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En redonnant à voir 108 des premiers films, Thierry Frémaux remonte le temps jusqu’au premiers pas du cinéma. Lumière !, l’aventure commence, c’est un film fait par un cinéphile pour les cinéphiles.

Le 28 décembre 1895, le Cinématographe prenait officiellement vie. Lors de la première projection publique payante, les spectateurs ont découvert 10 vues Lumière. Les vues, ce sont ces petits films, d’une durée avoisinant les 50 secondes, faites d’un seul plan. 122 ans plus tard, le public peut à nouveau découvrir sur grand écran 108 des meilleurs vues du catalalogue Lumière, toutes tournées entre 1895 et 1905 par les frères ou leurs opérateurs.

Lumière !, l’aventure commence s’ouvre sur la fameuse « Sortie d’Usine », le premier film tourné à Lyon. Un photogramme, puis deux, puis trois, et la magie du mouvement opère. Pour un cinéphile, il n’y a peut-être pas de plus bel instant que de celui de voir l’origine du cinéma dans la salle. Organisé en plusieurs parties par Thierry Frémaux et son équipe de l’Institut Lumière, on découvre avec plaisir les fameuses vues restaurées, qu’elles soient rapportées du bout du monde ou qu’elle ne soient que fiction comme « Le repas de Bébé ». Lumière! peut aujourd’hui être vu comme un documentaire sur les deux frères et de leur famille, premiers acteurs du monde, mais il s’agit également d’un fabuleux témoignage sur la France et le monde du début du siècle, et pour finir, un document inestimable sur les débuts du cinéma.

On aurait pu craindre l’ennui devant ces vues muettes, ou alors l’agacement devant une voix-off trop explicative. Il n’en est rien. D’abord, la musique de Camille Saint-Saëns, contemporain des Lumière, accompagne formidablement la séance, en nous faisant littéralement rentrer dans l’époque. Ensuite, c’est Thierry Frémaux lui-même qui commente chacune des 108 vues. L’exercice est difficile : il faut trouver le mot juste en seulement 50 secondes. Le commentateur alterne habilement l’anecdote, l’explication et l’analyse du film, réussissant à diriger le regard du spectateur sur ce qu’il « faut » voir. C’est avec plaisir qu’on se laisse bercer par la voix du délégué général du Festival de Cannes.

Il faut aller voir Lumière !, l’aventure commence, pour le patrimoine qu’il expose, mais aussi pour constater la tendresse et la curiosité des frères Lumière, qui étaient aussi celui d’une époque révolue, celle qui croyait que le futur était plein d’inventions et qui n’avait pas encore vécu les deux guerres.

Lumière !, l’aventure commence : Bande-annonce

https://www.youtube.com/watch?v=DwmSWg8xQhM

Synopsis : En 1895, les frères Lumière inventent le Cinématographe et tournent parmi les tout premiers films de l’histoire du cinéma. Mise en scène, travelling, trucage ou remake, ils inventent aussi l’art de filmer. Chefs-d’œuvre mondialement célèbres ou pépites méconnues, une centaine de films restaurés composent ce retour aux origines du cinéma. Ces images inoubliables sont un regard unique sur la France et le Monde qui s’ouvrent au 20e siècle. Lumière, l’aventure du cinéma commence !

Lumière !, l’aventure commence : Fiche Technique

Réalisation : Thierry Frémaux
d’après une série de vues cinématographiques tournées par Louis Lumière et ses opérateurs
Musique : Camille Saint-Saëns
Montage : Thomas Valette et Thierry Frémaux
Production exécutive : Maëlle Arnaud
Conseiller lumière : Fabrice Calzettoni
Administration : Cécile Bourgeat
Société de production : Sorties d’Usine Productions
Société de distribution : Ad Vitam
Durée : 1h30
Visa : 145 890
Genre : documentaire
Dates de sortie  : 25 janvier 2017

France – 2017

Du haut de la Corniche Kennedy, le ciel et la mer se confondent dans un même bleu. Est-ce qu’on plonge, est-ce qu’on vole ? Peu importe pourvu qu’on ait l’ivresse.

Synopsis : Corniche Kennedy. Dans le bleu de la Méditerranée, au pied des luxueuses villas, les minots de Marseille défient les lois de la gravité. Marco, Mehdi, Franck, Mélissa, Hamza, Mamaa, Julie : filles et garçons plongent, s’envolent, prennent des risques pour vivre plus fort. Suzanne les dévore des yeux depuis sa villa chic. Leurs corps libres, leurs excès. Elle veut en être. Elle va en être.

Vertigo

Le titre d’une œuvre peut parfois être très sibyllin et d’autres fois s’imposer comme l’évidence même. Dominique Cabrera fait d’emblée les présentations : la corniche Kennedy à Marseille, c’est d’abord une route qui dévore égoïstement une bonne partie de l’espace. Acculés entre les voitures et le muret délimitant l’étroite promenade, on saute très vite la barrière pour rejoindre ceux qui plongent depuis l’éperon rocheux en quête de vertige et de sensations fortes. Un petit groupe, composé d’adolescents gouailleurs, audacieux pour certains, inconscients pour d’autres ; la caméra va les suivre et ne plus les lâcher. Corniche Kennedy est adapté du roman éponyme de Maylis de Kerangal, ce n’est cependant pas suivant les règles de l’adaptation qu’il faudra aborder cet article qui ne se concentrera que sur le film seul.

Dominique Cabrera, dès ses premiers films, a cherché à donner la parole à ses personnages en évitant les stéréotypes et les idées toutes faites. Que ce soit dans Chronique d’une banlieue ordinaire (1992) ou dans le Lait de la tendresse humaine (2001), elle tend à rendre avec le plus de justesse possible la complexité d’une situation, en faisant montre d’une grande empathie pour ses héros. Engagés, ses films le sont incontestablement : par les images qu’elle tourne, Cabrera fait acte de visibilité pour tous ceux qui sont si souvent dépeints de manière unilatérale, réduits au cliché sans épaisseur. Corniche Kennedy emprunte le même chemin que ses films précédents. Les acteurs qui interprètent les différents membres de la bande de plongeurs téméraires tournent tous pour la première fois, se sont en revanche bien eux que l’on voit sauter à l’écran, pas de doublure, ce genre de cascades fait partie du quotidien. Si l’histoire peut sembler de prime abord n’être qu’un regard porté sur une antédiluvienne lutte des classes – Suzanne habite les beaux quartiers, Marco, Mehdi et les autres viennent de la cité – la cinéaste donne à voir les choses avec beaucoup de nuances. Les appartenances recoupent de multiples facteurs, sociaux, économiques, religieux ou ethniques. C’est en se tenant à l’intersection de toutes ces causes que le film de Cabrera trouve toute sa justesse. Le personnage qui incarne le mieux ces questionnements c’est celui d’Awa, la capitaine de la brigade des stups de Marseille interprétée par Aïssa Maïga. Elle est noire et travaille pour la police, une incompatibilité totale aux yeux de certains, une trahison. Elle tranche avec fermeté « Je ne suis pas noire, je suis flic ». Ne pas se définir par ce que l’on est mais par ce que l’on fait, se faisant on sort du déterminisme qu’on voudrait nous imposer. Mais il y a quelque chose du reniement d’une part de soi que de ne mettre en avant qu’un seul état de cette double réalité. Awa est flic et noire. Faire partie d’une communauté quelle qu’elle soit, c’est se soumettre à des choix stricts ou prendre le risque de se faire rappeler à l’ordre si on sort des chemins balisés. Appartenir à un groupe implique que l’on fréquente aussi les lieux qui nous sont assignés. La mise en scène joue beaucoup sur cette notion de territoire. Marseille apparaît dès les premiers plans comme une ville morcelée par la route qui tranche et isole. Les nageurs fortunés fréquentent le Cercle, sorte de complexe aquatique privé, perché sur un promontoire rocheux et dominant la baie. Pour les autres, ce sera la plage et les calanques. « T’es chez nous ici » dit l’un des garçons de la bande à Suzanne quand celle-ci veut leur imposer sa présence. Le mélange n’est pas chose aisée mais il n’en est pas impossible pour autant.

Suzanne regarde depuis le jardin de sa villa la bande de copains se jeter à l’eau. C’est à travers une vidéo faite avec son smartphone que l’on accède à son point de vue. Images volées, un instant de la vie des autres qu’elle capte, qu’elle veut faire sienne. La question des différents régimes d’images irrigue tout le film. L’image c’est celle que l’on veut donner de soi en sautant depuis la corniche, en défiant la hauteur, en luttant contre le vertige pour impressionner les autres, l’image qui témoigne de l’exploit. Mais cette reconnaissance est parfois à double tranchant car à la reconnaissance des pairs s’ajoute parfois celle, insoupçonnée, des inconnus qui vous traquent. Suzanne fait les frais de cette image censurée, elle ne fait pas partie du groupe, les images qu’elle a dérobées ne lui appartiennent pas. Elle se verra sommer de les rendre. Le premier contact est rude, le groupe a l’avantage sur l’individu, on interpelle la jeune fille, on la bouscule, la méfiance est palpable. Si la confiance est un don rare, c’est parce qu’au-delà de Suzanne d’autres yeux observent : les stups ne sont jamais bien loin. Cette sous-intrigue de polar – dont la bande son jazzy très cuivrée est imprégnée – a déjà été utilisée de nombreuses fois pour apporter l’élément de tension nécessaire au développement et à la résolution de l’histoire. De ce cliché éculé, Cabrera parvient à tirer quelque chose. En faisant des policiers une présence plutôt lointaine dont l’intervention est limitée et qui, hormis la capitaine, ne comporte pas d’autre figure marquante. La réalisatrice évite de trop s’appesantir sur les généralités habituelles. Toute l’action est concentrée sur les jeunes acteurs et plus spécifiquement sur le trio principal. La cinéaste aime ses protagonistes qu’elle filme au plus près et qu’elle magnifie souvent.

Avec Corniche Kennedy, Dominique Cabrera prouve une fois de plus son habileté à traiter de sujets de société fortement contemporains en s’attachant à des personnages complexes. La grande force de ses portraits, c’est qu’ils ne sont ni misérabilistes ni complaisants mais plein de nuances, métissés, à l’image de Mehdi, interprété par Alain Demaria, cheveux blonds et lèvres charnues qui refuse qu’on le catégorise, sans doute le plus beau personnage du film.

Corniche Kennedy : Bande annonce

Corniche Kennedy : fiche technique

Après l’intrépide agent de la CIA (Argo) et le milliardaire porté sur le noir (Batman), Ben Affleck s’improvise mafioso des années 20 dans Live By Night, véritable lettre d’amour au genre porté au sommet par Scorsese ou Raoul Walsh. Un exercice de style efficace, à défaut d’être brillant, qui en impose surtout par sa reconstitution historique de bonne facture et sa mélancolie omniprésente.

Booze, Borsalino & Thompson

Il est toujours amusant de voir à quel point un Oscar peut influer sur le destin d’un réalisateur. Si certains en profitent pour imposer leur desideratas personnels aux studios (Scorsese avec Silence), d’autres, un peu déboussolés d’être subitement au cœur de toutes les discussions, tentent de se rassurer et retournent bien vite vers leur zone de confort, non sans l’avoir améliorée au passage. Affleck est clairement de ceux-là. Alors qu’on attendait fébrilement sa compo de Batman miné par le doute et les regrets, le voilà qui annonçait après Argo, son envie de retourner vers celui qui l’a révélé : Dennis Lehane (Mystic River, Shutter Island). L’auteur US, très habile dès lors qu’il est question de coucher de grandes fresques historiques et criminelles sur papier, avait en effet dans sa besace le texte sur lequel Affleck allait pouvoir prouver à ses détracteurs qu’il n’est pas juste un crâneur à la belle gueule et au charisme ravageur : Live By Night (Ils Vivent La Nuit en VF). Où les errements d’un soldat de la Grande Guerre las de recevoir des ordres et naturellement plus enclin à en donner, qui s’improvise, au grand dam de son père – figure notoire de la police locale -, mafioso/bootlegger en pleine Prohibition. L’occasion pour Affleck de compiler dans un film aux airs de pot-pourri, tout ce qui avait fait le succès de ses films précédents : le soufflet historique d’Argo, la violence brutale de The Town et l’émotion de Gone Baby Gone. Un mélange audacieux qui se frotte paradoxalement assez mal au seul élément intéressant du métrage : sa mythologie.

No Country for Good Men

Live By Night étant en effet le deuxième tome de l’épopée criminelle menée par Coughlin et écrit par Lehane, Affleck doit dans un premier temps accoucher de tous les rouages contenus dans les pages du roman pour situer son action et témoigner de ses enjeux. Cela donne donc un montage louchant un peu trop sur Scorsese, à bon coup de voix-off et règlement de comptes en pagaille, comme pour mieux renforcer l’idée d’un Boston gangrené par la guerre des gangs. Au demeurant, si le montage témoigne d’une relative lenteur, l’exécution n’est pas à plaindre. Affleck, rompu aux films en costume, arrive à rendre compte des années folles comme personne, à bon coup de diner huppés, borsalino, costume 3 pièces et autres Thompson à camembert. Une ambiance qui, qu’on se le dise, maintient l’intérêt sur la première bobine, voyant Affleck changer son fusil d’épaule et rallier la Floride duquel il officie pour le compte d’un sous Marlon Brando échappé du Parrain de Coppola. Là-bas, sous le soleil et à l’ivresse du rhum, il vit la grande vie, quitte à s’offrir des nouveaux costumes et à incarner ce magnat de l’alcool, cruel mais pas trop, sorte de criminel au grand coeur qui dépassera rarement la ligne jaune car doté de principes. Au milieu de tout ça, finalement, peu de surprise : toujours des méchants à abattre, des territoires à conserver et des patrons à qui embrasser la bague. Mais là où cette odyssée du gangstérisme innove, c’est bien par la dévotion d’Affleck. Toujours à l’affût, l’acteur-réalisateur arrive à tailler dans le roman (très dense) de Lehane pour s’accaparer les moments importants, qu’ils soient historiques (les soubresauts liés au Ku Kux Klan et l’influence cubaine durant la Prohibition) ou émotionnels (sa romance avec une cubaine qui va profondément modifier sa nature) et les inclure à son récit, renforçant l’aspect mélancolique de l’ensemble puisque c’est son histoire dans l’Histoire qu’il nous montre. Un choix audacieux, qui évite le sempiternel rise and fall à la Scorsese mais qui, de par sa nature expérimentale, peine à témoigner d’un rythme aussi trépidant que ces quelques scènes d’action dont la formidable course poursuite en Ford T qui laisse sourire par son côté purement anachronique, surtout en 2017.

Classieux, élégant et efficace, Live by Night est un très joli exercice de style et la preuve qu’on peut toujours compter sur Affleck pour emballer une histoire qui a de la gueule. Reste l’amertume de devoir assister à une œuvre dont la densité est palpable à tout instant mais qui a perdu une partie de sa substantifique moelle à la case montage, et dont le génie apparait timidement de temps à autre sans jamais vraiment s’imposer.

Live by Night : Bande-Annonce

Synopsis : Boston, dans les années 20. Malgré la Prohibition, l’alcool coule à flot dans les bars clandestins tenus par la mafia et il suffit d’un peu d’ambition et d’audace pour se faire une place au soleil. Fils du chef de la police de Boston, Joe Coughlin a rejeté depuis longtemps l’éducation très stricte de son père pour mener une vie de criminel. Pourtant, même chez les voyous, il existe un code d’honneur que Joe n’hésite pas à bafouer : il se met à dos un puissant caïd en lui volant son argent et sa petite amie. Sa liaison passionnelle ne tarde pas à provoquer le chaos. Entre vengeance, trahisons et ambitions contrariées, Joe quittera Boston pour s’imposer au sein de la mafia de Tampa…

Live by Night – Fiche Technique

Titre original et français : Live By Night
Réalisation : Ben Affleck
Scénario : Ben Affleck, d’après Ils vivent la nuit (Live By Night) de Dennis Lehane
Casting : Ben Affleck (Joe Coughlin), Sienna Miller (Emma Gould), Zoe Saldana (Graciella Suarez), Elle Fanning (Loretta Figgis), Chris Messina (Dion Bartolo), Chris Cooper (Irving Figgis), Brendan Gleeson (Thomas Coughlin)
Direction artistique : Christa Munro
Décors : Jess Gonchor
Costumes : Jacqueline West
Photographie : Robert Richardson
Montage : William Goldenberg
Musique : Harry Gregson-Williams
Production : Ben Affleck, Leonardo DiCaprio, Jennifer Davisson Killoran et Jennifer Todd
Producteurs délégués : Chris Brigham et Chay Carter
Sociétés de production : Appian Way, Pearl Street Films et Warner Bros.
Sociétés de distribution : Warner Bros. (États-Unis), Warner Bros. France (France)
Langue originale : anglais
Budget : 65 millions de dollars
Format : couleur – 2.35:1 – numérique
Genre : thriller, policier
Durée : 128 minutes
Dates de sortie  France : 18 janvier 2017

Etats-Unis – 2017

Non content d’avoir érigé en sommet de divertissement décérébré sa famille de Fast and Furious, Vin Diesel revient à la charge avec xXx Reactivated, sorte d’ersatz à peine digéré de James Bond coupé aux sports extrêmes et au Red Bull. Un joyeux foutoir qui ne vaut que pour la massive dose d’adrénaline et de fun distribuée au kilo par un baboulinet au sommet de son art. Jouissif !

I’ll be back

Avant d’être celui susurrant à qui veux bien l’entendre qu’il était le roi du bitume (Fast & Furious) celui qu’on appelle Mark Vincent à la ville avait un autre terrain de jeux bien à lui : les sports extrêmes. Dans xXx, Diesel, grimé en un sorte d’ex-taulard coupé aux anabolisants et à l’impertinence, jouait la compo classique de la kaira sauvant le monde juste pour le fun et qui n’en manquait pas une pour critiquer l’argumentation limite sénile de ces cols blancs pour qui le seul patriotisme méritait de se prendre une balle. 15 ans plus tard, même rengaine : Diesel, encore plus massif qu’avant, n’a pas perdu son cynisme et est toujours là pour l’Oncle Sam ; ce dernier ayant paumé un dispositif high-tech appelé « La Boite de Pandore » (pourquoi faire compliqué ?) qui transforme à la demande n’importe quel satellite en missile air-sol.

Fast & Furious 7.5  ou Suicide Squad 2, that is the question ?

Un élément bien sérieux comme il faut, qui sera heureusement le seul. Car Diesel, en homme d’affaire avisé (ici acteur, producteur, promoteur et scénariste) ne se garde jamais la couette pour lui et a conscience de ne pas réinventer le genre. Résultat, en plus d’adopter à fond son crédo de « la famille c’est la vie » et rameuter tout ses petits copains à la fête, le grand gaillard qu’il est ne s’impose aucune limite. On a donc droit à une double ration de taulards entre la tueuse d’élite lesbienne (Ruby Rose), le frappé du bulbe (Rory McCann), le DJ « Justin Bieber’s mode » (Kris Wu) et la geek au débit mitraillette (Nina Dobrev) ; tout ce petit monde étant réuni pour coincer la bande à Donnie Yen (charismatique au possible) qui veut s’arroger le contrôle de cette « arme » pour imposer leurs desiratas aux nations étrangères. Un curieux mélange qui rappelle fatalement l’accident de parcours de DC Comics de l’été dernier, Suicide Squad ; les deux films partageant ce bestiaire de trognes mal dégrossies, qui tentent chacunes leur tour d’exister en balançant les punchlines les plus old-school possible. Mais là ou DC imposait une bad-girl en plein exercice de gymnastique acrobatique, Vin Diesel s’assure un ramassis de taulards prêts à mourir pour le simple goût du risque et le petit hit West Coast qui va avec. Résultat, le film frise avec l’impertinence la plus crasse et la drôlerie la plus catatonique, jonglant constamment entre le rire forcé et celui qu’on ne peut contenir, comme devant cette poursuite à moto absolument délirante puisque à cheval entre le plancher des vaches et les remous d’une mer déchainée. Car autant y aller à fond dans le délire, non ? Une question de pure rhétorique qui a du faire son petit bout de chemin auprès de la team des scénaristes et des messieurs de l’action, car plus le film égrène les minutes et plus il envoie bouler la bienséance et la cohérence, comme le ferait Mohammed Ali sur le ring. Le clou revenant sans doute dans ce final, totalement en roue-libre, puisque voyant notre baboulinet national, fondre sur des ennemis en pleine apesanteur et toujours réussir à poser la punchline, qui outre de l’imposer eu taulier du cool, a le mérite de faire passer la violence hardcore du bidule. En fin de compte, si on fait le bilan, dans xXx, ça s’injure, ça repousse les lois de la gravité, les lois du cinéma parfois (les incohérences sont légions), ça atteint les sommets de la ringardise mais, à l’arrivée, ça touche son but : divertir sans se poser de question. Et on en demandait pas autant à un film qui arrive à caser le joueur de foot Neymar et Samuel L Jackson dedans. Loin de là…

Mélange de fun, non-sens et ode aux 80’s totalement azimuté, ce xXx Reactivated est de cette trempe de blockbuster, rare, à la fois conscient de sa propre bêtise et qui n’essaie jamais d’en limiter les effusions. Une démarche suicidaire qui fait pourtant de ce film très opportuniste et scandaleux, un monument de beauferie frappadingue et totalement jouissif.

xXx Reactivated : Bande-Annonce

Synopsis : Xander Cage, sportif de l’extrême devenu agent d’élite, sort de l’exil qu’il s’était imposé, pour affronter le redoutable guerrier alpha Xiang et son équipe. Il entre dans une course impitoyable afin de récupérer une arme de destruction massive connue sous le nom de Boîte de Pandore. Recrutant une toute nouvelle équipe d’experts accros à l’adrénaline, Xander se retrouve au coeur d’une conspiration menaçant les gouvernements les plus puissants du monde.

xXx Reactivated : Fiche Technique

Titre français : xXx: Reactivated
Titre original : xXx: The Return of Xander Cage
Réalisation : D. J. Caruso
Scénario : Chad St. John et F. Scott Frazier, d’après les personnages créés par Rich Wilkes
Casting : Vin Diesel (Xander Cage), Donnie Yen (Xiang), Deepika Padukone (Serena Unger), Kris Wu (Nicks), Ruby Rose (Adele Wolff), Tony Jaa (Talon), Nina Dobrev (Rebecca « Becky » Clearidge), Rory McCann (Tennyson Torch), Toni Collette (Jane Marke), Samuel L. Jackson (Agent Augustus Gibbons)
Direction artistique : Jon Billington
Costumes : Kimberly A. Tillman
Photographie : Russell Carpenter
Musique : Brian Tyler
Production : Vin Diesel, Jeff Kirschenbaum, Neal H. Moritz, Joe Roth et Samantha Vincent2
Sociétés de production : Maple Cage Productions, Revolution Studios et Rox Productions
Société de distribution : Paramount Pictures
Langue originale : anglais
Genre : action
Dates de sortie  France : 18 janvier 2017  États-Unis : 20 janvier 2017

Etats-Unis – 2017