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Hacker, un techno-thriller à l’ambition démesurée, sublimée par une mise en scène virtuose mais alourdie par un scénario quelque peu convenu !

Synopsis : À Hong Kong, la centrale nucléaire de Chai Wan a été hackée. Aucune tentative d’extorsion de fonds ou de revendication politique n’a été faite. Ce qui a motivé cet acte criminel reste un mystère. Un groupe de hauts gradés de l’APL (Armée populaire de libération chinoise) charge le capitaine Dawai Chen, spécialiste de la défense contre les cyberattaques, de retrouver et de neutraliser l’auteur de ce crime. À Chicago, le Mercantile Trade Exchange (CME) est hacké, provoquant l’inflation soudaine des prix du soja. Carol Barrett, une agente chevronnée du FBI, encourage ses supérieurs à associer leurs efforts à ceux de la Chine. Formé au MIT, avec une parfaite maîtrise de l’anglais, l’officier chinois insiste pour que ses homologues américains libèrent sur le champ un célèbre hacker détenu en prison : Nicholas Hathaway.

Le dernier des Mohicans.

Cinéaste esthète, à la fois peu prolifique et très exigeant, Michael Mann est comme l’un de ses films tend si bien à le souligner, le dernier des Mohicans. Nivelant au biais d’une filmographie résolument cartésienne l’Homme dans toute sa complexité et sa psychologie, Mann demeure toutefois à l’instar de la plupart des metteurs en scène du Nouvel Hollywood, résolument orienté vers le passé. La Prohibition et l’essor de la criminalité américaine des années 1930 avec Public Enemies, le flegme et l’indéfectible assurance des années 80 et décapotables avec Miami Vice, le renouveau du polar vengeur avec Heat ; autant d’itérations tendant à prouver que le cinéaste américain se plait à éluder par le biais de genres iconique du cinéma, des histoire, qui une fois passés sous son scope, ultra-réaliste et détaillé – ses deux marques de fabriques – se démarquent clairement de la mêlée visuelle mondiale. Autant chantre de l’image – comme en atteste sa clairvoyance d’avoir été l’un des premiers à filmer avec une caméra numérique (Collateral) – que figure patriarcale du cinéma américain, sa carrière en dent de scie, n’en a pas moins altéré son envie de raconter des histoires, comme le prouve son retour avec Hacker (Blackhat), passé pourtant à la trappe, faute d’une conjoncture schizophrène voyant les super-héros accaparer le devant de la scène et le hack de Sony Pictures réveiller dans l’inconscient collectif l’intérêt pour les dangers que représente aujourd’hui la technologie.

La réminiscence d’un grand cinéaste.

A l’aune d’une société devenue interconnectée et dont la technologie fait désormais partie intégrante, il demeurait mystérieux, si ce n’est anecdotique, de ne voir pulluler sur les écrans cette race de films ou l’ordinateur et ses méandres nébuleux pouvait constituer l’atout principal. En effet, peu de films se sont risqués sur les pentes de la cybercriminalité, notion fluette, insaisissable et finalement très peu cinégénique. Une tare qu’Hacker a semblé vouloir corriger mais d’une bien maladroite manière.

Pionnier du cinéma de l’avant-garde, le choix de Mann constituait aux premiers abords un choix résolument énigmatique, tant sa dextérité visuelle et psychologique ne coïncidait que très moyennement avec l’image haletante, complexe et sinueuse du cyber-thriller. Pourtant, dès la scène d’ouverture, Mann, sans doute désireux de fédérer le public acquis à sa cause, décide d’opérer avec la maestria qu’on lui connait un tour de force visuel bluffant, en filmant un acte cybercriminel d’un point de vue informatique. Diodes illuminées, flots de données filant à travers un dédale noirâtre, on s’enfonce alors à travers l’infiniment petit d’autant de composants d’un banal ordinateur soudain devenu le lieu de théâtre d’un acte criminel, en l’espèce la destruction d’un réacteur nucléaire.

Sobre et classieuse, cette introduction hautement immatérielle et versant dans le plus pur formalisme laissait augurer un spectacle disséquant avec brio cette peur et cette perte de contrôle, revendiqué par son metteur en scène et portée jusque sur l’affiche. Pourtant, à bien des égards, force est de constater que cette ouverture ne constitue que la réminiscence du cinéaste, ayant sans doute perdu son aura et son mojo au fil des années.

Un techno-thriller nébuleux très passéiste.

Car si il demeure évident que la filmographie de ce metteur en scène perdurera à travers les générations, autant pour son univers visuel que son hyper réalisme, Hacker ne constituera toutefois qu’un bien maigre jalon en son sein, tant l’entièreté du propos semble dénoter un désintérêt ou une absence de compréhension aberrante, chose impensable quand on connait la minutie légendaire du bonhomme. Car oui, le seul véritable problème se posant avec Hacker est son scénario. Convenu, empli de propos virant à la lapalissade obséquieuse ou au cliché le plus sommaire, la trame semble comme engoncée, tiraillée entre le désir de Mann d’emballer un thriller rondement mené et annihilant une partie de la concurrence, et celle de se muer en parangon des dangers d’Internet. Il demeure dès lors d’autant plus regrettable de voir ce vétéran tenter d’explorer les méandres de ce milieu cybercriminel, là où certains n’auraient esquissé qu’un simulacre facétieux, pour finalement en tirer une histoire aux enjeux certes relativement contemporains mais au déroulement assez prévisible.

Hacker n’étant finalement pas le grand film attendu sur la prédation technologique ou la solitude de l’humain 2.0, il n’en demeure pas moins une œuvre manienne dans le plus pur style du genre. Mise en scène au cordeau, tantôt hypnotique et atmosphérique éludant avec une maestria folle les différents acteurs de cette enquête nébuleuse, elle est aussi le parfait réceptacle pour le héros mannien, être fantomatique aux chimères dévastatrices et dont le mutisme et l’assurance sans borne de Chris Hemsworth, débarrassé de sa redingote baroque et chevaleresque de Thor, rendent pleinement justice.

Se démarquant aisément des productions actuelles par son rythme multipliant les ruptures de tons, entre hypnose, contemplation et violence vengeresse, Hacker parvient parfois à se payer le luxe d’égaler les meilleures itérations maniennes, notamment par le biais de sa construction, transformant  par paliers une énigme abstraite en une confrontation viscéralement brutale. Au début, Hathaway et l’équipe d’enquêteurs n’ont que leurs claviers et leurs écrans pour identifier un criminel insaisissable. Mais au fil de l’enquête, la réalité finit par imbiber le récit avant d’exploser avec une force de plus en plus percutante. Il y a d’ ailleurs dans ce parcours une forme de fatalité apparemment régressive qui mène du collectif à l’individuel, de la pureté technologique à la barbarie primitive, du défi virtuel à une confrontation quasi biblique,  tourné là encore comme une forme d’hommage au cinéma, tant l’affrontement des deux Némésis rappelle avec une certaine insistance les relents fantomatiques du western.

Loin du ratage complet annoncé ou du techno-thriller visionnaire attendu,  la dernière itération mannienne, toujours construite à travers une dualité oscillant entre réalisme documentaire et dramaturgie classique, prouve une fois de plus que Mann, non désireux de travestir son style pour accrocher aux modes de l’époque, préfère capter un sujet pour en user de manière passéiste, illustrant cette aura fantomatique et délibérément vintage entourant le metteur en scène.

Hacker – Bande-annonce #2 VOST

Hacker (Blackhat) : Fiche Technique

États-Unis – 2015
Réalisation: Michael Mann
Scénario: Morgan Davis Foehl, Michael Mann
Interprétation: Chris Hemsworth (Nick Hathaway), Tang Wei (Chen Lien), Viola Davis (agent Carol Barrett), Ritchie Coster (Kassar), Holt McCallany (agent Jessup), Yorick van Wageningen (« Le Boss »), Wang Leehom (Chen Dawai), Andy On (Insp. Alex Trang)…
Image: Stuart Dryburgh
Montage: Joe Walker, Stephen E. Rivkin, Jeremiah O’Driscoll, Mako Kamitsuna
Musique: Harry Gregson-Williams, Atticus Ross
Producteur: Thomas Tull, Michael Mann, Jon Jashni
Production: Legendary Pictures Production, Forward Pass
Distributeur: Universal Pictures International France
Genre: Thriller, Action
Date de sortie: 18 mars 2015
Durée: 2H13

A 54 ans, Julianne Moore obtient enfin l’Oscar de la meilleure actrice qu’elle méritait tant depuis longtemps. Elle l’aurait mérité (ne serait-ce que pour un second rôle) dans Magnolia, Loin du Paradis, The Hours, ou même The Big Lebowski.

Synopsis : La vie d’Alice Howland, éminente professeur de linguistique, heureuse en couple et mère de trois enfants épanouis, est transformée le jour où sa mémoire commence à flancher. Rapidement, son neurologue lui diagnostique une forme précoce et héréditaire d’Alzheimer. Sa vie et ses relations avec ses proches vont dès lors n’être régies que par sa décrépitude mentale.

En fait, depuis le film qui l’a révélé, il y a tout juste vingt ans, Safe, où elle interprétait…. une mère de famille en proie à la maladie. De là à dire qu’elle a connu sa consécration grâce à une redite d’un ancien rôle, il n’y a qu’un pas. Mais attention, que l’on ne s’y méprenne pas : Julianne Moore a largement mérité son Oscar ! Même si Rosamund Pike (l’autre grande favorite) était bluffante de froideur Gone Girl, la façon dont Julianne Moore incarne cette femme en perte de repères, sur le plan physique comme affectif, est sidérante de justesse.

En plus de la performance indiscutable de son héroïne, le reste du casting est correct et participe à la compassion et à la délicatesse de la situation tragique. Dans un rôle de mari désarçonné par l’état de sa femme, Alec Baldwin est parfait dans sa façon de jouer de son aspect monolithique pour incarner une force fragile dont on n’arrive jamais à pleinement approuver les choix. Parmi les trois enfants d’Alice, on n’en retient qu’une : Kristen Stewart qui, après Sils Maria et le césar qu’il lui a valu, en a définitivement fini avec le boulet Twilight qu’elle traînait. Pour ce qui est des autres personnages secondaires, on pourra toujours regretter qu’ils ne soient pas davantage exploités. Le travail effectué par le duo de réalisateurs est à double tranchant. Si la plupart des cinéastes peu expérimentés auraient fait de ce sujet une œuvre lacrymale, reposant uniquement sur des grosses ficelles scénaristiques et formelles pleurnichardes, Richard Glatzer et Wash Westmoreland ont réussi à éviter la surenchère de pathos tant redoutée (hormis peut-être dans l’usage des musiques) pour se concentrer sur leur personnage. Toutefois, leur mise en scène, à défaut d’un traitement astucieux de la question de la perte de mémoire, n’a rien de personnel, non pas qu’il ait fallu être aussi radical que Memento mais plutôt subtil comme Loin d’elle, qui traitait du même sujet. La narration très linéaire appuie le sentiment d’assister à un film très démonstratif (ses détracteurs le réduiront certainement à une campagne de collecte de fonds pour la recherche médicale du cerveau !). La mort du coréalisateur Richard Glatzer juste avant la sortie française du film, et surtout le fait d’apprendre qu’il souffrait de la maladie de Charcot, participe au bien-fondé du propos et à la charge émotionnelle du long-métrage.

Certaines scènes (les repas en famille et surtout le discours à la conférence) resteront dans les mémoires comme des moments de cinéma bouleversants, tandis que d’autres passages sembleront anecdotiques, voire plombants, mais l’ensemble du film est, grâce à son actrice, parfaitement réussi dans sa mission de sensibilisation à la détresse des personnes atteintes d’Alzheimer. Sans doute Still Alice aurait-il largement gagné à développer davantage sa dernière partie, celle où Alice n’a personne d’autre à qui parler que la elle-même d’avant (Alice la linguiste aurait désapprouvé cette formulation d’ailleurs), afin d’approfondir le drame de la perte d’identité. Quoi qu’il en soit, voir ainsi cette femme tout perdre est quelque chose d’aussi poignant que terriblement effrayant, de quoi faire naître une réelle phobie du trou de mémoire !

Still Alice : Bande annonce

Still Alice : Fiche Technique

Réalisation: Richard Glatzer, Wash Westmoreland
Scénario: Richard Glatzer, Wash Westmoreland d’après: le livre Still Alice de: Lisa Genova
Interprétation: Julianne Moore (Alice), Kristen Stewart (Lydia), Kate Bosworth (Anna), Alec Baldwin (John), Hunter Parrish (Tom), Shane McRae (Charlie Howland-Jones), Seth Gilliam (Frederic Johnson), Victoria Cartagena (Prof. Hooper)
Image: Denis Lenoir
Décor: Tommaso Ortino
Costume: Stacey Battat
Montage: Nicolas Chaudeurge
Musique: Ilan Eshkeri
Producteur: Lex Lutzus, James Brown, Pamela Koffler
Production: Lutzus-Brown, Killer Films, Big Indie Pictures, Shriver Films
Distributeur: Sony Pictures Releasing France
Genre : Drame
Durée: 99 minutes
Date de sortie: 18 mars 2015

États-Unis, France – 2014

Le précédent film de Jérôme Bonnell, Le temps de l’aventure, se déroulait un 21 juin, jour de la fête de la musique, en plein Paris. Parmi la foule, deux inconnus s’aimaient. De ce film, le 5e du réalisateur, se dégageait un hors temps savoureux, celui de l’amour comme du cinéma, le temps d’une journée. On y rencontrait un personnage délicieux et drôle qui se confrontait à un autre, empreint de mélancolie (il assistait à un enterrement). Avec A trois on y va, titre évocateur, Jérôme Bonnell prolonge cet état de l’amour, mais avec des personnages plus jeunes.

Synopsis : Charlotte et Micha sont jeunes et amoureux. Ils viennent de s’acheter une maison près de Lille pour y filer le parfait amour. Mais depuis quelques mois, Charlotte trompe Micha avec Mélodie… Sans rien soupçonner, se sentant toutefois un peu délaissé, Micha trompe Charlotte à son tour… mais avec Mélodie aussi ! Pour Mélodie, c’est le vertige. Complice du secret de chacun. Amoureuse des deux en même temps…

« La triangulation du désir »

Mélodie aime déjà Charlotte depuis quelques mois quand elle embrasse son copain, Micha, le soir du 14 juillet. Le réalisateur parvient là à renforcer l’intimité des personnages confrontés à un jour de fête où le monde (et les médias) s’arrête pour ne se focaliser que sur une célébration. Mais Jérôme Bonnell se consacre à un contrepoint, il quitte la foule pour rejoindre des amoureux; De même, Mélodie, centre lumineux de ce trio, est prise dans le flot de son travail, avocate pour des comparutions immédiates, tout autant que dans son amour.

Le bouleversement qu’elle vit est total et elle ne fait que courir et déclarer sa flamme sans retenue avec la fantaisie des enfants et l’envie des jeunes femmes. Voilà qu’elle parle de s’installer ensemble et même de vieillir. C’est ce qu’elle promet à Charlotte, l’insaisissable, qui de l’autre côté entend son amour officiel, Micha, lui parler de mariage et d’enfants. Le couple central, composé de Micha et Charlotte, traverse d’ailleurs une mini-crise au moment où on les rencontre : ils ne parviennent plus à retrouver la spontanéité de leurs débuts, quatre ans plus tôt. Jérôme Bonnell brosse d’abord des portraits, encore reliés au monde : Micha est vétérinaire, mais rêve d’ailleurs, Mélodie est avocate et est donc ancrée dans le monde tout autant qu’elle lui échappe par son évanescence. Enfin, Charlotte ne travaille pas, elle chante un peu pour gagner de l’argent, mais elle passe le plus clair de son temps chez elle. Elle parle du vide, de la passion et a peur de dire simplement « je t’aime ». Elle est comme la Lol V.Stein de Marguerite Duras (dans Le Ravissement de Lol V.Stein), une eau qui fuit sous les doigts.  Quelqu’un qui regardera son amour et sa maîtresse tomber amoureux devant elle et ne pourra pas vraiment les retenir, sa dramaturgie à elle est aussi « percée en son centre d’un trou ». Quelque chose d’imperceptible qui en fait un personnage complexe, à priori périphérique, mais finalement complètement central. C’est par consolation d’elle et de sa fuite que Micha et Mélodie tombent amoureux. Car Jérôme Bonnell filme avant tout un trio amoureux et il retrouve la même légèreté grave qu’avait su dépeindre Christophe Honoré dans Les Chansons d’amour. Sa différence à lui, c’est qu’il filme l’aube du trio et non sa fin. La scène de la révélation, quand le trio se forme enfin, est d’une poésie inouïe. C’est une main qu’on ne lâche plus devant l’autre, des corps qui s’approchent, pas de mots, rien que l’appel du désir.

Douceur, fraîcheur et mélancolie

Après avoir construit des portraits, joué des quiproquos pendant une bonne partie de son film, donnant lieu à de savoureuses scènes qui oscillent entre comédie, vaudeville et même « drame », Jérôme Bonnell réunit donc son trio qui se rend, ironie du sort, à un mariage. A l’église, comme plus tôt quand Charlotte chantait dans un bar une chanson d’amour, Jérôme Bonnell s’intéresse individuellement aux visages de ses personnages, mais cette fois il joint les trois figures en un plan plus large. Le film consolide ce trio qui se défait aussi vite qu’il se forme. Les vrais plans larges apparaissent finalement quand les trois sont réunis, dansant ou s’offrant une escapade sur la plage. Auparavant, Jérôme Bonnell s’est intéressé de près au corps, à la peau et aux yeux de ses personnages. Comme il filmait Emmanuelle Devos de manière follement amoureuse dans Le temps de l’aventure, Jérôme Bonnell capte tout des visages et des mains de ses personnages. A cet exercice, Anaïs Demousiter, souvent filmée ainsi, se débrouille à merveille. Son visage dévoile milles émotions, sa peau tâchée de rousseur est comme un soleil au cœur de ce trio. Félix Moati a quelque chose en lui de pleinement enfantin, mais aussi de grave, une certaine douceur l’accompagne. Et, enfin, Sophie Verbeeck, qui joue là un de ses premiers grand rôle au cinéma, visage grave, mais corps en quête de désir, offre à son personnage une profondeur inattendue. Elle dit elle-même que la comédie est un travail de précision, de maîtrise inouïe. Ici, elle vacille sans cesse entre mélancolie et comédie poétique. On est dans la comédie qui s’écrit, qui se répète, qui ne s’invente pas, mais qui apparaît d’une fraîcheur éternelle. Le film, au-delà de l’amour, est aussi un questionnement sur l’âge adulte, sur la fin de l’enfance. On voit alors une petite fille dans un mariage regarder les deux grandes filles que sont Charlotte et Mélodie et qui pourtant s’en foutent d’être adultes comme les héroïnes de Naissance des pieuvres s’en foutaient d’être normales. Quand ils dansent, ces trois-là jouent de la sexualité de leurs corps, comme de la jeunesse de leurs gestes. Le film n’est pas générationnel, c’est là sa force, il parle à tous. Le soir de l’avant-première, un monsieur plutôt âgé s’était montré très touché par le film, affirmant que cette histoire aurait pu arriver à tout âge. Et c’est vrai, l’Emmanuelle Devos du Temps de l’aventure, actrice comme Mélodie est avocate et plaide, aurait pu vivre cette aventure là, à trois. Mélodie est tout aussi naïve que l’était Alix. Ainsi, quand elle rencontre la perversité même, elle ne s’en méfie pas vraiment et finit par s’en mordre les doigts. Autour d’elle, personne ne se bat aussi fort qu’elle, elle est présente et absente à la fois. Jérôme Bonnell, en plus d’un travail très fin sur les dialogues et les situations (rien ne paraît jamais faux, même les plus belles déclarations qui pourraient vite devenir ridicules), a su, encore une fois, trouver des interprètes fabuleux. Dans ses premiers films, il faisait l’économie des gros plans, aujourd’hui c’est le contraire qu’il fait depuis deux films où il célèbre l’amour.

On a souvent filmé des trios au cinéma, c’est une source infinie de poésie, qui ne se demande pas si ça marchera et Jérôme Bonnell ne décide jamais complètement, la matière ne se dissout jamais vraiment. Éphémère ou durable, cet amour-là est de ceux qu’Alex Beaupain a toujours si bien chanté : « Les amours qui durent font des amants exsangues, et leurs baisers trop mûrs nous pourrissent la langue » chantait Grégoire Leprince Ringuet dans Les Chansons d’amour avant que Louis Garrel ne lui rétorque :  « Les amour passagères ont de futiles fièvres, et leurs baisers trop verts nous écorchent les lèvres. » Ces cinéastes-là ne choisissent pas ce qui est le mieux, ils offrent des bouleversements où tout se joue en quelques jours du premier baiser à l’effusion, en passant par l’explosion. Pourtant, sur la plage, c’est dans les bras de Micha que Mélodie s’endort enfin après avoir passé son temps à courir. Qui seront-ils dans 10 ans ? Le film ne le dit pas et c’est tant mieux, car c’est aussi ça le cinéma, un hors temps où tout est possible. Ici non seulement tout est possible, mais aussi très beau. C’est sûr, on y va et on en redemande même.

Bande annonce du film

Fiche technique – A trois on y va

Date de sortie : 25 mars 2015
Réalisateur : Jérôme Bonnell
Durée : 1h26
Interprètes : Félix Moati (Micha), Anaïs Demoustier (Mélodie), Sophie Verbeeck (Charlotte)
Montage : Julie Dupré
Photographie : Pascal Lagriffoul
Production : Rectangle Productions, Wild Bunch, Scope Pictures, France 3 Cinéma
Distributeur : Wild Bunch Distribution

Snow in paradise est un film assez inclassable, même si le souci de la facilité l’estampille du genre thriller.

Synopsis : D’après une histoire vraie. Dave est un petit délinquant qui mène sa vie, entre drogue et de violence, dans l’East End de Londres. Lorsque ses agissements entraînent la mort de Tariq, son meilleur ami, Dave est terrassé pour la première fois par la honte et le remords. Alors qu’il commence à faire la paix avec lui-même, son passé de criminel revient le mettre à l’épreuve….

Drugstore cowboy 

La maison de production britannique Ipso Facto a dû recourir à un crowdfunding et chercher le gros du financement en France et en Allemagne, en dehors de son pays d’origine, c’est dire si le projet n’a pas été forcément compris de tous. Il est vrai que l’histoire vendue par son réalisateur, Andrew Hulme, s’écartèle donc entre le Thriller et l’étude de caractère, celui du personnage central Dave, petite frappe évoluant dans un East End londonien où le surpeuplement et la pauvreté ont été de tous temps les vecteurs d’un certain niveau de criminalité.

Le film évoque également l’immigration, au travers de l’implantation de l’Islam dans ces quartiers, au travers de cette grande mosquée qui se détache à l’horizon de cette bourgade, mais la découverte par Dave de cet islam soufiste constitue une partie du film malheureusement trop anecdotique du film.

Toutes ces directions font peut-être beaucoup pour un seul film, car on s’apercevra très vite que le réalisateur Andrew Hulme a été dépassé par son ambition.

Snow in Paradise est une mise en cinéma de l’histoire vraie de Martin Askew, le scénariste qui a co-écrit le film avec Andrew Hulme, un homme converti à l’Islam et dont l’oncle est Lenny « The Guv’nor » McLean, un boxeur londonien, mais également un gangster d’une certaine réputation. Il a co-écrit  « The Guv’nor », un livre autobiographique qui est devenu un best-seller au Royaume-Uni. Un oncle qui a dû fasciner Martin Askew autant que le terroriser, puisque c’est lui-même qui va l’incarner avec une certaine noirceur dans le film, tandis que son propre personnage est confié à un nouveau venu dans le cinéma anglais, Frederick Schmidt, un jeune prometteur vu récemment dans l’excellent Les Poings contre les murs du britannique David McKenzie.

Déambulant dans les rues de son quartier avec son meilleur ami Tariq, Dave s’en prend à tous ces bobos qui envahissent l’espace, et contribuent à la « gentrification » de son quartier, Hoxton, une partie désormais très embourgeoisée du très ouvrier East End. L’argent est moqué, honni par Dave et ses amis, mais l’argent, c’est l’argent, une promesse de « Paradis », alors le voici en train de faire des livraisons douteuses pour son oncle criminel, des tombereaux de cocaïne qu’il livre à de malfrats que la présence du « paki », son ami Tariq, défrise. Tariq est un apprenti rappeur  sans grande ambition qui se réfugie derrière la religion et la peur du « sheitan » pour tenter de ne pas mouiller dans les activités de Dave. Il sera pourtant largement  mouillé, puisque le synopsis annonce d’emblée sa mort, liée à une bêtise de la part de Dave, mais également au racisme crasse qui n’est jamais bien loin, toujours tapi, prêt à surgir à la moindre occasion.

Ce drame, c’est le tournant du film, l’événement qui entraîne chez Dave la culpabilité et la prise de conscience par rapport à l’impasse de la violence. Avant de faire sa macabre découverte, Dave va fréquenter la mosquée à la recherche de son ami disparu. C’est autre chose qu’il va y trouver, un espoir, une réponse, la possibilité d’une alternative.

Le film traîne en longueur, avec un acteur principal qui pourtant joue juste la plupart du temps, mais qui, comme le film lui-même, ou à cause du film lui-même, a quelquefois du mal à doser ses effets. Sinon, le casting est plutôt équilibré : le scénariste Martin Askew personnifie son oncle en connaissance de cause, campant un homme manipulateur et pervers. David Spinx (de la série East Enders) joue le rôle de l’ami de son père défunt, un autre oncle, un autre malfrat, un marchand d’illusions qui lui fait miroiter le Paradis et sa luxueuse villa en guise d’appât…

Le scénario offre de nombreuses possibilités de faire un film intéressant, avec des scènes  d’action, de l’humour, une partie importante sur l’intimité du personnage central, son extrême solitude, sa descente aux enfers dans les vapeurs de la drogue, sa tentative de vie familiale avec une mère célibataire prostituée, et bien sûr la découverte de l’Islam… Mais il y a un problème de rythme et de mise en scène : tout est traité en surface, et Andrew Hulme part dans beaucoup trop de directions et semble indécis quant à l’accent qu’il veut mettre dans son film. Il utilise des procédés  un peu racoleurs, comme par exemple ces flash-forwards répétitifs et peu esthétiques qui n’ajoutent rien au métrage, et qui finissent par agacer. Andrew Hulme ne se cache pas d’avoir voulu réaliser  « son » Prophète, le très beau film de Jacques Audiard, mais de la coupe aux lèvres, il y a hélas encore beaucoup de chemin.

Le plus gros écueil du film reste sans doute cette évocation de l’Islam, dont on ne sait trop ce qu’il représente pour Dave. Le traitement de sa nouvelle appartenance à cette religion est trop elliptique : tout d’un coup, il se retrouve avec la serpillère et le balai à la main, en train de nettoyer la grande salle de la mosquée, sans que l’on comprenne vraiment son cheminement. Il y avait là pourtant matière à creuser, car ce nouvel assujettissement, cet échange du corps de règles des gangsters et de la rue, contre le corps de règles de l’Islam était sans doute la meilleure chose à explorer pour donner au film la dimension qui lui manque pour l’extirper du magma des films de drogue et de gangsters au fond duquel il risque de rester englué pour longtemps…

Snow in Paradise : Fiche Technique

Titre original : Snow in paradise
Réalisateur : Andrew Hulme
Genre : Thriller
Année : 2014
Date de sortie : 4 Mars 2015
Durée : 108 min.
Casting : Frederick Schmidt (Dave), Martin Askew (Oncle Jimmy), David Spinx (Micky), Aymen Hamdouchi (Tariq), Claire-Louise Cordwell (Theresa) Ashley Chin (Amjad), Joel Beckett (Kenny)
Scénario : Martin Askew, Andrew Hulme
Musique : Kevin Pollard
Chef Op : Mark Wolf
Nationalité : Royaume-Uni
Producteur : Christine Alderson
Maisons de production : Ipso Facto films
Distribution (France) : Le pacte, The jokers