LeMagduCiné

Hué au Festival de Cannes en 2015, le dernier film de Gus Van Sant a eu du mal à venir voir le jour dans les salles de cinéma françaises. Après être repassé par la casse montage pendant près d’un an, la France se décide à enfin sortir le film, étant d’ailleurs un des rares pays a avoir eu le courage de le faire, les Etats-Unis ne s’y étant pas encore résolus.

Synopsis : Dans la forêt d’Aokigahara, au pied du Mont Fuji, l’Américain Arthur Brennan (Matthew McConaughey) est venu se suicider, comme beaucoup de personnes avant lui en ces lieux. Alors qu’il a trouvé l’endroit qui lui semble idéal, il aperçoit au loin un homme blessé et perdu (Ken Watanabe). Assailli par un sentiment d’humanité irrépressible, Arthur décide de se porter à son secours. Alors qu’il s’était décidé à mourir, il va aider un homme à survivre.

Purgatoire cinématographique

 Malgré des mauvais avis, il y a quand même une curiosité qui entoure ce long métrage, d’abord parce que c’est un film d’un cinéaste talentueux qui a offert des grands films comme Gerry et Elephant, deux films qui n’avaient pas forcément eu des retours à leur hauteur, Gerry fut même un échec commercial assez retentissant. Donc on peut toujours avoir de l’espoir pour ce Nos souvenirs (titre français déplorable mais plus en accord avec le film que le très beau titre original, The Sea of Trees), Van Sant n’ayant pas forcément connu le succès avec ses meilleurs films mais au contraire avec des projets plus grand public et insignifiants. Néanmoins, malgré un remontage qui aurait dû rendre le film plus agréable, on constate très vite que le cinéaste réunit tout ce qu’il y a de pire dans son cinéma et que tous les remixages du monde ne pourront rien y changer.

Scénarisé par Chris Sparling, auteur de Buried, une série B efficace avec Ryan Reynolds, le film va très vite accumuler tous les poncifs de ce genre de drame existentiel. Plongeant régulièrement dans des monologues pompeux qui enrobent des banalités pour les faire apparaître en vérité, le récit est globalement sur-écrit dans ses personnages et ses mécaniques nous laissant très vite entrevoir où se dirige l’intrigue. Le tout est prévisible, vain et grossièrement amené, l’écriture se sentant obliger de souligner le moindre effet pour faire comprendre au spectateur ses intentions. C’est surtout quelque chose qui prend forme au cours des 3 épilogues du film, chaque épilogue venant expliquer le précédent pour ne laisser aucune place à la spéculation et se faisant même insultant pour l’intelligence du spectateur. Et avec cette accumulation de conclusions, on est face à un scénario qui traîne en longueur et qui se montre laborieux au fur et à mesure de son avancement. L’ensemble n’est pas aidé par des personnages qui ne fonctionnent que par des clichés et des stéréotypes en faisant d’eux des coquilles vides qui manquent d’authenticité. Malgré la volonté de donner corps à la relation entre le personnage principal et sa femme à travers des flashbacks emprunts de lourdeur, le film échoue à les rendre intéressants et, pire que ça, il les ridiculise lorsqu’il dit que, pour connaître une personne, il faut savoir sa saison et sa couleur préférées. Ça manque de substance, c’est grossier dans sa symbolique, notamment quand il donne corps à la métaphore qui entoure le conte Hansel & Gretel, prouvant qu’il tient la capacité de déduction de son spectateur en peu d’estime, et surtout il tente de mettre du suspense de façon bancale là où il n’y en a pas besoin, accouchant de certains passages aberrants de stupidité. Pourtant, il faut reconnaître qu’au début cela semblait bien parti. Le premier tiers du film est intéressant, arrive à apporter une touche de mysticisme agréable et plutôt originale, usant des légendes et croyances japonaises avec habilité et arrivant à donner corps à l’ésotérisme qui entoure la forêt d’Aokigahara. Le parti pris était plutôt accrocheur, le build-up autour des motivations des personnages et de la découverte de la forêt est bien géré et on passe une première demi-heure plaisante.

Le casting suivra la courbe de progression du scénario. Au début les acteurs sont convaincants, jouant les choses avec sobriété mais une fois que le film part dans tous les sens, les acteurs suivent la mesure. Matthew McConaughey fini par faire un cabotinage ridicule, prenant les dialogues les plus médiocres bien trop au sérieux et offre une mauvaise caricature de lui-même. Ses derniers temps il n’évolue plus trop dans son jeu et ici il rejoue la même partition en total décalage, n’arrivant ni à émouvoir ni à convaincre. Ken Watanabe s’enfonce dans une performance outrée et totalement en roue libre où il finit par ne plus sortir qu’une seule expression, celle des yeux écarquillés et de la bouche à moitié ouverte. Il semble parfois traverser le film avec son air ahuri, se demandant comme son personnage ce qu’il fait là, mais pas pour les même raisons. Seule Naomi Watts arrive à offrir une prestation juste et touchante malgré la mauvaise écriture de son personnage. Elle ne se laisse pas noyer par les clichés et arrive à trouver la nuance de son rôle.

La réalisation sent le chaud et le froid. La photographie est agréable, magnifiant les décors déjà somptueux de la forêt et fait un travail intéressant sur les effets d’ombres et de lumières pour retranscrire tout l’aspect glauque et mystique de l’endroit. On regrettera juste un montage qui alourdit le rythme, plaçant ses flashbacks maladroitement, et le tout est desservi par une musique mièvre et insupportable. Celle-ci est de plus envahissante et répétitive, le film préférant mettre de la musique là où le silence aurait eu plus d’impact. La mise en scène de Gus Van Sant est maîtrisée mais impersonnelle, on a connu le cinéaste plus inspiré et il semble ici être en pilotage automatique. Néanmoins, il y a un certain savoir-faire dans la composition des plans et dans le travail sur l’ambiance, qui possèdent de bonnes fulgurances. D’ailleurs tout ce qui entoure l’aspect survival du film est plutôt réussi, l’aspect purgatoire de l’environnement et la découverte des cadavres sont toujours des moments entre la poésie et la noirceur survivaliste et certains passages de tensions et de montées d’adrénalines sont aboutis et assez impressionnants. Ils sortent le long métrage de sa torpeur et accrochent le spectateur, montrant à un ou deux moments que Gus Van Sant est encore capable d’offrir de très bonnes choses.

Nos souvenirs n’est pas seulement le plus mauvais film de Gus Van Sant, c’est aussi tout simplement un mauvais film. Tout n’est pas à jeter, comme une première demi-heure agréable, Naomi Watts toujours aussi juste et une mise en scène qui a ses bons moments. Néanmoins, on se demande comment un tel projet a pu aller aussi loin avec autant de défauts, surtout quand il est chaperonné par un grand cinéaste. Ici c’est mal écrit, souvent mal joué en raison d’une direction d’acteurs aux abonnés absents mais en plus pour un drame qui est censé faire ressentir des choses, il échoue totalement. Il mise bien trop sur la musique mièvre pour faire passer ses émotions mais cela agace plus que ça fonctionne. L’oeuvre étant en plus souvent insultante pour son public dans sa volonté de tout expliquer avec des gros sabots, ce qui amène son erreur la plus impardonnable, son manque de sincérité qui se mue en opportunisme. Tout est fait et pensé pour être quelque chose d’émotionnel et de profond pour se donner des airs importants tout en étant suffisamment accessible pour ne pas paraître trop complexe et élitiste. L’approche devient évidente et donne l’impression de vouloir forcer son spectateur à crier au chef d’oeuvre. C’est petit, vain et limite honteux.

Nos souvenirs : Bande annonce

Nos souvenirs : Fiche technique

Titre original: The Sea of Trees
Réalisation : Gus Van Sant
Scénario : Chris Sparling
Interprétation: Matthew McConaughey (Arthur Brennan), Naomi Watts (Joan Brennan), Ken Watanabe (Takumi Nakamura), …
Image : Kasper Tuxen
Montage: Pietro Scalia
Musique: Mason Bates
Costumes : Danny Glicker
Décor : Jeanette Scott
Producteur : Kevin Halloran, Ken Kao et Gil Netter
Société de production : Bloom, Netter Productions et Waypoint Entertainment
Distributeur : SND
Durée : 110 minutes
Genre: Drame
Date de sortie : 27 avril 2016

Etats-Unis – 2016

Avec La Fille Inconnue, les frères Dardenne signent leur dixième long-métrage et retrouvent les marches du Festival de Cannes pour la huitième fois. Déjà repartis à deux reprises avec la Palme d’Or (Rosetta et L’enfant), un Grand Prix du Jury (Le Gamin au Vélo) et un Prix du Scénario (Le Silence de Lorna), les Dardenne sont assurément de sérieux concurrents pour obtenir peut-être une troisième Palme d’or, raflant ainsi le record du nombre de Palmes obtenues.

Synopsis : Olivier est formateur en menuiserie dans un centre de réinsertion sociale. Un jour, la directrice lui demande d’accueillir Francis, un adolescent désireux d’apprendre les métiers du bois. Olivier refuse, prétextant qu’il a déjà trop d’apprentis. Le jeune garçon est alors placé dans l’atelier de soudure. Qui est Francis ? Pourquoi Olivier se met-il à le suivre dans les couloirs de l’établissement, dans les rues de la ville, jusqu’à son immeuble ? Pourquoi est-il ainsi attiré par lui ? Et pourquoi semble-t-il le craindre à ce point ?

Mais avant l’avenir, retour sur un film mémorable de leur filmographie. Ici ce n’est pas d’une fille dont il sera question mais d’un fils, ou plutôt d’un père. Après la consécration internationale obtenue avec Rosetta, les Dardenne souhaitaient simplement tourner un film dans lequel Olivier Gourmet serait de nouveau la tête d’affiche. Si le personnage principal du flm  s’appelle également Olivier, c’est parce qu’ils n’imaginaient personne d’autre pour incarner un père meurtri qui puisse paraître aussi quelconque que banal, un Monsieur Tout-le-Monde qui n’attire pas les regards mais auquel il est facile de s’identifier. Il faut savoir qu’Olivier Gourmet est de tous les films des Dardenne, devenant une muse qu’on retrouve avec grand plaisir à chaque film, que ce soit pour des rôles forts comme ici ou de manière très succincte dans Deux Jours, Une Nuit. Pour offrir un rôle à la hauteur de leur muse, les deux frères se sont inspirés d’un fait divers qui s’est produit à Liverpool, où deux jeunes adolescents ont été condamnés pour avoir kidnappé un enfant plus jeune qu’eux dans un centre commercial, avant de le tuer.

Au-delà même de l’acte, ce qui intéressait les deux réalisateurs, c’était les conséquences de ce crime sur la famille. Les deux cinéastes souhaitaient ainsi interroger la manière dont un enfant devient un assassin et le rôle des parents dans une pareille situation. Mais plutôt que filmer le drame, les Dardenne ont préféré imaginer ce qui se passerait si un père endeuillé – mais aussi une mère à sa manière – rencontrait par hasard l’assassin de son enfant. Ce qui les intéressait après Rosetta, c’était de faire « un film de vengeance » mais qui se voudrait plus nuancé qu’un vigilante movie. Le Fils est néanmoins à voir comme un drame social teinté d’un suspense étouffant, en témoigne le dilemme qui anime le père et pour lequel il fait preuve d’une forte résistance, tiraillé entre le pardon et son désir de vengeance. Comme à l’accoutumée, les deux cinéastes trouvent leur singularité cinématographique dans un affrontement entre le banal (les gens) et l’extraordinaire (la situation) pour créer des œuvres à l’histoire simpliste mais qui s’avèrent être de véritables combats existentiels. C’est toute la force de ces natifs de Liège qui interrogent l’attrait pour la vengeance et la notion de promesse et de pardon telle qu’elle avait été autrefois énoncée par Hannah Arendt dans La Condition de l’Homme Moderne.

Le Père

Issus du milieu du documentaire, les Dardenne trouvent leurs influences chez des cinéastes de fictions tels que Ken Loach, Roberto Rossellini et Maurice Pialat, soit des cinéastes à la patte naturaliste indéniable, touchant au plus près des corps et des sujets et dont le découpage sec et affirmé participe au caractère dramatique de tous leurs films. Comme leurs aînés, c’est toujours dans un milieu social – souvent ouvrier – que se déroulent les intrigues des films dardenniens. Il faut savoir qu’avant de s’inscrire dans un centre de formation en menuiserie, le récit devait initialement se dérouler dans une cuisine mais les deux réalisateurs s’inquiétaient de la représentation caricaturale qu’allait donner la présence de couteaux (donc d’armes blanches) et des ustensiles de cuisine dans l’environnement du personnage d’Olivier. Il s’est ainsi mué en menuisier, chargé de former des jeunes en réinsertion sociale, dont ce nouvel arrivant interprété par Morgan Marinne qui s’avère être le meurtrier de son fils. Ce dernier a été choisi pour sa ressemblance avec Jérémie Rénier, sa blondeur, son visage marqué par une colère enfouie et son teint angélique jouant en sa faveur.

Le travail est un thème omniprésent dans la filmographie des Dardenne. Répondant à un besoin anthropologique, les deux frères considèrent le travail comme lieu du rapport avec le réel et les autres. Être sans travail, c’est être condamné à la solitude, à l’inutilité. Dans une interview pour les bonus du film, Jean-Pierre disait : « C’est souvent à travers les gestes du travail que font les personnages que leurs rapports se construisent ». C’est  assurément l’apprentissage de ces gestes qui fonde le rapport social entre Olivier et son apprenti. C’est là l’unique intérêt de leur relation. Le travail permet à Olivier de s’épanouir et de trouver un sens à sa vie. Lorsqu’il a la possibilité de retourner travailler avec son frère dans une menuiserie, Olivier justifiera son refus par le fait qu’il réalise quelque chose de bien avec son métier dans le centre, et qu’il peut laisser un héritage à ses élèves. Comme un père à son fils. Car si ce quatrième long métrage dardennien s’intitule Le Fils, c’est davantage la figure du père, du mentor qui prend sens ici. Il avait même été un temps question que le titre du film soit Le Père. Le mentor est une figure qui parcourt régulièrement la filmographie des Dardenne, ce pour quoi ils expliquent avoir été fortement influencés dans leur vie par Armand Gatti. Considéré comme un mentor, Armand Gatti fut un ancien résistant italien de la Seconde Guerre Mondiale devenu poète et metteur en scène, porteur d’une influence politique à travers ses œuvres. Jamais les Dardenne n’auraient trouvé leur voie dans leur art sans l’existence de ce père spirituel qui leur a donné le désir d’évoquer le réalisme social : « C’est cela que nous appelons un « Père Spirituel », l’homme qui te donne le désir de découvrir de nouvelles choses. Et aussi un homme qui te surprend, tout en te donnant confiance. Il a joué un rôle important dans notre œuvre. Sans lui nous n’aurions pas fait ce que nous avons fait toutes ces années. »

Olivier est un personnage renfermé dans son passé, qui n’a jamais réussi à passer au-delà de la perte de son fils, contrairement à son ex-femme qui a réussi à refaire sa vie même si elle garde au fond d’elle une immense tristesse qui ne demande qu’à sortir. Entre le désir de vengeance et le besoin d’être libéré du deuil, Olivier devra être amené à faire un choix pour atteindre une libération rédemptrice sans quoi il ne pourra plus avancer dans la vie. Hannah Arendt avait évoqué dans ses écrits la notion de promesse et de pardon. Les Dardenne s’en inspirent strictement pour opposer deux croyances chez leur personnage, à savoir la promesse de se venger (jamais dit explicitement) et le pardon accordé à ce jeune garçon qui a payé sa dette. L’ambiguïté de la relation entre Olivier et Francis est pesante. Souvent dans le film, la mise en scène donne à voir un affrontement psychologique entre le chasseur aux aguets et la proie sans garde. Car derrière la transmission du savoir qui s’opère devant la caméra, Olivier est  autant animé par une pulsion de mort que par le désir de s’émanciper du deuil qui ronge sa vie. Olivier ne semble pas capable de pardonner à l’assassin de son fils mais il tente néanmoins de lui offrir son salut en lui inculquant l’expérience du métier du bois, ce qui permettra également à Olivier d’être sur le chemin de sa rédemption. C’est cette relation particulière s’inscrivant dans un rapport d’initiation maître/apprenti qui participe au salut des deux personnages. Cette tension palpable contribue à donner au film l’aspect d’un thriller où le malaise va crescendo jusqu’à un climax final dont la résolution est claire et sans ambiguïté.

Comme tout film dardennien qui se respecte, la mise en scène est au plus près du réel et du corps. Il y a constamment un rapport au corps remarquable où la caméra ne lâche jamais les déplacements du protagoniste. Car dans chacun des films, le ou les personnages principaux ne sont jamais lâchés par la caméra. Par sa mobilité, cette dernière est toujours en train de suivre le héros en situation d’urgence. Il n’y a pas de musique (sauf diégétique) et le montage ne s’embarrasse pas de tentatives vaines pour surligner le pathos d’une situation qui est déjà poignante par son aspect brut. La caméra à l’épaule est une des techniques de l’esthétique des frères Dardennes. Elle consiste en une image constamment en mouvement, qui permet une grande liberté d’action et de recadrage sur les gestes, les acteurs et les objets. Le choix de ce type de tournage est – sans doute – dû à un budget serré mais aussi par volonté artistique car les cinéastes se veulent proche du réel, où l’esthétique est à la limite du documentaire. Les Dardenne essaient le plus souvent de faire des plans séquences pour éviter les coupures, et donc recadrent sur l’instant et à l’instinct les actions importantes pour garder l’unité de la scène et des sentiments. Ne quittant jamais Olivier, la caméra épouse ses mouvements, son corps apparaissant comme relié à la caméra par un fil invisible. De tout le film, on ne voit que rarement le personnage dans son intégralité, le regard suit constamment le haut de son corps. La nuque est une partie du corps omniprésente dans Le Fils.

Il permet de placer le spectateur derrière Olivier, comme une sorte d’observateur, un curieux qui regarde par-dessus son épaule et qui adopte sensiblement son point de vue. Les histoires des frères Dardenne sont toujours inspirées par des récits du quotidien qu’ils ont entendus ici ou là et qu’ils souhaitent traiter pour une seule raison : interroger le spectateur. Chacun de leurs films vise à faire réfléchir le spectateur sur son attitude en pareille situation. Le réalisme social de leurs films ne vise jamais la magie du cinéma et ne fait que mettre les spectateurs face à la dureté du monde réel. Dans Le Fils, après avoir décidé de prendre sous son aile ce nouvel apprenti, l’ex-femme d’Olivier pose directement cette question : « Pourquoi tu fais ça ? », ce à quoi il répond « Je sais pas ». Au fond, qu’est-ce qui nous indiquerait que, nous spectateurs, agirions différemment ? Personne ne le sait. Chaque film des Dardenne est porteur d’un discours, ce qui pousse le spectateur à se rendre compte de son positionnement en telle situation. Par leur aspect froid et brut, les films dardenniens demandent peut-être un effort d’implication mais c’est le prix à payer pour saisir ces intrigues qui n’ont pas leur pareil pour faire réfléchir en plaçant le spectateur dans des situations simples mais cruciales. C’est aussi pour ça que Le Fils est un film aussi radical que bouleversant.

Le Fils assoit définitivement la réputation des frères Dardenne et semble encore plus abouti que Rosetta. Les deux cinéastes deviennent définitivement reconnaissables par leur style, leur ton et leurs sujets. On retrouve cette caméra à l’épaule froide et si éloignée de l’idée de la magie du cinéma, mais c’est ce qui fait la force des films dardenniens qui assoient ce genre si remarquable qu’est le cinéma social. Les Dardenne interrogent ici une situation universelle et donnent trois options à sa résolution (la vengeance, le pardon ou l’impossibilité de tuer). C’est là tout l’enjeu grandiose et maîtrisé de ce drame aux allures de thriller moral. Par son allure banale et disgracieuse, Olivier Gourmet est beau, grand et porteur d’une mélancolie communicative émouvante. C’est définitivement le rôle de sa vie. Si Le Fils demande de la rigueur, il passionne par son dilemme existentiel, fige par sa mise en scène, trouble par ses personnages, et abandonne le spectateur, remué et bouleversé par un récit à la force simpliste mémorable. Un très grand film.

Le Fils: Bande Annonce

Fiche Technique: Le Fils

Réalisation : Jean-Pierre et Luc Dardenne
Scénario : Jean-Pierre et Luc Dardenne
Distribution : Olivier Gourmet (Olivier), Morgan Marinne (Francis), Isabella Soupart (Magali)
Photographie : Alain Marcoen
Décors : Igor Gabriel
Costume : Monic Parelle
Montage : Marie-Hélène Dozo
Musique : /
Producteurs : Jean-Pierre, Luc Dardenne, Denis Freyd
Sociétés de Production : Les Films du Fleuve, Archipel 35
Distributeur : Diaphana Films
Budget : 2 500 000 €
Récompenses : Prix d’interprétation masculine pour Olivier Gourmet au Festival de Cannes 2002, Meilleur film francophone aux Prix Lumière 2003
Genre : Drame
Durée : 103min
Sortie en salles le 23 octobre 2002

France, Belgique – 2002

Synopsis : Raymond Depardon part à la rencontre des Français pour les écouter parler. De Charleville-Mézières à Nice, de Sète à Cherbourg, il invite des gens rencontrés dans la rue à poursuivre leur conversation devant nous, sans contraintes en toute liberté.

Raymond Depardon est un cinéaste connu pour ses portraits et documentaires, mais aussi ses fictions, chacune de ses œuvres apportant une certaine innovation, reposant sur une nouvelle idée. Le concept de son nouveau film a rebuté bon nombre de personnes au premier abord. Le cinéaste s’est donné la tâche de recueillir les discussions de personnes rencontrées dans la rue, afin de dresser un portrait des habitants de la province, donner la parole à des inconnus afin d’extraire des témoignages plus ou moins intéressants. Mais la caméra n’est-elle pas un obstacle qui empêche la spontanéité des gens ? N’est-il pas impossible d’oublier la caméra et de reprendre des discussions du quotidien sans se sentir oppressé ou influencé ? Ce sont ces questions qui furent soulevées à de nombreuses reprises. C’est avec ces interrogations que l’on aborde Les Habitants, qui se révèle être une excellente surprise.

Témoigner du quotidien est un acte puissant, qui peut émouvoir et instaurer des réflexions. Le réel tour de force de ce documentaire est que tous les protagonistes sont attachants. Raymond Depardon illustre toutes les classes sociales, et toutes les générations. De jeunes ados parleront des filles de leur classe ou de leur avenir professionnel, des personnes âgées évoqueront l’impossibilité de voir des proches loin d’eux, alors que deux femmes discuteront de la difficulté à trouver un emploi.
Les relations présentées sont également très intéressantes car, lors de certains dialogues, les protagonistes n’ont pas le même âge, ce qui renforce l’aspect humain et touchant de la chose. Alors qu’une mère s’inquiétera de la vie de famille future de sa fille, une autre fera la morale à son fils. Tous apportent leur pierre à l’édifice, même si certains sont silencieux, voire quasi-muets, alors que d’autres monopoliseront la parole.
Aussi, énormément de thèmes sont abordés, certains étant récurrents, d’autres, de l’ordre de l’intime, compliqués à dévoiler. Ainsi, les discussions tourneront autour de l’amour, de l’entrée dans le monde adulte, du mariage, du divorce, de la justice. Mais certains feront également part de leur craintes à propos de leur avenir, un jeune homme ira jusqu’à aborder sa vision de l’avortement, en se basant sur sa relation amoureuse actuelle avec sa compagne.
Aussi, certains thèmes sont très peu abordés, comme la religion, avec seulement ces deux jeunes filles qui pensent que le pape peut changer la Bible à son aise, ou encore la politique, uniquement abordée par une habitante de la ville qui se plaint du manque d’intégration à Villeneuve. Deux thèmes redondant dans les médias, mais que les habitants français délaissent.

Ces inconnus se mettent à nu, s’offrent au spectateur et nous font part de bribes de vie, devant lesquelles on ne se lasse jamais. Le documentaire dure 1h24, et pourtant, une fois le film achevé, on en reprendrait bien encore un petit peu tant les dialogues sont parfois passionnants. On se surprend à aimer écouter ces hommes et ces femmes, sans jamais tomber dans le voyeurisme. Raymond Depardon monte les dialogues, afin de ne garder que le meilleur. Aucun jugement n’est émis sur ces personnes, l’image est brute, et le plaisir est savoureux.
La photographie peut paraître extrêmement simple, et pourtant, elle est révélatrice de beaucoup de choses. Les deux profils qui nous sont proposés finissent par ne former qu’une seule et même personne. Aussi, le plan est assez large, et il est intéressant d’étudier les postures, les petites manies, les différents jeux de mains de ces personnes. Tension, peur, malaise, crispation ou joie se dévoilent par le corps, et non plus uniquement par la parole. Par de petits gestes anodins, les Habitants se rendent attendrissants, parfois même poétiques, et cela malgré eux.

Le film de Raymond Depardon semble se diviser en chapitres, chacun étant marqué par de longs plans sur cette caravane sillonnant les routes de France. On peut voir ces plans comme une pause, un moment de répit, afin de nous remettre des émotions provoquées par les divers témoignages, mais aussi une explication du contexte dans lequel le réalisateur a décidé de travailler.
On notera également que c’est Alexandre Desplat, compositeur ayant travaillé avec Jacques Audiard et ayant plusieurs prix à son actif, qui signe la bande-originale du nouveau documentaire de Raymond Depardon. La composition musicale se juxtapose aux plans de cette caravane qui part à la rencontre des habitants, et se révèle être très puissante, en corrélation totale avec l’esprit du film. On ne se lasse pas de l’entendre, et c’est peut être aussi pour ça que ces longs plans nous paraissent aussi agréables à voir.

Les Habitants est un magnifique documentaire, qui dresse des portraits de vie uniques. Tous se distinguent mais forment un tout qui est une magnifique représentation des faits qui inquiètent, réjouissent ou attristent les français. Même si certains sont parfois un peu gênant ou plus limités, ils n’en restent pas moins superbes, et on reprendrait bien encore un peu de ces paroles d’inconnus qui nous donnent du baume au cœur.

Les Habitants : Bande-annonce

Les Habitants : Fiche Technique

Réalisateur : Raymond Depardon
Photographie : Raymond Depardon
Montage : Pauline Gaillard
Musique : Alexandre Desplat
Productrice : Claudine Nougaret
Sociétés de production : France 2 Cinéma
Distribution (France) : Wild Bunch Distribution
Durée : 84 minutes
Genre : Documentaire
Date de sortie : 27 avril 2016

France – 2016