LeMagduCiné

Pour sa première réalisation, Lee Su-Jin se base sur un fait divers ayant retenu son attention dans les journaux, celui de cette jeune fille ayant été obligée de tout laisser derrière elle pour échapper aux accusations des parents de ses violeurs.

Synopsis : Han Gong-ju, une jeune lycéenne, est contrainte de changer d’établissement scolaire et d’emménager, pour un temps, chez la mère d’un de ses professeurs, tandis qu’une enquête policière suit son cours dans son quartier d’origine. N’ayant en apparence rien à se reprocher, Gong-ju pourra-t-elle échapper à son passé ?

Requiem for a teen

Le film est précédé d’un court message du réalisateur s’adressant à son public Français, tel qu’il a été présenté lors du festival de Deauville. Il demande au spectateur de ne pas prendre parti et de venir vierge de tout préjugé face à cette histoire. En réalité, le simple résumé suffit peut-être à influencer, puisque le mystère qui entoure son héroïne se voit immédiatement élucidé. Tant pis, car cette révélation n’influe finalement pas sur l’ambiance qui émane de la pellicule.

Pulp Reality

A Cappella débute, comme il est de coutume, in media res, c’est à dire au milieu des choses. La jeune Han Gon-ju est donc obligée de changer de lycée en cours d’année, fuyant un passé dont le spectateur ne sait pour le moment rien (si tant est qu’il n’ai pas lu le résumé, donc). Rien de très original, et le film déroule une structure tout ce qu’il y a de plus classique, intercalant l’histoire principale avec des flash-backs censés lever le voile sur le passé de la jeune fille. Une façon de faire déjà vu cent fois, certes, mais que Su-Jin parvient à maîtriser suffisamment pour malgré tout créer la confusion dans l’esprit du spectateur. Ses scènes du passé sont en effet introduites de manière subtile, au point qu’elles peuvent même désarçonner, dans un premier temps.

Mais, une fois les détails différenciant les deux timeline intégrées, A Cappella poursuit sa trame, sans chercher à se distinguer des autres films de genre autrement que par sa réalisation. Pas de pathos, pas de sentiments larmoyants exprimés à grands coups de violons, on est ici dans la simplicité et le réalisme. Dans la tendresse, aussi, pour la pauvre Han Gon-Ju, qui tente désespérément de refaire sa vie, dissimulant à ses camarades les raisons de sa fuite, et tentant de se reconstruire. Su-Jin nous dresse le portrait d’une écolière comme les autres, condamnée à fuir pour un crime qu’elle n’a pas commis, et qui hésite désormais à garder des relations normales avec les autres.

Réalité douce-amère

Car le monde dans lequel elle évolue est dépeint sans concessions, d’une manière brutale et frontale qui contraste avec la manière sensible et douce dont le film est mis en scène. Les scènes de violence quotidienne y sont d’autant plus marquantes qu’elles sont terriblement crues, et souvent inattendues. La scène de viol collectif est ainsi particulièrement glauque, et tristement réaliste. Cette montée dans l’horreur fait écho à la pénible reconstruction de son héroïne, donnant ainsi encore plus d’impact au dernier quart du film, qui bascule définitivement dans le sordide alors que les masques tombent et qu’apparaissent enfin tous les enjeux scénaristiques.

Loin des productions horrifiques classiques venues de Corée signées par des réalisateurs comme Park Chan-Woo ou Bong Joon-Ho, A Cappella glace presque encore plus le sang par sa façon de dépeindre un fait divers qui semble presque banal. La tendresse et la douceur avec lesquelles il filme ses événements contrastent brutalement avec leur froid réalisme, et risquent de choquer plus d’un spectateur. Un film terrible mais nécessaire, envoûtant et glaçant.

A Cappella – Fiche Technique

Corée du Sud – 2014
Drame
Réalisateur : Lee Su-Jin
Scénariste : Lee Su-Jin
Distribution : Choon Woo-Hee (Han Gong-Ju), Jung In-Sun (Eun-hee), Lee Young-Ran (Madame Lee), Kim So-Young (Hwa-Ok), Kimchoi Yong-Joon (Dong-Yoon)
Producteurs : Jung Hwan Kim, Lee Su-Jin
Directeur de la photographie : Hong Jae-Sik
Compositeur : Kim Tae-Sung
Monteur : Choi Hyun-Sook
Production : Vill Lee Film
Distributeur : Dissidenz Films

Auteur de l’article : Mikael Yung

En France comme en Belgique, certains comédiens titillent toujours l’intérêt du spectateur, et ce quelque soit le film dans lequel ils participent. Alors, quand un réalisateur décide de réunir certains de ces acteurs issus de ces deux nations, les yeux du public ne peuvent qu’être rivés que sur ce projet. D’autant plus qu’il s’agit-là d’un thriller, genre dans lequel le cinéma français arrive encore à proposer quelques titres vraiment divertissants et/ou soignés, bien loin des codes hollywoodiens. Oui, Blanc comme neige était de ces films, ceux qui suscitent un certain engouement. C’est pour cela que le constat post-visionnage se montre aussi glacial que la neige…

Synopsis : Maxime a tout pour être heureux : gérant d’une concession florissante de voitures de luxe, il est marié à une magnifique jeune femme et mène la belle vie dans une villa. Mais tout va basculer pour ce patron intègre le jour où son collaborateur, Simon, trouve la mort. Ce dernier était à la tête d’un traffic de véhicules hauts de gamme avec la mafia finlandaise sans pour autant leur rendre des comptes. Ainsi, les truands se retournent vers Maxime, en espérant récupérer l’argent que leur devait Simon. Pour se sortir de ce mauvais pas, Maxime fait appel à ses frères Grégoire et Abel. Mais leur intervention vire au fiasco, plongeant la vie de Maxime et de sa famille dans une situation de plus en plus inextricable…

Un blanc bien terne

Sur le papier, Blanc comme neige avait de quoi faire, notamment de par son casting plutôt impressionnant, qui regroupe les meilleurs du cinéma français et belge. À savoir l’incontournable François Cluzet, la délicieuse Louise Bourgoin et les excellents Olivier Gourmet et Bouli Lanners. Des comédiens qui interprètent leur personnage respectif avec suffisamment de conviction pour leur donner vie et nous permettre de s’attacher à eux au fil de leurs péripéties. Ensuite, du côté du scénario, Blanc comme neige, en plus de promettre une enquête palpitante à suivre, propose tout un lot de moments intimistes et psychologiques, afin de mettre en valeur les différents protagonistes. Leurs motivations, leurs enjeux. De quoi nous offrir quelque chose à nous mettre sous la dent !

Pourtant, après avoir vu Blanc comme neige, un sentiment de frustration risque de vous envahir. Principalement à cause de ce scénario qui, malgré l’intention de creuser les personnages, a été négligé au possible. À tel point que le film se retrouve bourré d’incohérences et d’invraisemblances. Les exemples sont nombreux : les seuls accents que vous entendrez sont belges ou bien finlandais (ce dernier se révélant être incompréhensible quand les comédiens parlent en Français), alors que l’histoire se déroule à Marseille. Où est l’accent du Sud ? D’ailleurs, jamais les décors du film (hormis une somptueuse villa et quelques palmiers au début du film) nous donnent l’impression d’être au bord de la Méditerranée pour la simple et bonne raison que le tournage s’est fait en Belgique, pays bien loin du charme de la Côte d’Azur. Malheureusement, cela se voit…

Mais surtout, Blanc comme neige pousse bien trop souvent le bouchon du n’importe quoi à l’extrême. Il suffit de lire le script pour se rendre compte de la situation : un homme décide de régler cette affaire lui-même, avec ses frères, car prévenir la police pourrait faire chavirer son existence et celle de sa famille. Pourquoi ? Tout bonnement parce que l’homme qui l’a mis dans cette situation était son associé. Ce qui veut dire, selon le film, qu’il est lié à ses problèmes même s’il les ignore. Et que si les flics découvrent quoique ce soit sur son associé, notre héros trinque aussi. C’est totalement absurde ! Le personnage de Maxime pourrait tout aussi bien aller voir les policiers que l’affaire se terminerait normalement, lui qui n’a rien à se reprocher. Le fait que son associé ait fait quelques magouilles dans son dos ne lie pas forcément le personnage principal. Du coup, Blanc comme neige se révèle être un film qui prend son temps (et pas qu’un peu) pour rien. Pour une histoire à dormir debout qui n’aurait jamais eu lieu avec des personnes censées. Un constat qui explique pourquoi le spectateur, malgré les comédiens et quelques atouts scénaristiques, se détache très rapidement du film.

Blanc comme neige propose toute une séquence d’action (une fusillade) montée de manière brouillonne (les événements semblent se précipiter), des moments intimistes qui gâchent le rythme et le réalisme, une musique qui en fait trop, un final sans queue ni tête et des longueurs non justifiées, il est préférable de passer son chemin plutôt que de s’attarder devant ce thriller décevant. Vraiment dommage, vu les atouts que le film avait en poches. Alors que la durée de ce dernier ne fait qu’une heure et demie, le visionnage a semblé bien long…

Fiche technique – Blanc comme neige

France, Belgique – 2010
Réalisation : Christophe Blanc
Scénario : Christophe Blanc, Roger Bohbot et Béryl Peillard
Interprétation : François Cluzet (Maxime), Olivier Gourmet (Grégoire), Jonathan Zaccaï (Abel), Louise Bourgoin (Michèle), Pertti Koivula (Matti), Bouli Lanners (Simon), Ikka Koivula (Jukka), Kai Lehtinen (Markku)…
Date de sortie : 17 mars 2010
Durée : 1h35
Genre : Thriller
Image : Laurent Brunet
Décors : François Girard
Costumes : Catherine Rigault
Montage : Guy Lecorne
Musique : Krishna Levy
Budget : 6,5 M€
Producteurs : Bertrand Gore et Marin Karmitz
Productions : MK2 Productions, Need Prods et Blue Monday Productions
Distributeur : MK2 Diffusion

Synopsis : Tobin Frost est un ancien agent de la CIA, reconverti dans les activités criminelles, qui vient d’entrer en possession de documents compromettants, ce qui une bande de tueurs à le pourchasser. Réfugié alors au consulat américain du Cap, la CIA cherche à l’exfiltrer en le mettant sous surveillance. Mais pendant sa garde, les tueurs frappent à nouveau, obligeant le seul survivant, Matt Weston, à prendre son prisonnier sous sa protection en attendant que les renforts viennent lui prêter main forte…

Denzel Washington en solo dans un semblant de buddy movie

L’ayant remarqué avec son long-métrage Easy Money (sorti en 2011 chez nous), les producteurs hollywoodiens ont offert au réalisateur suédois (d’origine chilienne) Daniel Espinosa l’occasion de s’occuper d’un projet d’une plus grande envergure, qui lui permettrait de se faire connaître auprès d’un public beaucoup plus large (et, pour eux, de s’en mettre plein les poches). Sécurité rapprochée (Safe House en VO) avait de quoi se montrer bien plus imposant pour le cinéaste : un budget dépassant les 80 millions de dollars et des têtes d’affiche de renommée comme Denzel Washington et Ryan Reynolds. Malheureusement, ces dernières années, le cinéma d’action américain nous a montré à plusieurs reprises qu’un bon réalisateur pouvait s’effacer derrière un produit hollywoodien. Et Daniel Espinosa en fait partie…

En y regardant bien (que ce soit synopsis et bandes-annonces), Sécurité rapprochée à tout d’un buddy movie tout ce qu’il y a de plus classique : deux héros que tout oppose et qui doivent néanmoins faire équipe pour survivre, des belles gueules du cinéma hollywoodien pour les incarner, de l’action à gogo et de l’adrénaline à très forte dose… tout ce qu’il faut pour passer un agréable moment, comme tout bon divertissement musclé qui se respecte. Mais malgré ces airs-là, Sécurité rapprochée a bien du mal à porter cette étiquette. D’une part, un buddy movie se doit d’arborer un second degré nécessaire pour rendre attachant son duo principal (il n’y a qu’à voir 48 Heures et surtout L’Arme Fatale). Ici, aucun aspect comique, aucune vanne… le néant total de ce côté-ci du scénario, qui se prend bien trop au sérieux et rend ainsi chacune des transitions entre scènes d’action (en gros, les moments plus intimes ou de purs blablas), plutôt longue voire ennuyeuse. De l’autre, le tandem du film n’a pas le charme de Mel Gibson/Danny Glover et autres Eddie Murphy/Nick Nolte. La faute au choix de Ryan Reynolds, un beau gosse que l’on verrait bien plus dans une pub de parfum (ce qui a été le cas) plutôt que dans un film, le bonhomme n’ayant juste aucun talent d’acteur, si ce n’est de rester aussi inexpressif qu’une huître (Green Lantern donnait déjà le ton). Avec un comédien de cet acabit face au monstre qu’est Denzel Washington, une célébrité qui illumine l’écran rien que par sa présence, ce buddy movie ne peut fonctionner.

D’ailleurs, Washington se montre être le seul attrait de ce film, alors qu’il n’est même pas au top de sa forme comparé à d’autres longs-métrages du même genre. Mais son jeu et sa présence suffisent amplement pour s’intéresser à son mystérieux personnage, pour se préoccuper de son sort du début du film jusqu’au générique de fin, pour avoir un coup au cœur quand le dénouement pointe le bout de son nez. Même en mode minimaliste, il arrive à rendre un scénario bateau et archi-vu, sympathique à suivre.  Mais même son aura ne parvient pas à faire oublier tout le côté cliché et prévisible de l’ensemble, ni le peu d’importance des personnages secondaires pourtant incarnés par de grands noms (Vera Farmiga, Brendan Gleeson, Sam Shepard…), qui font juste office d’alliés ou d’ennemis.

Face à une trame balisée au possible et un duo d’acteur franchement inégal, le réalisateur Daniel Espinosa arrive néanmoins à rendre Sécurité rapprochée aussi divertissant et sympathique que la moyenne. Cela, le film le doit à sa mise en scène, plutôt nerveuse, qui nous offre des séquences d’action (courses-poursuites, fusillades, bastons…) efficaces. Ces dernières ne sont sans doute pas aussi nombreuses qu’espérées, mais au moins, elles justifient pleinement le temps d’un visionnage. De plus, le cinéaste se permet, par moment, d’offrir certains plans qui, comme ça, n’ont l’air de rien, mais qui apportent une beauté visuelle inattendue via les décors de l’Afrique du Sud (notamment cette vue d’hélicoptère, où une route sépare deux types de terrain).

Sécurité rapprochée n’a pas l’envergure d’un film d’action hollywoodien mémorable, ni celle d’un navet à gros budget qui aurait tout aussi bien pu sortir directement dans les bacs sans passer par la case cinéma. Non, Sécurité rapprochée est juste un divertissement banal, pile dans la moyenne de ce que les studios américains peuvent aujourd’hui nous livrer, et qui peut compter sur la présence de Denzel Washington pour lui donner un soupçon d’intérêt. Quant à Daniel Espinosa, il ne reste plus qu’à espérer pour lui qu’il prenne plus de risques pour dévoiler son talent certain sur un futur projet.

Sécurité rapprochée : Bande-annonce

Fiche technique – Sécurité rapprochée

Titre original: Safe House
États-Unis – 2012
Réalisation : Daniel Espinosa
Scénario : David Guggenheim
Interprétation : Denzel Washington (Tobin Frost), Ryan Reynolds (Matt Weston), Vera Farmiga (Catherine Linklater), Brendan Gleeson (David Barlow), Sam Shepard (Harlan Whitford), Rubén Blades (Carlos Villar), Nora Arnezeder (Ana Moreau), Robert Patrick (Daniel Kiefer)…
Date de sortie : 22 février 2012
Durée : 1h57
Genres : Action, thriller
Image : Oliver Wood
Décors : Brigitte Broch
Costumes : Susan Matheson
Montage : Richard Pearson
Musique : Ramin Djawadi
Budget : 85 M$
Producteur : Scott Stuber
Productions : Universal Pictures, Relativity Media, Stuber Productions, Intrepid Pictures et Moonlighting Films
Distributeur : Universal Pictures Internationale France

The Search est un virage radical dans l’œuvre de son auteur et réalisateur Michel Hazanavicius, ce touche-à-tout plutôt brillant qui s’est lancé, avec pas mal de succès, plusieurs défis depuis le début de sa carrière. Il revient, trois ans après son explosif succès mondial (The Artist), s’attaquer, de nouveau, à un genre canonique : le film de guerre.

Synopsis : Les destins de quatre personnes concernées par la seconde guerre de Tchétchénie en 1999 qui vont être amenés à se croiser. Les protagonistes sont un soldat Russe enrôlé, un orphelin Tchétchène, sa grande sœur à sa recherche et une militante des droits de l’homme.

La Terre Outragée

Et ce, après avoir revisité (et parodié) le film d’espionnage (le diptyque OSS 117), et rendu un hommage devenu planétaire au film muet (The Artist). Il y a chez Hazanavicius cette manière d’être à la fois fidèle à ses modèles tout en les transgressant. Ici, il se lance un défi qui le dépasse un peu en adaptant, de manière éclatée, le film Anges Masqués (1948). Et oui, The Search est un remake. Hazanavicius en déplace l’intrigue en pleine (seconde) guerre de Tchétchénie en 1999, en multiplie et entrecroise les protagonistes; mais le but reste : « the search », soit une recherche effrénée. Avant d’entrer au cœur du film, on peut déjà regretter deux choses : que ce récit, très fort voire brutal, ne soit pas moins manichéen, entre les gentils qui sont très sûrs d’eux et les méchants vraiment méchants (avec un discours qui dit : la guerre c’est mal !). De plus, Hazanavicius enfonce des portes très ouvertes, et veut, à travers le rôle de Bérénice Béjo (Carole, une responsables des Droits de l’Homme), dénoncer.  Mais ses constats sont trop simplistes ! On a du mal à croire aux récits où tout est soit blanc, soit noir et où le regard perdu d’un enfant a pour seul objectif de nous tirer des larmes. Pourtant, le film de Michel Hazanavicius n’est pas raté, loin de là Car l’enfant n’est pas le seul enjeu du film, fort heureusement. Le réalisateur garde ses atouts : la mise en scène, la direction d’acteurs et la force des choses simples qu’il met face à nous.

L’enfant aux yeux gris

Le film s’ouvre par une image un peu sale, pas celle d’une caméra professionnelle mais celle d’un caméscope. Une voix d’homme, qu’on ne peut encore identifier, nous décrit le pays dans lequel il est : « un putain de pays », en guerre, dévasté. On arrive après la bataille nous dit-il. Avec sa caméra, il nous emmène là où il y a du monde. Des soldats qu’il croise et qui le saluent. Ces soldats-là sont russes et vont nous montrer en quelques instants en quoi cette guerre, loin d’être une opération anti-terroriste comme le vendait la Russie à l’époque, est une vraie guerre avec des victimes civiles innocentes. Brute, sans rien nous épargner, parce que c’est son regard, l’homme qui filme, en riant, regarde un couple Tchétchène se faire tuer de plusieurs balles. A leurs côtés, une jeune fille hurle, pleure, ils ne la tuent pas. Soudain, on entend les pleurs d’un bébé, et toujours cette jeune fille qui crie « non, non, non ». Mais c’est déjà trop tard, un soldat s’avance vers la maison, la jeune fille disparaît.

La caméra s’arrête brusquement. Ne reste que le noir. Cette scène, on va la revoir filmée par la caméra de Michel Hazanavicius et à travers le regard apeuré d’un petit garçon qu’on veut ériger en héros de ce film mais qui n’est là, bien qu’il joue merveilleusement bien, que pour donner une conscience soudaine à une occidentale qui, pas loin de là, œuvre difficilement pour les droits de l’homme. Cette femme-là, c’est Bérénice Béjo qui écoute, note et se fait traduire des récits de guerre pour tenter de convaincre des autorités sclérosées qu’ici, un massacre a lieu. Son point de vue, et celui du film, est cantonné là, dans cette bourgade où s’accumulent les réfugiés d’une guerre qui ne dit pas son nom.

Elle est un peu lassée, surtout que sa famille ne veut rien voir, ne pense qu’à faire la fête. Carole n’y croit plus, mais agit, comme un automate, jusqu’au jour où elle croise un petit garçon aux grands yeux tristes. De fil en aiguille, elle découvre son égoïsme passé, en élevant ce gamin – devenu muet – à coup de monologues et de biens gros bons sentiments. Face à elle, elle trouve une autre femme, qui s’occupe, elle aussi d’enfants. Son discours à elle est plein de mépris pour Carole, pour les autres, ceux qui, selon elle, « ne font rien ». Son discours, c’est, en gros : la diplomatie est inutile, mieux vaut sauver un enfant que n’en sauver aucun. Voilà pour la partie « bons sentiments », qui offre quelques belles scènes, bien que trop longues entre l’enfant et Carole. Mais cette Carole, interprétée tant bien que mal par Bérénice Béjo, agace par ses dialogues pleins d’une candeur naïve. On ne comprend pas bien pourquoi elle ne cesse de dire tout ce que l’on voit. Le paroxysme étant son discours devant l’ONU, quand elle tente de convaincre une assemblée de vieux pontes endormis que c’est une guerre. Certes, elle est là pour dénoncer, mais les grandes et belles images du film le faisaient très bien sans elle. Car les vrais protagonistes, ceux qui valent plus la peine, de ce film ce ne sont pas, contrairement à ce qu’on lit, elle et lui (l’occidentale et l’enfant tchétchène) mais deux autres « elle et lui » (la sœur du petit garçon et un soldat – malgré lui- russe).

Une guerre sans paix

Ce film est aussi un croisement. Au début du film, on a laissé, toute hurlante de douleur non physique mais psychologique, une jeune fille en proie au désarroi après la mort, sous ses yeux, de ses parents. On la retrouve quelques temps plus tard, après la marche de son frère, qui s’est réfugié dans l’appartement de Carole. Elle ne sait rien, contrairement à nous, de ce que sont devenus ses deux frères (vous savez le bébé qui pleure au début et le petit garçon aux yeux gris). C’est alors que commence sa recherche. Elle va aller, marcher, résister à la peur, au froid, à la faim, à la tristesse pour retrouver ce qui lui reste : deux petits amours, deux enfants, des frères. L’ampleur du film, son rythme tient dans l’enchaînement premier de ces trois destins. Elle cherche, cherche, cherche et nous hante, le réalisateur parvient à créer une véritable tension autour de ce destin très romanesque par rapport au ton du film.  Mais le film est avant tout une boucle. Nous devons alors retracer cette chronologie éclatée, et trouver qui filmait au début. Voilà que l’on rencontre un jeune homme qui vit à plus de 1 200 km du conflit. Il va être embrigadé de force dans l’armée pour avoir été pris en train de fumer un peu de drogue. Son destin à lui est une épopée sanglante, il est le vrai versant de la guerre, le plus nuancé des personnages. Il se présente d’abord comme un résistant, une victime avant de devenir un être assoiffé de violence. Le regard que nous avons alors sur la guerre, à travers ces deux figures, et surtout de celle de notre soldat de 19 ans est atroce, osons le mot. La nature humaine nous est là livrée, sans nuance le plus souvent et sans lyrisme – n’est pas Malick qui veut. C’est un récit qui bousille, qui ne nous épargne rien. Voilà pourquoi les récits que récolte Carole, son regard niais, sa fausse tristesse ne nous intéressent pas à l’image de Charlotte Gainsbourg écoutant les discours horribles des sans-papiers venus la rencontrer dans Samba… Elles ne sont que des faire-valoir bien-pensants et les images de guerre, qui collent à la boue, nous renseignent d’autant plus sur ce conflit, cette destruction massive. On ressort du film bouleversé avec l’impression d’avoir été pris en otage entre des bons sentiments et un récit d’ampleur sanglant et tristement, salement même, réaliste. Putain de guerre…

Fiche technique : The Search

France – 2014
Date de sortie : 26 novembre 2014
Réalisateur : Michel Hazanavicius
Interprètes : Bérénice Béjo (Carole), Annette Bening (Helen), Abdul Khalim Mamutsiev (Hadji), Zukhra Duishvili (Raïssa), Maksim Emelyanov (Kolia)
Scénario : Michel Hazavanicius
Photographie : Guillaume Schiffman
Production : Thomas Langmann – Sociétés de production : La Petite Reine, Warner Bros
Montage :  Anne-Sophie Bion et Michel Hazanavicius

Spring Breakers, un trip halluciné plus malin qu’il n’y parait

Synopsis : Candy, Faith, Brit et Cotty sont amies depuis la maternelle. Les quatre jeunes filles, lassées de leur vie monotone à l’université, voudraient aller en Floride pour leur Spring Break. N’ayant pas d’argent, trois d’entre elles décident de braquer un fast-food et d’utiliser cet argent pour partir en vacances. La fête sera cependant de courte durée car elles se font arrêter lors d’une soirée où se consomme de la cocaïne mais, « heureusement » pour elles, « Alien », un rappeur très célèbre (et aussi trafiquant de drogue), paye leur caution et les prend sous son aile. La descente aux enfers commence et rien ne sera plus jamais comme avant…

À quoi le spectateur peut-il s’attendre de la part d’un film qui leur propose clairement de se rincer l’œil, en mettant en avant quatre actrices issues du Club Mickey, quasiment nues, avec seulement un bikini comme habit pour ne pas frôler les limites du tabou ? Que pouvait donc attendre du public Harmony Korine en lui livrant un tel film ? Que les gens s’y précipitent ? Quoiqu’il en soit, le réalisateur a su jouer avec les fantasmes de certains pour offrir à l’assistance un trip halluciné bien plus malin que sur le papier.

De base, en allant voir un tel film, il ne fallait pas s’attendre à des monts et merveilles du côté des répliques. Ces dernières auraient pu être tout simplement clichées et lourdes, comme dans tout teen movie qui se respecte. Au final, elles se montrent bien plus simples, voire même très recherchées, tels les discours à connotation philosophique du personnage d’Alien. Mais dans tous les cas, peu importe, étant donné que Spring Breakers peut être pris comme un long-métrage muet. Le film de Korine se montre, en effet, peu bavard, préférant raconter son histoire par le biais des images et de la bande son. Pour raconter le destin de quatre jeunes filles parties s’éclater pour finalement se retrouver à la dérive ? Non, plutôt pour montrer à quel point l’image du rêve américain a pris une tournure tout à fait différente. Le paradis serait donc de sauter les fesses à l’air sur la plage, avec des inconnus, buvant, couchant avec des inconnus et se droguant sans cesse ? De pouvoir y aller malgré ce qu’il en coûte (les héroïnes vont tout de même jusqu’à braquer un fast-food) ? D’aller jusqu’à menacer et tuer des gens à l’arme à feu parce que ne pas rentrer à la maison, de peur de retrouver le train train quotidien, c’est le pied ? Une nouvelle vision violente et sans limite de la mentalité américaine qu’offre le cinéaste aux spectateurs.

Le long-métrage se présente comme une sorte de clip (les premières minutes du film annoncent la couleur), qui se permet un montage faisant côtoyer plusieurs séquences en parallèle, sous les airs d’une BO envoûtante et de voix-off. Le tout affichant des jeux de lumière agréables à regarder : le film passe de l’obscurité de la nuit à la clarté du jour en un clin d’oeil, en passant par des couleurs flashy qui peuvent faire rappeler l’univers visuel de Tron : l’Héritage. Une sorte de rêve ahurissant retranscrit sous nos yeux, qui n’oublie pas pour autant la violence de son propos qu’il est censé critiquer, en mettant en valeur les séquences pour public averti par des gros plans et des ralentis. Le film va même jusqu’à utiliser le bruitage d’une détonation d’arme à feu, concernant la plupart des transitions, pour rappeler que ce spectacle s’apparente bien plus à un cauchemar. Un exemple pour résumer tout cela ? La scène où Alien reprend au piano « Everytime » de Britney Spears, tandis que le spectateur assiste à tout un déballage d’attaques à mains armées orchestrées par les protagonistes, le tout filmé au ralenti pour donner un charme visuel indiscutable, mais aussi pour mettre en valeur cette violence qui entoure notre quotidien, sans aucune censure. La mise en scène de l’ensemble est travaillée, cela ne fait pas l’ombre d’un doute. Un véritable trip hallucinogène, mêmes si certains n’y verront qu’un film aux séquences répétitives, à la fin bâclée (le générique intervient de manière brutale), et à quelques longueurs qu’ils jugeront incompréhensibles.

Autre point majeur : les actrices s’en sortent convenablement. Avec des comédiennes venant du milieu tant enfantin de Disney (notamment en ce qui concerne Vanessa Hudgens et Selena Gomez), le pire était à craindre pour un tel projet. Surtout si ces dernières doivent se rouler des pelles, se déhancher, casser leur image de petites filles adorables. Un pari que Miley Cyrus n’aurait pas pu réussir à une certaine époque, par exemple. Mais en fin de compte, il ne faut jamais se fier aux a priori ! Après avoir vu Vanessa Hudgens, Selena Gomez (la plus sage de la bande), Rachel Korine et Ashley Benson s’éclater de la sorte, il y a de quoi être surpris par leur prestation. Le quatuor se lâche comme rarement, même si Gomez semble un peu à l’écart (est-ce le rôle qui veut cela ?). Mais même si elles nous bluffent, c’est plutôt James Franco qui impressionne le plus. Il faut le voir, l’ancien Harry Osborn de la trilogie Spider-Man signée par Sam Raimi, s’investir corps et âme dans le rôle d’Alien, arborer un tel accoutrement (coiffure, maquillage…) qui lui permet de se confondre aisément dans son rôle. Avec cette prestation, le comédien prouve qu’il est l’un des meilleurs interprètes de sa génération. Et il est donc conseillé de voir ce film pour s’en rendre compte.

Il aura fait parler de lui via son affiche et son propos. Spring Breakers se présente pourtant comme un véritable film, et non un pur produit d’érotisme comme le laissait présager la promo. Violence, sexe, drogue et adolescence racontés dans un déballage très propre d’images et de musiques envoûtantes. Comme si le « no limit » des personnages faisait plus rêver que cauchemarder. Un trip auquel il faut tout de même s’accrocher pour pleinement l’apprécier !

Spring Breakers : Bande-annonce

Fiche technique – Spring Breakers

États-Unis – 2012
Réalisation : Harmony Korine
Scénario : Harmony Korine
Interprétation : James Franco (« Alien »), Vanessa Hudgens (Candy), Selena Gomez (Faith), Ashley Benson (Brit), Rachel Korine (Cotty), Heather Morris (Bess), Justin Wheelon (Matt), Emma Holzer (Heather)…
Date de sortie : 6 mars 2013
Durée : 1h32
Genre : Drame
Image : Benoît Debie
Décors : Almitra Corey
Costumes : Heidi Bivens
Montage : Douglas Crise
Musique : Cliff Martinez et Skrillex
Budget : 2 M$
Producteurs : David Zander, Chris Hanley, Charles-Marie Anthonioz et Jordan Gertner
Productions : Muse Productions, O’ Salvation, Radar Pictures, Division Films et Iconoclast
Distributeur : Mars Distribution

Wake in Fright aurait pu ne plus jamais retrouver le chemin des salles obscures. Alors que le film, sorti en 1971, n’avait jamais fait l’objet d’un portage VHS ou DVD, hormis une version de mauvaise qualité rebaptisée Savane ( ! ), des recherches furent lancées pour retrouver le négatif original.

Synopsis : John Grant, un jeune instituteur, fait escale dans une petite ville minière de Bundayabba avant de partir en vacances à Sydney. Le soir, il joue son argent et se soûle. Ce qui devait être l’affaire d’une nuit s’étend sur plusieurs jours…

Un week-end en enfer

Pendant plus de deux décennies, des spécialistes ont fouillé dans tous les recoins de l’Australie sans succès. Finalement, les précieuses bobines furent retrouvées en 2007 à…Pittsburgh, dans une caisse marquée (selon la légende) « à détruire ». Le film eut ainsi droit à une remise à neuf, et une copie toute propre qui ressort enfin en salle. L’occasion de découvrir un chef d’œuvre venu de l’autre bout du monde.

Cruels au soleil

Réveil dans la terreur fut présenté au festival de Cannes en 1971 en même temps qu’un autre film Australien, Walkabout (ou La Randonnée) de Nicolas Roeg. Tous deux repartirent bredouilles, malgré leurs qualités indéniables. Le premier est tout de même bien moins hermétique que le second, sorte de trip méditatif dans le grand Outback, rythmé par les didgeridoos locaux. Moins hermétique, certes, mais pas forcément plus grand public. Réveil dans la terreur a gagné ses galons de film le plus terrifiant d’Australie, et aurait laissé Martin Scorsese « sans voix ». Dans les faits, le film est surtout une plongée dans le quotidien brutal de ses petites villes coupées du monde, dans lesquelles les hommes tuent le temps comme ils le peuvent, et souvent à grandes goulées d’alcool.

On est très loin de la vision un peu romancée de l’aventurier Australien telle que présentée dans Crocodile Dundee, par exemple. En fait, le film de Ted Kotcheff se rapprocherait plus d’un Délivrance à la sauce Australienne, dans lequel un professeur propre sur lui se retrouve bien malgré lui embarqué dans une virée infernale faite de bière, de jeux d’argent, de bière, de chasse nocturne, et de propositions indécentes. Toute la sauvagerie humaine se déploie le temps d’un week-end, sous un soleil de plomb, la photographie de Brian West retranscrivant magnifiquement ces étendues brûlées dans lesquelles le sable vous dessèche la gorge. Le temps d’une nuit, aussi, dans une scène qui risque de faire tiquer plus d’un amoureux de la cause animale.

Brigitte va pas être contente

Comme c’était le cas dans Walkabout, les scènes de chasse sont en effet d’autant plus réalistes qu’elles ne sont pas simulées. Ainsi, la façon locale de chasser le kangourou apparaît dans toute sa brutalité, comme pour mieux dénoncer les conditions sauvages dans lesquelles les habitants traquent cet animal en voie de disparition. La mise en scène de Kotcheff est crue, sans fioritures, suivant au plus près ses personnages dans un style assez proche du western. Il faut dire que le bonhomme s’y connaît pour filmer la sauvagerie qui sommeille en chacun de nous, lui qui allait se faire connaître dix ans plus tard en mettant en scène le premier Rambo. Et, dans le genre sauvage, Réveil dans la terreur se pose là.

Le film ne donne pas vraiment une bonne image de l’Australie, mais on ne peut pas l’accuser de romancer les choses. Lorsque le film fut projeté au pays, et qu’un journaliste lui demanda s’il n’exagérait pas un peu les situations, plusieurs locaux répondirent que le film aurait pu être tourné dans leur jardin. Il aura fallu plus de quarante ans pour enfin avoir la possibilité de voir ce chef d’œuvre de barbarie sur grand écran. Mais Réveil dans la terreur vaut l’attente. Si la violence sourde dont il se fait le témoin risque de ne pas plaire à tout le monde, le film de Kotcheff reste un monument du genre, et on ne peut que remercier la providence de nous avoir permis de le retrouver enfin.

Fiche Technique – Réveil dans la terreur

Australie-USA – 1971
Drame
Réalisateur : Ted Kotcheff
Scénariste : Evan Jones, d’après l’oeuvre de Kenneth Cook
Distribution : Gary Bond (John Grant), Donald Pleasance (Doc Tydon) Chips Rafferty (John Crawford), Sylvia Kay (Janette Hynes), Al Thomas (Tim Hynes), Jack Thompson (Dick)
Producteur : George Willoughby
Chef de la photographie : Brian West
Compositeur : John Scott
Monteur : Anthony Buckley
Production : NLT Productions, Groupe W
Distributeur : La Rabbia / Le Pacte

Auteur : Mikael Yung