pour tenter de découvrir la réponse dans les méandres de l’esprit de Simon…

Si sur le papier, le scénario de ce long-métrage apparaît comme un énième film de faussaires bandits prêts à tout pour mettre la main sur le pactole, il n’en est rien. Certes, le vol du tableau de Goya, Le Vol des Sorcières, sert de toile de fond au film et fait de la première demie-heure de film un agglomérat de lieux-communs, mais Danny Boyle se penche davantage sur l’hypnose, et sur la manière dont l’hypno-thérapie peut être retranscrite à l’écran. Comment filmer l’état second d’une personne ? Comment donner corps à cet état de « transe » que traverse Simon lors de ses séances d’hypnothérapie ? Beaucoup d’interrogations pour de très belles réponses de la part du réalisateur.

Danny Boyle a su imposer son style, n’en déplaise à beaucoup. Le réalisateur tend à concilier fond et forme, et avec Trance, impossible de dissocier l’un de l’autre. L’image de son directeur de la photographie, Anthony Dod Mantle, avec qui il avait travaillé sur 127 heures, 28 jours plus tard ou encore Slumdog Millionnaire, émerveille comme elle intrigue : jeux de couleurs, surcadrages ou variations des valeurs de plans, n’hésitant pas à briser certaines normes cinématographiques, font partie intégrante du travail issu de la collaboration entre les deux hommes.
Mais ne serait-ce pas trop ? La question mérite d’être posée. Si Danny Boyle tente coûte que coûte de magnifier ces faits par une image léchée, s’en dégage une sensation de trop plein, comme si Trance n’était qu’un magazine d’effets visuels, afin de montrer de quoi le réalisateur est capable.Cependant, les choix esthétiques s’avèrent justifiés et sont en adéquation avec la tension progressive qui émane du film.

Côté casting, on compte un « frenchie » dans l’équipe, en la personne de Vincent Cassel. Son personnage ne peut que rappeler celui de François Toulour « le renard de la nuit », qu’il endossait dans Ocean’s Twelve et Ocean’s Thirteen de Steven Soderbergh. Sinon, Cassel fait du Cassel, tantôt désagréable, tantôt plus juste, alternant entre mine de gangster et carrure de bel homme. Le personnage de Vincent Cassel aime les femmes et le fait savoir. Il aime avoir le contrôle et n’hésite pas à faire comprendre qu’il est un homme de pouvoir, n’hésitant pas à user de la violence pour parvenir à ses fins.
Autre personnage clé, Simon, incarné par James McAvoy, acteur britannique. Par un jeu frôlant la folie et la sournoiserie, Simon se révèle être un personnage que l’on cerne difficilement. Manipule-t-il la bande de Cassel ? Est-il amoureux ou est-ce sa mémoire qui lui joue des tours ? Impossible de définir qui est Simon, tant il s’avère être ambigu, que ce soit dans sa manière d’agir ou dans ses séances d’hypnothérapie. James McAvoy donne donc vie de la plus belle des manières à un personnage qui interpelle le spectateur. Mais Danny Boyle sait également s’entourer des meilleures actrices américaines. Ainsi, Rosario Dawson est la révélation du film. Par son charme et un jeu permettant un personnage sans artifice, la comédienne qui a débuté au cinéma avec Larry Clark épate et enthousiasme le spectateur. Même si elle s’avère minoritaires, plongée dans un univers que l’on qualifiera de masculin, Rosario Dawson parvient à prouver que les femmes ont un impact sur la gente masculine et qu’elles ne sont pas prêtes à se laisser faire ! Danny Boyle s’entoure donc d’un casting de choc, mais attention, le film est à voir en version originale étant donné que la version française fait perdre toute crédibilité aux différents personnages, qu’ils soient minimes ou majeurs !

Enfin, Trance est un film à twist, comme bon nombre de films à l’instar du cultisme Usual Suspects de Bryan Singer ou encore Sixième Sens de M. Night Shyamalan. Le twist final d’un film emporte rarement l’adhésion totale du public, et dans Trance, il s’avère qu’il déçoit. La tension palpable, qui ne fait que s’intensifier, laisse présager un final grandiose, et pourtant, ce n’est pas le cas. Toutefois, cela est une question d’interprétation et d’appréhension de la pellicule, certains verront en ce twist final un véritable coup de maître.

Trance a donc toute sa place dans la filmographie de Danny Boyle. Rythme effréné et réalisation léchée, accompagnés d’un casting de choix, font de cette œuvre un film haletant, mais qui ne renouvelle pas pour autant le film de faussaires, seule l’appréhension psychologique étant vraiment intéressante.

Fiche technique : Trance

Réalisateur : Danny Boyle
Interprétation : Vincent Cassel, James McAvoy, Rosario Dawson, Danny Sapani, Tuppence Middleton
Bande originale : Rick Smith
Scénario : Joe Ahearne, John Hodge
Photographie : Anthony Dod Mantle
Montage : Jon Harris (II)
Directeurs artistiques : Katrina Dunn, Denis Schnegg, Su Whitaker
Décor : Mark Tildesley, Dominic Capon
Costume : Suttirat Anne Larlarb
Producteurs : Danny Boyle, Christian Colson
Production : Cloud Eight Films, Film4
Distributeur France : Pathé Distribution
Durée : 101 minutes
Genre : Thriller
Date de sortie France : 8 mai 2013

Tokyo Olympiades, c’est la transcription cinématographique de ce que le sport apporte dans notre vie sociétale, une forme de synergie populaire où l’accent est mis sur le plaisir et la communion entre les êtres malgré leurs différences.

Synopsis : Le film est consacré aux Jeux Olympiques d’été de 1964 qui ont eu lieu à Tokyo. L’objectif du réalisateur, Kon Ichikawa est de lier le Septième Art au Sport, sans oublier de mettre en avant les bénéfices à différents points de vue d’un événement planétaire tel que les Jeux Olympiques.

Une initiation pour 2020

Cette œuvre parvient avec sa justesse technique à nous faire replonger dans une Olympiade qui s’est déroulée il y a plus de la moitié d’un siècle. Le sport est bien sûr mis sur un piédestal mais ce qui différencie ce documentaire des autres productions commerciales c’est sa capacité à aller au-delà de l’aspect sportif.

L’objectif est de promouvoir les bienfaits du plus grand événement planétaire, les Jeux Olympiques. Cohésion, entraide, objectifs communs, renforcement de son identité, éthique, sont autant de qualités-thématiques abordées qui font de cette œuvre un véritable symbole de paix.

Ces caractéristiques énumérées précédemment vous paraîtront sans doute banales voire sans originalité particulière je le conçois. Mais, encore faut-il être capable de trouver un réalisateur qui soit capable de nous faire vibrer et ressentir cette passion des êtres. Sur ce point on retrouve la qualité majeure des films japonais, la retranscription des sentiments.

Autant du point de vue de la population que des sportifs, on ressent cette forme d’accomplissement de l’athlète d’aller au bout de soi-même après 4 ans de préparation pour parfois une fraction de seconde le moment T, ou pour le spectateur qui s’émancipe au travers de la performance des athlètes qui lui font vivre une expérience personnelle propice à son bien-être passager, donc implicitement à son émancipation, qui viendra elle-même impacter son engagement dans la vie sociétale. D’où ce sentiment pendant les JO de fédérer une nation.

De ce documentaire, les connaisseurs n’obtiendront pas des connaissances sportives supplémentaires, mis à part découvrir de nouveau certaines nouvelles facettes du peuple japonais. Mais, en tant que fan inconditionnel de sport on ne peut qu’être satisfait d’avoir visionné enfin une œuvre digne de son nom dans le registre.

Vous vous demanderez surement au vu de ces éloges pourquoi seulement un 3,5 ? Parce que lorsque l’on visionne les Dieux du Stade réalisé en 1938 en marge des JO de Berlin, on s’aperçoit que d’autres thématiques auraient pu être mieux exploitées, notamment le côté jusqu’au-boutiste des athlètes pour réaliser leurs rêves. Le second reproche concerne l’entame du documentaire assez maladroite, très traditionnelle, un peu théâtralisée avec certaines longueurs. Enfin, malgré la grande justesse technique d’Ichikawa, lorsque l’on voit ce qu’était capable de faire Riefenstahl dans les années 30, on se dit qu’il y avait mieux à faire par moment. Il y a une certaine répétition dans l’esthétisme du documentaire qui finit par ne plus impressionner le spectateur au fil des heures.

Ceci dit, nous ne sommes vraiment pas surpris de le voir dans les documentaires à visionner dans les 1001 films avant de mourir (référence pas absolue, mais tout de même) car cette œuvre a d’innombrables qualités. Ce documentaire parvient à nous rendre spectateur et à nous faire revivre des émotions passées, et surtout à dresser un tableau exceptionnel des bienfaits du sport partant de la plus petite échelle (un individu) à un plus grand panel visant l’universalité.

Après avoir vu ce documentaire le spectateur a véritablement hâte de voir ce que donneront ces JO en 2020, en espérant que d’ici là cette œuvre soit plus visionnée, et surtout que le Comité Olympique Japonais nous trouve un nouveau Ichikawa pour retranscrire de nouveau les JO du Pays du Soleil Levant, 56 ans après.

Tokyo Olympiades: Fiche Technique

Titre original :東京オリンピック, Tōkyō Orinpikku
Réalisation : Kon Ichikawa
Photographie :Kazuo Miyagawa
Pays d’origine : Japon
Genre : Documentaire
Durée : 2 h 50
Date de sortie :28 juillet 1965
Film présenté hors compétition au Festival de Cannes 1965

Auteur : Adrien Lavrat

Avant de pouvoir écrire une critique de ce film, il est nécessaire de rappeler qu’il a tout de même remporté 4 golden globes et 8 oscars, dont celui du meilleur film, en 2009. Slumdog Millionaire est l’adaptation britannique d’un roman indien très célèbre de Vikas Swarup : « Les Fabuleuses aventures d’un Indien malchanceux qui devient milliardaire ».

Danny Boyle, le metteur en scène de Trainspotting, relève le défi de traduire les contradictions d’un pays en pleine mutation. Il ambitionne de parler de l’Inde d’aujourd’hui, pays difficile à cerner (cf. Documentaire de Louis Malle L’inde Fantôme), de ses affrontements reli­gieux à ses trafiquants d’enfants.

Toutefois son erreur est de vouloir néanmoins montrer un pays joyeux malgré toute cette pauvreté, où deux orphelins affamés peuvent s’amuser comme des fous sur le toit d’un train en marche, et où peut fleurir une extraordinaire histoire d’amour en plein cœur des bidonvilles.

Quelque chose dérange dans ces images et ce récit invraisemblable souligne au contraire, involontairement, la cruauté d’une réalité bien plus triste.

Aussi stylisée que décorative, la mise en scène tente de renouer avec le bouillonnement créatif de ses premiers longs métrages. En effet les partis pris esthétiques sont nombreux et très éclectiques. Beaucoup de plans originaux, une caméra agitée et nerveuse qui bouge sans cesse et surtout un énorme travail sur la colorimétrie. Slumdog Millionaire pêche principalement par son exagération perpétuelle

Le fait d’esthétiser la pauvreté, donne alors une vision très superficielle et mercantile. La pauvreté, la mort, se veulent belles par l’utilisation de couleurs accentuées, un montage au rythme effréné, et une bande son oppressante et omniprésente. Mais tout cela ce n’est pas la réalité, ce ne sont que des enchevêtrements d’artifices. La misère et la laideur sont enveloppées dans un déguisement rutilant et aseptisé, autant de choix esthétiques qui mettent le spectateur à distance, qui le privent d’un réel qu’ils méritent de voir.

Par ailleurs, les effets de mise en scène sont décuplés par un scénario qui cultive lui aussi l’artifice et la surenchère.

Le film est en fait divisé en de multiples saynètes sans rapport les unes avec les autres, interrompues par une nouvelle question – prétexte à un nouveau sujet –, où Danny Boyle veut tantôt dénoncer la misère, tantôt rendre hommage au folklore indien. Son développement narratif, suivant toujours le même schéma, ne laisse place à aucune surprise et lasse rapidement. Il en résulte un film confus, intéressant à certains égards mais somme toute décevant.

En somme, un sommet de mièvrerie beaucoup trop kitsch, pour une success story exotique calibrée pour remporter un maximum d’oscars et faire tirer aux spectateurs quelques larmes.

En comparaison avec les meilleurs films oscarisés des années précédentes, un sentiment de légèreté semble prendre le dessus. Pour ne citer qu’eux No country for old men des frères Coen et Les infiltrés de Martin Scorsese les années précédentes.

Synopsis : Jamal Malik, 18 ans, orphelin vivant dans les bidonvilles de Mumbai, est sur le point de remporter la somme colossale de 20 millions de roupies lors de la version indienne de l’émission « Qui veut gagner des millions ? ». Il n’est plus qu’à une question de la victoire lorsque la police l’arrête sur un soupçon de tricherie.
Sommé de justifier ses bonnes réponses, Jamal explique d’où lui viennent ses connaissances et raconte sa vie dans la rue, ses histoires de famille et même celle de cette fille dont il est tombé amoureux et qu’il a perdue.
Mais comment ce jeune homme est-il parvenu en finale d’une émission de télévision ? La réponse ne fait pas partie du jeu, mais elle est passionnante.

https://www.youtube.com/watch?v=MLI_u2DkSYk

 Slumdog Millionaire – Fiche technique :

Réalisation : Danny Boyle
Interprétation : Dev Patel, Freida Pinto
Scénario : Simon Beaufoy, d’après le livre « Les fabuleuses aventures d’un indien malchanceux qui devint milliardaire » de Vikas Swarup
Musique : A.R. Rahman
Montage : Chris Dickens
Photographie : Anthony Dod Mantle
Décors : Mark Digby
Producteur : Christian Colson
Production : Celador Films et Film4 Productions
Distributeurs : Pathé
Durée : 120 minutes
Genre : Drame

Auteur : Clement Faure

Dans la carrière de Danny Boyle, Sunshine, sorti en 2007, constitue son plus gros échec commercial, non pas en termes de chiffre d’affaires mais au prorata de son budget, les entrées en salles n’ayant atteint que 80% des dépenses de production.

En 2057, le soleil s’éteint peu à peu, condamnant l’Humanité vers sa perte. Après une première expédition avortée, un second groupe de scientifiques est envoyé en vaisseau spatial pour faire imploser une charge thermonucléaire sensé réveiller l’astre solaire. A l’approche de leur objectif, alors que les communications avec la Terre sont coupées et que les esprits commencent à s’échauffer, les membres de l’équipage reçoivent un mystérieux message de détresse.

A trop s’approcher du soleil, on se brûle les ailes !

Comme pour beaucoup de réalisateurs formalistes révélés dans les années 90, le virage du 21^ème siècle –et du post-11 septembre–, caractérisé par la demande croissante du public pour des effets numériques maitrisés et des univers visuels ténébreux, s’est révélé pour lui une étape délicate. Son 28 jours plus tard s’étant avéré un coup gagnant grâce à la résurgence simultanée du film de zombie, beaucoup doivent penser qu’il aurait mieux fait d’en réaliser la suite lui-même tant cette seconde tentative de renouveler un genre ultra-codifié n’a pas réussi à convaincre le public. Il faut bien reconnaitre qu’en s’essayant aux codes de l’épopée spatiale, Boyle et son scénariste Alex Garland se sont attaqués à une institution sacrée sur laquelle beaucoup de réalisateurs s’étaient déjà cassé les dents. On ne peut toutefois pas leur reprocher de réussir à aborder les grandes thématiques fondamentales propres aux huis-clos spatiaux, déjà en exergue dans tous les classiques du genre dont ils s’inspirent allégrement, grâce à la mise en place d’enjeux magistraux. Et même si ce point de départ, qu’est la mort annoncée du Soleil, peut sembler être trop tiré par les cheveux pour rendre crédible l’intrigue et ses prétendues résonances philosophiques, il est surtout le prétexte à un style visuel qui, lui, est particulièrement singulier.

Avant que l’irréprochabilité du travail esthétique ne saute aux yeux, ce qui différencie Sunshine des nombreux films de série B dont il se rapproche à priori (on pense à Armageddon pour l’ampleur des enjeux et à Event Horizon pour le déroulement des évènements), c’est évidemment son casting. En mêlant quelques acteurs venus d’ailleurs à des comédiens anglo-saxons, Danny Boyle a donné une dimension internationale à l’équipage de l’ICARUS II, ce qui écarte le film du piège d’un quelque triomphalisme nationaliste que l’on reproche souvent à de tels films-catastrophe. Ainsi, la hongkongaise Michelle Michelle Yeoh (Tigre et Dragon, Demain ne meurt jamais), le néo-zélandais Cliff Curtis (Blow, The Fountain) et le japonais Hiroyuki Sanada (Ring, Le Dernier Samouraï), mais aussi Benedict Wong de par ses origines chinoises, apportent tout à la fois l’assurance d’interprétations soignées et cet éclectisme ethnique qui appuie l’universalité du propos. Parmi les autres acteurs, on note la présence de Chris Evans qui, après avoir été révélé dans Les Quatre Fantastiques, livrait là une prestation d’une étonnante maturité. Mais le rôle le plus mémorable du film qui offert à Cillian Murphy, que Boyle avait déjà dirigé dans 28 jours plus tard et qui avait entre-temps triomphé dans Batman Begins et Le Vent se lève. Comme le veut la règle propre à tout bon huis-clos, les relations entre les personnages se veulent tumultueuses, mais plutôt que d’ajouter à cette situation intrinsèquement claustrophobique une paranoïa entre les protagonistes, ce sont les doutes relatifs à leur mission qui générera cette tension si bien interprétée par les acteurs.

Les arguments scientifiques sur lesquels repose le scénario ne tenant pas la route une seule seconde, il faut chercher dans les rapports qu’entretiennent les personnages entre eux et vis-à-vis de leur objectif le pouvoir symbolique de l’œuvre. Dès la première scène, dans laquelle le psychiatre de bord fait preuve d’une certaine addiction aux rayons lumineux, on peut penser que la thématique de la drogue, déjà très présente dans les premiers films du réalisateur, va être à nouveau à l’œuvre, mais l’allégorie va bien plus loin. Le pouvoir de fascination que suscite le Soleil sur les astronautes, ainsi que la façon dont il est à la fois source de vie et de mort, font de lui une représentation assez évidente d’un Dieu Unique. C’est donc à travers le comportement autodestructeur que les personnages auront à son approche (tandis que certains y resteront parfaitement cartésiens et feront passer leur mission avant leur propre survie, les autres ne demanderont qu’à mourir pour Lui ou, pire, penseront parler en Son nom) que la réflexion métaphysique se tisse peu à peu, et que l’esprit nihiliste déjà présent dans Trainspotting ou La Plage reprend son droit sur le noble esprit de sacrifice qui semble initialement animé les héros. Même si l’écriture peut par moment sembler maladroite du fait de l’usage de certaines ficelles scénaristiques prévisibles (chaque personnage connait son moment de bravoure puis, quand il ne sert plus à rien, il meurt), l’étude approfondi de cet axe de lecture explorant la confrontation entre la science et le sacré donne tout son éclat à ce long-métrage. Encore une fois, ce choix du Soleil comme unique cause des enjeux, vitaux comme intellectuels, peut donner l’impression d’être une idée incongrue, mais elle se justifie par la volonté de Danny Boyle de faire de la lumière un élément central dans sa mise en scène.

Plus le film avance, plus l’ICARUS II approche du soleil. Dès lors, cette lumière ardente qui, depuis la Terre, apparait comme un espoir de survie, se transforme de plus en plus en une imminence mortelle pour nos attachants héros. Une évolution visuelle qui bien au-delà du nombre croissant d’effets lumineux ingénieux (un usage des lense flairs que n’aurait pas dénigrer J.J. Abrams) puisque, si la première moitié du film se construit sur une succession de plans assez longs, qui assoient sur l’ambiance un stress sous-jacent, le découpage va peu à peu s’accélérer tandis que l’intrigue va prendre l’allure d’un thriller oppressant puis d’un survival horrifique. C’est en cela que Sunshine représente une pièce charnière dans la filmographie de Boyle puisque si ses précédents films misaient sur son scénario pour créer du rythme (en particulier dans Petits meurtres entre amis et Transpotting, La Plage ayant davantage reposé sur sa photographie… avec le résultat que l’on sait), c’est à présent ce sens du montage qui deviendra l’élément clef de ses films, d’autant que c’est ce qui fera le succès de Slumdog Millionaire. Les nombreux plans terriblement suffocants filmés depuis l’intérieur des scaphandriers nous permettent de ressentir au mieux la peur et le sentiment d’impuissance des scientifiques face à leur destin funeste. Et la plus-value apportée par la composition de John Murphy donne aux plus belles scènes un pouvoir hypnotique assez bluffant. Cette maitrise formelle de la part de Danny Boyle, qui réussit à adapter sa réalisation au fur et à mesure que l’intrigue évolue pour en accentuer toujours plus la dimension immersive, est une marque indéniable de son talent protéiforme. C’est toutefois tous ces changements de rythme pour le moins radicaux qui ont probablement dû le plus déstabilisé le public lors de sa sortie en salles.

Sur un pitch qui laissait présager le pire, Danny Boyle a réussi à mettre au point une œuvre profondément humaniste, mais surtout la preuve que sa mise en scène ne se limite pas à ses tics d’ancien formaliste issu de la télévision mais qu’il est également capable de rendre ses réalisations sensorielles et éblouissantes de beauté. Sans jamais atteindre la grâce d’un Stanley Kubrick, puisqu’il est évident que c’est -sur le fond- son inspiration première, le réalisateur britannique fait preuve d’une maitrise technique qui ne mérite pas d’être boudée.

Sunshine: Bande Annonce (en VO)

https://www.youtube.com/watch?v=r8BSlqHAhuY

Fiche Technique: Sunshine

Réalisation: Danny Boyle
Scénario: Alex Garland
Interprétation: Cillian Murphy (Capa), Hiroyuki Sanada (Kaneda), Rose Byrne (Cassie), Chris Evans (Mace), Michelle Yeoh (Corazon), Cliff Curtis (Searle), Troy Garity (Harvey), Benedict Wong (Trey), Mark Strong (Pinbaker)…
Image: Alwin H. Kuchler
Costumes: Suttirat Anne Larlarb
Montage: Chris Gill
Musique: John Murphy
Producteur(s): Andrew MacDonald
Production: Fox Searchlight Pictures, DNA films
Distributeur: 20th Century Fox France
Durée: 100 minutes
Genre: Science-Fiction

Grande-Bretagne – 2007