Paul Schrader est énervé, veut en découdre et fait son retour en grâce avec une œuvre coup de poing qui sacrifie sur le toit de « l’autel » sa figure christique en perdition. Politique, engagé et réflexif comme du Robert Bresson, First Reformed passionne par son questionnement intérieur et son style épuré et minéral. Un grand film.
Quelques heures se sont écoulées depuis l’élection de Jair Bolsonaro, le « Trump tropical », à la présidence du Brésil. Climato-sceptique avéré, il est drôlement cynique de voir que ses propos font malheureusement écho au film de Paul Schrader et aux inquiétudes de son personnage principal. Dans le même temps, de l’autre côté de l’Atlantique, dans le sillage cinématographique américain, il est possible de voir de nombreux films s’attaquant aux États-Unis de Donald Trump : à l’image du dernier film de Spike Lee, Blackkklansman, qui s’avère être un pamphlet contre la politique sécuritaire et sociale de l’actuel président américain.
First Reformed, lui, qui dépeint une société en déliquescence et un pays qui se cache derrière des valeurs pieuses pour accroître son envie de grandeur, n’est pas un film à la marque militante. Politique, il est vrai, mais pas militant. Ce qui fait la force du long métrage, c’est de pointer du doigt un système global qui fait dégringoler notre civilisation, comme un cercle vicieux qui ne s’arrête jamais, pour au mieux dévisager les cicatrices intimes des personnages. Dans les premiers instants du film, nous apercevons un prêtre faisant un sermon devant un auditoire absent et une église presque vide. L’ambiance est froide, les contours de l’atmosphère paraissent aliénants. Mais cette absence de paroissien n’est pas seulement synonyme d’un manque d’intérêt pour la religion mais catalyse aussi un désarroi immense, une rage intériorisée qui gronde à l’image de ces nouveaux jeunes croyants dont les discours radicalisés sur l’immigration et le choc des cultures proche de ceux de Fox News font froid dans le dos.
L’une des rencontres qui va voir le prêtre chuter dans ses idéaux, est celle avec ce jeune activiste climatique qui ne veut pas que sa femme fasse naître leur enfant par peur de l’avenir : pour lui, il ne sert à rien que leur enfant voit le jour dans un monde qui court à sa perte. Sauf que cette confrontation avec cet homme gangrené par le désespoir n’est pas qu’une voix écorchée qui parle dans un océan de vide mais s’avère être aussi une caisse de résonance par rapport au passé du dit prêtre, qui lui-même est hanté par la perte de son fils durant la guerre en Irak. Il l’avait incité à partir en guerre contre l’avis de sa femme. A partir de ce moment-là, le film bascule dans un questionnement intérieur d’un croyant dont la foi est vacillante et où la crainte de fin du monde n’a jamais été aussi pesante. Une peur englobe notre aumônier pour ne plus le lâcher.
Dans son film, par sa faculté visuelle, ce cadrage minéral, cette économie dans la lumière et dans les mouvements de caméra, le cinéaste cite avec passion Bresson, Bergman ou Maurice Pialat version Sous le Soleil de Satan. C’est ce qui sépare la justesse de l’œuvre de Paul Schrader et la plupart des films actuels qui amènent leur aspect militantiste d’une manière outrancière tout en nous imposant une morale comme peut le faire le larmoyant et non moins pataud Capharnaüm de Nadine Labaki. First Reformed, référençant les anciens esthètes européens, n’ignore pas son époque et n’en reste pas moins une œuvre à la modernité mortifère.
Alors que l’œuvre aurait pu vite tourner à la démonstration didactique et la récitation vindicative et documentariste sur le changement climatique à la Al Gore, le film s’avère plus impressionnant et offre une profondeur de champ plus importante. En essuyant les critiques, en se confrontant à l’opportunisme même de l’église protestante, en voyant que son Église est elle-même financée par une entreprise qui pollue à grande échelle, le pasteur comprend l’inéluctabilité de ce serpent qui se mort la queue. Sous l’habit religieux, derrière cette apparence de curée de village réglant les problèmes domestiques, une haine grince le parquet, l’incompréhension devient de plus en plus omniprésente dans les pensées de ce jeune prêtre.
Pendant que la voix off du personnage nous explique à de nombreuses reprises ses égarements idéologiques, qu’il se sait presque condamné par une maladie qui montre le bout de son nez, que sa solitude devient un chemin de croix inévitable, c’est avant tout grâce à son acteur principal, Ethan Hawke, que cette incarnation du désespoir est autant tangible. En symbiose totale avec le reste du film, cette froideur dans le regard et cette tristesse taiseuse n’a jamais été aussi prégnante. Comme dans Oslo 31 aout Joachim Trier ou même Under The Skin de Jonathan Glazer, on assiste au parcours d’un personnage naviguant dans un monde dans lequel il ne se reconnait pas, dans lequel il est de plus en plus difficile de s’assimiler et de ne faire qu’un. Politique, le film ne l’est pas seulement par le biais de son propos et par ses thèmes économiques.
First Reformed est également politique par sa déconstruction de la figure christique au cinéma. Alors que le cinéma hollywoodien bâtit en ce moment à coup de boutoir des dieux sauveurs d’une humanité non représentée dans le brouhaha le plus alarmant, allant des Avengers, Superman ou Tom Cruise dans MI, Paul Schrader désacralise et se sert avec finesse et silence de la figure religieuse et paternaliste de son œuvre comme première arme potentielle à la destruction, comme premier témoin de ce monde désolant, ou comme premier recours à un terrorisme interne. Au lieu de créer une sphère héroïque ou anti-héroïque, il met l’humain au centre de son récit pour confronter l’infiniment petit à l’infiniment grand. Fou, passionnant, First Reformed est l’un des objets cinématographiques les plus importants de l’année. Pourtant, il n’est qu’un simple DTV en France.
Synopsis: Un ancien aumônier militaire est ravagé par la douleur après la mort de son fils.
Bande annonce – First Reformed
Fiche technique – First Reformed
Réalisateur : Paul Schrader
Scénariste : Paul Schrader
Acteurs : Ethan Hawke, Amanda Seyfreid
Photographie : Alexander Dynan
Producteur : Killer Films, Arclight Films
Genre : Drame
Durée : 1h48mn
Date de sortie : 23 octobre 2018 (DVD)
L’étrange et envoûtant road-trip signé Christopher Radcliff et Lauren Wolkstein sort enfin en DVD et VOD le 20 novembre 2018 !
L’occasion de (re)découvrir cette histoire fraternelle, meurtrière et mystérieuse. Les dialogues y sont minimalistes et l’ambiance tendue à souhait, mais on se laisse prendre dans cette quête d’un certain idéal, une cabane en pleine forêt : la subsistance. Mais The Strange ones est aussi un film de secrets, de révélations et donc de traumatismes, très bien retranscrits à l’écran. Les entretiens avec l’équipe du film, présentés dans les bonus de cette édition DVD, permettent d’en savoir davantage sur la genèse du film, d’autant plus que le court métrage Deux inconnus, ayant inspiré The strange ones, est aussi à découvrir dans le DVD. Un prolongement plus que bienvenu d’un univers bien cotonneux et taiseux. Un univers auquel il faut accepter d’adhérer sans forcément avoir toutes les clefs de lecture à la fin du film.
Le court-métrage est une occasion en or d’en découvrir plus sur le désir d’ambiguïté des deux réalisateurs. En effet, loin de lever le voile sur le long métrage, ce court l’épaissit en le rendant encore plus tendu, plus irréel et même plus effrayant. A travers le regard d’une gérante de motel et un saut dans une piscine, le spectateur est perdu entre une relation tendre et une relation cruelle, il ne sait plus quoi croire, où regarder et comment le faire. On sent que les réalisateurs voulaient approfondir leur ambiance, plus que leur scénario, en passant d’un format court à un format plus « digne » de sortir en salles. Malgré tout, nous n’irons pas jusqu’à qualifier The Strange ones de « Mulholland Drive dans la forêt » comme le suggère la jaquette du DVD, puisqu’il manque au film une profondeur afin d’engager réellement un dialogue artistique pertinent. Dommage.
Bloc technique : Année de production : 12018 Durée du film : 78 minutes – Totalité du DVD : 117 minutes Image : 2.35 – Son : 5.1 Langues : anglais, sous-titres français
Suppléments : Entretiens avec Alex Pettyfer, les réalisateurs Christopher Radcliff et Lauren Wolkstein et le producteur Sebastien Aubert
Court métrage ayant inspiré le film : Deux Inconnus de Christopher Radcliff et Lauren Wolkstein
Galerie Photo. Bio-filmographie des réalisateurs. Film-annonce.
Synopsis : A bord de leur voiture, Sam et Nick sillonnent les routes de campagne américaine. Pour certains qu’ils croisent, ils sont deux frères partis camper, pour d’autres, des fugitifs. Durant ce road-trip, de mystérieux événements surviennent, faisant peu à peu éclater la vérité au grand jour…
The Strange ones : Fiche technique
Réalisateur : Christopher Radcliff, Lauren Wolkstein
Scénario : Christopher Radcliff, Lauren Wolkstein
Interprètes : Alex Pettyfer, James Freedson-Jackson, Emily Althaus, Gene Jones, Owen Campbell
Photographie : Todd Banhalz
Montage : Christopher Radcliff, Lauren Wolkstein
Sociétés de production : Adastra Films, Relic Pictures
Distributeur : Epicentre Films
Durée : 81 minutes
Date de sortie : 11 juillet 2018
Genre : Thriller
Le Festival Lumière 2018 vient de fermer ses portes et c’est avec une joie non dissimulée que nous avons participé à cette dixième édition. Nous avons sillonné le Pathé Bellecour ou le Comedia pendant une semaine sans relâche. Cela fait donc 10 ans que ce festival existe et rend un hommage sincère au cinéma. On parle bien de cela : le terme qui est au centre de tous les débats durant cette semaine lyonnaise, est bel et bien le cinéma. Mais le septième art dans ce qu’il comporte de plus noble : avec cette idée de partage, de découverte ou cette diversité qui fait la richesse même du grand écran.
Aujourd’hui, lorsqu’on pense à un festival, on imagine les nouveautés, à cette sensation électrisante de voir des films en avant-première, de sentir ce petit goût du scandale ou de l’inconnu dans lequel nous allons nous engouffrer. Certes, le Festival Lumière n’y échappe pas puisqu’il nous a fait découvrir cette année High Life de Claire Denis et Roma d’Alfonso Cuaron. Et c’était magnifique. Cependant l’effet pervers qui ressort de la plupart de ces festivals adorés de tous (nous les premiers), est cette idée de visibilité, de compétition, de course au buzz, ou à vivre dans cette urgence habituelle de l’actualité, sans prendre de recul sur les œuvres que nous venons de voir, ni prendre plaisir à se remémorer les étoiles du passé. Aucunement réactionnaire, ni vieux jeu, ni donneur de leçon, le Festival Lumière, lui, joue la carte de la communion même autour du cinéma.
C’est un festival important. Certains disent, festival « classique », ou du « patrimoine » : nous dirons plutôt moderne et extrêmement rafraîchissant. Il est rare les endroits, qui permettent de rassembler tout le monde, de mélanger les statuts, d’effacer la hiérarchie entre connaisseur et profane, de rameuter presque toutes classes sociales dans une même salle. C’est une mosaïque autant humaine que cinéphile : on passe d’un film d’Henri Decoin avec les rires ravageurs de Danielle Darrieux aux ovnis de Claire Denis et ses âmes vampiriques de Trouble Every Day. Des combats esthétiques de King Hu aux effets spéciaux sophistiqués d’Alfonso Cuaron. Ou avoir la chance de voir des films de Sergio Leone sur grand écran. Le programme est vaste et assez éclectique pour tout le monde.
Au Festival Lumière, les débats sur le cinéma de genre ou la bonne santé du cinéma français n’existent plus : nous sommes dans une bulle pendant une semaine, ouverte à tous, loin de ces quelques youtubeurs français opportunistes qui pensent défendre le cinéma français en faisant des milliers de vues avec des critiques hypocrites sur Alad 2. On est loin de tout ça, même si quelques jours après, nous étions bien contents de découvrir le somptueux First man.
C’est presque même une remise en question qui débouche sur notre rapport au cinéma, de puiser dans notre curiosité, on se sent comme à la maison : les stars et le grand public se rencontrent dans une grande convivialité et dans l’harmonie la plus totale à l’image de ces Master Class, qui sont comme le dit souvent Thierry Frémaux, plus des moments de « conversations et de discussions » que des analyses filmiques pures et dures. On aimerait peut-être que le Festival Lumière se permette une plus grande diversité dans ses choix d’artistes pour faire connaitre des métiers du cinéma un peu moins mis en valeur. Ça irait parfaitement dans l’ordre d’idée de ce festival.
Il était très intéressant d’écouter parler cette année Liv Ullmann donner des anecdotes sur elle et sa relation avec Ingmar Bergman ou Claire Denis et ce qu’elle pense de Robert Pattinson. Mais il ne faut pas se fourvoyer : nous ne sommes pas dans Vivement Dimanche de Michel Ducker qui passe la brosse à reluire à des stars qui viennent se gargariser de leur art. Derrière cet aspect un peu naphtaline, le Festival Lumière n’en oublie pas de vivre dans son temps et de sentir les souffles de son époque : donner un prix à Jane Fonda, grande actrice et inflexible militante, n’est sans doute pas inopportun, en pleine période Me too. La politique est présente, mais l’enjeu cinématographique l’est encore plus. Et ce qui fait la force de ce Festival Lumière. Le cinéma.
L’une des personnalités honorées durant ce Festival Lumière 2018 est la réalisatrice et fantasque Claire Denis. Alors que son dernier film High Life nous a été présenté en avant première et sort bientôt en salle, il est temps de faire un petit retour en arrière pour se replonger dans les limbes de son film le plus mémorable: Trouble Every Day. Un film vampirique et sanguinolent d’une grande poésie funèbre.
Timide, cherchant constamment à comprendre l’intime, Trouble Every Day vole de ses propres ailes, à l’image de ce simple foulard galopant dans l’air de Paris. Face à nous, une œuvre immergée alors dans une frustration latente voyant deux « vampires » malades qui essayent tant bien que mal de canaliser un démon carnivore qui grandit en eux. Directement, par sa construction fantomatique, la réalisatrice quadrille un cadenas dans les tentations pulsionnelles, un mal corporel qui empêche de faire ressortir le monstre qu’est l’humain, le calme avant la tempête. Claire Denis filme donc deux histoires distinctes, deux âmes en peine enchaînées malgré elles, pour ne pas qu’elles dévoilent leur véritable visage sanglant à leurs propres congénères.
Deux cannibales les nerfs à vifs propulsés dans une jungle humaine comestible. Par cette approche minimaliste, elle fait de ce soubresaut un rendez-vous manqué et meurtrier qui va alors composer un film de genre sans en être un où l’horreur peut être légère comme la simple rosée du matin. C’est donc par choix que l’effusion de sang devient secondaire malgré la fine radicalité dans certaines scènes de cannibalisme. Claire Denis pense, réfléchit à son ambiance douce calfeutrant ses personnages solitaires comme le faisait Sofia Coppola dans Lost in Translation. La réalisatrice s’immisce dans l’addiction de la chair, du sang : une plus animale et haineuse (Béatrice Dalle) et l’autre plus humaine, teintée d’une compassion anxiogène (Vincent Gallo). Puis, une angoisse sourde parcourt ce film d’un amour paradoxal. Que cela soit dans cette chambre fermée à double tour, ou face à ces murs mystiques jonchés du sang d’un inconnu, Trouble Every Day a le souci du détail, de la chair, du grain de peau.
Shane part en voyage avec sa dulcinée pour une petite escapade en amoureux, essayant de panser ses plaies psychologiques. Il la regarde sans réellement la toucher par peur de partir en vrille et de commettre l’irréparable. Claire Denis crée une atmosphère apaisante mais maladive, amoureuse mais destructrice. Trouble Every Day est une étude de caractère schizophrène, un cri de douleur dans le silence, notamment à travers un Vincent Gallo impuissant, essayant de contenir ses pulsions morbides comme lorsqu’il se cache dans les toilettes de l’avion pour laisser s’égailler ses cauchemars les plus sordides. Il est un monstre, il le sait, on le sait, mais s’instaure à contrario une empathie quant à sa frustration amoureuse. Vincent Gallo, avec sa retenue et son regard à la fois envieux et triste, est fascinant de justesse. À l’image de la bande son magnétique des Tindersticks, poétique et mélancolique à souhait dont l’utilisation fait penser à celle de In the Mood for Love de Wong Kar Wai, Trouble Every Day n’est pas un film horrifique à proprement parlé, il garde ses codes de films d’auteurs lents et quasi mutiques.
Une odyssée lancinante avant une tempête faite de sensualité vorace, un lâché prise pénétrant. De l’autre côté de la ville, une femme est enfermée à double tour dans un pavillon de banlieue par un médecin mystérieux faisant des expériences sur sa propre nature. Enfermée parce que la nuit et le jour elle s’échappe pour avoir les faveurs d’hommes peu scrupuleux sur lesquels elle pourra assouvir sa soif de chair. Sentiment d’angoisse et d’immense s’empare d’elle durant ses meurtres presque involontaires. Trouble Every Day est lumineux, calme sous les déchirements de peau, terriblement humain devant l’horreur.
Machinalement, derrière son aspect dérangeant et glauque, le long métrage est souvent muet et la réalisatrice laisse divaguer sa caméra, sa photographie haletante sur les regards, sur les corps telles des proies notamment lorsqu’elle filme des scènes d’intimité où se mélange passion sexuelle et peur de perdre le contrôle face à cette bestialité sanguinaire. Avec des petits mouvements scéniques anodins mais somptueux, un montage sur les corps, sur le désir, sur les expressions, comme le prouvent ces dernières minutes parfaites de non-dits monstrueux, Claire Denis fait alors raisonner les battements de cœur de son œuvre mortifère.
Synopsis: Lors de son voyage de noces à Paris avec son épouse June, Shane Brown, un chercheur américain, part retrouver son ami Léo, un médecin français susceptible de le soulager d’un mal étrange.
Bande annonce – Trouble Every Day
Fiche Technique – Trouble Every Day
Réalisateur : Claire Denis
Scénario : Claire Denis et Jean Pol Fargeau
Interprétation : Béatrice Dalle, Vincent Gallo
Photographie : Agnès Godard
Distribution (France) : Rezo Films
Durée : 110 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 11 juillet 2001
Après l’avant-première de Roma d’Alfonso Cuaron, le Festival Lumière nous offre sa deuxième surprise de la semaine avec High Life, le dernier film de Claire Denis. S’immisçant dans les contrées de la science-fiction, la cinéaste radicalise de nouveau son cinéma, pour nous présenter un film d’une autre espèce. Une œuvre hybride où la contemplation d’un environnement dégénératif côtoie les saillies viscérales de corps décharnés par les expériences. Difficilement classable, High Life pourrait rapidement déconcerter les néophytes de la cinéaste.
Dans une époque, lointaine ou pas si lointaine que cela, le gouvernement se sert de personnes condamnées à mort pour les envoyer dans l’espace s’affranchir de missions qui pourraient changer la phase du monde. Nous n’en savons pas plus, la réalisatrice, avec son épure habituelle, laisse place à l’imagination ou à l’interprétation de son spectateur. Ces missions-là, dans la trame narrative de High Life, seront très rapidement plus ou moins éludées pour laisser place au savoir faire visuel de la réalisatrice et mettre en perspective des thématiques qui lui sont propres : la représentation du corps et le désir dans sa marginalité.
Nous ne sommes pas dans First Man, Seul sur Mars ou dans Interstellar : l’espace et la science-fiction ne sont qu’un contexte, un décorum minimaliste, à la direction artistique proche des 80’s, qui accentue ce sentiment de solitude et qui sert de huis clos à la folie progressive des personnages. Un lieu au souffle court, qui capte parfaitement les idées d’apesanteur de Claire Denis avec ces silences lancinants et à faire ressentir le vide. Sans le montrer de manière grandiloquente, elle s’interroge grâce au futur sur l’humain de maintenant et son rapport à la technologie.
Cependant, le film déconcerte dès le départ : même habitué au style de Claire Denis avec sa mise en scène contemplative et son rythme anémique, il est parfois difficile de se confronter aux premières minutes belles mais déjà pessimistes de ce film qui voit Robert Pattinson, seul avec sa fille, dans une station où ils essayent de survivre dans un quotidien bien morne. Puis par l’idée du montage, High Life rebrousse chemin pour nous expliquer ce qu’il s’est passé en amont, avec des résonances floues, sanguinolentes et commence tout doucement à prendre son envol. On voit quelques bribes de passé sur la terre ferme des condamnés à mort et la raison pour laquelle ils ont été sur cette station : des rebuts de la société, envoyés comme de la chair à canon dans l’espace.
Le terme est intéressant, car dans cette station, ces hommes et femmes ne seront vus que comme des corps jetables, suivant le cycle de recyclage de leurs semences et seront considérés comme des enveloppes à reproduire. Ce malaxage esthétique de la chair, cette récupération des fluides, notamment le sperme, voit Claire Denis et son scénariste Jean Pol Fargeau s’intéresser sur la connexion humaine, sa relativité et l’ambivalence de la reproductibilité et le désir. Ce parti pris est caractérisé notamment par le médecin, incarné par une Juliette Binoche habitée, qui cohorte toute cette troupe de vagabonds. Médecin ou plutôt sorcière chamanique aux longs cheveux noirs, qui s’octroie le droit de vie sur ses congénères, est presque l’épicentre même du film.
C’est à travers ce personnage que toute la sève de l’œuvre prend forme : il est impossible de ne pas parler de cette fantastique scène dans la « box du sexe » où Juliette Binoche s’adonne à des plaisirs personnels. Scène organique, sensorielle au possible, qui se rapproche de l’esthétique d’un Philippe Grandrieux où l’on voit les stigmates subis par son corps et où l’on comprend toutes ses motivations sur la natalité.
High Life, se rapproche plus d’un Trouble Every Day (le désir et l’humain comme tabous) ou d’un Les salauds (la violence faite aux femmes) plutôt que sa dernière incartade dans la comédie qu’est Un beau soleil intérieur : antipathique, froid, violent et cynique au plus au point, cette odyssée spatiale au rythme délétère, pourrait en laisser plus d’un sur le carreau, tant l’épure est le maitre mot d’un film qui prend des allures de survival aliéné aux multiples visions cauchemardesques.
C’est un film de Claire Denis dans le texte où elle s’amuse et prend un malin plaisir à faire déambuler sa caméra dans des couloirs bleutés ou rougeâtres, aime faire réfléchir les regards pour se faire éclater la déviance de ses personnages, et épuise au maximum le rythme de son film pour iconiser le surgissement de la violence.
Synopsis: Un groupe de criminels condamnés à mort accepte de participer à une mission spatiale gouvernementale, dont l’objectif est de trouver des sources d’énergie alternatives, et de prendre part à des expériences de reproduction…
Bande annonce – High Life
Fiche technique – High Life
Réalisateur : Claire Denis
Scénario : Claire Denis et Jean Pol Fargeau
Interprétation : Robert Pattinson, Juliette Binoche, Mia Goth
Photographie : Yorick Le Saux
Maisons de production : Pandora Film Produktion, Alcatraz Films, The Apocalypse Films Company, Madants,
Distribution (France) : Wild bunch Distribution
Durée : 110 min.
Genre : SF
Date de sortie : 7 novembre 2018
Honoré durant ce festival lumière 2018, Alfonso Cuaron en a profité pour nous présenter en avant-première et en salle de cinéma, son dernier film produit par Netflix, Roma. Après le succès monstrueux de Gravity, le mexicain délaisse les énormes studios américains pour se remémorer les souvenirs du Mexique des années 1970 qu’il a connu durant sa jeunesse. Ode à la nostalgie, déclaration d’amour aux femmes, Roma est l’itinéraire d’une famille unie malgré la dislocation et le portrait d’un pays foisonnant de diversité malgré les éruptions sociales violentes.
Roma est typiquement le genre de film intime, personnel où le réalisateur se sent enfin prêt à se livrer sur la pellicule. Tellement, qu’il s’est lui même occupé aussi du scénario, de la photographie et du montage du film. Après Gravity, et sa grandiloquence visuelle mémorable, quoi de mieux que de retourner aux sources, pour enfin essayer de déchiffrer une partie de sa vie. Roma n’est pas à proprement parler autobiographique, mais s’inspire selon le réalisateur, de beaucoup d’éléments de son enfance et suit le quotidien d’une femme de maison, Cléo. Et cela se voit à l’écran tellement on ressent une douceur, une bienveillante avec laquelle la caméra scrute délicatement les personnages. Alfonso Cuaron délaisse la pesanteur étouffante de Gravity, la noirceur baroque de Harry Potter et le prisonnier d’Azkaban ou l’urgence mortifère de Les Fils de l’Homme.
Cette fois ci, Roma est une ballade douce et amère, dramatique et héroïque. Les mouvements de caméra se font plus légers, les travellings plus lancinants, aimantés par les détails de la maison familiale laissant la petite famille rigoler, se déchirer ou courir de tous les côtés. Roma est une mosaïque de moments de vie, d’une épouse laissée à l’abandon, tout comme sa femme de maison lâchée par son compagnon après l’annonce de sa grossesse. De ce noir et blanc puissant et évocateur, Alfonso Cuaron se saisit une nouvelle fois de ses thèmes de prédilection avec un humanisme débordant : l’amour, la renaissance et l’espoir.
À travers ces notions, il construit des héroïnes du quotidien, parfois balbutiantes et isolées face à une masculinité absente et menaçante, mais toujours les pieds sur terre pour faire grandir la petite famille. Il est intéressant de voir qu’on passe d’une scène à une autre, avec une grande fluidité, sans que l’on sache où le film va nous amener : comme si le cinéaste s’était détaché de toute entrave scénaristique, et nous montrait des bribes de souvenirs, des disputes entre enfants, des accolades réconfortantes, ou des ricanements entre filles.
Cependant, le cinéaste ne s’arrête pas au simple horizon de ses personnages, et comme à son habitude, adore construire un environnement riche en détails, tant au premier plan de son cadre, qu’à l’arrière-plan. Il dessine, avec tendresse les murs d’une maison aux allures aisées, se souvient de ces grandes salles de cinéma qui ont construit sa cinéphilie, ou de ces petits restaurants en famille, de cette mer matricielle symbolisant la renaissance, mais du même côté n’oublie pas les bidonvilles vagabonds de ces petites gens sauvées par les arts martiaux et la horde sociale qui rugit et se meurt par le feu. La puissance de Roma, ne provient pas seulement de ses personnages, mais aussi de cette représentation esthétique du Mexique, évocatrice et symbolique sans que le cinéaste prenne parti ou immisce une quelconque revendication militante.
Alors qu’on avait quitté Alfonso Cuaron avec deux films à l’urgence immersive, Roma est un regard en arrière nostalgique, non sans douleur, qui s’avère d’une humilité déchirante, d’une empathie communicatrice où le réalisme devient naturalisme. À chaque recoin du cadre, à chaque mouvement de caméra, on imagine l’enfant qu’était Alfonso Cuaron en train de se souvenir de sa propre vie construisant mentalement son propre roman photo et rendant hommage aux femmes qui ont fait l’homme qu’il est devenu.
Synopsis: Ce film fait la chronique d’une année tumultueuse dans la vie d’une famille de la classe moyenne à Mexico au début des années 1970.
Bande annonce – Roma
https://www.youtube.com/watch?v=ColFKJzVvkk
Fiche technique – Roma
Réalisateur : Alfonso Cuaron
Scénariste : Alfonso Cuaron
Photographie : Alfonso Cuaron
Montage : Alfonso Cuaron
Productions: Participant Media
Genre : Action, Espionnage
Distributeur : Netflix France
Durée : 2h15mn
Le festival Lumière 2018 part en trombe et dévoile l’éventail de son programme éclectique et d’une richesse cinématographique certaine. Cette année, les cinéastes qui aiment utiliser l’image et le cadre à des fins de réceptacle à la narration, qui épousent l’esthétisme parfois à outrance pour magnifier l’environnement de leur film sont mis à l’honneur : après avoir parlé de Claire Denis, nous pouvons nous pencher sur Alfonso Cuaron. Réalisateur mexicain habitué des plans-séquences, qui nous présentera en avant-première pendant le festival, son dernier film Roma.
Alors que Claire Denis, elle, avait une attache particulière au désir et à la sensualité marginale du corps, Alfonso Cuaron est un réalisateur à l’humanisme un peu plus exacerbé et où l’immersion est le maitre mot de la dimension même qu’il veut donner à son cinéma. Humanisme, car si l’on gratte le vernis d’une mise en scène tentaculaire, se cache un réalisateur qui a un amour assez fou pour ses personnages. La première notion qui nous vient en tête en pensant aux films du cinéaste est le terme « survie ». La survie est une variable qui anime les pulsations visuelles et narratives de ses films : que ça soit la jeunesse débridée de Et…ta mère aussi, de Harry Potter face aux « détraqueurs », de cette jeune mère dans Les fils de l’Homme et surtout cette astronaute dans Gravity. Cette survie, qui est autant sociale que vitale, amoureuse que familiale, pousse les personnages d’Alfonso Cuaron dans leur dernier retranchement, à se poser des questions existentielles, leur fait toucher du doigt le labeur de la vie et les amène vers des contrées vertueuses de dépassement de soi, pour combattre un deuil ou se mettre sur la voie d’une renaissance personnelle.
Gravity et Les Fils de l’Homme en sont le plus bel exemple car ils matérialisent le fait que l’humain et sa condition sont au cœur de la synergie même du cinéma du mexicain : soit par un réalisme proche du documentarisme ou soit par la métaphore visuelle. Pourtant, nous pourrions facilement croire qu’un esthète de sa trempe puisse se soucier guère de l’écriture de ses personnages. Cependant, derrière des plans-séquences impressionnants, une pyrotechnie d’effets merveilleux (comme sur Gravity), cette magie de la mise en scène comme si nous étions dans une séance de parc d’attractions, c’est l’image et cet environnement visuellement terrassant qui suivent avec une attention bienveillante le cheminement des protagonistes.
La caméra et le personnage ne font qu’un : ce qui donne une urgence tangible aux films d’Alfonso Cuaron, chose rare dans le cinéma actuel, grâce notamment à l’aide de son directeur de photographie Emmanuel Lubezki, qui travaille également pour Alejandro González Inárritu et Terrence Malick. Là où Malick est plus céleste et contemplatif dans sa démarche, là où Inárritu se veut plus rationnel et psychologique dans sa manière d’appréhender les angles de vue de Lubezki, c’est l’énergie vitale et l’immersion physique qui gouverne dans les films d’Alfonso Cuaron. Le ressenti du spectateur, l’expérience presque organique que l’on perçoit devant un film d’Alfonso Cuaron est assez prodigieuse. Cette qualité de montage, ce perfectionnisme, cette logistique sur la temporalité ou même cette aptitude à immerger le spectateur dans un espace restreint diffusent l’émotion dramatique qui émane de ses œuvres.
Harry Potter et le prisonnier d’Azkaban avait déjà prouvé la facilité déconcertante du réalisateur à imbriquer les codes du blockbuster, qui sont parfois ceux du pur divertissement, avec ses velléités d’auteur. Ce qui lui permet de jouer avec les genres cinématographiques avec la plus grande des singularités, allant du post apocalyptique, la science-fiction ou même le road movie. Il arrive ainsi, par exemple, à revitaliser une franchise comme celle des Harry Potter, en donnant au troisième opus un esprit presque gothique et une ambiance baroque. La linéarité du scénario de ses films n’est qu’un écran de fumée, comme dans Et…ta mère aussi, et dévoile une mise en scène au service de l’humain, où l’espoir devient l’arme principale pour vaincre les obstacles de la vie.
Le Festival Lumière 2018 vient de démarrer, et une fois encore, il nous propose un riche éventail de films à découvrir ou à redécouvrir. A commencer par l’un des films les plus importants du début des années 2000 : Les Fils de l’Homme d’Alfonso Cuaron. Pamphlet politique sur la survie de l’humanité, film d’anticipation dystopique, fin du monde annoncée, film de guérilla urbaine, cette œuvre est d’une profondeur de champ incontestable.
Le coup de maître du film se mesure à plusieurs niveaux. Premièrement, par son récit qui mêle la petite histoire à la grande Histoire : là où l’avenir d’un seul être pourrait changer le sort de l’humanité. Dans une période dystopique où l’humanité se meurt, se déchire, par la guerre, le terrorisme ou les maladies, l’Homme est devenu infertile et court à se perte. Heureusement, une femme est miraculeusement tombée enceinte et devient un joyau qui se doit d’être protégé, caché des instrumentalisations et autres velléités politiques et gouvernementales. Surtout dans une société britannique militariste qui chasse et tue les migrants dans des « camps de concentration ».
De par son univers à la fois futuriste, presque post-apocalyptique sur certains plans, mais aussi très proche de la réalité dans laquelle nous vivons ou d’une réalité pas si lointaine, Les Fils de L’Homme nous permet de nous identifier très facilement à ce contexte social et sociétal mouvementé et en dégringolade totale. Derrière sa maîtrise formelle, qui est l’atout majeur du film et son épicentre cinématographique, le film arrive à tirer son épingle du jeu par l’intelligence de son propos et par sa capacité à traiter de nombreux sujets d’actualité avec pertinence (communautarisme, immigration, croyance en Dieu, liaison entre activisme et terrorisme). Comme The Handmaid’s Tale, adapté récemment en série, Les Fils de L’homme utilise le miroir d’une société d’anticipation pour mettre en exergue les problèmes auxquels nous devons faire face de nos jours.
Là où les riches sont isolés et indifférents aux pauvres, là où chaque religion crie son bien fondé à chaque coin de rue, là où le désert affectif est devenu une gageure, le tissu social s’est effondré dans ce monde futur, rendant chaque endroit potentiellement dangereux. Des films dystopiques, des œuvres proches de la science-fiction qui se réapproprient le présent, ce n’est pas forcément ce qui manque dans le paysage littéraire ou audiovisuel. Alors, pourquoi Les Fils de L’Homme est-il aussi impressionnant et mérite-t-il qu’on s’y attarde un peu plus ? Sa mise en scène tout en plan séquence. Au-delà de sa virtuosité, de la beauté de sa photographie grisâtre qui rend honneur à cet environnement en déliquescence, de ses nombreuses scènes de bravoure de guerre, l’utilisation même du plan séquence permet une immersion qui n’a pas son pareil.
Une cohérence entre le fond et la forme, qui permet au film de capter la puissance même de son sujet. L’urgence de la situation est admirablement bien retranscrite par cette réalisation qui joue parfaitement avec la notion de temporalité, et qui accentue encore la tension qui émane du récit. D’une histoire fictionnée, Alfonso Cuaron signe un pamphlet palpable, dessine une zone de guerre plus vraie que nature, comme si la caméra provenait d’une source amateure ou d’un journaliste en train de nous faire visionner un reportage de guerre. C’est de cette capacité à agripper le réel, à afficher un réalisme chorégraphié par le plan séquence, cette continuité sans relâche dans la construction du récit, que la mise en scène prend toute sa force. On ne demande pas forcément à une mise en scène qu’elle soit esthétique, mais qu’elle enrichisse l’œuvre : le film ne tombe jamais dans le vide, la mise en scène devient elle-même un réceptacle à l’information et au discours politique du film.
Synopsis: Dans une société futuriste où les êtres humains ne parviennent plus à se reproduire, l’annonce de la mort de la plus jeune personne, âgée de 18 ans, met la population en émoi. Au même moment, une femme tombe enceinte – un fait qui ne s’est pas produit depuis une vingtaine d’années – et devient par la même occasion la personne la plus enviée et la plus recherchée de la Terre. Un homme est chargé de sa protection…
Bande annonce – Les fils de l’Homme
Fiche technique – Les fils de l’Homme
Réalisateur : Alfonso Cuaron
Photographie : Emmanuel Lubezki
Sociétés de production: Universal Pictures
Distributeur : United International Pictures
Durée : 110 minutes
Genre : Thriller/Anticipation Date de sortie : 18 octobre 2006
Vous pensez que l’Inde ne fait que des telenovelas cheap avec des effets spéciaux dignes d’un projet de cinéma de CE1 d’Angoulême ? Alors préparez-vous à changer d’avis avec Netflix et sa mini-série Ghoul.
Another BRICS in the wall. Netflix a bien retenu ses cours d’histoire-géographie puisqu’elle a saisi que le développement de sa marque et du mur de contenus aux quatre coins du globe se ferait par des productions dans des pays en développement. Bien que le géant américain ne se soit pas encore incrusté chez ces bons vieux Poutine et Xi Jinping (À quand la Guerre Froide du Divertissement ?), ou encore même en Afrique du Sud, elle a déjà conquis le Brésil avec sa série 3%, sortie en 2016.
Depuis, le producteur mastodonte s’est aventuré en terre indienne avec Sacred Games. Avec la deuxième population mondiale, l’Inde s’apparente comme le pays idéal pour un développement du divertissement, d’autant plus quand la Chine vous bloque l’accès. Fin Juillet sort donc une mini-série horrifique en 3 parties sur la Goule, une sorte de Djinn créature issue de la mythologie arabe et perse. Un synopsis simple pour une série courte : une nouvelle interrogatrice arrive dans une prison secrète servant de lieu d’interrogatoire au fin fond d’une Inde futuriste et totalitaire. Mais tous les détenus ne semblent pas être humains.
Amateur de cuisine indienne et toujours prêt pour une soirée d’horreur, il n’en fallait pas plus pour me faire livrer à manger ! Alors à table pour déguster ce met indienconcocté par le chef Patrick Graham, et अच्छी भूख (Google Traduction est ton ami).
Une ambiance presque parfaite
Un film d’horreur sans ambiance, c’est comme Nadine Morano dans un mariage sénégalais. Ça peut faire peur, mais c’est pas crédible. La mini-série indienne des producteurs de Get Out ne lésine pas sur les moyens concernant cet aspect, malgré seulement 3 épisodes.
À peineles samosas sabzi servis sur ma table basse que la série débute avec un raid militaire dans un lieu délabré et sombre, se projetant presque dans une session d’Urbex qui a dégénéré en partie d’airsoft. Le GIGN hindou avance doucement mais sûrement, l’équipe d’en face semble quelque peu désemparée. Le match est clairement déséquilibré quand on aperçoit un homme tout chétif tituber vers l’escouade militaire pour leur prononcer ces mots : “ Tout le monde est mort “.
Tout aurait pu s’arrêter sur ce forfait, mais c’était sans compter sur la jolie scarification qu’avait sur le bidou le pauvre jeune homme et la détermination de la brigade pour trouver leur cible : Ali Saeed. L’escouade progresse jusqu’à le trouver. Et là, sans animosité, il va marmonner quelques sombres paroles pour convaincre le leader, d’une facilité déconcertante, dans une salle dont la pénombre nous rappelle nos sombres cauchemars enfantins.
Et c’en est fini pour «l’horreur» du premier épisode. Ces 7 premières minutes auront pour but de vous mettre l’eau à la bouche et un peu de Djinn dans les tripes. S’en suit sur la totalité de l’épisode un flash-back d’un mois pour instaurer le cadre.
Nous sommes dans une dystopie indienne, où l’on pratique des autodafés qui ne sont pas sans rappeler, à demi-mesure bien entendu, ceux du 10 Mai 1933 procédés par les nazis. Et, de fil en aiguille, on y découvre un milieu où règne un régime totalitaire, l’Armée, jugeant les écrits comme séditieux et procédant à des actes “ nécessaires “ pour les individus ayant besoin de “ rééducation “.
C’est ainsi en tout cas que les qualifient Nida, le personnage principal, endoctrinée par l’Académie, les SS indiens, au grand dam de son père, professeur de philosophie, qui lui fuit son foyer avec ses notes de cours. Désaccord qui aboutira à une vilaine délation de la part de Nida, ajoutant un aspect encore plus inhumain à cet environnement bien que trop connu dans nos livres d’histoires et dans la mémoire de nos aïeuls.
L’histoire se poursuit avec cette Nida qui, grâce à son éducation reçue à l’Académie, se verra être emmenée en mission au Meghdoot 31, un centre d’interrogatoire avancé. Le cadre cellulaire de la prison qui n’a “ qu’une seule porte d’entrée et de sortie “ et dont les routes inondées signent comme un piège au spectateur : après un petit tour dans cette néo-Inde totalitaire, le tchou-tchou touristique s’arrête en gare carcérale pour nous laisser confinés dans cet environnement qui demeure assez similaire à l’ambiance mortifère et sadique de Saw.
La lumière est très bien maîtrisée et n’a rien à envier aux meilleures productions du genre, affaiblissant nos iris pour nous imaginer être dans la peau de ces (pauvres) personnages. On se projetterait presque dans une partie de Resident Evil, manette à la main prêt à casser des crânes. La BO, lourde, est utilisée aux moments opportuns et ne dégrade en rien les tensions oscillatoires.
À noter également que certains acteurs indiens ne recevront pas de distinctions internationales tant qu’ils surjoueront autant que ne peut le faire Neymar sur un terrain de football (Coucou Ratnabali Bhattacharjee).
Après le visionnage de ce premier épisode, il est vrai qu’il est assez difficile de se projeter dans l’horreur, et l’on reste aussi sceptique sur la dimension terrifique à venir. Il n’empêche qu’on ne peut enlever à la série de vouloir prendre son temps et de placer un environnement totalitaire pesant au détriment d’une narration aussi soporifique qu’un débat sur “ Qui est le plus beau entre Henry Fonda et Charlton Heston ? “ dans une maison de retraite.
Votre créature : avec ou sans badassitude ?
Avec un poulet tikka masala accompagné de son environnement si calfeutré, il aurait été dommage d’avoir Tinki Winki en tant que figure menaçante dans cette mini-série des producteurs de Paranormal Activity. Que les aficionados du genre se rassurent, le Ghoul vous mettra autant la pression qu’un huissier au pas de votre porte. Issue de la mythologie arabe et perse, cette créature a pour particularité de changer de forme comme Manuel Valls de veste, prenant souvent l’aspect d’une hyène ou d’une femme dans les contes de Mille Et Une Nuits. Charognard avide de chair humaine, cette classe de djinn profite de ses pouvoirs pour assouvir ses besoins. Quoi de mieux donc d’une créature métamorphe pour ajouter une pincée de sel dans ce bol d’inquiétude ambiante ?
Et là intervient justement la subtilité et la jonction entre l’environnement et la créature. À l’instar des dernières productions du genre, comme The Terror, on se joue de la perception du spectateur afin de créer un film horrifique d’ambiance. Il vous faudra attendre la moitié de la série pour rentrer dans le vif du sujet et constater le réel potentiel de cette menace lors d’une scène d’interrogatoire aussi absorbante qu’une conférence gesticulée de Franck Lepage. Cette scène annonce le tournant et plonge (enfin) le spectateur dans l’horreur.
Mêlant langue araméenne et torture à la Guantanamo, la classique opposition du tortionnaire dominé et du torturé dominant fait mouche. À coup de provocations et avec un sang froid digne d’un Heisenberg des grands soirs, le duel psychologique débute et la tension monte crescendo à la hauteur d’un débat présidentiel Marine Le Pen vs Jean-Luc Mélenchon.
Côté peur, ne vous attendez pas à sauter du lit non plus. Rares sont les moments où la Goule montre la sienne. Cependant, le peu de fois sont convaincantes, notamment sur le premier protagoniste terroriste. C’est sur sa raréfaction qu’elle l’est justement, tout autant que son maquillage blafard et la noirceur de ses rétines symptomatiques de la possession vous plongera dans les bras d’Hadès.
N’espérez pas non plus une escalade de violence qui peut vite devenir vicieuse. Au-delà de quelques brefs passages sanguins où l’on devine qu’on n’est pas loin du festival espagnol de la tomate, la mini-série des producteurs d’Insidious sait jouer sur l’imaginaire du spectateur pour ne pas surjouer dans le gore à la Saw. Pas de quoi en perdre la tête donc, sauf pour certains …
J’ai apporté la critique sociétale
Le kulfi servi, c’est presque l’heure de passer à l’addition. Avec un fin qui ne nous laisse pas sur notre faim, notre gourmandise nous ferait presque demander une saison 2 à Netlflix tant elle ouvre l’appétit. Mais il y a ce petit goût qui reste en bouche, celui d’une mini-série qui profiterait de l’horreur pour nous faire cogiter sur une critique plus profonde, au-delà d’un simple divertissement terrifique.
La créature aura joué sur la psychologie des personnages pour les faire sortir de leurs gonds, en sachant appuyer là où ça fait mal : dans son for intérieur et dans les secrets qui y sont enfouis. La culpabilité joue une place prédominante dans le pouvoir de la créature, allant même jusqu’à les manipuler pour faire ressortir leurs instincts les plus primitifs. Et si l’on se penche au-delà de la trame horrifique, il y a, à mon avis, un vrai message sociétal contemporain, même si Patrick Graham insiste sur le fait qu’aucun groupe social n’est visé.
J’énonçais en introduction mes cours d’histoire-géographie, alors faisons-en un concis pour comprendre le contexte géopolitique. Depuis des siècles, la frontière entre l’Inde et le Pakistan est une vraie poudrière. L’Inde, bien que constitutionnellement laïc, entretient une rivalité ancestrale voire une haine viscérale avec son voisin pakistanais où l’Islam est la première religion et ce depuis les dynasties présentes bien avant la colonisation. Ces rivalités religieuses s’étalent dans d’autres domaines : culturels, économiques et sociologiques entre autres.
La subtilité provient de cette double-culpabilité : celle qui est instaurée pendant les interrogatoires, qui sert le récit et font agir les protagonistes à leur insu dans une dystopie qui ne semble pas avoir fait table rase du passé, bien au contraire. Et celle sous-jacente, bien réelle et qui conserve des tensions ancrées dans les mœurs de cette région du monde.
La question n’est pas de savoir si la faute est jetée à l’Inde avec sa stratification sociale en castes ou le Pakistan avec ses nombreuses attaques depuis les dernières décennies (l’incendie du 27 Février 2002 à Godhra, l’attaque à la bombe du 25 Mars 2003 et les attaques terroriste du groupe des Moudjahidin du Deccan en Novembre 2008 à Bombay ou bien le triple attentat du 7 Mars 2006 à Bénarès) mais à des tréfonds bien plus universels tels que sont les vices humains.
En effet, Ali Saeed est désigné comme terroriste musulman et Nida est quant à elle une membre lobotomisée de l’Armée. De ce côté-là, c’est un match nul pour la connerie humaine. Mais elle peut nous interroger sur « Comment réagirais-je dans un cas si extrême auquel le personnage est confronté ? ». Car comme disait Yoda : la peur mène à la colère, la colère mène à la haine, la haine mène à la souffrance. Et c’est cette escalade d’émotions négatives qui obligent les esprits les plus pervers à jouir de leur statut, d’autant plus dans un régime totalitaire. Et c’est ce qui est soumis dans cette scène d’interrogatoire qui finit en contrôle technique avec pinces crocodile et barbecue pakistanais.
Et c’est la question que l’on peut se poser. Si l’on en suit l’étymologie, terroriste provient du mot terreur (assez logique en soit). Dans une mini-série où la terreur prend place dans le corps d’un terroriste, ne serait-ce pas là confronter le spectateur à son jugement et ses réactions face à la peur de la terreur ? Se mettre face à lui-même et dans la peau du tortionnaire pour constater si oui ou non la peur atténue la violence en cas de domination ? Question philosophique à laquelle aurait pu répondre le père de Nida si son apparition n’avait pas été aussi courte que celle de Ned Stark dans Game Of Thrones.
En conclusion, Netflix a plus que réussi son pari et a bien flairé le filon Bolywood pour produire ses contenus sur le continent asiatique, qui plus est dans un registre horrifique qui lui sied comme un gant. Le choix d’une mini-série paraît est même très judicieux puisqu’une soirée (ou un repas même) suffira pour visionner Ghoul d’une traite. En attendant le digestif, un peu de Djinn ne serait pas de refus pour une deuxième tournée.
Ghoul : Bande-annonce
Ghoul : Fiche Technique
Créateurs : Patrick Graham
Réalisation : Patrick Graham
Scénario : Patrick Graham, Kartik Kirshnan, Sarang Sathaye
Interprétation : Manav Kaul (Colonel Sunil Dacunha), Radhika Apte (Nida Rahim), Rohit Pathak (Capt. Lamba), Ratnabali Bhattacharjee (Laxmi Das), Sunil Soni (Ray), Kailash Kumar (Rajan), Harry Parmar (Gupta), Mahesh Balraj (Ali Saeed)
Image : Jay Oza, Jay I. Patel
Musique : Naren Chandavarkar, Benedict Taylor
Montage : Nitin Baid, Patrick Graham
Direction Artistique :
Costumes : Shruti Kapoor
Production : Jaso Blum, Dipa de Motwane, Tanvi Gandhi, Michael Hogan, Kilian Kerwin, Madhu Mantena Varma
Société de Production : Blumhouse Productions, Invahoe Pictures, Phantom Films
Genre : Drame, Fantaisie, Horreur, Science-Fiction
Format : 45 minutes
Diffusion : Netflix
Du 13 octobre au 21 octobre 2018, le Festival Lumière de Lyon réouvre ses portes. Une occasion pour nous, de se remémorer des souvenirs de cinéma et de se replonger dans la filmographie de certains artistes mis en valeur cette année. Aujourd’hui plongeons nous dans l’univers brumeux et contemplatif de Claire Denis, qui présentera en avant-première cette semaine son dernier film, High Life.
Claire Denis est aventureuse. Elle exploite la moindre parcelle du cinéma pour l’irriguer de sa personnalité, de son envie de profondeur de champ qui s’exprime par le trouble. Loin des carcans que peut nous offrir le cinéma français en général, la cinéaste, un peu comme Gaspar Noé, même si ce n’est pas le même style, se sert de la caméra pour hypnotiser son auditoire et lui faire ressentir la marginalité vagabonde de la plupart de ses protagonistes : allant des cannibales mélancoliques de Trouble Every Day aux militaires renfermés aux désirs inavoués de Beau Travail en passant par cette amoureuse en perdition et hilare dans Un beau soleil intérieur.
C’est fascinant de voir à quel point Claire Denis sait changer de registre dans sa manière d’accompagner l’errement de ses personnages. La cinéaste est capable de se muer dans le cinéma de genre pour ouvrir son regard d’auteur. Là où l’image aime souvent se rapprocher des corps, scruter la chair dans ce qu’elle a de plus déstructurée et sanguinolente, voir l’enveloppe corporelle décharnée comme un magma bouillonnant de pulsions et de mouvements, les films de Claire Denis prennent aussi ce contre-pied organique par le biais du rythme.
Souvent lancinant, crépusculaire, ce décalage rythmique laisse l’environnement citadin (Trouble Every Day) ou Africain (Chocolat ou White Material) respirer et s’étendre, permettant de s’enrouler autour d’ombres et d’isoler les protagonistes comme s’ils étaient dans un lieu inquiet que la cinéaste filme. Cette candeur dans le montage, et cet accompagnement monolithique fait du cinéma de Claire Denis, un cinéma aussi organique que vaporeux. Là où les corps explicitent le mystère des comportements, le récit aime jouer sur l’implicite. Il veut volontairement taire le dialogue, et faire naître les non-dits qui pèsent et amplifient le poids même de la torpeur, que cela soit à travers la nature cannibale de Trouble Every Day ou même la nature de la relation presque « amoureuse » du triangle militaire dans Beau travail.
Claire Denis est une cinéaste qui aime laisser les choses vivre, comme aime le faire Wim Wenders avec qui a elle a travaillé. Cette dualité entre le palpable et l’indicible vient aussi du fait que l’un des fils rouges de la cinéaste est le thème du désir, celui que l’on a pour l’autre, celui que l’on a pour sa terre et ses origines, celui qui nous rattache à la vie et à un but. Le désir chez Claire Denis consent à démultiplier le déchirement que l’on a avec l’autre. Il est une chose qui bizarrement tend à nous détacher de nos congénères tout en nous agrippant à une catharsis qu’il serait difficile d’analyser.
A la fois épuré, esthétique, dévorant (Trouble Every Day), social (35 rhums) ou même antipathique et horrible (Les Salauds), le désir des personnages est de l’ordre de l’intime, sensualité par l’image et le filmage, où la libido extirpe le monstre ou le marginal qui est en chacun d’entre nous, une pulsion de vie et de mort indescriptible, et qui prend une dimension inconnue dont la définition devient indéchiffrable. Il n’y a aucune imposture, ni parti pris opportun dans le cinéma de Claire Denis. Au contraire de ce séisme cinématographique qui semble avoir ses racines (l’Afrique et sa cohabitation avec le monde avec 35 Rhums notamment), on y trouve une réelle liberté, un cinéma politique non politisé qui semble parfois antinomique avec notre époque.
A travers son style, elle crée un monde en fusion qui gît dans une forme d’intemporalité triste, un chaos intime, à l’image de ces moments fabuleux dans Trouble Every Day lorsque la bande son des Tindersticks retentit. Là où Claire Denis est un point de raccroche français avec le cinéma de Wenders et de Jim Jarmusch, provient de son amour pour les anti héros. L’obscurité qu’elle entrevoit par la lumière ou inversement, où le commun des mortels est félicité par sa normalité ou sa bizarrerie ( son empathie pour ses vampires sanguinaires dans Trouble Every Day) dans un monde où les mots n’ont pas forcément une importance exceptionnelle : c’est l’image qui prédomine, le regard de chacun où Claire Denis s’insère dans la petite histoire pour agencer la grande.
Lorsque l’on fête ses 50 ans, on se rend compte que la vie a défilé à toute allure. On fait le bilan sur ce qu’on a manqué et l’on essaie de rattraper le temps perdu. Si vous n’en êtes pas encore à cette période de la vie, et afin de n’avoir aucun regret, après avoir pris connaissance des cinq meilleurs endroits à visiter avant vos 50 ans, nous vous présentons les cinq festivals à faire absolument. Musique, atmosphère, lieu et dates, nous vous dirons tout afin que dès maintenant vous puissiez vous préparer à partir à l’aventure et conquérir la musique.
Sziget Festival à Budapest
Le Sziget Festival Budapest se déroule durant le mois d’août à Budapest, la capitale de la Hongrie, et plus précisément sur une petite île sur le Danube. Bien évidemment, les concerts de rock, hip-hop et pop sont le cœur de ce festival, mais pas seulement : dès que vous franchissez les portes du festival, vous êtes transportés dans un univers où tout semble possible, et où vous pouvez être qui vous souhaitez, d’où le surnom de « l’île de la liberté », « the island of freedom » en anglais. Avec votre ticket d’entrée, vous avez l’occasion de vivre cette ambiance surnaturelle et éclectique de jour comme de nuit pendant toute la durée du festival, grâce à l’accès offert aux zones de camping. À toute heure, vous pourrez profiter de la musique, de l’art, des activités, des gourmandises et des nombreuses rencontres qui sont au cœur du Sziget Festival.
De la musique, mais pas seulement
Une semaine de musique, c’est magique, mais c’est encore mieux lorsque l’on a à portée de main de nombreuses autres activités. Les possibilités sont infinies et vont du cours de yoga, au volleyball sur fauteuil roulant, en passant par les leçons de danse. Ce festival est également une opportunité d’ouvrir son esprit à l’art et de découvrir des peintures et des sculptures, ou de créer sa propre œuvre d’art. Le Sziget Festival est aussi une fabuleuse occasion de visiter Budapest et son architecture hors du commun, ainsi que les Széchenyi Baths pour faire une pause et prendre un peu de temps au calme et se détendre.
Coachella aux États-Unis
Coachella est l’un des plus colossaux et des meilleurs festivals de musique aux États-Unis dont le rayonnement est international. Le principe consiste en un gigantesque rassemblement de personnes dans le désert dans le courant du mois d’avril, vêtus de robe et de couronne à fleurs, autour d’un très grand nombre d’artistes et de groupe comme Guns N’ Roses, LCD Soundsystem et Calvin Harris mais aussi Ice Cube, Zedd, A$AP Rocky, Sia et Major Lazer. Ce festival jouit d’un emplacement idéal en Californie, il permet donc d’attirer de très nombreuses célébrités issues du monde du cinéma, de la télévision et évidemment de la musique, qui viennent profiter de l’ambiance unique de cette fête gigantesque. Pour l’anecdote, Coachella est un festival qui affiche toujours complet avec 99 000 places qui sont vendues chaque week-end, ce qui représente un total de 198 000 billets au total. Il faudra vous armer de patience et vous y prendre le plus tôt possible, si vous aussi vous souhaitez vivre cette expérience hors du commun.
Tomorrowland en Belgique
Tomorrowland, c’est avant tout un cadre naturel magnifique et une ambiance féérique qui immerge ses adeptes dans une expérience à la fois incomparable et inoubliable. Chaque année, en juillet, pendant trois jours, vous êtes plongé dans un univers unique, tel un monde de fantaisie. 400 DJs sont présents chaque année afin de jouer vos musiques préférées sur un ensemble de seize scènes aussi atypiques les unes que les autres. Pour l’anecdote, la ville dans laquelle se déroule le festival porte le nom étrange de Boom, de quoi se mettre dans l’ambiance dès votre arrivée sur les lieux. Attention à faire très vite pour réserver votre place pour l’évènement le plus prisé de toute la Belgique, car les tickets sont généralement vendus en une minute après leur mise en ligne.
Le grandiose Fuji Rock au Japon
Le Japon est un pays fabuleux pour les festivals de musique, et notamment en été. Le Fuji Rock est le plus grand et le plus populaire des festivals du Japon. Il faudra réserver son séjour le dernier week-end de juillet, du vendredi au dimanche, pour profiter de 72 heures de musique non-stop. Tandis qu’on y va principalement pour le rock et ses artistes de qualité, tous les genres sont représentés, comme les groupes indépendants, la musique japonaise et les groupes populaires du monde entier. Ainsi, ce festival est ouvert à tous les goûts et surtout à tous les âges, même les plus jeunes qui trouveront des activités qui leur sont spécifiquement dédiées !
Les bonus qui rendent le Fuji Rock encore meilleur
Comme la plupart des festivals, le Fuji Rock ne se limite pas qu’à ces 72 heures de concert. La fête commence même le jeudi soir avec une « préparty » gratuite et pleine de surprises, dont des groupes connus et des feux d’artifice. Pour se sentir au plus près de cette communauté rassemblée par l’amour de la musique, le camping est une excellente idée, et permet à tous de se serrer les coudes, et de tisser des liens. Enfin, dernier bonus, mais pas des moindres : la cuisine est à tomber par terre, et tous les goûts seront comblés.
Le festival Nos Primavera Sound à Porto
Le festival Nos Primavera Sound à Porto, qui se déroule chaque année au mois de juin, est l’un des plus amusants d’Europe dans lequel se retrouvent un grand nombre de groupes indépendants du moment ainsi qu’un public survolté. L’année dernière, le festival a pu compter sur des groupes comme Hot Chip, Pulp, Foals ou encore Pixies qui se sont produits sur six scènes extérieures au bord de l’eau au Parc del Fòrum. Les fans apprécient l’évènement pour ses groupes avant-gardistes, l’architecture du lieu qui est magnifique, mais aussi pour les consommations peu onéreuses comme c’est le cas du vin à 2 euros. Pour la petite histoire, ce festival est la petite sœur du Primavera Sound de Barcelone qui existe depuis 2005. La version portugaise sera idéale pour les personnes souhaitant profiter des charmes de la deuxième ville du pays après Lisbonne.
Les meilleures choses ont une fin, et voilà donc que la 11ème édition du FEFFS se termine. Une pointe de tristesse est présente, mais il est encore temps de profiter du festival une dernière fois avant l’année prochaine. Une dernière journée chargée où l’on navigue entre de la japanimation enfantine et une anthologie de contes folkloriques, en passant par une partie de chasse au Canada et le nouveau délire mêlant absurde et mauvais goût de Jim Hosking.
[Compétition animation] Mirai
Réalisé par Mamoru Hosada (Japon) Date de sortie : 26 décembre 2018
Voix de Moka Kamishiraishi, Haru Kuroki, Gen Hoshima..
Devenu un grand nom de la japanimation après avoir donné lieu à des œuvres comme Summer Wars ou Les Enfants Loups, voilà que Mamoru Hosada s’invite au FEFFS avec son nouveau film. Déjà présenté à Cannes, Mirai nous emmène à la rencontre du jeune Kun qui vient d’avoir une petite sœur. Très vite, la jalousie le gagne. Il se retrouve alors pris dans un voyage dans le temps, où il va faire la rencontre des membres de sa famille à diverses époques de leur vie. Mirai se distingue par son côté très enfantin, que cela soit dans le design de ses personnages ou dans le ton employé. Bien que pouvant résonner à tout âge, le film déborde d’une certaine innocence.
Mirai apparaît donc comme un conte. Le petit Kun va avoir affaire à une prise de conscience sur le monde qui l’entoure. Avec cette petite morale, Hosoda essaie de faire passer son message qui est délivré avec une émotion plutôt maladroite. Il faut dire que le personnage est beaucoup trop agaçant pour être émouvant. Il ne faut pas patienter longtemps avant que le marmot nous tape sur le système. Hosoda en a certainement conscience et balance dans son dernier acte une avalanche de bons sentiments qui vient ensevelir le spectateur de manière trop forcée. Cela ne suffit évidemment pas à inverser la vapeur. Mirai est un petit ratage à ce niveau. Le film peut cependant se raccrocher à une animation maîtrisée, Hosoda arrivant à insuffler une certaine magie dans ses passages fantastiques.
[Rétrospective Chromosome XX] Les Lèvres Rouges
Réalisé par Harry Kumel ( Belgique, France) Date de sortie : 22 octobre 1971
Avec Delphine Seyrig, Daniele Ouimet, John Karlen…
Présent cette année en tant que membre du jury, le belge Harry Kümel se voit l’honneur d’avoir un de ses films présentés au sein de la rétrospective Chromosome XX. Les Lèvres Rouges sortit au début des années 70 reste l’une de ses œuvres les plus connues. Le film met en scène la mythique Comtesse Elisabeth Bathory, une hongroise adepte de bains de sang de vierges. C’est d’ailleurs la grande Delphine Seyrig qui prête ses traits à cette figure mythique. Contrairement à des films comme La Comtesse (déjà présenté au FEFFS), le cinéaste belge place son histoire au XXème siècle. Alors qu’un couple passe sa lune de miel dans un hôtel vide d’Ostende, leur rencontre avec la comtesse Bathory va bouleverser leur vie.
En incorporant le mythe de Bathory à l’époque actuelle, Kümel s’amuse aussi à revisiter le personnage. Pas de bain de sang au programme bien qu’ils soient mentionnés, mais plutôt un jeu de manipulation sexuelle. L’ambiance du film, baroque à souhait, rappelle par ailleurs cette vague de cinéma fantastico-érotique qui a émergé dans les années 60-70 avec des cinéastes comme Jess Franco ou Jean Rollin en France. Bien que la comtesse soit représentée comme un vampire, le film joue beaucoup plus avec la suggestion et la création d’une tension sexuelle. Il faut dire que Delphine Seyrig est incroyablement vénéneuse dans ce rôle qui lui sied à merveille. Tournant peut-être un peu en rond à certains moments, Les Lèvres Rouges n’en reste pas moins une œuvre séduisante.
[Compétition internationale] What keeps you alive
Réalisé par Colin Minihan (Canada) Date de sortie : Inconnue
Avec Hannah Anderson, Martha MacIsaac, Brittany Allen..
Pour clôturer la compétition internationale, il fallait bien qu’on nous propose un petit survival. C’est chose faite avec What keeps you alive qui propose une alternative intéressante en mettant en scène uniquement deux personnages, à savoir un couple. Deux jeunes femmes qui vont passer le week-end dans un chalet dans la forêt. Chalet, où l’une d’elle allait chasser avec son père quand elle était petite. Très vite, on découvre que Jackie a décidé de s’attaquer à une proie bien précise. On peut penser à une œuvre comme Haute Tension quand on voit ce couple de femmes se déchirer et surtout lorsqu’on est face au psychotique personnage de Hannah Anderson. C’est une véritable traque qui prend donc place sous nos yeux. Malheureusement, What keeps you alive a du mal à tenir en haleine le spectateur sur la durée. Le film a souvent recours à des facilités, ainsi que des comportements idiots des personnages pour continuer son récit. Reste quelque moments de suspense pesant qui apparaissent par-ci par-là, mais globalement le film vaut surtout pour la performance grandiloquente de Hannah Anderson.
[Film de clôture] An Evening with Beverly Luff Linn
Réalisé par Jim Hosking (Royaume-Uni, USA) Date de sortie : Inconnue
Avec Aubrey Plaza, Emile Hirsch, Jermaine Clement
Après 9 jours de thrillers anxiogènes ou de drames ultra-cyniques, il fait bon de terminer les festivités sur une bonne comédie bien grasse. Pour cela, on ne pouvait compter sur personne de mieux que Jim Hosking. Le britannique qui nous avait déjà offert un summum de mauvais goût avec The Greasy Strangler en séance de minuit est de retour et est toujours le même. Il dispose cette fois-ci d’un casting plutôt prestigieux parmi lesquelles on retrouve l’excellente Aubrey Plaza, Jermaine Clement ou encore un Emile Hirsch survolté. On pourrait résumer le pitch du film à un braquage qui tourne mal et à une histoire d’amour perdue, mais An Evening with Beverly Luff Linn part un peu dans tous les sens.
Il faut dire qu’à la manière d’un Quentin Dupieux, Jim Hosking s’épanouit dans l’humour absurde. Les péripéties non-sensiques s’empilent donc jusqu’à l’extrême. On peut d’ailleurs retrouver dans ce nouvel essai, les mêmes critiques qui avaient été faites à The Greasy Strangler. À savoir une manie de la part du réalisateur à étirer au maximum certains gags. Un procédé qui peut être agaçant mais qui permet d’instaurer un malaise palpable, l’autre grand moteur de la comédie par Hosking. Encore une fois, une imagerie de très mauvais goût inonde la pellicule, mais le tout est quand même plus sage que son prédécesseur. On reste bien évidemment loin de la comédie américaine lambda, et An Evening with Beverly Luff Linn est une belle porte d’entrée dans le cinéma très étrange de Hosking. Une œuvre qui semble également plus aboutie à la fois dans l’écriture plus riche, mais également dans l’empreinte visuelle et toujours avec une bande-originale électro décalée qui fait là aussi penser au travail de Mr Oizo. En somme, An Evening with Beverly Luff Linn est tout ce qu’il fallait pour conclure cette édition.
Réalisé par Ashim Ahluwalia, Severin Fiala, Veronika Franz, Katrin Gebbe, Calvin Reeder, Agnieszka Smoczynska, Peter Strickland, Can Evrenol (Allemagne, Norvège, Pologne, Royaume-Uni, USA) Date de sortie : Inconnue
Avec Birgit Minichmayr, Sarah Navratil, Niharika Singh…
Avant de nous quitter définitivement pour cette année, il restait encore une petite séance de minuit à se mettre sous la dent. Depuis longtemps, les anthologies ont la côte dans le cinéma d’horreur. Compilées la plupart du temps sous un même thème, elles permettent à plusieurs réalisateurs d’expérimenter des idées sur une durée assez limité. Les producteurs de l’une des plus connues du genre, à savoir ABCs of Death, se sont à nouveau lancés dans l’aventure. Cette fois-ci c’est dans les légendes et le folklore de plusieurs pays que les cinéastes vont trouver leur inspiration. The Field Guide to Evil regroupe donc le travail de 9 réalisateurs venus du quatre coin de la Terre, sous forme de 8 courts-métrages.
Parmi cette longue liste on retrouve plusieurs noms qui ont fait leurs preuves. Peter Strickland, qui est le seul ayant traité une légende venue d’un pays autre que le sien, à savoir la Hongrie, nous offre un hommage au conte et au cinéma muet, un exercice de style très abouti visuellement. On pourra également noter la présence de Veronika Franz, qui aidée de Severin Fiala livre une histoire érotique et cauchemardesque. Le meilleur segment du lot est peut-être celui du turc Can Evrenol, qui en mettant en scène un djinn voulant du mal à un bébé, donne lieu à une grande hantise. Globalement, les segments sont de belle facture, offrant la plupart du temps une recherche esthétique poussée. On regrettera cependant l’amateurisme de la partie américaine que cela soit au niveau de la mise en scène ou de la direction des acteurs.
Pour finir cette couverture du FEFFS, il est évidemment obligatoire de faire un point sur le palmarès. Comme c’était le cas les deux années précédentes, jury et public se sont mis d’accord sur le même film, à savoir Cutterhead. Le film claustrophobique danois succède donc à Double Date et remporte le convoité Octopus d’or. Le Meliès d’argent est quant à lui remis à Lars Von Trier et The House that Jack Built. En ce qui concerne l’animation, le jury n’a pas su départager deux œuvres diamétralement opposées, Chris The Swiss et Mirai. Le prix des Crossovers revient à Xiao Mei, l’œuvre particulièrement exigeante ayant dénoté avec le reste de la sélection.
Palmarès :
Compétition internationale
Octopus d’or :Cutterhead de Rasmus Kloster Bro, Danemark
Méliès d’argent du meilleur long-métrage fantastique européen :The House That Jack Built de Lars von Trier, Danemark, France et Suède
Mention spéciale du Jury :Prospect de Zeek Earl et Chris Caldwell, USA
Prix du public :Cutterhead de Rasmus Kloster Bro, Danemark
Compétition Crossovers
Prix du meilleur film Crossovers :Xiao Mei de Maren Hwang, Taïwan
Mention spéciale du Jury : Pig de Mani Haghighi, Iran
Compétition internationale de films d’animation
Cigogne d’or du meilleur film d’animation : Mirai de Mamoru Hosoda, Japon / Chris the Swiss d’Anja Kofmel, Suisse
Compétition court-métrage
Octopus du meilleur court-métrage fantastique international :Babs de Celine Held et Logan George, USA
Méliès d’argent du meilleur court-métrage fantastique européen :A l’aube de Julien Trauman, France
Prix du Jury Jeune :Deer Boy de Katarzyna Gondek, Pologne, Belgique et Croatie
Prix du public :Das Mädchen im Schnee de Dennis Lederberger, Suisse
Prix du meilleur court-métrage d’animation :Lola, la patate vivante de Leonid Shmelkov, France et Fédération de Russie
Mention spéciale du Jury dans la catégorie animation : Mr. Deer de Mojtaba Mousavi, Iran
Prix du meilleur court-métrage Made in France :Chose mentale de William Laboury, France
