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« L’Incomprise n’est pas un film autobiographique », proclame Asia Argento. Pourtant, la réalisatrice est née comme Aria dans le milieu du cinéma, et a commencé tôt à devenir actrice.

Enfant de la balle qui se trimballe

Alors, malgré les ressemblances du récit avec sa propre enfance, ce film n’est pas le fruit de l’égocentrisme d’un enfant de la balle. Dans ce film présenté dans la catégorie “Un Certain regard” au festival de Cannes 2014, Asia Argento veut surement briser tout préjugé que l’on pourrait avoir sur son travail, et sa relation avec le monde du 7ème art. « Chacun peut s’identifier à mon héroïne », rajoute Asia.

L’Incomprise s’adresse aussi bien aux adultes qu’aux enfants, grâce à sa manière maternelle de capturer les plus beaux instants d’Aria, (Giulia Salerno), de porter à l’écran cette figure d’innocence et de curiosité infantile, son brouillement intérieur, puis son véritable questionnement, sa volonté d’être reconnue et de trouver sa place. Oui, chaque enfant se reconnaît dans cette petite Aria perdue, sans repère et errante dans la rue.

Sans cesse reviennent ces scènes d’Aria abandonnée, accompagnée de son chat et son sac à dos, comme un symbole fort de son existence. Dans un milieu familial où règnent le chaos, les disputes et les gifles, la petite Aria dénote par son incompréhension innocente. Le récit nous dépeint ces deux parents en figures d’égoïsme pur, obsédés chacun par leur image (le père interprété par Gabriel Greko), et leur carrière (la mère interprétée par Charlotte Gainsbourg); avec leurs enfants préférés respectifs (Lucrezia pour le père, et Donatina pour la mère). Et au milieu, Aria, reste le vilain petit canard, dont personne ne veut, qui à tour de rôle se fait expulser du domicile paternel, puis de chez sa mère, ainsi de suite… Comme dit le proverbe « Your home is where is your heart is » : pour elle, cela signifie qu’aucun foyer ne la comprend; nul endroit n’est sa véritable place.

La réalisatrice partage sa vision décalée d’une famille presque politisée, avec des références  au communisme (principalement la récurrence du rouge et de l’étoile dans les décors), jusqu’à la scène finale où on entend un chant de marche communiste. Aria, représenterait cette recherche d’égalité qu’on lui refuse, et qui fait d’elle une in-comprise, dans le sens, non prise dans la communauté (sa famille, sa classe, ses amis, son coup de foudre).

De par son enfance baignée dans le milieu du spectacle, Asia Argento, connait bien la richesse du milieu artistique. D’où cette ambivalence parfaitement bien représentée par les décors chaotiques des lofts : ils sont à la fois riches de couleurs, de mélanges culturels, de poudre blanche et de paillettes ; ils sont aussi très élitistes, représentant cet univers dominé par l’art et la musique, avec des affiches de groupes et des tableaux, dans chaque plan. On peut aussi relever la richesse des costumes, et les coiffures qui se transforment et incarnent les multiples facettes de cette famille caricaturée. Par exemple, la mère (Charlotte Gainsbourg) est une  pianiste qui exprime ses éclats de rage sur les touches de son piano; Lucrezia (Carolina Poccioni) exprime son obsession du rose Barbie, la tournant au ridicule dans son rôle de vilaine belle-sœur; le père (Gabriel Garko) très superstitieux, s’agrippe peureusement les bijoux de famille à chaque chat noir ou miroir brisé. Ainsi, ce film tourne en dérision ses personnages et s’éloigne ainsi d’une représentation plus classique, quasi-sacrée de la famille italienne.

Ce n’est pas pour rien que Charlotte Gainsbourg interprète la mère d’Aria. « Enfant, lors que j’ai découvert l’Effrontée, je suis tombée amoureuse de cette artiste », confie Asia Argento. La ressemblance physique et psychique est effectivement frappante entre Aria et Charlotte : on y retrouve cette jeune fille en mal d’attention, perdue dans son monde d’illusions, qui court désespérément après cette jeune virtuose du piano. Dans L’Incomprise, Charlotte a grandi et s’est affirmée en tant que femme et actrice hors pair. Ici, l’actrice est méconnaissable avec cet accent italien, cette facette d’hystérique manipulatrice, digne des grandes comédiennes italiennes. Elle parvient encore à surprendre par la violence de l’expression de son corps, puis dans ce rôle de charmeuse mystique jouant à la sorcière, et dans une moindre mesure, en madone religieuse auprès de ses filles.

Aria change alors d’amants, comme elle change de look. A travers son remplacement incessant d’hommes, on voit son évolution qui s’adapte aux modes, et à son époque. En réalité, c’est Aria qui ne comprend pas exactement le monde qui l’entoure, comme si les gens lui parlaient une langue étrangère.

L’actrice Giulia Salerno est à la fois cette figure de Natalie Portman à ses débuts, dans le rôle de Mathilda dans Léon (Luc Besson, 1994), seule dans la rue avec sa plante verte, déracinée et sans attache; et de l’autre, la figure de l’enfant indépendant et courageux. Une solitude que l’on retrouve souvent dans les films de Truffaut, sur les enfants sans famille, comme dans son célèbre film Les 400 coups (1959). Mais elle reste unique, car elle n’est pas orpheline, mais rejetée  par ses semblables.

En réalité, sous ses apparences d’enfant, sa logique est très mature. Elle se questionne sur l’amour, l’amitié, la réussite autant qu’une adolescente, et presque comme une adulte. On le constate violemment dans sa représentation grossière de la sexualité et des hommes. Des caricatures, toujours d’hommes pervers, tactiles et dominateurs. Particulièrement, cette représentation à l’échelle de poupée d’une scène de viol, où l’on comprend le point de vue d’un enfant alerte et effrayé par une sexualité tabou.

Parfois en plongée très exagérée, ou à hauteur d’Aria, le cadre se resserre toujours sur elle. En la montrant toujours à l’étroit, plus petite, et rejetée. Que ce soit les lignes du décor ou les meubles qui l’enferment, qui la tassent ; quand elle se retrouve sur des sièges trop grands, des canapés trop longs, ou au contraire, des sofas trop étroits, où il n’y a plus de place pour elle. On s’identifie alors à son regard, quand on la voit en amorce, se faire remonter les bretelles par son père ou sa mère, être au milieu des disputes. Tel le spectateur dissimulé, on adopte son point de vue. Mais seule la caméra parvient à obtenir le même regard qu’elle, à être attentif et à rendre le spectateur à l’écoute.

Telle une héroïne tragique, elle incarne la raison de tous les malheurs de son entourage, et c’est elle la coupable numéro un. Une culpabilité inscrite même dans la lumière, tant rejetée dans l’ombre puis par instants, sublimée par l’éclairage centrée sur elle. Cette lumière sert aussi de vecteur pour nous représenter l’imaginaire de cette petite fille. Le film oscille à la limite du fantastique, où on ne discerne plus la réalité du fantasme d’Aria. Jusque dans la scène finale, où le spectateur doute, entre la franchise du récit et la mise en abyme d’une histoire issue de l’imagination débordante de la petite Aria.

Une mise en scène très théâtrale, dramatique, et plus proche de l’opéra dell’arte Italien, où les envolées lyriques et les ralentis rendent surréalistes les plans, notamment le passage où les enfants se rebellent lors de la fête, dans une farandole de plumes et de statuettes fracassées, sous le regard épouvanté d’Aria, qui nous rappelle fortement la scène d’anarchie dans le dortoir dans Zéro de Conduite.

Un univers assez décalé et replacé dans les années 80, plein de débauche et de couleurs criardes (rouges, roses, jaunes fluos). Une esthétique très colorée et frappante qui nous évoque les mélodrames d’Almodovar (Étreintes Brisées, Revolver, etc…), avec encore cette relation des costumes, les décors et même la musique. Avec son passage du classique au punk rock, la BO respire ce ton méli-mélo, artistique du film. Des musiques présentes également pour sublimer les instants forts, avec de l’opéra pour les scènes de disputes et de séparation, puis du punk rock dans les actes de rébellion et d’affirmation du caractère d’Aria, jusqu’au soft grunge assez indie, lors des dramatisations larmoyantes. En réalité, toute cette mise en scène et cette esthétique nous amènent à mieux comprendre la solitude ancrée de ce personnage, qui ne trouve sa place ni dans les décors, ni dans la musique, et reste enfermée dans ce cadre serré, seule et incomprise.

Synopsis : Aria (Giulia Salerno), neuf ans, fait face à la séparation très violente de ses parents. Au milieu de leurs disputes, mise à l’écart par ses demi-sœurs, elle ne se sent pas aimée…. Ballottée de l’un à l’autre, elle erre à travers la ville avec son sac à dos et son chat noir. Frôlant le désespoir, elle essaie de préserver son innocence.

L’Incomprise : Bande-annonce

Fiche Technique – L’Incomprise :

L’Incomprise (Incompresa)
Italie, France – 2013
Réalisation: Asia Argento
Scénario: Asia Argento, Barbara Alberti
Interprétation: Giulia Salerno (Aria), Charlotte Gainsbourg (la mère), Gabriel Garko (le père), Carolina Poccioni (Lucrezia), Anna Lou Castoldi (Donatina)…
Image: Nicola Pecorini
Durée : 1h43
Genre : Drame
Décor: Eugenia F. Di Napoli
Costume: Nicoletta Ercole
Son: Tullio Morganti
Montage: Filippo Barbieri
Musique: Brian Molko
Producteur: Lorenzo Mieli, Mario Gianani, Eric Heumann, Maurice Kantor
Distributeur: Paradis Films
Production : Wildside ; Paradis Films ; Orange Studio

Les Héritiers, un film touchant mais maladroit

Synopsis : Lycée Léon Blum de Créteil, une prof décide de faire passer un concours national d’Histoire à sa classe de seconde la plus faible. Cette rencontre va les transformer.

Marie-Castille Mention-Schaar s’était faite connaître du grand public en 2012 en réalisant Ma Première fois, une romance un peu mièvre et bourrée de clichés entre deux adolescents bourgeois. Le film avait au moins eu le mérite de toucher le jeune Ahmed Drame, passionné de cinéma, et qui décide alors d’écrire un scénario basé sur une expérience vécue avec sa classe quelques temps auparavant, et de le lui envoyer. La réalisatrice, intéressée par cette histoire à la portée universelle, décide alors de lui donner un coup de main dans l’écriture, et de mettre le film en scène elle-même.

Le fond contre la forme

À la sortie, se pose l’éternelle question du fond contre la forme. Les Héritiers est, objectivement, un mauvais film d’un point de vue cinématographique. Ce n’est bien sûr pas ce qui en fait l’intérêt, mais nous y reviendrons. La mise en scène de Mention-Schaar n’a guère progressé depuis Ma Première fois, pire, elle semble même avoir régressé. Sous prétexte de nous faire ressentir l’émotion des personnages, elle se contente bien souvent de multiplier les gros plans, les entrecoupant généralement de plans de situation basiques, sans aucune recherche esthétique autre que celle de l’efficacité. Si on ne peut pas lui reprocher d’être techniquement à la rue, la pauvreté de la réalisation est tout de même à déplorer. D’autant que, une nouvelle fois, elle insiste pour nous ressortir des fondus au noir inutiles et franchement mal venus.

Côté scénario, ce n’est guère mieux. On a parfois plus l’impression d’assister à un documentaire qu’à un film, ce qui aurait pu être un parti pris, l’équivalent d’Entre les murs, du cinéma vérité. Sauf que la réalisatrice tente, assez maladroitement, de donner une personnalité à ses élèves. Résultat, on assiste à un empilement de clichés caricaturaux et de personnages monodimensionnels déjà vus un million de fois. Plusieurs pistes sont également explorées, qui permettraient de donner un peu d’attrait à cette histoire cousue de fil blanc, mais ne sont jamais résolues et tombent souvent comme des cheveux dans la soupe. Ils nuisent trop souvent au rythme, et donnent l’impression d’avoir été placés là aléatoirement pour relancer l’intérêt.

Vive la résistance

Mais l’intérêt de Les Héritiers, encore une fois, est ailleurs. Le film est une formidable leçon sur l’histoire, sur la tolérance, sur le respect de son passé et sur l’importance de ne jamais l’oublier. Une leçon toute bête, mais diablement importante, surtout en cette période où ressortent certains fantômes du passé (on va tout de même essayer d’éviter les clichés du bruit des bottes frappant le pavé). La simplicité même de cette histoire, sa portée universelle et toute l’émotion qui en découlent auraient pu, auraient dû faire de ce film une œuvre à voir absolument. Certains passages sont d’ailleurs terriblement émouvants, par la simplicité des sentiments affichés et par la force des témoignages, que l’on sent sincères.

Alors pourquoi, pourquoi confier cette histoire à une réalisatrice qui n’a jamais vraiment fait ses preuves, et qui se sent obligée de dérouler les violons pour forcer une émotion que les images suffisent à faire ressentir ? L’usage parfois abusif de la musique, la mise en scène tellement basique qu’elle en devient parfois lourdingue, les rebondissement forcés, tous ces éléments empêchent finalement le spectateur de vraiment rentrer dans le récit. Résultat, on a parfois l’impression d’assister à un film de ceux que l’on projette en classe d’histoire, entre deux récits sur la Seconde Guerre Mondiale, histoire de faire passer un message.

Dernier point, mais qui a son importance : il faut absolument que les réalisateurs cessent cette manie horripilante qui accompagnent trop souvent les films estampillés « inspiré d’une histoire vraie ». Cette obligation qu’ils ressentent de terminer par un écran noir sur lequel s’affiche l’avenir qui attend nos héros. Ça ne sert à rien, c’est souvent niais, et c’est devenu une habitude bien trop envahissante.

https://www.youtube.com/watch?v=exEwd1FYRxs

Les Héritiers – Fiche Techinque

France – 2014
Drame
Réalisateur : Marie-Castille Mention-Schaar
Scénariste : Ahmed Drame, Marie-Castille Mention-Schaar
Distribution : Ariane Ascaride (Anne Gueguen), Ahmed Drame (Malik), Geneviève Mnich (Yvette), Noémie Merlant (Mélanie)
Producteurs : Marie-Castille Mention-Schaar, Pierre Kubel
Directeur de la photographie : Myriam Vinocour
Compositeur : Ludovico Einaudi
Monteur : Benoît Quinon
Production : TF1 Droits Audiovisuels, UGC, France 2 Cinéma, Orange Studios, Loma Nasha Films, Vendredi Films
Distributeur : UGC Distribution

Auteur : Mikael Yung

Paddington, le film idéal pour les fêtes de Noël

Synopsis : Un ours péruvien du nom de Paddington débarque à Londres pour y trouver un nouveau foyer et d’une vie meilleure. Il réalise vite que la ville de ses rêves dont lui parlait sa Tante Lucy n’est pas aussi accueillante qu’il le croyait. Par chance, il rencontre la famille Brown qui va l’héberger le temps d’une nuit et en devient peu à peu un membre à part entière. Mais sa présence va attiser la curiosité de Millicent, une taxidermiste qui souhaiterait l’ajouter à sa collection…

Après la saga à succès Harry Potter, le producteur David Heyman s’attaque à une autre œuvre littéraire destinée au plus jeunes : les aventures de l’Ours Paddington, une série de vingt-trois livres écrits par l’auteur Michael Bond depuis 1958. Un personnage fictif qui a marqué bien des générations au point d’avoir sa propre statue à la Gare de Paddington (d’où il tire son nom). Mais parmi toutes ces peluches et séries animées, l’ourson n’avait pas encore eu droit à une adaptation cinématographique. David Heyman et le réalisateur Paul King (dont c’est le premier long-métrage grand public) changent la donne cinquante-six ans après la naissance du protagoniste, pour un divertissement familial qui débarque dans nos salles pour les fêtes de Noël.

Il est vrai que sur le papier, Paddington n’attirera pas spécialement les adultes, sauf pour emmener leurs enfants. Ils repéreront très vite les défauts majeurs du film, principalement son grand manque d’originalité : le long-métrage se montre comme le semblant britannique de Stuart Little, où là aussi un animal doué (en images de synthèse, qui plus est) de parole, va s’installer peu à peu dans une famille jusqu’à en devenir un membre à part entière, tout en provoquant quelques gags pour amuser les plus jeunes. Mais aussi le fait que les personnages humains sont largement mis de côté, et que certains comédiens ne s’en sortent pas si bien que le laisse prétendre leur réputation. Un constat qui s’adresse surtout à Nicole Kidman, qui fait peine à voir en surjouant à l’excès un ersatz de Cruella, sans avoir l’envergure ni la folie d’une Glenn Close. Faut-il donc avoir des yeux d’enfants pour apprécier pleinement le spectacle ? Pas totalement !

Que l’on soit petits aux grands, Paddington en touchera plus d’un. Cela, le film le doit principalement à l’ours lui-même. Superbement intégré à la réalité via des effets numériques de qualité, il saura vous séduire par sa personnalité, sa bouille (surtout ses yeux) et ses voix (que ce soit Ben Whishaw ou bien Guillaume Gallienne) qui le rendent adorable au possible. Vous vous attacherez dès le début à cette peluche et suivrez, du coup, avec un immense plaisir ses nombreuses péripéties qui riment avec un humour so british (situations décalées et quiproquos) faisant mouche et des bons sentiments, jamais en surdose. Oui, les gags ne sont pas aussi nombreux que prévus et les clichés répondent présents. Mais avec un héros si attendrissant, qui rencontre des personnages hauts en couleurs et qui provoque des catastrophes flirtant souvent avec le cartoonesque, vous ferez une impasse sur ces défauts.

D’autant plus que Paddington ne se dévoile pas au public tel un divertissement sans âme. Il se montre même assez adulte par moment en proposant d’autres qualités que son ourson, comme un aspect visuel (décors, costumes, effets spéciaux) qui offre au long-métrage une certaine poésie; nécessaire pour donner ce qu’il faut de féerie en ces temps de fêtes. Même la mise en scène parvient à renforcer cette atmosphère, en filmant l’habitation des Brown telle une maison de poupée lors de deux séquences. De plus, le film n’oublie pas de proposer bon nombre de thématiques pour les plus jeunes, afin de les « préparer » à la vie qui les attend : l’acceptation de l’autre, l’écologie (via la déforestation), l’impolitesse et l’égoïsme de la société actuelle… Des leçons de moralité qui n’en font jamais trop et qui parlent à tout le monde, cela ne fait pas de mal !

Paddington n’est pas le film qui prétend inventer quoique ce soit dans le domaine de la comédie familiale. Il se présente juste comme un divertissement qui a pour but d’égayer le public lors de son visionnage. Et il y parvient suffisamment pour être le long-métrage des fêtes de Noël de cette année 2014. Il y a bien Astérix – Le Domaine des Dieux qui rivalise avec lui, voire le surpasse. Mais en terme de féerie et de sentiments qui font chaud au cœur, c’est Paddington qui se présente comme le film idéal pour les prochaines vacances. C’est mignon, rigolo et suffisamment travaillé… que demander de plus ?

Paddington : Bande-annonce

Fiche technique – Paddington

Royaume-Uni, France – 2014
Réalisation : Paul King
Scénario : Paul King et Hamish McColl, d’après l’oeuvre de Michael Bond
Interprétation : Hugh Bonneville (Henry Brown), Sally Hawkins (Mme. Brown), Nicole Kidman (Millicent), Julie Walters (Mme. Bird), Peter Capaldi (Mr. Curry), Jim Broadbent (Mr. Gruber), Madeleine Harris (Judy Brown), Samuel Joslin (Jonathan Brown), et la voix de Ben Whishaw/Guillaume Gallienne (Paddington)
Date de sortie : 3 décembre 2014
Durée : 1h35
Genres : Comédie, fantastique
Image : Erik Wilson
Décors : Gary Williamson
Costumes : Lindy Hemming
Montage : Mark Everson
Musique : Nick Urata
Budget : 50 M$
Producteur : David Heyman
Productions : StudioCanal, Heyday Films et DHX Media
Distributeur : StudioCanal

Critique – Marie Heurtin

Synopsis : Née sourde et aveugle, Marie Heurtin, âgée de 14 ans, est incapable de communiquer avec le reste du monde. Son père, modeste artisan, ne peut se résoudre à la faire interner dans un asile comme le lui conseille un médecin qui la juge « débile ». En désespoir de cause, il se rend à l’institut de Larnay, près de Poitiers, où des religieuses prennent en charge des jeunes filles sourdes. Malgré le scepticisme de la Mère supérieure, une jeune religieuse, Sœur Marguerite, se fait fort de s’occuper du « petit animal sauvage » qu’est Marie et de tout faire pour la sortir de sa nuit…

Bonjour au langage

Jean-Pierre Améris a choisi de diffuser son film en version adaptée pour les sourds et malentendants ainsi que pour les aveugles. C’est que son film, qui raconte l’histoire vraie d’une jeune sourde et aveugle rendue au langage par le toucher au 19e siècle, est avant tout un acte de communication, d’ouverture au monde. Au-delà, il dit que le cinéma est un langage, fragile harmonie entre des mots et des images, entre des corps et des voix. Les plans du réalisateur sont une succession de séquences aériennes, tournées tantôt vers les arbres, tantôt vers le ciel, ou de moments palpables, tangibles où les mains de Marie et de Sœur Marguerite découvrent « un monde où tout ce qui est vivant palpite sous les doigts ». Cette femme-là est, à elle seule, un éloge de la patience, de la persévérance. Le film évite, en s’élevant ainsi de l’infime à la cime des choses, des êtres, ne tombe (presque) jamais dans les bons sentiments faciles. Bien sûr, on sait ce qui finira par advenir … la réussite. Mais ce qui compte ce n’est pas tant cette histoire que le chemin pour l’accomplir. C’est d’abord une longue route dans la nuit, dans le noir où une religieuse persuadée d’avoir rencontré « une âme » s’arme de patience pour tenter d’apprivoiser celle que l’on voit comme « une enfant sauvage ». Leur lutte se passe au corps à corps, avec comme seul moment d’apaisement, ce petit couteau, premier mot signé, que Marie caresse et sent sans relâche. Dans ces instants-là, Marie doit apprendre à vivre avec les autres. C’est là la première étape, pleine de combats que nous donne à voir le réalisateur. Là, sa confrontation avec ce monde religieux, sans être dogmatique, où la parole divine, retranscrite en signes, compte bien moins que l’éveil au langage de chacune des jeunes filles sourdes admises là.

Si ce film ne révolutionnera pas l’histoire du cinéma, il est un moment d’une beauté indéfinissable. Il prend le temps, à l’heure où tout bousille, d’observer, écouter, sentir, tout ce qui nous entoure, de s’en enivrer. Le film est simple, doux mais aussi animal par moment. Les deux actrices principales, dont Isabelle Carré qu’on retrouve avec plaisir films après films, ont une alchimie certaine. Quand leurs mains se croisent, se touchent, s’effleurent et se disent en silence tout ce qu’il y a à ressentir. Quand elle s’apprivoisent doucement, l’émotion, jamais trop facile, est palpable. C’est que Jean-Pierre Améris, même quand ses héroïnes parlent de mort et de Dieu, privilégie le physique au spirituel. Marie éprouve le monde et apprend à faire, à partager. Dès qu’elle a appris cela, c’est enfin à Sœur Marguerite d’accepter sa destinée à elle : quitter le monde. Voilà qu’elle devra elle aussi accepter de lâcher prise, de faire confiance à autre chose. Quand Marie regarde le ciel, c’est presque trop appuyé mais c’est à l’image de ce film où la neige qui tombe est un émerveillement : plein d’une sensibilité qui réchauffe, avec ces cadrages serrés sur les doigts de Marie qui lui servent à signer « au toucher ». Le visage de Marie s’illumine au fur et à mesure que le film avance, et, dès lors, sa condition n’est pas misérabiliste car c’est un chemin vers le meilleur, vers le langage et l’odeur des fleurs que l’on sent l’été sur un chemin, comme celles que l’on dépose sur la tombe de ceux qu’on a aimé dans la vie, auxquels ont rend hommage dans la mort… La beauté est là, partout, dans chaque essence, dans chaque détail, qu’on croit ou non qu’ils sont habités par un Dieu ou par quoi que ce soit, c’est là, sous nos doigts… Une parenthèse qui dit la foi en l’autre, à une époque où l’on en a vraiment bien besoin… Et sans miracle : la vie, la mort ,tout simplement.

Bon à savoir : 

L’histoire d’Helen Keller, sourde muette contemporaine de Marie Heurtin, qui a appris cette même langue des signes dans sa main avec l’aide de sa gouvernante, a fait l’objet d’un film en 2002 :  » Miracle en Alabama » (d’Arthur Penn) qui valut un Oscar à ces deux interprètes. Jean-Pierre Améris voulait parler d’Helen Keller, mais les droits pour adapter son histoire étant trop élevés, il s’est renseigné sur les sourds et aveugles jusqu’à tomber sur l’histoire de Marie Heurtin. Son film est est donc inspiré d’un livre qui raconte l’histoire de Marie Heutrin et de Sœur Marguerite. Jean-Pierre Améris dit avoir cherché, et toujours chercher, à faire un film intemporel, et qui transcrive ce qui fait l’objet de tous ses films : « comment réussir à sortir de soi pour aller vers les autres et communiquer »*

* Interview complète ici

Marie Heurtin – Bande-annonce

Fiche Technique: Marie Heurtin 

France – 2014
Date de sortie : 12 novembre 2014
Réalisateur : Jean-Pierre Améris
Interprètes : Isabelle Carré (Sœur Marguerite), Ariana Rivoire (Marie), Brigitte Catillon (Mère Supérieure), Noémie Churlet (Sœur Raphaëlle), Gilles Treton (le père de Marie Heurtin), Laure Duthilleul (la mère de Marie Heurtin)
Scénario : Jean-Pierre Améris et  et Philippe Blasband
Photographie : Virginie Saint-Martin
Décors : Franck Schwarz
Sociétés de production : Escazal Films ; France 3 Cinéma et Rhône-Alpes Cinéma (coproductions)

Martha Marcy May Marlene, un titre déroutant pour un film qui ne l’est pas moins

Synopsis : après avoir fui une secte et son leader charismatique, Martha retrouve refuge chez sa sœur aînée Lucy et son beau-frère Ted, avec qui elle n’a plus eu contact depuis deux ans. Bien que ces derniers la recueillent, elle reste incapable de leur dévoiler la vérité. De plus, elle reste persuadée que les membres de cette communauté qu’elle a délaissés la pourchassent. Les souvenirs qui la hantent se transforment alors en une effrayante paranoïa et la frontière entre réalité et illusion se brouille peu à peu…

Elle a longtemps vécu dans l’ombre de ses sœurs Mary-Kate et Ashley, en participant à quelques-uns de leurs téléfilms sous son surnom Lizzie. Désormais, tout Hollywood la réclame ! Après l’avoir vue récemment à l’affiche du remake US d’Old Boy et de Godzilla, elle répondra également présente au casting d’Avengers 2 (son rôle ayant déjà été entraperçu dans la séquence post-générique de Captain America : le Soldat de l’Hiver). Mais sa notoriété, Elizabeth Olsen la doit à un seul film. À son tout premier rôle sur grand écran. Un long-métrage indépendant, loin du faste des studios, qui a fait fureur au Festival du film de Sundance 2011 (notamment récompensé par le prix de la meilleure mise en scène), et qui a su dévoiler le talent d’une toute nouvelle comédienne. Retour donc sur Martha Marcy May Marlene, un drame qui vaut le détour.

Pourtant, le pari n’était pas gagner d’avance pour Elizabeth Olsen. En effet, une « débutante » comme elle, voulant à tout prix piquer la vedette à ses frangines (dont on n’entend plus parler, soit dit en passant), en portant littéralement un film sur ses épaules. Le projet pouvait tout aussi bien fonctionner que s’effondrer comme un château de cartes. Heureusement, la comédienne s’en sort avec énormément de talent. Un talent que personne n’avait vu venir et qui en avait surpris plus d’un à sa sortie, démontrant que l’on peut très bien s’appeler Olsen, et faire autre chose que de la nunucherie style Hannah Montana. Cette chère Lizzie crève l’écran, tout simplement. Son charme, son naturel… sa prestation dans son ensemble surpasse amplement celle de ses complices (John Hawkes, Sarah Paulson, Hugh Dancy, Christopher Abbott…), qui nous paraissent secondaires. Bluffante de bout en bout, elle donne vie à son personnage avec beaucoup de crédibilité, à tel point que son jeu aide le spectateur à entrer dans l’histoire du film, déjà bien captivante sur le papier.

Bien que Martha Marcy May Marlene soit considéré comme un drame, il ne faut pas s’attendre à un tire-larmes ou à un mélo ayant pour but de titiller la sensibilité du public. Au lieu de cela, le film de Sean Durkin flirte avec le thriller psychologique, en mettant en place un suspense et ce dès le début du film. En effet, le long-métrage démarre par notre héroïne qui fuit un groupe, une communauté, une secte… on n’en sait rien ! Et quand elle va trouver refuge chez sa sœur, des souvenirs en flash-backs, vont être livrés petit-à-petit pour tenter d’aider le spectateur à comprendre le personnage : pourquoi est-elle partie pendant 2 ans ? Pourquoi a-t-elle fui ce fameux groupe ? De quoi a-t-elle peur ? Tant de questionnements qui vont forger la paranoïa de l’héroïne, qui ne va plus trop faire la différence entre la réalité et le passé.

Une trame pour le moins intéressante mais qui se retrouve embellie de la plus belle des manières par le réalisateur : plus les fameux souvenirs envahissent l’esprit du protagoniste, plus ils vont s’encrer dans sa réalité. Cela, Sean Durkin le montre en filmant deux séquences se passant à des temps différents mais cependant identiques : par exemple, l’héroïne s’apprête à sauter d’un bateau pour plonger dans l’eau, et quand elle se lance enfin, elle se retrouve avec les membres de sa «secte ». Des passages réalité/souvenir d’une rare fluidité qui peuvent frustrer au début mais auxquels il n’est pas difficile de s’habituer. Et comme le scénario place le public du point de vue du personnage, il peut, lui aussi, se demander si la plupart des informations qui lui sont dévoilées, se sont véritablement arrivées ou s’il ne s’agit que de l’imagination due à l’angoisse (pour ne pas dire folie) de l’héroïne. Certains pourront également se demander lequel de ces trois prénoms (Martha, Marcy May ou Marlene) est la véritable identité de cette dernière. Si l’histoire du film nous le précise, cela n’empêche pas ce doute.

Enfin, comme si cela ne suffisait pas, Sean Durkin installe peu à peu dans son film une ambiance qui, justement, pourrait définir l’état d’esprit du protagoniste. Même si c’est au spectateur de se faire une idée, notamment via la dernière séquence du film (un plan qui se termine comme tel, de manière brusque, qui peut laisser sur sa faim). Quoiqu’il en soit, le réalisateur, en commençant par filmer des plans de campagne et de belles maisons continue dans la noirceur, et crée une atmosphère de paranoïa envoûtante et entraînante, qui aide à faire douter sur la véracité des souvenirs de l’héroïne sans pour autant ôter le fait qu’elle peut être en grand danger à tout instant. Une maîtrise qui n’a pas volé ses nombreuses nominations et récompenses.

Attachant, passionnant mais aussi troublant, Martha Marcy May Marlene est un film à voir. Pour sa mise en scène et son actrice principale. Il serait même obligatoire de faire découvrir ce long-métrage, qui n’a pas su rembourser l’intégralité de son budget (moins de 4 millions de dollars dans le monde pour un budget de 10 millions) à cause de son statut de film indépendant. Même si les plaisirs coupables existent et que certains blockbusters valent le détour, il serait temps que le grand public se détournent d’Hollywood pour se pencher sur d’autres projets, certes moins imposants, mais pouvant être bien plus puissants, qu’un divertissement aux moyens pharaoniques.

Martha Marcy May Marlene : Bande-annonce

Fiche technique – Martha Marcy May Marlene

États-Unis – 2011
Réalisation : Sean Durkin
Scénario : Sean Durkin
Interprétation : Elizabeth Olsen (Martha/Marcy May/Marlene), John Hawkes (Patrick), Sarah Paulson (Lucy), Hugh Dancy (Ted), Christopher Abbott (Max), Brady Corbet (Watts), Maria Dizzia (Katie), Julia Garner (Sarah)…
Date de sortie : 29 février 2012
Durée : 1h41
Genre : Drame
Image : Jody Lee Lipes
Décors : Chad Keith
Costumes : David Tabbert
Montage : Zacahry Stuart-Pontier
Musique : Daniel Bensi et Saunder Jurriaans
Budget : 10 M$
Producteurs : Josh Mond, Antonio Campos, Chris Maybach et Patrick Cunningham
Productions : Fox Searchlight Pictures, Cunningham & Maybach Films, FilmHaven Entertainment et BoderLine Films
Distributeur : 20th Century Fox France

En guise de retour, après quelques années d’exil politique, le réalisateur serbe Goran Paskaljevic, décide de s’attaquer à un sujet délicat, que le cinéma local a peu traité (hormis l’incontournable Underground d’Emir Kusturica): celui de l’holocauste dans l’ex-Yougoslavie. Réalisé en 2012, ce film aura mis du temps à arriver sur le sol français, pour finalement n’être diffusé que dans une poignée de petites salles.

Synopsis : Micha Brankov, un professeur de musique à la retraite est bouleversé de découvrir ses véritables origines : ses parents juifs l’avaient confié, à l’âge de deux  ans, à une famille, avant de disparaître dans un camp de la mort. Le vieux professeur retrace l’histoire de ses parents et veut faire  interpréter en leur hommage  ‘’la  partition inachevée’’ que son père avait composée.

La musique comme seul lien avec le passé ? 

Le récit de Misa Brankov, un ancien professeur de musique à la retraite interprété par Mustafa Nadarević, se découvrant adopté et natif de parents juifs victimes de la déportation, est surtout le support d’une réflexion sur le devoir de mémoire. En effet, plus que la première partie, assez descriptive, où le vieil homme se fait apprendre, par le rabbin local, l’établissement tragique, en plein cœur du Belgrade des années 30, d’un camp de la mort, puis les témoignages maussades des habitants actuels de la zone, l’intérêt du film réside dans la seconde partie. C’est là que, après avoir découvert et complété une partition musicale rédigée par son père, ce musicien décide de la faire jouer à l’occasion d’une cérémonie commémorative du drame organisée par les derniers survivants.

Si la première partie, de par son caractère didactique, est la preuve que le public serbo-croate n’est pas au fait du drame qui a frappé l’Europe dans les années 40, la seconde, assimilable à une mise en abyme musicale du travail du réalisable, nous ouvre les yeux sur les difficultés de transmettre le souvenir de ce passé peu glorieux.  Brankov, tellement investi par sa mission qu’il en viendra à vendre l’objet le plus précieux à ses yeux, son piano, va donc faire beaucoup de rencontres et de demandes pour participer à projet de rendre hommage à ses parents qu’il vient de découvrir Mais parmi celles-ci, la plus importante est la sollicitation faite à son fils, lui aussi musicien (le talent est, aux yeux de Paskaljevic au moins, transmissible), qui, moins soucieux par le sort de ses aïeux que par ses intérêts personnels, va lui répondre par la négative. C’est dans ce refus, davantage que dans l’évocation de la Shoah, et les quelques scènes de flashbacks, faites par le prisme des rêves du personnage principal, l’illustrant maladroitement, que La partition inachevée atteint la dimension d’un véritable drame, celui d’une société ne désirant pas prendre en considération les horreurs vécues par les générations antérieures. 

La Partition inachevée:  Bande Annonce

La Partition inachevée:  Fiche technique

Titre original : Кад сване дан ; Kad svane dan
Réalisation : Goran Paskaljević
Scénario : Filip David et Goran Paskaljević
Interprétation: Mustafa Nadarević (Pr Miša Brankov), Nebojša Glogovac (Mališa), Predrag Ejdus (le rabbin), Zafir Hadžimanov (Marko Popović), Meto Jovanovski (Mitar), Olga Odanović-Petrović (la réfugiée), Toma Jovanović (Neifeld), Rade Kojadinović (Kosta Brankov), Mira Banjac (Ana Brankov), Nada Sargin (Marija), Ana Stefanović (Hana), Čarni Derić (Isaac Weiss)…
Montage : Kristina Pozenel
Musique : Vlatko Stefanovski
Photographie : Milan Spasic
Producteur : Ilann Girard, Goran Paskaljević et Damir Teresak
Coproducteur : José María Morales
Producteur exécutif : Jelica Rosandic
Producteur associé : Philip Zepter, Madeleine Zepter, Milan Marković et Dejan Petković
Production : Nova Films et Maxima Films
Distribution : Sophie Dulac Distribution
Genre : Drame
Durée : 90 minutes
Dates de sortie : 26 novembre 2014

France/Serbie/Croatie – 2014

Après avoir fait dans le gore efficace avec Undead en 2003 puis avoir dirigé Ethan Hawke dans le vampirique, rythmé et intéressant Daybreakers en 2009, les Frères Spierig sont de retour. Un tandem apprécié par les critiques pour leur univers et leur ligne conductrice de film de genre. On ne change pas une équipe qui plaît et les deux frères remettent le couvert avec cet ambitieux film de science-fiction. Présenté pour la première fois au Festival Fantasia à Montréal où il a été acclamé par le public, Predestination est un film inspiré d’une nouvelle intitulée « All you Zombies » de Robert A.Heinlein, évoquant les paradoxes des voyages dans le temps. Pour sa première européenne, le film fût également sélectionné pour conclure en toute beauté la septième édition du Festival Européen du Film Fantastique de Strasbourg.

Synopsis:  Un agent temporel est pris dans une série de voyages dans le temps, destinés à faire perdurer à jamais son action en tant que représentant de la loi. Lors de son ultime mission, il doit recruter une plus jeune version de lui-même pour se remplacer, tout en pourchassant le seul criminel ayant percé son identité à travers le temps…

All you Paradox

Depuis près de deux ans, le cinéma mainstream se plaît à raconter des histoires de voyages dans le temps et particulièrement des paradoxes qui les jalonnent. Certains réussissent avec brio ce périlleux exercice de cohérence et de véracité scientifique. Citons les récents Interstellar ou Edge of Tomorrow, voire les comédies romantiques Camille Redouble et Il était Temps. A fortiori, d’autres agacent et font lever les yeux au ciel comme le dernier X-Men, Looper ou Men in Black 3, même s’ils restent d’honorables divertissements. Quoiqu’il en soit, le cinéma trouve avec ce matériau formidable mais complexe, une autre manière d’aborder la science-fiction, autrement que par le biais de l’espace. Rappelons que L’Armée des Douzes Singes, Donnie Darko et Retour vers le Futur avaient marqué ce sous-genre en son époque.

Ici, Predestination est un thriller futuriste où les agents d’une unité temporel peuvent déterminer à l’avance les individus sur le point de commettre un crime. Mais un terroriste semble avoir un temps d’avance sur tous ces agents, réussissant constamment à leur échapper, et mettant à exécution tout une série d’attentats. C’est donc au personnage d’Ethan Hawke de pourchasser cet individu, malin et préparé, qui prend une infime avance pour lui échapper dans le temps. Sur cette base, l’intrigue semble reprendre des éléments des films Minority Report et Timecop. Mais les Frères Spierig font le pari audacieux de raconter avant tout une histoire, celle d’un personnage qui sera le pilier central de tout le film. Tout le background tourne évidemment autour de ces voyages temporels, mais le personnage central focalise toute l’attention. Après une introduction explosive, les éléments narratifs du film se dévoilent au bord d’un comptoir d’un miteux bar souterrain. Barman, le personnage d’Ethan Hawke fait la connaissance d’une femme atypique, garçon manqué sur les bords. On devine très vite qu’elle est sa cible. Une discussion très longue s’ensuit et fait appel à de très nombreux flashbacks. C’est là toute la complexité et l’intelligence du récit qui joue avec les attentes du spectateur. Le montage est façonné comme un puzzle et permet de jouir des deux personnages principaux ainsi que du lien les unissant.

Visuellement, Predestination est un film au budget restreint, mais qui compense cela par un élégant travail sur les lumières et les décors. L’univers diégétique futuriste du film fonctionne parfaitement. Il n’est pas question d’une dystopie exagérément futuriste mais d’une société technologique évoluée, qui a toutes les similitudes de la société actuelle. Sans jamais tomber dans l’excès, les deux frangins réalisent un excellent travail de mise en scène, stylisée et très fluide. Les quelques scènes d’action du film font également preuve d’un excellent travail d’effets-spéciaux. A la tête de ce projet complexe, Ethan Hawke retrouve les deux réalisateurs après Daybreakers et s’avère nettement plus performant que dans leur précédente collaboration. A ses côtés, Sarah Snook porte magistralement le film sur ses épaules et démontre un formidable talent d’actrice qui sera assurément bien employé dans les prochaines productions hollywoodiennes à venir. Toute la discussion entre les deux personnages au bar pourrait sembler être un long nœud narratif, mais il développe à merveille la psychologie des personnages et la contextualisation du récit. Certains reconnaîtront également Alan Taylor, qui illumine le film de son charisme.

Audacieux pari que de privilégier la dramaturgie scénaristique dans un film de science-fiction. Le rythme s’en trouve quelques peu ralentis à certains moments mais il offre un formidable matériau narratif avec ses dialogues et ses personnages bien écrits. La relative complexité du scénario nous offre un vrai film qui appelle à la réflexion et fait rare pour une fois, les auteurs ne semblent pas trop s’être emmêlés les pinceaux avec une histoire de voyage dans le temps. Les paradoxes sont évités et les rebondissements sont nombreux avant un final sensationnel. Au dénouement du film, on gardera de Predestination le souvenir d’un film de science-fiction diablement efficace et parfaitement maîtrisé pour un si modeste budget.

Fiche Technique: Predestination

Titre originale: Predestination
Australie
Genre: Science-fiction, thriller
Durée: 98min
Sorti le 01 décembre 2014 en DVD/Blu-Ray

Réalisation: Michael & Peter Spierig
Scénario: Michael & Peter Spierig, basé sur le livre All You Zombies de Robert A. Heinlein
Interprétation : Sarah Snook (La mère non mariée), Ethan Hawke (le barman), Noah Taylor  (Mr. Robertson)
Image: Ben Nott
Décor: Vanessa Cerne
Costume: Wendy Cork
Montage: Matt Villa
Son : Peter Spierig
Producteur: Gary Hamilton, Matt Kennedy, Paddy McDonald, Tim McGahan, James M. Vernon
Production: Screen Australia
Distributeur: /
Budget : 17 000 000 $
Festival: Film de Clôture FEFFS 2014

#On notera néanmoins une distribution calamiteuse pour cet audacieux film de science-fiction. Sans passé par la case salles obscures dans l’hexagone, Predestination se voit uniquement proposé en version DVD/Blu-Ray, malgré sa tête d’affiche. Une stratégie injuste tant il s’avère être un bon film de genre, acclamé par les critiques dans tous les festivals où il fût présenté. Il faut croire que les Frères Spierig sont malheureusement tombés dans le mauvais créneau, celui d’un autre ambitieux film de SF sorti plus tôt, Interstellar.  On peut facilement imaginer qu’aucun distributeur n’ait voulu se lancer dans la confrontation avec le film de Christopher Nolan, surtout autour d’un sujet rassemblant quelques similitudes. A défaut, je ne peux que vous recommander de vous jeter sur ce DVD/Blu-Ray qui vaut assurément le coup d’œil. Il se range facilement dans la catégorie des films de SF efficace mais oublié par les distributeurs français, comme Moon en son temps.