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Alfonso Cuaron (Gravity), Guillermo del Toro (Pacific Rim) ou Alejandro Gonzalez Inarittu (Babel), le cinéma mexicain n’a jamais connu telle prospérité. La dernière création hispanique, Birdman d’Iñárritu, marquera les esprits et les âges, car c’est un tour de force artistique en tout point, une ode à la créativité, et au renouvellement spirituel. Une mise en abyme jouissive et stylisée du théâtre et une satire hollywoodienne, Birdman renferme une richesse narrative à l’égal de sa beauté intemporelle.

Synopsis : L’acteur Riggan Thomson, has been connu pour avoir incarné un célèbre super-héros, monte une pièce à Broadway autour de son propre personnage dans l’espoir de renouer avec sa gloire passée. Pour se faire, il est soutenu par sa fille, fraîchement sortie d’une cure de désintoxication qui devient son assistante, par une actrice et un producteur farfelu.

La Renaissance Jouissive et flamboyante du Phœnix déchu

Métrage le plus représenté aux Oscars du cinéma en 2015, Birdman dépeint le récit de Riggan Thompson, ex superstar du cinéma pour son rôle du super héros, victime du star système hollywoodien et tentant un come-back retentissant en mettant en scène la pièce What we talk about when we talk about love de Raymond Carver. Composée d’un casting à la hauteur du projet, s’octroyant un Michael Keaton errant, une Naomie Watts ingénue, un Edward Norton libidineux et une Emma Stone toxicomane, la distribution d’acteurs se mêle et s’entremêle dans des destins à la fois tragiques et héroïques, poétiques et romantiques.

Néanmoins, l’idée que Michael Keaton interprète Riggan Thompson est tout à fait ambiguë. En effet, sans abuser d’une quelconque intellectualisation, nous pouvons dire que Michael Keaton incarne… Michael Keaton lui-même. Étonnant ? Pas tant que ça en réalité. Le personnage de Birdman, qui hante Riggan Thompson est une évidente analogie de Batman, le célèbre super héros qui a traîné à la peau de Keaton pendant la majeure partie de sa carrière. L’Oscar tend les bras à l’acteur pour sa résurrection au sein du film.

Ainsi, le film se pose comme une catharsis d’acteur, un renouvellement identitaire d’un homme déchu, trahi par l’icône qui lui a tout donné, mais qu’il lui a aussi fait tout perdre. Pour continuer dans la description de la formidable distribution, Edward Norton offre enfin un concurrent de choix à J.K. Simmons (Whiplash). Il dévoile une performance jouissive, d’un acteur célèbre nommé Mike Shiner, mais sans limite dans sa conception éthique sociale, aussi attachant que révulsant dans ses manières de vivre. On constatera les apparitions brèves de Zack Galifianakis dans le rôle de Jake, l’assistant de Riggan Thompson, un jeu à contre-emploi de ses rôles comiques célèbres, pour une composition intéressante et montrant qu’il est un acteur grandement sous-estimé.

Pour la gente féminine, Naomi Watts incarne, tout en retenue un personnage versatile. Une femme qui change de manière constante son caractère, tantôt sotte avec ses rêves de jeune fille tantôt torturée, sa performance n’en reste pas moins incomplète, n’apparaissant que très peu. Mais qu’elle n’en fut pas la surprise, de voir une Emma Stone à proprement parler parfaite. Interprétant la fille de Riggan, livrée à elle-même suite aux absences constantes de son père et devenue toxicomane repentie, elle noue une relation troublante avec Shiner et livre l’un des monologues les plus cruels, sincères et brillants de ces dernières années. L’Oscar est proche.

Cependant, au-delà de sa distribution d’exception, Birdman, c’est aussi une mise en scène sublimant un propos critique du Star système Hollywoodien. Alejandro Gonzalez Iñárritu a réussi une prouesse visuelle sur ce film, en donnant une parfaite illusion d’un plan séquence continu de deux heures. Par sa caméra constamment en mouvement et par l’absence totale d’un quelconque classicisme (aucune trace d’un champ/contre-champ), Inarittu devrait sans doute remporter la statuette de meilleur réalisateur.

Par ailleurs, si on peut s’attendre à un Brazil moderne, aux vues des extraits promotionnels, notamment sur le côté psychédélique de l’esprit de l’acteur, mais il n’en est rien… du moins, pas tout à fait. En effet, le film baigne dans un hyper réalisme constant, c’est à dire une frontière entre réalisme et surnaturel assez difficile à distinguer. Cet hyper réalisme, qui permet au réalisateur, grâce à sa mise en scène, de jouer avec notre esprit comme bon lui semble, afin de s’approprier les codes du genre.

Ainsi, nombreux sont les questionnements sur l’état d’esprit du personnage. Paranoïaque ou harcelé, acteur de cinéma ou de théâtre, l’hyper réalisme se maintient tout au long du métrage et permet ainsi, des interprétations différentes selon le spectateur. Toujours maîtrisé et d’une crédibilité sans faille grâce à l’ajout d’effets visuels efficaces, ce procédé met en lumière la confrontation entre le théâtre et le cinéma. Celle-ci, sous la forme d’une mise en abyme du théâtre dans le métrage, est surprenante.

En effet, le récit ne dévoile pas une satire du cinéma sur le théâtre ou une critique du théâtre sur le cinéma, mais montre, avec le même procédé d’hyper réalisme, que la frontière est mince entre les deux arts. On assistera même plus à une louange des pratiques qui se serviraient l’un et l’autre, tout en montrant comment les personnages, en opposition dans leurs arts, se traitent de manière féroce.

D’une part, Iñárritu procède à une satire sur les codes théâtraux en dénonçant la fréquentation hautaine de cet art, mais d’autre part, il entreprend une critique du système capitaliste hollywoodien, ne misant que sur trois jours dans la semaine pour désigner un avenir à un produit, en dénonçant par ailleurs le public de seconde zone qui y est attaché, ne poussant jamais à la réelle réflexion cinématographique.

Un dernier point à inévitablement aborder serait l’ignorance dans le sous-titre « l’inattendue vertu de l’ignorance ». En réalité, cette ignorance est ici générationnelle, clairement démontrée par la fille de Riggan: Sam (Emma Stone), fait comprendre à son père qu’il échoue inexorablement dans ses représentations, du fait de son ignorance de la société actuelle. Sans aucune connaissance des réseaux sociaux les plus populaires, ni de la gestion de son image, Riggan s’en remettra à lui-même pour renaître de ses cendres dans un plan final d’une beauté majestueuse, tel un Phoenix déchu.

Ainsi, chaque représentation au fur et à mesure que le récit avance tend à montrer l’état psychologique de Riggan et son incapacité de compréhension face à une société qui le dépasse. D’un humour noir décapant, Iñárritu entreprend de montrer la quête de rédemption et de renaissance du personnage qui apprend à aimer sa vie et à aimer ses proches qu’il ne voyait jamais, le tout dans une photographie aux couleurs chatoyantes à tomber à la renverse.

Ainsi, Birdman est un film qui fera date dans l’histoire du cinéma. Cette mise en abyme du théâtre, parallélisme du malaise d’un homme déchu avant d’être un acteur fini, ce dosage hallucinant de l’hyper réalisme constant entre la paranoïa et la dépression, mais aussi une tentative de sublimation de l’art, embellie par une mise en scène visionnaire, Iñárritu réussit l’exploit de transcender son style et de ramener au premier plan un acteur dans la tourmente. En route vers les Oscars !

Birdman : bande-annonce VOSTFR

Fiche Technique : Birdman

Réalisation : Alejandro González Iñárritu
Scénario : Alejandro González Iñárritu, Nicolás Giacobone, Alexander Dinelaris, Armando Bo
Casting : Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton, Naomi Watts, Zach Galifianakis
Pays d’origine : U.S.A.
Sortie : 25 février 2015
Durée : 1h59min
Distributeur : Twentieth Century Fox France

Synopsis : Jason Tantra, un cameraman placide, rêve de réaliser son premier film d’horreur. Bob Marshall, un riche producteur, accepte de financer son film à une seule condition : Jason a 48 heures pour trouver le meilleur gémissement de l’histoire du cinéma…

Le sens de l’absurde qui retourne la tête

En général, les spectateurs ont un avis très tranché sur les films de Quentin « Mr Oizo » Dupieux. Et pour cause, en dehors de sa comédie crétine et oubliable Steak (2007), le bonhomme a su, dès les clips qui le firent connaitre, mettre en place un univers surréaliste complètement loufoque facilement identifiable. Si Rubber (2010), sa divagation sur un pneu tueur, se fondait sur une ligne narrative relativement cohérente, ses deux films suivants, Wrong (2012) et, dans une moindre mesure, Wrong Cops (2013), ressemblaient davantage à un amas d’idées saugrenues autour de personnages excentriques qu’à un véritable scénario qui sait où il va. Même si Réalité ne quitte aucunement cette inspiration purement dadaïste, il apparaît clairement que l’usage d’une écriture nonsensique a, cette fois, été mise au profit d’une réelle intention cinématographique.

En faisant appel à Alain Chabat, et non plus à Eric Judor qui semblait être devenu son acteur-fétiche, pour réaliser ce projet qu’il avait en tête depuis plusieurs années, Dupieux s’est assuré de bâtir son film autour d’un personnage humain et donc agréable. De l’humanité, c’est sans doute ça qui manquait dans le cinéma extravagant du cinéaste français peuplé de véritables « freaks ». Ce cameraman rêvant naïvement de devenir réalisateur devient ainsi le premier individu attachant de cet univers, et l’on en vient même à s’attacher à lui, rendant plus immersive sa descente aux enfers. Les autres personnages, le producteur exécrable campé par Jonathan Lambert, l’acteur hypocondriaque incarné par Jon Heder ou encore la gamine de 7 ans qui prête son nom au film, sont quant à eux des êtres décalés que l’on sait de facto nés de l’imagination à enfantine et amorale de Dupieux.

Dans un style visuel novateur proche de celui des deux précédents films, identifiable à un étalonnage excessivement laiteux et étincelant, le film se construit à la façon d’une accumulation de récits en parallèle. Celui de Jason d’abord bien sûr, mais aussi celui d’un film dans lequel une fillette est obsédée par une cassette vidéo, celui d’une émission télé de cuisine et celui des rêves dégradants du dénommé Henri. Ces histoires racontées parallèlement, certaines étant nettement plus farfelues que d’autres, donnent, dans un premier temps l’impression que le film est à l’image des précédents : irrationnel et intellectuellement futile. Mais, un peu de la même façon que Wrong Cops tentait de magnifier sa musique, Réalité se révèle vite être un film qui utilise avec fougue l’art du cinéma pour créer des mises en abymes surprenantes et jouer avec la frontière entre fiction et réalité.

Le mur entre ce qui est vrai et ce que ne l’est pas s’étiole peu à peu, tandis que les histoires se percutent et que ce pauvre Jason plonge dans une névrose cauchemardesque que la mise en scène nous fait partager de façon virtuose. De la même façon que John Carpenter qui utilisait la musique électronique pour installer la peur-panique, Mr Oizo joue ici avec une musique cyclique et entêtante qui fait de cette perte de repère un moment stressant à vivre mais jamais dépourvu d’humour. L’imbrication malicieuse des notions de création artistique et de pure folie et la volonté d’équilibrer l’absurde et le rationnel trouvent là une apothéose stylistique qui donne enfin au cinéma de Quentin Dupieux le sens dont il avait besoin pour assurer un long-métrage abouti et accessible.

Réalité : Bande annonce

Réalité : Fiche Technique

Réalisation: Quentin Dupieux
Scénario: Quentin Dupieux
Interprétation: Alain Chabat (Jason Tantra), Jonathan Lambert (Bob Marshall), Élodie Bouchez (Alice), Kyla Kenedy (Reality), John Glover (Zog), Eric Wareheim (Henri), Eric Passoja (Billie l’assistant de Bob), Matt Battaglia (le père de Reality), Susan Diol (la mère de Reality), Patrick Bristow (Dr Klaus), Brad Greenguist (Jacques), John Heder (Dennis), Sandra Nelson (l’infirmière de l’asile psychiatrique)…
Image: Quentin Dupieux
Décor: Joan Le Boru
Son: Zsolt Magyar, Gadou Naudin, Will Files
Montage: Quentin Dupieux
Musique: extrait de Music with Changing Parts de Philip Glass
Producteur: Grégory Bernard, Diane Jassem, Josef Lieck, Kevos Van der Meiren
Production: Realitism Films, Realitism Group, Boîte Noire
Distributeur: Diaphana
Durée: 87 minutes
Genre: Comédie
Date de sortie: 18 février 2015

France – 2014

Synopsis : 2001. Le journaliste Denis Robert met le feu aux poudres dans le monde de la finance en dénonçant le fonctionnement opaque de la société bancaire Clearstream. Sa quête de vérité pour tenter de révéler « l’Affaire des affaires » va rejoindre celle du juge Renaud Van Ruymbeke, très engagé contre la corruption. Leurs chemins vont les conduire au cœur d’une machination politico-financière baptisée « l’affaire Clearstream » qui va secouer la Vème République.

La Firme

La 5ème République, durant son demi-siècle d’existence, a été riche en scandales, affaires judiciaires et escroquerie à grande échelle. Ce qui n’a que rarement inquiété les hommes politiques impliqués, par ailleurs. Parmi les plus retentissantes récemment découverte, l’affaire Clearstream est un excellent exemple des méfaits que peut engendrer un capitalisme non maîtrisé. Petit problème, au vu des ramifications de ce scandale, de sa complexité et de son échelle internationale, est-il possible d’en exposer l’essentiel en une centaine de minutes, sans perdre le spectateur et en conservant un cachet cinématographique ?

Du grand journalisme

S’il y a bien un réalisateur Français qui peut réussir un tel exploit, c’est bien Vincent Garenq, spécialiste du genre s’il en est. Son précédent film, Présumé Coupable, s’attaquait au procès d’Outreau et au harcèlement que pouvaient subir les mis en cause. Un film bien plus intimiste, cependant, que cette Enquête qui prend pour cadre un trafic international impliquant des centaines, voire des milliers de personnes. Un véritable casse-tête pour le scénariste, qui doit penser aux spectateurs n’ayant pas forcément toutes les informations en main. En l’occurrence, le film réussit parfaitement son pari en prenant pour personnage principal Denis Robert, le journaliste qui a révélé toute l’affaire.

On pense tout de suite à d’autres films du même genre, comme Les Trois Jours du Condor, qui utilisait le même procédé pour mettre en lumière les tenants et aboutissants du Watergate. Le scénario déroule ainsi son fil conducteur de manière fluide, le spectateur s’identifiant au héros et recevant les informations en même temps que lui. La sous-intrigue centrée sur le juge Van Ruymbeke et les frégates de Taïwan permet à la fois de clarifier certains aspects de la procédure et de dévoiler un peu mieux les enjeux internationaux de cette affaire. Au final, si certain aspects de l’enquête paraissent toujours un peu flou, personne ne sera perdu.

Made in USA

La réussite du film doit aussi beaucoup à la réalisation de Garenq. Le metteur en scène a choisi de construire son film comme un thriller, et parvient sans problème à maintenir son audience sous tension. De révélation en révélation, L’Enquête se déroule sans temps morts, ou presque. Garenq prend exemple sur ses collègues outre-Atlantique dans sa réalisation comme dans son montage. L’influence des Trois Jours se fait sentir, mais on pourrait aussi citer La Firme, par exemple, pour le côté déséquilibré du combat entre l’homme et la machine. Petit bémol, néanmoins, dans les scènes familiales. Si elles sont indispensables pour l’empathie envers le personnage, et pour souligner le côté destructeur de la machine médiatique, elles restent inégales et pas toujours bien amenées. Si la tension ne s’en ressent pas forcément, on regrettera tout de même ces interruptions.

Passionnant et complexe, L’Enquête restitue parfaitement les enjeux et l’ampleur de « L’Affaire des affaires », sans jamais perdre son spectateur et en le maintenant au bord de son siège pendant plus de quatre-vingt dix minutes. Un bel exploit rehaussé par l’excellente performance du son duo principal. Gilles Lelouche est plutôt crédible dans son personnage, et Charles Berling endosse parfaitement les habits du juge Van Ruymbeke. Un bon thriller Français, c’est assez rare pour être noté…

L’Enquête – Fiche Technique

France – 2015
Thriller
Réalisateur : Vincent Garenq
Scénariste : Vincent Garenq, Stéphane Cabel, Denis Robert
Distribution : Gilles Lelouche (Denis Robert), Charles Berling (le juge Van Ruymbeke), Laurent Capelluto (Imah Lahoud), Grégoire Bonnet (Laurent Becaria)
Producteurs : Christophe Rossignon, Philip Boëffard
Directeur de la photographie : Renaud Chassaing
Compositeur : Erwan Kermovant
Monteur : Elodie Codaccioni
Production : Samsa Films, Nord-Ouest Productions, Artemis Productions, France 3 Cinéma, Mars Films, Cool Industrie, Belgacom TV
Distributeur : Mars Distribution

Auteur : Mikael Yung

Le Dernier coup de marteau est le deuxième long métrage d’Alix Delaporte après Angèle et Tony. S’il reprend les deux mêmes interprètes principaux : Clotilde Hesme et Gregory Gadebois, le film invente un nouvel ailleurs, singulier et sensible.

« Un coup de dés jamais n’abolira le hasard »

C’est une partition musicale où se jouent des silences et des regards, portés par la magnifique 6e symphonie de Mahler. Un film sur le destin et la notion de hasard contenue dans les gestes des acteurs et leurs regards profonds et remplis d’écoute. Si le corps est comme empêché, le regard est plein du désir de l’autre.

Le dernier coup de marteau du titre, c’est celui que Mahler décide de retirer à la fin de sa 6e symphonie afin de conjurer le sort. Des trois coups représentants le destin, le compositeur passe donc à deux pour le laisser en suspens. Il laisse alors le choix à ceux qui s’attelleront à son œuvre de les faire retentir par deux ou par trois… De cette symphonie, le père de Victor, grand chef d’orchestre, veut faire quelque chose de moins tragique, de plus doux. Pourtant, si sa voix le quémande, ses gestes sont secs et vont à l’encontre de ce qu’il dit désirer. Et c’est comme ça que le film se présente, comme une quête du geste, laissé en suspens, comme le destin de tous les personnages. Chacun est à un moment décisif, tout se passe à l’intérieur d’eux et ce, malgré les aspirations de chacun pour eux. C’est à Victor, surtout, que s’intéresse Alix Delaporte, la réalisatrice. A propos du jeune acteur*, novice, qui incarne ce personnage quasi mutique, mais déterminé, elle déclare : « Il soutenait tous les regards, sans presque jamais ciller des yeux. Pour lui c’était une forme d’attention, de respect : on écoute les gens qui parlent en les regardant dans les yeux »**. On a là, dans ces deux thèmes : le geste en attente et le regard, la note d’intention du film qui est à la recherche d’un mouvement, d’un geste qui dirait : tu peux y arriver. Tous les personnages, même adultes, cherchent encore une identité.

Alix Delaporte est une réalisatrice sensible et filme l’infime, elle l’a prouvé avec Angèle et Tony qui a eu un joli, même si tout petit, succès à l’époque de sa sortie (avec des Césars pour les deux comédiens : Grégory Gadebois et Clotilde Hesme, des « espoirs »). Ici, si les thèmes abordés – la filiation, la maladie, le parcours initiatique, le premier amour, mais aussi l’acceptation d’une identité autre – sont déjà très connus, balisés, Alix Delaporte parvient à leur offrir une nouvelle fraîcheur, par l’attention qu’elle porte à chaque détail, à chaque mot, à chaque regard. Ses plans sont comme des tableaux vivants d’où se dégagent des « moments de vie » jamais artificiels. Ce n’est pas simplement du réalisme, c’est une manière d’observer. Les dialogues ne sont jamais « vrais » ou « posés », ils émanent d’une écoute entre tous les acteurs. Mais, surtout, c’est parce que la réalisatrice filme avant tout des corps (que se soit des mains qui dirigent, une femme malade, ou encore un enfant qui déambule) et des espaces. Sur ces paysages comme vierges (la plage, l’opéra), le spectateur peut aisément placer un peu de soi et de son imaginaire. C’est comme un espace collectif où chacun se projette. Pour incarner tout ça, Alix Delaporte a ajouté une touche à sa sensibilité : l’ampleur de la musique classique. Pour parler à chacun, elle a choisi de nous la faire découvrir à travers un novice, le jeune Victor. Peu à peu la musique nous envahit et dit beaucoup des personnages, de leurs sentiments intérieurs. La 6e symphonie prend alors une signification particulière, intense, inattendue, selon le personnage qui l’écoute. Quand c’est Nadia (la mère) qui l’entend, la musique s’arrête, il n’y a plus de piles dans la chaîne hifi. Et quand les personnages doivent vivre des passages plus attendus (se faire raser la tête, tomber amoureux), c’est toujours par un contrepoint presque musical que la réalisatrice nous le montre.

Les gestes trahissent les mots, jusqu’à ce que tout devienne harmonieux. Quand Victor doit dire à sa mère : « on part, mais tu continues ton traitement », il n’y a plus de décalage entre mot et parole, car le chemin de l’un à l’autre a été parcouru. Il y a aussi une forme de poésie dans le film, portée toujours par la musique, mais aussi par ces voisins espagnols qui tentent de s’intégrer, notamment le fils qui ne veut pas parler français alors qu’il peut. L’espace doit aussi être approprié. Chacun ici est un étranger, dans le sens où le corps comme le pays peuvent être à conquérir. Gregory Gadebois, qui joue le père et chef d’orchestre, n’a absolument rien à voir avec l’idée qu’on se fait d’un chef d’orchestre, mais ça marche, parce qu’il ne mime pas, il construit. Et c’est comme ça que tout se passe, dans un aigu sens de la mise en scène d’abord. On pense aux séquences de répétitions, à un entraînement de foot où sont présents des sélectionneurs ou encore à une scène où les yeux de Victor (devenus ceux du spectateur) croisent ceux des musiciens. Mais aussi dans un sens aigu du montage, et de la scène qu’on doit couper. On pense notamment à ces mots, tout simples, de Gregory Gadebois à son fils, « tu ressembles à ta mère ». La scène est courte, mais à ce moment-là, ce garçon ressemble à celle qui joue sa mère : Clotilde Hesme, jamais aussi à l’aise que quand elle a l’espace de jouer le désespoir qui rêve d’autre chose. Finalement, tout le film est suspendu à une reconnaissance. Pour tous, mais surtout pour Victor. L’histoire ne nous dit pas si le père de Victor a choisi, dans son orchestration de la 6e symphonie, de réintroduire ou non le dernier coup de marteau. Le film, lui, est parvenu à atteindre la grâce, tout simplement. Il y a peu de mots échangés dans Le dernier coup de marteau, mais qu’importe, car c’est dans les silences que tout se joue. Des silences jamais pesants que l’utilisation judicieuse de la musique vient sublimer. Un petit film certes, mais un film qui parvient à émouvoir, dans un crescendo digne d’une grande partition musicale.

*Romain Paul a reçu le Prix Marcello-Mastroianni du  jeune acteur au Festival de Venise
** Propos issus du dossier de presse du film

Synopsis : Victor ne connait pas son père. Il ne connait pas plus la musique. Pourtant il est le fils d’un des plus grands chefs d’orchestre au monde. En pénétrant dans l’Opéra de Montpellier, Victor va rencontrer son père, mais aussi la musique. Victor le fait pour lui, mais aussi pour sa mère, Nadia. 

Découvrez la bande-annonce du film 

Le Dernier coup de marteau – Fiche Technique

France – 2015
Réalisateur : Alix Delaporte
Adaptation : Alain Le Henry
Distribution : Romain Paul (Victor), Clotilde Hesme (Nadia), Gregory Gadebois (Samuel)
Date de sortie : 11 mars 2015 (1h23min)
Producteur : Hélène Cases
Directeur de la photographie : Claire Mathon
Musique originale : Evgueni et Sacha Galperine
Monteur : Louise Decelle
Production : Lionceau Films et France 2 Cinéma
Distributeur : Pyramide