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Critique du film, Satin Rouge

Synopsis: Lilia est une mère tunisienne modèle, possessive et garante des traditions. Son mari décédé, elle surveille sa fille en permanence, pour sauvegarder l’honneur de celle-ci et éviter à la famille une perte de réputation. Face aux nombreuses soirées que sa fille passe à étudier chez une amie, et après une nuit où elle découche, elle décide de la suivre à un cours de danse du ventre. Observant celle-ci qui échange regards et sourires avec un musicien, elle se doute q’une liaison les unis. Elle se rend alors dans le cabaret où ce dernier joue tous les soirs…

Bons Baisers D’Orient !

Le Maghreb, tel qu’imaginé et fantasmé par beaucoup de monde, est un territoire peuplé de fanatiques religieux islamistes prêts à envahir notre si cher et tendre monde occidental à des fins sauvagement belliqueuses. Les récentes révoltes du peuple Arabe, la longue histoire du conflit israélo-palestinien, le métissage de plus en plus prégnant et inéluctable de notre pays, la peur d’une perde d’identité nationale au moment où l’Islam voit sa présence renforcée donc bien plus visible que les années précédentes sur notre sol, ainsi que bien d’autres sont des motifs véhiculés régulièrement aux informations, et ceci sans le temps de l’analyse nécessaire à la compréhension de cette culture foisonnante riche de plusieurs siècles. L’Occident saura pourtant s’en souvenir et grandement s’en inspirer pour bâtir et fortifier la sienne. Ces amalgames ingurgités et recrachés sans discernement aucun sont quelques-unes des explications du rejet de L’Homme musulman en général et de L’Homme Arabe en particulier.

Grâce soit donc rendu à Raja Amari de nous prouver que cette stigmatisation est particulièrement infondée et que cette entité possède au contraire une ouverture d’esprit largement accueillante, avec un sens de l’hospitalité faisant parti des us et coutumes de la civilisation Orientale. Il semble important de rappeler que la Tunisie, point d’orgue central du film Satin rouge, se tient relativement à l’écart d’une conception archaïque de l’Islam, contrairement à certains de ses plus ou moins proches partenaires maghrébins. De par son passé, elle a su éviter la majorité des écueils liés à cette problématique pour mieux transcender sa modernité et exalter le rapprochent interconfessionnel. C’était une volonté manifeste de son ancien président Habib Bourguiba et son peuple lui en était reconnaissant, même si ce consensus longtemps approuvé à fini par se fissurer à force d’emprise quelque peu dictatorial sur celui-ci. La Révolution du Jasmin qui s’en est suivi s’est avérée un rappel nécessaire pour quiconque outrepasserait cette règle d’or.

En situant le cadre de son scénario sur une mère élevant péniblement mais fièrement sa fille, la réalisatrice nous raconte sa Tunisie, pétrie de contradictions car habitée par une tradition ancestrale impossible à effacer et emprunte d’une modernité éprise de liberté et de renouvellement. Cette femme, veuve solitaire depuis qu’elle a perdu son mari, subvient tant bien que mal à leurs besoins en effectuant des tâches ménagères, et vit recluse chez elle en attendant tous les soirs sa progéniture, sa seule et unique famille proche. Le rituel, désuet au premier abord, est capital pour sa santé mentale et physique. C’est ce qui lui permet de se sentir toujours vivante. Il y a là une première radiographie du pays, entre une ancienne génération percluse de doutes ne sachant comment organiser sa vie nouvelle (chose encore plus marquante pour les femmes seules) et l’émergence d’une jeunesse étudiante embrassant l’avenir à pleins poumons. La dichotomie observée avec tellement de justesse souligne l’importance de la reconstruction identitaire qui doit s’opérer pour tirer le meilleur d’un passé inquiet pour assurer un avenir radieux. Un point de vue salutaire qui ouvre une analyse perspicace encore plus poussée pour tenter de prendre la pleine mesure du croissant doré. La télévision ou passe des romances sucrées, fil conducteur du récit, révèle bien des éléments essentiels de ce peuple. L’amour décomplexé et la beauté des sentiments se vivent par procuration dans une société où la place des hommes reste constitutive de son fonctionnement. Rêver à une vie meilleure reste un doux euphémisme en même temps qu’une vague promesse, qu’il est difficile de s’octroyer pour ces princesses. Arrive alors la découverte de ce cabaret, monde interlope intriguant s’il en est, ou le plaisir et la luxure de la danse paraissent, sinon prohibes, du moins fortement improbables pour les tenants d’une rigueur morale castratrice.

La danse du ventre, culture ancestrale fondamentale de L’orient, est un formidable moyen d’émancipation qui donne au corps féminin le plaisir jouissif de dominer le machisme ambiant. L’art qui s’en dégage doit impérativement être conservé et transmis, sous peine de voir un des piliers de cette culture enfoui à tout jamais. Son exécution demande force, courage et dextérité et la splendide sensualité qui en ressort ne doit pas se confondre avec une simple lascivité vulgaire. Partagée entre son désir de retrouver un souffle essentiel et renouer avec ses glorieux antécédents et l’angoisse d’un héritage moralisateur, la déesse se lancera finalement à corps perdu dans cette passion si longuement refrénée.

Le talent de Raja Amari prend tout son sens dans la description fine de la dualité éprouvée à l’égard de ce poids, elle ne juge personne mais regarde simplement les protagonistes s’échiner à respecter leurs convictions les plus profondes pour s’arrimer douloureusement à la vie qui passe. Le final en est la plus belle illustration. En fait de rancœur et d’amertume, cette mère Térésa soulignera sa bonté du cœur en faisant passer sa profonde tristesse d’avoir été trompée par l’homme qu’elle aime, par une ironie mordante au profit de sa fille tant aimée. Le magnifique portrait de la femme arabe dans toute sa splendeur. Hiam Abbas l’incarne à la perfection, rose fanée qui renaît au monde par la sensualité de ses courbes élancées. Elle seule (avec Ronit Elkabetz, une autre israélienne) correspondait parfaitement au portrait sensible de ces âmes tourmentées saisies par l’infinie charme de la mélancolie. Transpirant l’élégance et la classe folle, elle donne un visage radieux à ces perdantes grandioses.

Bande-Annonce Satin Rouge 

Satin Rouge : Fiche Technique

Tunisie, 2001
Réalisateur : Raja Amari
Scénario : Raja Amari
Avec : Hiam Abbass, Hend El Fahem, Monia Hichri, Maher Kamoun
Genre : Drame
Durée : 1h40
Sortie : 24/04/2002

Auteur : Le cinéphile Dijonnais (Sabri)

Critique du film, Moonrise Kingdom

Synospsis : sur une île au large de la Nouvelle-Angleterre, au cœur de l’été 1965, Suzy et Sam, douze ans, tombent amoureux, concluent un pacte secret et s’enfuient ensemble. Alors que chacun se mobilise pour les retrouver, une violente tempête s’approche des côtes et va bouleverser davantage encore la vie de la communauté.

Au pays de l’amour levant

« Voici l’île de New Penzance. 26 km de long. Plantée de pins et d’érables séculaires. Sillonnées de petits chenaux formées par la marée. Territoire Chickchaw. Pas de routes goudronnées (…) mais des kilomètres de sentiers, de chemins entrelacés, et un bac desservant la baie de Stone 2 fois par jour. Nous sommes en 1965. C’est ici, aux abords du détroit de Black Beacon, qu’une violente tempête, restée dans les annales, viendra s’abattre depuis l’est le 5 septembre. Dans 3 jours. »

Wes Anderson, dès son incipit, via le narrateur (Bob Balaban) nous plonge dans son univers créé de toutes pièces. L’île, factice, s’impose à nous ; submergé par les détails, le film s’ouvre sur un exposé, relevé géographique, topographique, et rapide historique. Le spectateur sait d’entrée où il se trouve et quand. L’élément dramaturgique est imposé dans les secondes qui suivent. Le décor est posé, les prémices de l’intrigue se découvrent lentement. Théâtralement W. Anderson ouvre son film sur un air de musique classique, disséquée par un présentateur, nous sommes dans une maison. Mécaniquement, la caméra observe la maison et ses habitants, un père, une mère, trois bambins, et leur grande sœur : Suzy. Jumelle au cou, enlaçant son chaton, le regard brave mais lointain, les cheveux roux, robe colorée, incandescente. Suzy Bishop (Kara Haward) gamine jugée difficile par ses géniteurs, avocats de profession. Sans véritable amis, passionnée de littérature fantastique, et entretenant une relation épistolaire salvatrice.

Comme souvent avec le réalisateur, l’amour est au centre, l’amour fou, l’amour impossible, l’amour y est surtout interdit. En effet déjà dans Rushmore, l’enfant tombait éperdument amoureux d’une institutrice, alors que dans La Famille Tenenbaum, le frère convoitait sa sœur (non biologique). Mais parmi les thèmes chers à Mr Anderson, la filiation, se distingue par sa récurrence dans sa filmographie : la quête d’une figure paternelle, l’approbation maternelle, autant de sujets qui viennent ponctuer ses films depuis une décennie.

Se dévoile ici, Sam Shakusky (Jared Gilman) héro, scout kaki, orphelin. Personnage central, mais absent lors de son introduction. Sam s’est fait la malle, pour le plus grand plaisir de ses camarades. Sam n’est pas très populaire, jugé bizarre, inadapté. Il est surtout celui qui répond aux lettres de Suzy, celui qui rempli sa boite aux lettres autant que son esprit.

L’on ne vous cachera pas que le diptyque amoureux se déroule autours de ces deux là. On vous laissera, en revanche, le loisir de tirer le voile sur leur histoire :

Vous les verrez s’enfuir, vous les verrez se retrouver, se perdre. Vous les verrez surtout s’aimer, comme seuls les enfants savent le faire. C’est avant tout un film d’amour, de copains, et d’aventure. Comme l’ont bien compris nos deux échappés, ou plutôt nos deux rescapés dirons-nous, qui se sont bien trouvés, échappant à un monde de grands qui ne les comprend pas. Cet amour, sentiment surpuissant, se cristallise durant la plus belle scène du film, au cœur de cette baie, jusque là innommée, devenue le « Moonrise Kingdom » après une brève envolée, passionnelle, liberticide par la suite.

La famille de Suzy s’opposera farouchement à leur liaison, pur délire infantile, fruit d’un esprit abimé, tordu, brisé. Sam apprendra de son côté, que la sienne, ou celle qui en faisait office, décide de ne pas le « reconduire ». Tel le bail d’un appartement que l’on veut quitter puisque la peinture s’écaille, et que le lavabo fuit. Se succéderont alors sur la scène de sa vie sans but apparent, des personnages tout aussi désarçonnés par les déceptions qui s’accumulent : le chef de tribu déchu (Edward Norton), le capitaine de police (Bruce Willis) dont l’amante le délaisse au profit d’un mari qui se sait trompé (Bill Murray). Interviendront ensuite l’action sociale, l’esprit scoute, et le cataclysme naturel, et dans un dénouement aux allures Shakespearienne, où la mort est sans doute préférable à l’amour brimé, Wes Anderson clôturera son meilleur film avec légèreté, dissipant la brume et les maux.

Nous baladant au gré d’une caméra toujours aussi vivante, cadrant ce qui ne saurait être cadré, la nature, insulaire, luxuriante, sauvage mais domptée. Dans une succession de tableaux aux couleurs délicieusement dépassées, spectre d’un décor onirique, idyllique, l’image y polarise l’attention dès que le récit s’y soustrait. Et, renforcée, par une bande originale sublime (signée Alexandre Desplat) le film ondule durant une heure et demie, glissant sur nos souvenirs d’enfants et nos expectations d’adultes.

Fiche technique – Moonrise Kingdom

Réalisation : Wes Anderson
Scénario : Wes Anderson et Roman Coppola
Interprétation: Jared Gilman (Sam), Kara Hayward (Suzy), Bruce Willis (Capitaine Sharp), Edward Norton (le chef scout Ward), Bill Murray (M. Bishop), Frances McDormand (Mme Bishop), Jason Schwartzman (Ben)…
Musique : Alexandre Desplat
Photographie : Robert D. Yeoman
Production : Wes Anderson/ Scott Rudin/ Steven Rales/ Jeremy Dawson
Société de production : Focus Features
Société de distribution (France) : Studio canal
Genre : Comédie dramatique
Durée : 93 minutes
Date de sortie française : 16 mai 2012

Critique du film, Men, Women & Children

Synopsis : Men, Women & Children brosse le portrait de lycéens et de leurs parents qui doivent affronter l’impact des nouvelles technologies sur leurs rapports, leurs modes de communication, l’image qu’ils ont d’eux-mêmes et leur vie amoureuse. Le film aborde ainsi plusieurs enjeux sociétaux, comme la culture des jeux vidéo, l’anorexie, l’infidélité, la course à la célébrité et la prolifération de contenus illicites sur Internet. Tandis que les personnages s’engagent dans des trajectoires, dont l’issue est parfois heureuse et parfois tragique, il est désormais évident que personne ne peut rester insensible à ce bouleversement culturel qui déferle sur nos téléphones, nos tablettes et nos ordinateurs. 

Internet, les réseaux sociaux et autres petites contrariétés 

Pour son sixième film, Jason Reitman adapte avec Erin Crissida Wilson, le roman éponyme de Chad Kultgen, traitant des relations humaines, à travers le prisme d’internet et des réseaux sociaux. Un film choral, n’évitant ni les longueurs et clichés. Pourtant cela fonctionne, grâce à un casting réussi, à des moments d’émotions et une certaine simplicité, qui peut-aussi être considérée comme un défaut.

Une voix-off nous accompagne tout au long des deux heures, c’est celle d’Emma Thompson. Elle nous conte tout d’abord l’histoire de la sonde Voyager 1, envoyée dans l’espace en 1977 pour signaler notre existence à d’autres formes de vies à travers notre galaxie. Elle a pris une photo de notre planète terre, qui est un insignifiant point bleu dans l’immensité de l’univers.

Sur ce point bleu, se trouve une ville du Texas ou va se nouer divers histoires, par le biais de personnages, parfois caricaturaux. On a un couple (Adam Sandler et Rosemarie DeWitt), n’éprouvant plus d’attirance l’un pour l’autre, noyé dans le quotidien, avec leurs deux fils, dont l’un d’eux (Travis Tope) est devenu accroc au sexe en ligne, au point de ne plus rien ressentir face à une personne IRL (In Real Life). Une mère (Jennifer Garner), surveillant toute les activités de sa fille (Kaytlin Dever), sur internet et les réseaux sociaux, au point d’avoir un traceur pour aussi connaitre ses moindres déplacements. Un fils (Ansel Elgort) vivant mal le départ de sa mère en Californie, le laissant seul avec son père (Dean Norris), dont le seul point commun et le football américain, qu’il va quitter, se plongeant dans les jeux en ligne. Une mère (Judy Greer) reportant sur sa fille (Olivia Crocicchia), ses rêves brisés de star hollywoodienne, en faisant d’elle une poupée, ne vivant que pour le succès et l’argent, au risque de basculer dans la pornographie. Enfin, une pom-pom girl (Elena Kampouris) obnubilée par son poids et amoureuse de la star du lycée.

A travers les diverses intrigues qui se nouent et parfois, se télescopent, le film traite de différents sujets, comme le suicide, l’anorexie et la pression sociale, poussant à sauter le pas sexuellement, malgré les risques de MST et Sida, et l’absence de dialogue sur le sujet.

Jason Reitman avait déjà fait une incursion dans le monde de l’adolescence, en abordant la grossesse chez l’adolescente dans le très réussi Juno, ou l’on avait déjà Jennifer Garner et JK Simmons au casting. On retrouve ici, un peu de son humour, mais par petites touches, l’histoire étant surtout un drame de la vie sociale. Mais il ne parle pas seulement des adolescents, car comme son titre l’indique, les hommes et femmes, sont aussi à l’honneur, même si ce n’est pas flatteur pour eux.

C’est surtout le manque de communication entre les générations, qui est pointé du doigt, en faisant d’internet et des réseaux sociaux, les responsables de ce fossé, qui s’est installé entre eux. Malgré tout ses outils mis à la disposition de l’être humain, la solitude est toujours aussi présente au sein de notre société. En début d’année, Her abordait déjà l’isolement de l’homme, se coupant du monde, après un drame et ne retrouvant qu’un peu de bonheur, au travers d’une intelligence artificielle, par le biais de la voix de Scarlett Johansson. Précédemment en 2013, le méconnu Disconnect avec Jason Bateman et Alexander Skarsgard, parlait du même sujet, mais sur un ton plus dramatique, au point de basculer dans le thriller.

Un casting réussi, peut sauver un film de l’ennui. C’est le cas ici, ou Ansel Elgort confirme son talent, déjà à l’oeuvre dans Nos étoiles contraires cette année. Jennifer Garner campe une mère rigide, qui finit par devenir détestable, tant sa performance est réussie. Adam Sandler, fait une nouvelle incursion dans le cinéma d’auteur, après Punch Drunk Love sous la direction de Paul Thomas Anderson en 2002. Il fait ici preuve de sobriété, démontrant encore une fois, qu’il pouvait être un bon acteur dramatique. Dean Norris, Rosemarie DeWitt et Judy Greer, sont de solides seconds rôles, sans oublier JK Simmons, qui est pratiquement dans tous les films de Jason Reitman. Kaitlyn Dever formant un couple émouvant avec Ansel Elgort, en devenant le point central du film.

Sur une musique pop et mélancolique de Bibio, Jason Reitman se fait un brin moralisateur, en stigmatisant cette nouvelle technologie. Elle semble salvatrice au début, avant de devenir destructrice, mais surtout par l’utilisation néfaste qu’en font les adolescents, tout comme les adultes. On peut regretter un manque de profondeur des personnages, dont certains devenant même insignifiants, tout comme l’absence de diversité, aussi bien physique, qu’ethnique.

Surement le film le moins réussi de Jason Reitman, même si sa réalisation se veut sobre, en restant au service des acteurs(trices), qu’il dirige toujours aussi bien. Il n’innove pas, ne prenant pas de risque, en restant tranquillement dans sa zone de confort, au risque de perdre de son mordant, mais aussi son public.

Fiche technique: Men, Women & Children

USA – 2014
Réalisation : Jason Reitman
Scénario : Jason Reitman et Erin Cressida Wilson
Distribution : Adam Sandler, Emma Thompson, Rosemarie DeWitt, Jennifer Garner, Judy Greer, Dean Norris, Ansel Elgort, Dennys Haisbert, Timothée Chalamet, Olivia Crocicchia, Kaytlin Dever, Elena Kampouris et JK Simmons
Musique : Bibio
Photographie : Eric Steelberg
Production : Jason Reitman, Helen Estabrook, Jason Blumenfeld, Michael Beugg et Mason Novick
Société de production : Right of way films
Société de distribution : Paramount Pictures
Genre : Comédie dramatique
Durée : 119 minutes
Date de sortie française : 10 décembre 2014

Auteur : Laurent Wu

Critique du film, Le Père Noël

Synopsis : Le petit Victor doit se coucher tôt car c’est ce soir que vient le père noël pour distribuer ses cadeaux. Quand il voit Tahar Rahim débarquer en tenue complète, il est persuadé que son vœu va se réaliser et que celui-ci va l’emmener sur son traîneau dans les étoiles. Problème, ce dernier n’est qu’un cambrioleur en permission pour une nuit hors de prison. Les deux vont s’entraider et passer un réveillon des plus mouvementés.

Une avant-première au goût de marketing

Il n’est pas inhabituel de voir des avant-premières le dimanche pour les gros films familiaux, mais celle-ci était un peu particulière. Tout d’abord par la présence des comédiens et du réalisateur, qui à part le petit Victor Cabal n’avaient pas grand-chose à dire. Ensuite pour la présence  de sacs de goodies sur les sièges. La projection étant tout public, on pouvait être surpris de retrouver ce genre d’action de communication d’habitude réservée aux professionnels.

A l’intérieur, on pouvait trouver : du soda, un petit père noël en chocolat, un jeu de société de voyage, un cahier de notes, ainsi qu’un bon de réduction pour le jeu vidéo à figurines « Skylanders ». Ce dernier point est particulièrement intéressant, car Le Père Noël propose un vrai placement produit durant tout le film, digne d’une production Luc Besson. Le jeu d’Activision se trouve dans la liste de Noël du petit garçon, au cœur d’une intrigue secondaire et fait partie des cadeaux de fin. S’il n’est pas complètement scandaleux de retrouver ce jeu dans le film, au vu du succès qu’il rencontre auprès des plus jeunes, il choque dans un contexte ou aucune autre marque n’est citée et où les jouets ont une place très secondaire.

Un film policier pour enfants 

Le Père Noël est un film qui se déroule en une nuit. Cette unité de temps donne une certaine crédibilité à l’intrigue. Tout repose en effet sur un malentendu initial (l’enfant a envie de croire que Tahar Rahim est le Père Noël) qui va très vite amener les personnages à collaborer dans une mission de cambriolages.

L’enjeu est en effet double pour Tahar Rahim : récupérer assez d’argent pour rembourser un mafieux (interprété par Michaël Abiteboul, le Seth Rogen roux français) et, parce qu’il se blesse rapidement, apprendre son « métier » à l’enfant.

L’essentiel de l’intrigue se rapproche donc d’un film policier : tension dans les cambriolages, bagarre, gros mots, police, et milieux interlopes sont au programme. Ce genre est très peu représenté dans le cinéma jeunesse (il ne nous vient à l’esprit qu’Une vie de chat) et il est facile d’imaginer pourquoi : comment rendre le suspense, la violence et l’immoralité sans choquer les enfants ?

Le Père Noël répond à cette question en adoptant le regard de l’enfant. Cette virée nocturne est pour lui l’occasion de découvrir Paris illuminée par les décorations hivernales, mais aussi de se découvrir des qualités d’acrobatie et de courage. Son regard est dirigé par les mensonges de Tahar Rahim : le grand méchant devient le père fouettard, un bidonville devient le village des lutins camouflé pour ne pas être découvert, tandis que les danseuses des folies bergères sont filmées comme des fées. Enfin, le contenu global du film reste relativement timide : le film est court (01h20), les méchants sont assez peu présents, et il ne s’y passe rien de bien impressionnant pour un adulte. Si la tension monte au fur et à mesure que l’enfant prend conscience de ce qu’il se passe, on n’est jamais vraiment inquiet quant au happy end final.

Un vrai film de Noël

Qui dit film de Noël, dit morale rédemptrice autour d’un chocolat chaud. Le Père Noël n’échappe pas vraiment à cette règle, même s’il essaie d’en jouer. En tant qu’apprenti du père noël, le jeune héros va apprendre à dire des gros mots, à cambrioler, voir ses premières femmes peu vêtues, ce qui surprend dans un tel film grand public. Heureusement vient toujours le moment où les bonnes mœurs sont respectées : jurer, c’est mal et voler encore plus. Au final c’est l’enfant qui va apprendre la vie à l’adulte, pour une histoire de rédemption comme nous les aimons tant : de délinquant sans futur, Tahar Rahim va pouvoir devenir une figure paternelle crédible. N’est-ce pas là le vrai miracle de Noël ?

Un beau cadeau de noël ?

Visuellement, Alexandre Coffre livre un travail sérieux : si le rythme n’est pas extraordinaire ou les cadres très innovants, le film est plutôt joli, avec notamment quelques plans qui vous feront dire : que c’est beau une ville la nuit ! Le duo Tahar Rahim Victor Cabal, fonctionne bien et on suit leurs aventures sans frisson particulier, mais sans non plus s’ennuyer.

D’où la question : faut-il voir ce film ? Le film ne s’adresse pas aux adultes, malgré la présence en vedette de Tahar Rahim. Contrairement à un grand dessin animé Pixar ou Aardman, il ne propose pas de scène visuellement époustouflante ou de discours à plusieurs degrés. Le film s’adresse à un public jeune (a priori entre six et douze ans) mais son aspect buddy movie criminel risque de faire peur aux parents. La salle était remplie d’enfants, mais il est difficile de dire s’ils ont aimé le film : le silence qui a régné tout du long semble tout de même être le signe qu’ils étaient intéressés par ce qui se passait à l’écran.

De sorte que oui, le père noël est un bon film dans le sens où il réalise pleinement son projet. Est-ce celui que le public attend ? Sa sortie le 10 décembre nous en donnera la réponse.

Le Père Noël – Bande-Annonce

Fiche technique : Le père Noël

France – 2014
Date de sortie : 10 décembre 2014
Réalisateur : Alexandre Coffre
Interprètes : Tahar Rahim (le père noël), Victor Cabal (Victor), Michaël Abiteboul (le père fouettard)
Scénario : Rachel Palmieri, Fabrice Carazzo, Alexandre Coffre, Laurent Zeitoun
Photographie : Pierre Cottereau
Décors : Gwendal Bescond
Musique : Klaus Badelt
Sociétés de production : Quad Productions, Mars Films, M6 Films

 Critique du film, Frank

Synopsis : Complètement par hasard John, apprenti auteur/compositeur à la recherche d’un premier engagement, se retrouve à enregistrer un disque avec le groupe de l’extravagant Frank. L’enregistrement se révèle rapidement être un moment autant épique qu’exaltant.

La nostalgie des 70’s

Nouveau film de Lenny Abrahamson (What Richard Did), Frank est un hommage aux groupes marginaux qu’on a vus fleurir dans les années 70, ces artistes bidouilleurs toujours à la recherche d’une création originale, d’un nouveau son et qui, la plupart du temps, finissaient dans l’anonymat des incompris. Frank est un film britannique jusque dans son code génétique : l’humour et l’esprit transpirent la langue de Shakespeare, la sauce à la menthe et la musique pop. Frank est un petit OVNI du 7ème Art, un film aux parfums d’artisanat à la distribution prestigieuse et au scénario qui trouve son humour dans un culot monstre et une marginalité assumée, tour d’horizon.

Michael est une tête !

Ce qui frappe dès l’affiche, c’est cette énorme fausse tête (aux airs d’Astro Boy) portée par Michael Fassbender (X-Men, Unglorious Basterds) et qui continue d’interroger même après la fin du film. Elle est un grain de folie aussi bien du personnage que des scénaristes Jon Ronson (auteur des mémoires dont est tiré le film) et Peter Straughan. Elle rebute à priori, parce qu’elle prévient de manière très claire que ce film sera différent et que cette différence, il faudra l’accepter pour profiter des 95 minutes parfois dignes de l’univers ubuesque d’Alfred Jarry. Néanmoins, les plus rétifs seront sauvés par un humour omniprésent, cet humour britannique qui figure sur la plus haute marche de la poilade mondiale. Car si les scénaristes ont créé des membres du groupe qui semblent très souvent si sûrs de la qualité indéniable de leurs créations (souvent proches des Précieuses Ridicules de Molière), ils n’oublient pas qu’un grain de folie peut être hilarant. On rit donc beaucoup et comme toujours chez les grands-bretons, l’humour est toujours à plusieurs degrés.

Avoir l’esprit de groupe

D’un côté il y a Frank, gourou doux dingue et auteur d’improbables paroles de chansons. De l’autre il y a le groupe, avec ses conflits, ses aspérités et ses rivalités. Il faut les voir, passer la moitié du film (des mois dans l’histoire), dans une vieille et miteuse maison isolée au milieu des bois, pour enregistrer « l’album de leur vie ». Il faut les voir se prendre tellement au sérieux, persuadés que leur album révolutionnera le monde de la musique. Pourtant, ils ne sont pas ridicules ou pathétiques, on se prend même à les admirer pour leur acharnement, pour leur travail sur une œuvre dont ils ne parviennent pas à accoucher, tels des conquérants de l’impossible. Tout cela vu à travers les yeux de John, dernière pièce rapportée et apprenti auteur/compositeur, tour à tour exalté ou désabusé par les frasques et les caprices d’artistes exigeants, il apprend, avec patience, l’art difficile de la composition : avec des notes de musique, avec les autres et avec lui-même.

Fassbender : la tête de l’emploi

De prime abord, Michael Fassbender qui passe la quasi-totalité du film avec une fausse tête sur sa vraie tête, au mieux ça inquiète, au pire ça refroidit. Puis l’acteur se souvient qu’un comédien doit avant tout savoir user de son corps et là, le tour de force est étonnant. Il parvient par des mouvements et des postures, à donner vie à cette tête de pacotille, il lui donne sentiments et expressions, pour nous rendre familier un homme masqué. Michael Fassbender n’est pas seul et n’est que la tête de pont d’un prestigieux casting dans lequel figurent entre autres Domhnall Gleeson (Il Était Temps, Star Wars VII : Le Réveil De la Force) et Maggie Gyllenhaal (White House Down, The Dark Knight), beaucoup plus extravertie qu’à l’accoutumée et pleine de conviction dans son rôle de pianiste irascible.

De l’art ou du néant ?

Quand on y réfléchit Frank restera comme une réflexion sur la création artistique et sur toutes les questions qu’elle soulève. Celle de sa définition : l’art doit-il être beau ? Le talent suffit-il à le définir ? Ne nait-il que parce-que son créateur est convaincu qu’il s’agit d’art ? Celle de son utilité : est-il un lien indispensable entre le créateur et son public ? N’est-il qu’une nécessité créatrice vitale pour son auteur ? N’existe-t-il que lorsqu’il trouve un public ? Un film à l’humour féroce sous lequel se cache donc un bijou d’humanité doublé d’une profonde réflexion qui rappellera donc étrangement Les Précieuses Ridicules de Molière, par cette capacité de certains à créer des œuvres totalement obscures, à ceci prêt que se posait la question du talent de ces précieuses. Quant au talent de Frank, chacun jugera…

Frank | Trailer Officiel

Fiche Technique : Frank

Réalisateur : Lenny Abrahamson
Origine : Royaume-Uni/Irlande
Direction artistique : Richard Bullock
Musique : Stephen Rennicks
Décors : Kevin Pierce
Photographie : James Mather
Costumes : Suzie Harman
Montage : Hughes Winborne
Production: David Barron, Ed Guiney, Stevie Lee et Andrew Lowe
Sociétés de production: Element Pictures, Film4 et Runaway Fridge Productions
Société de distribution : Artificial Eye
Durée : 95’
Sortie France : 4 février 2015
Casting : Michael Fassbender, Maggie Gyllenhaal, Domhnall Gleeson, Scott McNairy, François Civil
Récompenses aux British Independent Films Awards 2014:
– Meilleur scénario
– Meilleur Technicien

Auteur : Freddy M.

Critique du film, Poker Night

Synopsis : Jeter, un jeune enquêteur policier rejoint des collègues beaucoup plus anciens pour leur habituelle partie de poker au cours de laquelle ils confient certaines de leurs expériences au jeune Jeter. Mais une nuit, à la sortie d’une de ces soirées poker, Jeter et sa nouvelle petite amie Amy sont enlevés par un fou psychopathe. Seuls son ingéniosité et  les indices semés dans chacune des histoires de ses collègues policiers lui permettront de s’en sortir et de démasquer le coupable.

Voilà une des bonnes surprises de la semaine avec le film Poker Night, de Greg Francis. Prévu pour sortir le 19 décembre prochain dans les salles obscures américaines et disponible en vidéo à la demande depuis le 5 décembre, ce film est un subtil mélange de thriller et d’horreur avec un léger zeste d’humour noir. Car malgré son titre, ce film n’a pas pour thème le poker qui n’est ici qu’un prétexte à la rencontre entre policiers. Une connaissance basique des règles du poker sera nettement suffisante pour apprécier le film.

Un méchant remarquable

Les points forts de ce film sont légions, le premier d’entre eux étant certainement le scénario. Avec un système de flash-backs quasiment tout au long du film et les histoires parallèles de chaque flic, c’est tout un enchevêtrement d’événements différents qui parcourent notre cerveau, alors que l’on cherche la solution à ce mystère tout comme le héros emprisonné, sans nous perdre non plus pour autant dans une intrigue trop compliquée. Le méchant du film est aussi un personnage très fort, avec son masque terrifiant rappelant celui de l’Épouvantail Jonathan Crane dans Batman Begins, et un humour noir assez décapant au cours de scènes vraiment marquantes quand ils s’essayent à ses premiers méfaits.

Un casting 3 étoiles

Le casting est un ravissement, notamment en ce qui concerne les vieux flics désabusés assis autour de la table de poker. Avec Ron Perlman, célèbre pour ses rôles dans La Guerre du Feu et Alien, La Résurrection ou dans la très bonne série TV Sons Of Anarchy, Giancarlo Esposito, inoubliable Gustavo Fring dans Breaking Bad, Titus Welliver, bien connu des fans de Lost pour son rôle de némésis de Jacob, ou encore Ron Eldard et Corey Large, on a affaire à une belle bande de policiers chacun affectés différemment par leur métier. Beau Mirchoff, qui interprète le héros, est auteur d’une performance impressionnante. La plastique de sa petite amie Amy, jouée par Halston Sage, ne laisse également pas indifférent.

Noir mais pas gore

Comme un mélange entre Seven et Usual Suspects, on se retrouve toujours à se questionner sur l’identité du kidnappeur/amateur de jeunes filles lorsque l’on se retrouve plongé dans les flash-backs, tout en étant sur les nerfs et horrifié par les scènes de torture physique et psychologique des 2 amoureux. Bref, un vrai thriller, avec une vraie ambiance étouffante, aussi bien autour de la table de poker, dans la cave où le héros est retenu prisonnier, que dans les flash-backs sur la vie des policiers. Avec plusieurs niveaux de lecture, des renversements de situation et révélations inattendues jusqu’à la fin et des acteurs au top, Greg Francis, pour son premier film après avoir uniquement travaillé pour la télévision, nous livre un film prenant de bout en bout. Un bon petit plaisir à ne surtout pas bouder.

Poker Night – Fiche Technique

Canada, USA – 2014 Thriller Réalisateur : Greg Francis
Scénariste : Greg Francis Distribution : Beau Mirchoff (Peter), Ron Perlman (Calabrese), Giancarlo Esposito (Bernard), Corey Large (Davis), Titus Welliver (Maxwell), Ron Eldard (Cunnigham), Halston Sage (Amy) Producteur : Corey Large
Directeur de la photographie : Brandon Cox
Compositeur : Scott Glasgow
Monteur : Howard E. Smith Production : Wingman Production
Distributeur : XLRator Media