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A l’heure où la Belgique souhaite fermer ses portes face aux réfugiés massés dans le Nord de la France sans grande perspective de retrouver leur famille Outre-Manche, le bar Belgica sonne comme une ironie, un pied-de-nez politique sans doute pas si innocent de la part de son créateur, avec ses portes ouvertes à tous vents et ses néons multiples qui appellent la foule.

Synopsis: Jo et Frank sont frères, et comme souvent dans les familles, ces deux-là sont très différents. Jo, célibataire et passionné de musique, vient d’ouvrir son propre bar à Gand, le Belgica. Frank, père de famille à la vie bien rangée et sans surprise, propose à Jo de le rejoindre pour l’aider à faire tourner son bar. Sous l’impulsion de ce duo de choc, le Belgica devient en quelques semaines the place to be…

Brothers

Le gantois Felix van Groeningen creuse le sillon de son cinéma particulier, toujours à la limite de l’outrance, mais toujours rescapé du « too much » par une science de la mise en scène ; à tel point qu’il vient d’être remarqué et honoré au festival Sundance pour ce nouveau film Belgica, après une mention au meilleur film étranger des Oscars et une récompense aux César pour son précédent film, le très adoubé Alabama Monroe, tout comme il a été primé pour la Merditude des choses à la Quinzaine des Réalisateurs au festival de Cannes…

Le film, inspiré de manière très lointaine par des faits réels (le père du cinéaste a possédé un bar qu’il a ensuite revendu à deux frères), s’ouvre sur cette scène classique d’un petit matin où un couple qui s’est formé dans la nuit se disloque au petit jour, une fois les effluves alcoolisés envolés : un départ en catimini, sur la pointe des pieds et les chaussures à la main, d’un des deux partenaires. Ici c’est la fille, Marieke (Hélène de Vos) qui part, rassurée d’apprendre par le garçon Jo (Stef Aerts) qu’ils « n’ont rien fait » dans la nuit, que Jo n’a pas profité de son état d’ébriété très avancée.

En une scène, Félix van Groeningen campe le personnage de Jo, un garçon posé et chétif, dont un œil est resté collé par un méchant germe peu de temps après sa naissance. Un handicap qui le met dans une empathie plus forte, le sujet d’une moquerie qui n’a jamais pu se manifester grâce à son grand frère et héros Frank (Tom Vermeir) qui, enfant, le protégeait de la méchanceté des autres. Jo est le patron du café  Belgica, un café bon enfant où tout le monde est donc le bienvenu.

Et ce grand frère est caractérisé dans une opposition presque totale avec Jo. Père d’un tout jeune enfant d’autant plus naturel et expressif que le personnage du père est distant, on le voit débouler dans sa propre maison comme un chien fou, et en même temps comme quelqu’un qui ne serait pas concerné par ce qui s’y passe, par la vie qui s’y mène. Énergique, Frank s’ennuie mortellement entre le chenil de sa femme Isabelle (Charlotte Vandermeersch) et sa propre concession de voitures d’occasion. Il veut booster sa vie devenue invivable car trop tranquille. Il plaque alors tout, revend ses parts à son associé, rafle les économies de la famille, et s’impose plus qu’il ne se propose au projet de Jo d’agrandir le café et d’en faire un club ouvert à toutes les musiques. La mise en scène de Felix van Groeningen bâtit deux films qui s’écoulent en parallèle : d’une part, une sorte de grand boulevard permettant aux frères Dewaele, ses amis du groupe electro-rock de Soulwax, de dérouler leur talent, et d’autre part, mais de manière complètement imbriquée, l’histoire de ces deux frères, dans leurs rapports réciproques et dans leurs rapports avec leur entourage. Le film Belgica porte bien son titre, car ce « lieu de perdition » comme « promis » au micro tous les soirs par son propriétaire en est le personnage central ; tout s’y noue et se dénoue . Le spectateur va suivre le renforcement et le délitement de cette relation, l’influence de l’endroit sur l’un et l’autre dans leur cheminement. Ces évolutions sont apportées par petites touches symboliques noyées dans l’énergie et la frénésie générales du Belgica. De même, le cinéaste montre très justement le mécanisme d’entraînement, qui fait qu’hommes et femmes se laissent aller à tous les excès, à leur animalité presque par capillarité.  Mais avant tout, la part belle est donnée à la musique et à Soulwax , peut-être un peu trop, au détriment notamment des personnages féminins (une mère qui n’apparaît que sous forme d’ébauche, alors qu’on entrevoit un beau personnage empreint de douceur; les partenaires des deux frères, confinées l’une et l’autre dans des clichés qui manquent de nuance par manque de caractérisation). Enfin, le sous-texte lié à la montée du racisme et du protectionnisme est assez subtilement amené par le gantois.

Belgica n’est pas un film musical au sens de la comédie musicale. C’est un film qui porte la musique excellente et éclectique que Soulwax a écrite pour l’occasion. Sortant de leur zone de confort, les frères Dewaele ont imaginé des groupes fictifs, allant du rockabilly ou de la techno jusqu’à la magnifique marche du soir de l’inauguration… Tournés en live, ces concerts sont offerts à de très nombreux figurants plus vrais que nature, sans doute les mêmes personnes qui fréquentent le Charlatan, classé comme l’un des meilleurs clubs de Gand et probablement de la Belgique, et qui est le fameux ancien club de papa Groeningen.

Felix van Groeningen mérite le prix de la mise en scène glané dans l’Utah (section World Dramatic). Il y a du savoir-faire dans Belgica, qui lui donne le côté complètement immersif, qui lui permet de toucher même les spectateurs qui sont insensibles à la musique que les frères Dewaele proposent ; mais il faut reconnaître que l’intense émotion d’Alabama Monroe n’est pas présente dans Belgica, trop éparpillé, et pas assez connecté avec le moi intérieur des personnages…Il reste un film réussi, et propulse son auteur un peu plus vers le sommet mondial du septième art actuel.

Belgica : Bande annonce

Belgica : Fiche technique

Titre original : Belgica
Réalisateur : Felix van Groeningen
Scénario : Arne Sierens, Felix van Groeningen
Interprétation : Stef Aerts (Jo), Tom Vermeir (Frank), Stefaan De Winter (Ferre), Dominique Van Malder (Manu Dewaey), Ben Benaouisse (Momo), Boris Van Severen (Dave Coppens), Sara De Bosschere (Nikki), Charlotte Vandermeersch (Isabelle), Hélène De Vos (Marieke), Jean-Michel Balthazar (André), Bo De Bosschere (Wibo), Sam Louwyck (Rodrigo), Anjana Dierckx (Katrien), Hannes Reckelbus (Jan), Silvanous Saow (Rudy Rasta), Fouad Oulad Khlie (Mohammed), Arne Sierens (Frederic), Johan Heldenbergh (Bruno Schollaert), Nils De Caster (Inspecteur Dewaele), Titus De Voogdt (Inspecteur Van Beveren)
Musique : Soulwax
Photographie : Ruben Impens
Montage : Nico Leunen
Producteurs : Hans Everaert, Christoph Foque, Alberte Gautot, Arnold Heslenfeld, Dirk Impens, Katelijne Pieters,
Laurette Schillings, Frans van Gestel, Rudy Verzyck
Maisons de production : Menuet Producties, Pyramide Productions, Topkapi Films
Distribution (France) : Pyramide Distribution
Récompenses : Prix de la mise en scène au Festival de Sundance, janvier 2016, – section World Dramatic
Budget : ND
Durée : 127 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 02 Mars 2016
Belgique, France – 2016

Journaliste suisse, déjà auteur de plusieurs documentaires destinés à la télévision (la plupart pour Arte, qui a de fait participer au financement de son projet), Pierre Morath réalise pour la première fois un film destiné au grand écran. La course à pied est un sport qu’il exerce lui-même depuis son adolescence, et lui consacrer une étude sociologique est une idée potentiellement passionnante tant sa pratique est devenue quelque chose de commun.

Synopsis : Des années 60 à nos jours, la course à pied est devenu le sport individuel le plus pratiqué au monde. Entre New-York et la Suisse, la popularisation de ce sport, dont la pratique hors des stades par des professionnels était à l’origine considérée comme une preuve de folie, est passée par différentes étapes que l’on doit à des individus motivés à défendre leur cause.

Rien ne sert de courir, il faut partir à point!

Avec l’appui de Philippe Torreton, qui prête sa voix à la narration, Free to Run retrace donc la manière dont le jogging, exercice de mise en forme pour les uns, expérience mystique pour les autres, est devenu, en un demi-siècle, un phénomène de société. Pour cela, le réalisateur s’axe sur plusieurs récits, et en particulier sur les histoires de trois individus qui ont contribué à la démocratisation de ce sport individuel autrefois réservé à quelques marginaux.

Le premier de ces récits est celui de Kathrine Switzer, qui fut la première femme à avoir couru le marathon de Boston en 1967 bravant l’interdiction faite aux femmes d’y participer. Morath n’hésite donc pas à établir un parallèle entre son combat contre la discrimination imposée par la Ligue Nationale d’Athlétisme américaine et les luttes féministes de la fin des années 60. Commence alors un jeu d’allers-retours entre la côte Est des Etats-Unis et la Suisse (avec quelques rares détours sur le sol français et le plat pays) afin d’illustrer que les marathons étaient à l’époque également réservés aux hommes en Europe. Le machisme ambiant et les arguments pseudo-médicaux visant à décourager les femmes de courir sont contrebalancés par des images d’archive et des témoignages poignants défendant le running comme moyen d’exprimer son indépendance et de communier avec la nature. C’est cette vision anti-réactionnaire que revendique le suisse Noel Tamini, le second protagoniste sur lequel va s’axer la narration, s’éloignant ainsi pour quelque instant de la thématique des remous socio-politiques en Amérique. Fondateur du magazine bimestriel Spiridon, Tamini a participé à la popularisation de la course à pied en Europe en démontrant, grâce à ses photographies, la beauté des corps, masculins comme féminins, au cours de l’acte physique. Beaucoup de ces images se retrouvent dans un excellent montage exaltant, rythmé par des musiques d’époque prenantes, qui forme une véritable ode à la liberté.

Puis, à mi-chemin, le documentaire retourne s’installer sur la côte Est des Etats-Unis et prend une tournure différente de cette vision idéalisée du running, puisqu’il cherche à nous raconter l’histoire du marathon de New-York. Dès lors, la pratique de la course à pied n’apparaît plus comme un mode d’émancipation universel mais comme un évènement annuel typiquement new-yorkais. Une rupture de ton assez abrupte dans l’approche de son sujet que le réalisateur fait en se concentrant sur un homme en particulier : Fred Lebow. Fils d’immigrés roumains, il incarne le rêve américain en devenant l’un des organisateurs du marathon de Boston puis le fondateur de celui de New-York. Etape par étape, on suit le succès grandissant de ce rituel populaire, aidé par certains sportifs de renom (parmi lesquels le charismatique champion Steve Prefontaine), allant irrémédiablement se clore, exactement comme il aurait été fait dans un biopic fictionnel, par le récit mélodramatique de la mort de Lebow. Les images d’archives, datant à présent des années 80 et 90, nous démontrent le poids croissant  des médias et des sponsors dans l’organisation ce rendez-vous que même les pires évènements climatiques n’empêcheront pas d’avoir lieu. C’est une façon bien étrange que ce documentaire a, de passer d’une vision du running proche de l’esprit hippie des années 60 à une industrie commerciale cinquante ans plus tard. Une perte d’idéalisation que le film va tout de même tenter de retrouver dans sa conclusion.

Il est regrettable qu’il y ait deux films en un, l’illustration d’un exercice physique, vecteur de liberté individuelle d’une part, et l’historique du marathon de New-York d’autre part, tant ces deux approches d’un même sport s’avèrent au final antinomiques. Quoi qu’il en soit, en sortant de ce visionnage, il est difficile de résister à l’envie d’aller se dégourdir les jambes.

Free to Run : Bande-annonce

Free to Run : Fiche technique

Réalisateur : Pierre Morath
Voix-off : Philippe Torreton
Image et montage : Thomas Queille
Son : Nicolas Samarine
Musiques originales : Kevin Queille, Polar
Graphisme et animations : Ramon et Pedro
Musique : Kevin Queille
Archives : Prudence Arndt, Deborah Ford, Eléonore Boissinot
Montage son : Jean-François Levillain
Mixage : Philippe Charbonnel
Etalonnage : Xavier Pique
Producteurs : Marie Besson, Fabrice Estève, Jean-Marc Fröhle…
Société de production : Eklektik Productions, Point Prod, Yuzu Productions
Une production Suisse / France / Belgique
En coproduction avec Radio Télévision Suisse (RTS), Arte France
Cinéma, RTBF (Télévision belge),Proximus
Avec le soutien de L’Office fédéral de la culture, du Centre du
Cinéma et de l’Audiovisuel, de la Fédération Wallonie-Bruxelles et de
Voo, de Cinéforom et la loterie romande, du fonds culturel suissimage,
de Succès Cinéma, de Succès Passage Antenne
Distribution France et ventes internationales Jour2Fête
Durée : 99 minutes
Date de sortie : 13 avril 2016
Genre : Documentaire

Suisse/France – 2016

Il est beaucoup de films que l’on voit en se disant qu’il s’agit d’une suite inappropriée… et il y en a certains, plus rares, que l’on aurait préféré être une suite assumée. Non pas que Les Kaïra ait été une comédie mémorable, on ne peut pas nier aux trois acolytes de la web-série Kaïra Shopping d’avoir su caricaturer les petites frappes de leurs cités HLM avec un second degré assez pertinent.

Synopsis : Afin de financer leur voyage dans une station balnéaire thaïlandaise, Franky et Krimo n’ont pas de meilleure idée que d’inscrire un nain de leur quartier à un concours de boxe. Mais leur ruse va inévitablement se retourner contre eux, transformant leurs vacances de tourisme sexuel en folles aventures.

Les Kaïras se dorent la pilule au soleil 

Quand, près de quatre ans plus tard, l’un des trois décide d’en réaliser la suite et que les deux autres ne le suivent pas, il aurait mieux fallu que le projet soit mis de côté et retravaillé dans l’attente de la reformation du trio. Mais non, Franck Gastambide est têtu et n’a pas hésité à remplacer ses anciens compères avec une nonchalance très douteuse. Le premier des deux, c’est Medi Sadoun, qui  semble très sollicité depuis Qu’est-ce qu’on a fait au Bon Dieu, puisqu’on l’a vu récemment dans Joséphine S’arrondit et bientôt dans La Dream Team au côté de Gérard Depardieu. Nécessitant son quota de « reubeux » pour rendre sa satire sociétale cohérente,  c’est Malik Bentalha qui se charge d’occuper ce rôle. Le second c’est Jib Pocthier, que l’on retrouvera bientôt dans Les Visiteurs : La Révolution. Devant son refus, et puisque le scénario comporte un nombre incalculable de moqueries envers les personnes de petite taille, il a fallu que Anouar Toubali, un autre nain aperçu dans Les Kaïra, vienne le remplacer. C’est donc avec une troupe de rechange que Gastambide met en boite son scénario qui se construit sur le même schéma que beaucoup de suites, celui du dépaysement (on pense forcément aux récents, et très mauvais, Babysitting 2, Les Profs 2 ou encore Les Tuche 2). Mais qu’aurait gagné ce Pattaya à être Les Kaïra 2 ? Hormis d’être porté par une troupe de comédiens dont la symbiose a déjà fait ses preuves, c’est surtout cette introduction lourdingue, basée sur les explications d’une insupportable voix-off, qui nous aurait été épargnée si nous nous étions retrouvés face à des personnages déjà connus. Après une demi-heure, on finit (enfin !) par se libérer de cette mise en place plombante et fermer les yeux sur ce casting de rafistolage pour entrer dans le lourd du sujet… sauf que, pas de chance, c’est cette première demi-heure qui offrait les situations les plus drôles.

La délocalisation du décor dans cette ville thaïlandaise, haut lieu du tourisme sexuel à présent considéré comme « le paradis des cailleras », a au moins pour avantage d’élargir le potentiel satirique d’un film qui, en s’enfermant dans des blocs d’immeubles (et même si la ville de Melun était dans Les Kaïra une belle source de décalage), s’assurait de tourner rapidement en rond. Pattaya s’assure ainsi un humour décomplexé et politiquement incorrect. Les meilleures idées comiques sont sans doute les nombreuses parodies et autres clins d’œil à la culture populaire, avec surtout la télé-réalité en ligne de mire, et les quelques caméos bien pensés, qu’il s’agisse de Fred Testot ou Cyril Hanouna mais aussi de Seth Gueko et Rim’K dont la présence satisfera les amateurs de rap à qui s’adresse le film. Dans un esprit peu raffiné, très inspiré par certaines comédies américaines, le scénario enchaine sans vergogne les blagues les plus graveleuses sur les nains, les gros, les travelos et tant d’autres sujets si faciles à attaquer. Ce n’est donc pas un hasard si le passage qui se veut le plus drôle du film est un gag scatologique littéralement explosif. Sauf que, là encore, la tonalité comique s’appauvrit rapidement et le réalisateur n’a pas d’autre choix, pour maintenir l’attention du spectateur jusqu’au bout, de faire profiter à sa dernière demi-heure d’une accélération notable du rythme. On en retiendra surtout une scène de fête sur la plage pleine d’énergie. On peut ainsi remarquer que Franck Gastambide a fait, en moins de quatre ans, beaucoup de progrès en termes de mise en scène mais a encore des efforts à faire du côté de l’écriture.

En plus de s’essouffler trop vite, l’humour gras, à force de ne taper que sur les mêmes cibles, dérape souvent dans le pire mauvais gout notamment machiste et homophobe. Au-delà de cet esprit outrancièrement irrévérencieux –qui attirera les spectateurs fatigués d’un cinéma populaire français trop lisse-, l’un des plus gros soucis de ce film est finalement d’être incapable de tirer un autre profit de son changement de décor que l’exploitation de ses paysages exotiques. Etre allé poser sa caméra à l’autre bout du monde pour aller y jouer avec exactement les mêmes clichés que ceux présents dans les banlieues françaises et en limitant les autochtones à un gang de boxeurs nains est en effet un gros gaspillage cinématographique. Même si le talent de transformiste –à défaut de talent d’acteur- de Gad Elmaleh est mis à profit pour rendre rigolo son personnage de gourou au look calqué sur Fu Manchu, il n’apporte pas grand-chose à ce scénario dont le niveau ne s’élève jamais au-delà du niveau intellectuel de ses personnages. A propos des personnages principaux justement, le plus flagrant, et sans aucun le plus avilissant de ce Pattaya, est que son réalisateur-scénariste semble à présent trop déconnecté de l’univers urbain qu’il caricature pour le faire sans tomber dans une représentation aussi désuète que méprisante. Et pourtant, c’est à ceux là même qui sont réduits à leur illettrisme et leur vulgarité qu’est destiné cette comédie. En cela, Pattaya s’inscrit dans cet esprit communautariste qui avilie le cinéma français contemporain et semble rendre légitime les discours les plus haineux d’un coté comme de l’autre du spectre idéologique.

Désireux de pousser jusqu’au bout l’esprit trash de sa satire de la jeunesse des banlieues, en mettant de côté le second degré de son premier film, Franck Gastambide fait preuve d’une telle fainéantise dans l’élaboration de son projet qu’il est légitime de se demander s’il n’a pas financer son film de potes uniquement pour aller profiter du soleil de Thaïlande.

Pattaya : Bande-annonce

Pattaya : Fiche technique

Réalisateur : Franck Gastambide
Scénario : Franck Gastambide, Stéphane Kazandjian
Interprétation : Franck Gastambide (Franky), Malik Bentalha (Krimo), Anouar Toubali (Karim), Ramzy Bedia (Reaz), Gad Elmaleh (Le Marocain)…
Musique : Kore, Eric Neveux
Photographie : Renaud Chassaing
Montage : Laure Gardette
Producteurs : Eric et Nicolas Altmayer
Sociétés de production : Mandarin Cinéma, Gaumont, D8 Films
Distribution: Gaumont Distribution
Durée : 97 minutes
Genre : Comédie
Date de sortie : 24 Février 2016
France – 2016