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Synopsis : Dans son petit appartement sévillan, Carmina doit faire le deuil de son mari Antonio qui vient de mourir en plein milieu du salon. Elle fait le choix de rester tout le week-end à veiller sur le cadavre avant de le déclarer aux autorités, et ce afin de s’assurer de toucher ses indemnités de fin de mois. Bien qu’elle ait entrainé sa fille Maria dans cette petite entreprise de divulgation, le secret va être difficile à garder.

Paco Léon signe une comédie un peu décousue mais dresse surtout un portrait de femme fracassant.

Ne vous en faites pas si son nom ne vous dit rien, c’est uniquement parce que la sitcom qui a fait connaitre Paco Léon en Espagne, Aída, n’a jamais été diffusée en France. Son premier film, Carmina o revienta, n’a d’ailleurs pas non plus eu droit à une distribution dans l’Hexagone, alors qu’il avait, en 2012, créé en certain tumulte dans le petit monde local des professionnels de la distribution audiovisuelle en étant le premier film hispanique à y sortir à la fois en salles, en DVD et en VOD. Deux ans plus tard, Léon signe une suite à son film qui, elle, sera en revanche exploitée dans quelques salles de cinéma de l’Hexagone. Plus de deux ans après sa sortie en Espagne soit, mais mieux vaut tard que jamais. Mais est-ce que cette suite –dont le titre français se limite d’ailleurs au nom de son héroïne, anaphorique dans les titres originaux, laissant supposer qu’un éventuel troisième opus s’appellera paradoxalement chez nous Carmen 2– peut se voir sans avoir préalablement vu le premier film ? Oui, sans aucun doute.

Il est même fondamentalement moins intéressant de connaitre le background des personnages principaux que l’identité de leurs interprètes. Les deux actrices principales sont en effet pas moins que la mère et la sœur du réalisateur. Autant dire que le tournage s’est fait en famille mais surtout que le rôle-titre, et très probablement certaines situations, sont directement inspirés de souvenirs très personnels. Et les deux femmes font preuve d’une telle liberté de jeu que l’on a, en particulier dans le premier quart d’heure, le sentiment qu’elles sont en plein exercice d’improvisation… et s’en sortent fabuleusement bien. Le personnage de Carmina est clairement une figure féminine très forte, au bagout irrésistible, représentation tout à la fois des rapports de force hommes/femmes post-féministes et d’une classe moyenne prête à tout pour joindre les deux bouts. C’est cette sincérité dans la peinture d’une galerie de personnages aussi attachants que détestables qui rend cette comédie si piquante. Car le scénario ne se contente pas d’observer Carmina parler à son défunt mari, elle donne une place importante aux personnages secondaires.

Même si cela a déjà été dit de quasiment tous les jeunes réalisateurs espagnols de ces vingt dernières années, il est impossible de ne pas rapprocher le film de Léon du cinéma d’Almodovar, et en particulier de son premier long-métrage Pepi, Luci, Bom et autres filles du quartier avec lequel il partage son goût pour les querelles de voisinage et les personnages hauts en couleurs. On remarquera surtout Yolanda Ramos, dans le rôle de l’amie et confidente de Carmina. Les scènes de dialogues entre ces deux grandes gueules sont ainsi tout simplement exquises, probablement les meilleures du long-métrage, malgré leur durée parfois un peu étirée. Cependant, la construction explosée de Carmina apparait comme son défaut majeur. En plus des nombreuses saynètes très drôles tournées en intérieur, où défilent de nombreux voisins invasifs et autres invités de fortune dans cet appartement où Carmina essaye tant bien que mal de garder son lourd secret, le film comporte quelques scènes en extérieur, certes amusantes mais qui brisent la dynamique. Autant l’enterrement de fin était inévitable, et est même le moment où la mise en scène trouve toute sa grâce par le biais d’une bande son habilement décalée, autant toute la partie où Carmina fait appel à son fils pour déloger des squatteurs du salon de coiffure de Maria vient complétement parasiter le mécanisme mis en place. Peut-être est-ce là le sentiment d’un spectateur français habitué des comédies de boulevard, et donc par nature en huis-clos, mais ici la structure éclatée et la volonté d’aller tourner à ciel ouvert nuisent au principal ressort comique et amoindrissent ce sentiment d’émancipation qui rend la conclusion si agréablement troublante.

Bien que très inégale, Carmina est une nouvelle bonne surprise venue de nos chers voisins d’outre-Pyrénées. Portée par une actrice dont on regrettera de ne découvrir l’immense talent qu’à 60 ans, cette pure  comédie dramatique noire profite également de dialogues brillamment écrits, tour à tour cyniques et graveleux.

Carmina ! : Bande-annonce

Carmina ! : Fiche technique

Titre original : Carmina y amén
Réalisation : Paco León
Scénario : Paco León
Interprétation : Carmina Barrios, María León, Yolanda Ramos, Paco Casaus…
Photographie : Juan González
Montage : Ana Álvarez Ossorio
Son : Diana Sagrista
Direction artistique : Antonio Estrada
Production : Álvaro Augustín, Ghislain Barrois, Paco León
Société de production : Andy Joke
Distributeur : Bodega Films
Festivals et récompenses : Biznagas de Plata pour le meilleur scénario et la meilleure actrice secondaire pour Yolanda Ramos au festival de Málaga
Genre : Comédie dramatique
Durée : 94 minutes
Date de sortie : 27 juillet 2016

Espagne – 2014

Captain America: Civil War, un pop-corn movie aux allures de pot (pas trop) pourri

Synopsis: Suite aux événements d’Avengers: L’Ère d’Ultron, Steve Rogers forme une nouvelle équipe de super-héros et après un énième incident international, l’ONU fait adopter les Accords de Sokovie  avec l’aide de Tony Stark et du Général Ross. Ces accords divisent les Avengers, anciens comme nouveaux tandis que Rogers cherche encore son ancien ami Bucky, porté disparu, et qu’un certain Zémo semble comploter dans l’ombre. 

Début de la phase 3 du bulldozer Marvel. C’est donc Captain America qui s’y colle pour lancer les premières bases d’une nouvelle ère dans l’Univers Cinématographique Marvel. Mais avant ça, pas mal de choses ont bougées en interne. Dans les films, l’Hydra n’est plus vraiment une menace, sauf pour les Agents du S.H.I.E.L.D qui continuent à ramasser les miettes, Ultron s’est fait atomiser après avoir soulevé une ville dans les airs et le Captain cherche encore son Bucky d’amour, en fuite après avoir été lobotomisé. Derrière la caméra, ce n’est pas moins intéressant. Peu de temps après son intronisation, le roi Whedon tombe de haut en accusant le semi-échec artistique d‘Avengers : L’ère d’Ultron et choisi de claquer la porte, laissant le siège vacant aux frères Russo. Les deux ayant fait du bon boulot sur Le soldat de l’hiver, le grand patron Kevin Feige leur laisse les clés pour chapeauter cette nouvelle phase, en démarrant donc avec la suite des aventures du Super Soldat. Avec moins d’ambitions littéraires que leur prédécesseur mais un goût marqué pour le cinéma nerveux qui cogne sec, les frangins décident alors de s’attaquer à l’un des plus gros crossover de l’univers Marvel, l’arc Civil War de Mark Millar et Steve McNiven, et en profitent pour faire du pied à DC en proposant eux aussi leur choc des titans entre deux héros populaires.

Autant le dire d’entrée de jeu, la tâche n’est pas aisée. Le comics original affichant au compteur un nombre démentiel de figures mythiques (des Quatre Fantastiques aux Avengers) avec des batailles titanesques dans les rues de New-York, quand l’univers ciné-Marvel en compte pour l’instant une dizaine. Rappelons que Hulk et Thor sont aux abonnés absents, ce qui n’est pas une mauvaise chosescar les deux mastodontes auraient plié le combat en deux-deux (appelons cela l’équilibre des puissances). Casting réduit donc pour cette adaptation, ce qui n’aura pas manqué d’amuser même les fans les plus acquis à la cause avec des bandes annonce qui promettait plutôt un championnat du monde de la savate qu’une véritable « guerre civile ». Ne soyons pas de mauvaise foi, l’ensemble tient plutôt la route. La mise en scène sobre mais maîtrisée des Russo laisse aux personnages assez d’espace pour exister et ne pas se réduire à de simples caméos rigolos. On est loin de l’emphase boursouflée à la testostérone d’un Zack Snyder sous amphétamines. Les effets spéciaux restent spectaculaires sans en faire trop (à part un Tony Stark jeune en numérique qui pourrait donner des cauchemars aux âmes sensibles). Idem coté scénario qui s’éloigne du modèle de la psychologie de comptoir à la David S. Goyer pour proposer des enjeux plus rationnels et plus logiques. Content de voir qu’ici, en deux heures trente, les personnages prennent d’abord le temps de discuter avant de s’en mettre pleins la tronche, chacun donnant son avis ou son ressentit sur la question. Cela reste sommaire, car il y a beaucoup de personnages impliqués, mais en général les actions de chacun semblent logiques et mesurée, là où l’Ère d’Ultron était déséquilibré tandis que Batman v Superman se vautrait dans la caricature de ses propres symboles.

Bref, le film n’est pas honteux pour Marvel. De là, dire que tout est parfait serait un peu optimiste. Le titre, pour commencer, pose problème. Civil War est un film tiraillé entre ses multiples fonctions, démarrer la phase trois, mettre en scène cet affrontement dantesque et revenir sur les conséquences des événement de l’Ère d’Ultron. Mais aussi terminer l’arc narratif amorcé dans Le Soldat de l’hiver. Compliqué tout ça. Si les scénaristes font ce qu’ils peuvent pour relier le tout de façon cohérente, on hésite souvent devant le film. Est-ce un Captain America ou une extension d’Avengers qui introduit de nouveaux personnages ? S’il semble dans un premier temps reprendre les grandes lignes du récit de Mark Millar, on a rapidement l’impression que cette nouvelle loi visant à contrôler les justiciers, élément déclencheur du conflit, n’est finalement qu’un prétexte pour justifier le début des hostilités. Le projet est exposé en début de film pour lancer un premier débat et ne revient jamais vraiment sur la table. Le Captain et Iron Man sont en désaccord, soit, mais rien de grave pour l’instant. Ce qui déclenche vraiment l’intrigue, c’est l’obstination du super soldat à défendre son ancien ami Bucky qui semble incontrôlable, tandis que Tony Stark souhaite l’arrêter. Là se situe vraiment le fond du problème. Aussi la sensation de voir deux films en un est palpable.

Le premier est axé sur une course poursuite haletante entre Tony Stark, Steve Rogers, le soldat de l’hiver et Black Panther, manipulés dans l’ombre par Zémo. Interprété avec sobriété par l’allemand Daniel Brühl (Goodbye Lenine, Inglorious Basterds), ce dernier se révèle, contre toute attente, être un adversaire réussi, aux motivations classiques mais crédibles, avec un plan qui tient la route. Le genre que l’on attendait plus dans une production super-héroïque, très éloigné de son modèle papier (un scientifique nazi un peu timbré) mais plus ambigu que prévu. Le deuxième en revanche s’acharne à justifier le titre du film, en faisant rentrer le plus de combattants possible dans la boite. Si cela permet des scènes d’actions dantesques probablement amenées à devenir cultes, comme la séquence de l’aéroport plutôt prenante et bien fichue, ce deuxième développement semble de trop. Comme dit précédemment, les enjeux relatifs à la loi de contrôle des super-héros sont sommairement traités, le film Captain America: Civil War reste une divergence d’opinion entre deux personnages phares, auquel des secondaires viendront prêter main forte (d’un côté ou de l’autre). Aussi a-t-on du mal à croire en cette « guerre civile » devant des affrontements qui ressemblent plutôt à des batailles de chatouilles entres copains. Chaque personnage ne pouvant s’empêcher de rappeler à son adversaire que, même s’ils se battent entre eux, ils restent toujours amis. Seul le combat final entre Iron Man et Captain America se reconnectera avec le ton plus sombre voulu par le film. Pour le reste, les autres personnages semblent de trop, en particulier Ant-Man, dont la présence est à peine justifiée par le scénario (bien qu’il réserve tout de même son moment surprise) et bien sûr Spiderman.

Cas particulier celui-ci, car attendu par les fans. Le problème ne vient pas du personnage en lui même, son coté ado agaçant étant rattrapé par les réactions irritées de ses collègues, ce qui nuance son côté cool et Tom Holland ne s’en sort pas trop mal dans le rôle. C’est juste qu’il débarque un peu comme ça, Tony Stark annonçant sans prévenir qu’il connaît un type qui peut les aider et va chercher un ado de quinze ans inexpérimenté pour participer à une bataille rangée entre super-héros chevronnés. On sait que Stark est un peu cintré sur les bords mais quand même ! Cette mise en place un peu rapide débouche sur une relation non pas de mentor a élève mais plutôt de patron à stagiaire de troisième. En ajoutant à cela les blagues idiotes du tisseur, les apparitions réduites du personnage deviennent de purs moments de comédie qui n’auraient pas fait tâche dans un film Iron Man, mais semblent légèrement hors de propos par rapport au ton mélancolique et plus sombre que Marvel voulait appliquer aux Captain America. Une rupture de registre qui entraîne des baisses de rythme fort regrettables.

Deux poids et deux mesures donc pour ce nouvel opus. Loin d’être la claque annoncée, le film reste moins chaotique que Batman v Superman et plus mesuré que Avengers : l’Ère d’Ultron. Dommage du coup que l’ambition des producteurs force le film dans plusieurs directions opposées, étirant le tout plus que de raison et provoquant parfois l’ennui. S’il n’est pas un échec, Civil War reste l’aventure la moins intéressante du super soldat.

Captain America: Civil War : Bande-annonce

Captain America: Civil War : Fiche Technique

Réalisateurs: Anthony & Joe Russo
Scénario: Christopher Markus et Stephen McFeely, d’après les personnages de Joe Simon et Jack Kirby, d’après Civil War de Mark Millar
Interprétation : Chris Evans (Steve Rogers), Robert Downey Jr. (Tony Stark), Sebastian Stan (Bucky), Daniel Brühl (Baron Zemo), Scarlett Johansson (La veuve noire), Anthony Mackie (Le faucon), Don Cheadle (Rhodey)…
Musique: Henry Jackman
Photographie: Trent Opaloch
Producteur: Kevin Feige
Producteur délégué: Alan Fine
Producteur associé: Lars P. Winther
Sociétés de production: Marvel Studios et Marvel Entertainment
Société de distribution: Walt Disney Studios Motion Pictures
Genre : Action, science-fiction, super-héros
Durée: 147 minutes
Date de sortie: 27 avril 2016

Etats-Unis – 2016

Eddie The Eagle (surnom d’Eddie Edwards) est un biopic qui se démarque par l’originalité du thème traité. En effet, Dexter Fletcher fait le choix de s’intéresser à un sportif aujourd’hui oublié. Finies les superstars, place aux souvenirs et aux hommes ayant fait la fierté, même durant une courte période, de leur nation.

Synopsis : Eddie Edwards n’a jamais rien eu d’un athlète, bien au contraire. Pourtant, depuis qu’il est petit, il n’a qu’un seul rêve : participer aux Jeux Olympiques. Au fil des années, ni son piètre niveau sportif, ni le manque de soutien, ni les moqueries n’ont entamé sa volonté. Et c’est ainsi qu’en 1988, celui qui n’a jamais lâché a réussi à se retrouver, on ne sait trop comment, aux Jeux Olympiques d’hiver de Calgary. Avec l’aide d’un entraîneur aussi atypique que lui, ce sauteur à ski pas comme les autres va secouer le monde du sport et conquérir le cœur du public en accomplissant une performance olympique aussi improbable qu’historique…

Le film nous dévoile le parcours d’un homme et son envie de réussir. Ainsi, on remonte à l’enfance de ce drôle de personnage afin de saisir tout l’enjeu des objectifs qu’il se fixe. La construction narrative est simple, fidèle à bon nombre de biopics, et permet au spectateur de ne pas rater un détail marquant ou à un fait clé de l’histoire du sportif. Mais parfois, faire dans le conventionnel est une bonne chose. Eddie The Eagle est un excellent feel-good movie, qui ne peut que faire naître un sourire sur le visage du spectateur ce dernier une fois sorti de la salle. On ne s’ennuie pas et on suit avec plaisir les péripéties du jeune homme. Meme s’il est parfois agaçant, voire tête à claques, on ne peut qu’éprouver de l’empathie pour lui, tant il est touchant et tant il veut prouver de quoi il est capable. Taron Egerton campe à la perfection Eddie Edwards, allant jusqu’à jouer la déformation faciale de ce dernier, celui ci etant prognathe. Son rôle se détache de celui qu’il nous avait proposé dans Kingsman, et le jeune homme prouve qu’il a plus d’une corde à son arc, car cette prestation n’est pas toujours des plus faciles, et a nécessité un jeu plus poussé qu’elle ne peut le laisser croire.

Mais la carrière de Eddie Edwards c’est également le travail d’un entraîneur, qui, lorsque l’on est confronté à lui, est désagréable au possible. Alcoolique et méprisant, Hugh Jackman endosse avec succès le rôle de Branson Peary. Au fur et à mesure de l’histoire, on apprend à le connaître, et son vrai visage s’offre à nous, ainsi, l’acteur américain fait preuve d’une réelle folie qui fait plaisir à voir. Rires, cris de joie et coups de gueule font de son personnage un individu haut en couleur qu’on apprend à aimer, même si on ne peut échapper au cliché de l’homme qui renie son passé et qui ne souhaite jamais en parler. Eddie the Eagle repose sur un duo d’acteurs génial qu’il est agréable de suivre. Chaque personnalité est différente, et pourtant, l’association est parfaite, laissant parfois place à de nombreuses scènes humoristiques, mais également à de réels moments de grâce. Aussi, les petites apparitions de Christopher Walken ne peuvent que faire plaisir, si on aime l’acteur, même si son personnage n’est pas des plus importants.

De son côté, Dexter Fletcher ne fait pas le travail à moitié et s’approprie l’histoire du sportif anglais. Les décors sont majestueux, et pourtant attendus, vu qu’ils sont essentiellement composés de pistes de saut à ski. La photographie est réfléchie, et surprend. Ainsi, les sauts à ski seront en gros plan sur Taron Egerton, à la manière des décors déroulants des films de Hitchcock, lorsque les protagonistes sont au volant de leur voiture. Certes, la photographie reste toutefois classique, mais elle n’en est pas moins plaisante. Enfin, il est vrai que le scénario est prévisible, surtout si l’on connaît l’histoire du sportif, et les musiques extra-diégetiques accentuent parfois un côté mélo un peu pompeux mais ce n’est pas ca qui nous empêche de passer une bon moment.

Eddie the Eagle est donc une bonne comédie, et permet de passer un bon moment de cinéma. Le duo d’acteurs remplit parfaitement son travail et fait des personnages des êtres attachants, que l’on aimerait connaître davantage.

Eddie The Eagle : Bande-annonce

Eddie The Eagle : Fiche technique

Réalisateur : Dexter Fletcher
Scénario : Simon Kelton, Sean Macaulay
Interprétation : Taron Egerton, Hugh Jackman, Christopher Walken, Keith Allen, Jim Broadbent…
Photographie : George Richmond
Montage : Martin Walsh
Musique : Matthew Margeson
Direction artistique : Tim Blake
Producteurs : Matthew Vaughn, Adam Bohling, David Reid, Rupert Maconick
Sociétés de production : Marv Films, Saville Productions
Distribution (France) : Twentieth Century Fox France
Durée : 95 minutes
Genre : Comédie dramatique, biopic
Date de sortie : 4 mai 2016

Royaume-Uni, États-Unis, Allemagne – 2016

Synopsis : Dans les années 80, suivez les premières heures de Jake sur un campus universitaire. Avec ses nouveaux amis, étudiants comme lui, il va découvrir les libertés et les responsabilités de l’âge adulte. Il va surtout passer le meilleur week-end de sa vie….

High School Musical

Après le tonitruant retentissement de son dernier film, Boyhood, original dans son procédé et remarquable dans les risques qu’il a pris (le jeune Mason Jr. est filmé depuis l’âge de 6 ans jusqu’à l’orée de l’université, avec exactement les mêmes acteurs, à raison de quelques jours de tournages tous les étés pendant douze ans), Richard Linklater a suscité l’engouement, et son nouveau film, Everybody Wants Some !! était attendu. Après la trilogie sur le couple formé par Julie Delpy/Ethan Hawke, filmée à dix ans d’intervalle, on se doutait que le film ne serait pas sans rapport avec sa précédente œuvre, l’homme étant donc coutumier du fait.

Selon les déclarations du cinéaste lui-même,  Everybody wants some !! est un film très fortement apparenté à Dazed and Confused, une de ses précédentes oeuvres : Alors que ce dernier a lieu en 1976 dans le cadre du lycée, le nouveau film se passe en 1980, la veille ou presque de l’entrée à l’université. Tourné vingt-trois ans après Dazed and Confused, il fait office de sequel bien tardif.

En effet, Richard Linklater a mis longtemps avant de pouvoir tourner cette suite écrite plus de dix ans auparavant, et d’une certaine manière, cela se sent. Sa reconstitution de l’année 1980 est pourtant irréprochable : des costumes aux décors, des dialogues à l’ambiance musicale, tout est rigoureusement collé à son époque. Non, ce qui semble anachronique, c’est véritablement la pertinence d’un tel film : le choix du sujet, de la forme et des moyens utilisés pour le film sont en décalage avec l’époque de sa réalisation.

Tout d’abord, le genre du film : Sports comedy, comme il est précisé dans le dossier de presse. Le récit concerne de jeunes bacheliers (pour des raisons inconnues joués par des acteurs visiblement plus âgés) qui vont entrer à l’université, dans la future équipe de baseball : une thématique rétrograde par rapport à sa filmographie récente, surtout parce qu’elle est traitée d’une manière différente, avec des personnages caricaturaux, évoluant en boucle dans un environnement finalement assez loin du baseball (quinze minutes d’entraînement sportif sur l’ensemble du film) mais qui comporte son lot de sexe, drogue, clubbing, sexe, drogue, clubbing… Dans le genre films « sportifs », il y eut l’excellent Bliss de Drew Barrymore en 2009, sur le thème du roller derby et qui partage le même background texan. Il y était également question de la constitution d’une équipe sportive et d’une amitié, cette fois-ci entre filles, mais le film était très intelligemment truffé de la vie quotidienne des protagonistes et de leurs relations interpersonnelles, les rendant totalement attachantes, avec la présence de quelques stars comme Ellen Page, Juliette Lewis ou encore Marcia Gay Harden. Par comparaison, le film de Richard Linklater manque singulièrement de profondeur. L’absence de têtes connues dans la distribution de Everybody wants some !!, mixée à l’inexistence d’une vraie intrigue enlève de l’intérêt au film.

Pourtant virtuose de l’art de raconter un quotidien qui n’a pas besoin d’une intrigue forte pour séduire, Richard Linklater a raté le virage cette fois-ci. L’histoire est celle d’une frat house hors campus qui abrite les futurs stars du campus (entrées gratuites et open bar dans les clubs du coin), une dizaine de garçons que réunit l’amour et la pratique du baseball. L’humour potache du film paraît démodé au regard des nouvelles références américaines. Même si on admet que le cinéaste ne joue évidemment pas dans le même bac à sable, le thème fait penser à un film comme Nos pires voisins de son compatriote Nicholas Stoller, avec Seth Rogen en tête de pont : les frasques d’une frat house également hors campus devenue folle et ingérable, aux yeux des voisins notamment, un film beaucoup plus drôle que celui de Linklater, et qui, comme tous les films de ce genre depuis Judd Appatow, allie férocité et dynamisme comiques , malheureusement absents d’Everybody Wants Some !! Et venant du Royaume-Uni, le récent Riot Club de Lone Scherfig est un tout autre autre exemple de film impliquant des étudiants rassemblés en cooptation plus ou moins amicale, une charge violente mais plutôt réussie sur la conscience de classe des grands bourgeois britanniques qui se passent les piaules d’Oxbridge de père en fils.

Ces exemples sont énumérés pour montrer à quel point il y avait mille façons plus pertinentes d’explorer ce sujet, et que Richard Linklater n’en a choisi aucune, en se cantonnant à la surface des choses, alors qu’il tenait une poignée de solides personnages. Plutôt que d’exploiter les failles des protagonistes (Willoughby au lourd secret, Beuter le texan psycho-rigide, Jay le caractériel fou, ainsi que tous les autres qu’il a pourtant pris la peine d’affubler de caractères bien distinctifs), failles qui auraient pu nous introduire dans l’intimité de ces personnages, dans leurs rêves et leurs désirs, il a préféré les suivre de loin dans leurs fêtes, leurs dragues, leurs beuveries, leurs entraînements sportifs, laissant du coup le spectateur à distance.

Après plusieurs films très attachants, Richard Linklater déçoit avec son Everybody Wants Some !!, un titre emprunté à un morceau de Van Halen présent sur une bande-son vraiment excellente et éclectique, ainsi que Fearless des Pink Floyd sur l’une des scènes les plus intéressantes du film, ou encore Cars de Gary Numan ou Heart of Glass de Blondie pour ne citer qu’eux. Une bande-son exploitée à bon escient et qui permet au film de sauver quelques plumes.

Everybody wants some !! : Bande annonce

Everybody wants some !! : Fiche technique

Titre original : Everybody Wants Some !!
Réalisateur : Richard Linklater
Scénario : Richard Linklater
Interprétation : Blake Jenner (Jake), Juston Street (Jay), Ryan Guzman (Roper), Tyler Hoechlin (McReynolds), Wyatt Russell (Willoughby), Glen Powell (Finnegan), Temple Baker (Plummer), J. Quinton Johnson (Dale), Will Brittain (Beuter), Zoey Deutch (Beverly), Austin Amelio (Nesbit)…
Musique : Meghan Currier, Randall poster (Superviseurs musicaux)
Photographie : Shane F. Kelly
Montage : Sandra Adair
Producteurs : Sean Daniel, Megan Ellison, Stephen Feder, Richard Linklater,
Ginger Sledge, John Sloss
Maisons de production : Annapurna Pictures, Detour Film production, Paramount Pictures
Distribution (France) : Metropolitan Filmexport
Récompenses : /
Budget : 10 000 000 USD
Durée : 117 min.
Genre : Comédie
Date de sortie : 20 Avril 2016
Etats-Unis – 2015