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Folklore
Dès les premières images, Alexandre Korda (le cinéaste hongrois qui a réalisé le film) impose une image très folklorique et idéalisée, quasiment fantasmée, de Marseille. Son Vieux Port, ses voiliers, ses marins (dont Escartefigue, seul marin à avoir le mal de mer), l’accent, le parler haut et le sang latin typique du Sud nous parviennent comme des cartes postales. En quelques minutes, le spectateur se sent comme chez lui auprès de ces personnages qu’il a l’impression d’avoir toujours connu.
Ainsi, nos personnages ont parfois l’habitude d’exagérer les choses. Les disputes commencent vite, comme celle qui oppose Marius et Panisse. La sieste est une activité quasiment obligatoire dans ce monde où le travail se fait de façon très parcimonieuse. Comme le dit César au début du film : « il ne passait jamais au soleil, de peur d’avoir à traîner son ombre. »
Pudeur
Les dialogues, écrits par Marcel Pagnol d’après sa propre pièce, sont d’une qualité extraordinaire. Les répliques cultes s’enchaînent. Et pourtant, c’est souvent dans les non-dits que le film trouve sa plus grande qualité.
En effet, bien souvent, les personnages n’osent pas avouer ce qu’ils ressentent véritablement. Marius n’avoue pas son amour pour Fanny. Quand il sort la rejoindre, il prétend aller au cinéma. De même, César invente toute une histoire pour justifier qu’il se mette sur son 31.

Mais le plus émouvant, le plus beau, c’est l’amour qui unit le père et le fils. Quand César dit « Bonsoir mon fils », paroles proférées avec un amour sincère par un vieux bourru haut en couleurs, il n’est pas besoin de grands discours pour expliquer les sentiments qui s’échangent entre les deux personnages. Un plan sur le regard humide de Marius qui ne dit pas qu’il va partir, un aveu muet suffisent pour implanter une émotion palpable.
Mélodrame
Car Marius est un film très émouvant. C’est même un mélodrame. S’il fallait une preuve, il y a les dernières séquences. Le final, lorsque César fait visiter à Fanny ce qui devrait être leur foyer conjugal, est empreint de toute l’infinie tristesse d’un départ qui est comme un deuil.
Mais le mélodrame est d’autant plus beau qu’il n’est pas appuyé. Pas de pathos ici. Aucune exagération dans la manifestation des sentiments. Pagnol et Korda évitent les pièges habituels du genre. Bien au contraire, à l’instar d’un César qui prépare un cocktail parfaitement dosé (avec quatre tiers, certes, mais « ça dépend de la grosseur des tiers »), les auteurs du film parviennent à magnifiquement doser humour et drame pour que chacun alimente l’autre.
Ainsi, la scène où Panisse explique la mort de son épouse est un bel exemple de cette symbiose parfaite entre comédie et mélodrame.
Korda et Pagnol
En parlant de ce film, première partie de la fameuse trilogie marseillaise, on a l’habitude de dire que c’est une œuvre de Marcel Pagnol. Techniquement, le film est réalisé par Alexandre Korda, cinéaste hongrois. Sa réalisation est d’ailleurs d’une grande subtilité. À l’image du scénario, lui aussi évite d’en faire trop et joue la carte de la subtilité et de la pudeur. Cependant, la qualité de sa réalisation s’impose vite. Il suffit de voir la scène où Marius rejoint des marins dans une taverne, les ombres projetées sur les murs, l’ambiance quasi-expressionniste imposée en quelques images, pour comprendre que le réalisateur est talentueux.
Mais le véritable auteur du film reste Marcel Pagnol lui-même. Marius est empreint de son style, qui se retrouvera dans ses réalisations futures. La qualité extraordinaire des dialogues font d’ailleurs de Marius une référence : alors que le cinéma n’était parlant que depuis quatre ans, le film s’impose comme celui qui va ouvrir la voie des grands dialoguistes à la française, inspirant la carrière future des Audiard (père et fils), Aurenche et Bosc, etc.

Synopsis : sur le Vieux Port de Marseille, le jeune Marius est tiraillé entre son amour pour Fanny et son rêve de devenir marin.
Marius nous apparaît, de nos jours, comme un monument du cinéma français. Certaines de ses répliques sont passées à la postérité. Ses acteurs sont des références.

Fiche Technique – Marius

Réalisateur : Alexandre Korda
Scénariste : Marcel Pagnol, d’après sa pièce de théâtre
Photographie : Ted Pahle
Décors : Alfred Junge et Vincent Korda
Montage : Roger Spiri-Mercanton
Musique : Francis Gromon
Producteurs : Robert Kane et Marcel Pagnol
Avec Pierre Fresnay (Marius), Orane Demazis (Fanny), Raimu (César), Fernand Charpin (Panisse), Paul Dullac (Escartefigue), Alida Rouffe (Honorine, la mère de Fanny), Robert Vattier (Monsieur Brun).
Sortie : 10 octobre 1931
Durée : 120’

Festival de Cannes 2015 : Jacques Audiard Palme d’or, Vincent Lindon et Emmanuelle Bercot primés

Après dix jours de compétition, ce dimanche s’est déroulée, au Palais des Festivals  la cérémonie de clôture du Festival de Cannes avec l’acteur français Lambert Wilson en maître de cérémonie. Le jury, présidé par les frères Coen, a annoncé le palmarès composé de sept prix au total dont celui de la Palme d’or, récompense suprême.

Apres Wnter Sleep, film auréolé en 2014, de la Palme d’or du Festival de Cannes, la récompense est attribuée à Jacques Audiard pour son film Dheepan, un des Cinq films français en compétition : « Jacques Audiard pour Dheepan, Stéphane Brizé pour La loi du marché, Valérie Donzelli pour Margueritte et Julien, Maïwenn pour Mon roi et Guillaume Nicloux pour Valley of love ». Le film sera dans les salles le 26 août prochain.

>> La bande annonce de « Dheepan »:

Le film suit le parcours en France de réfugiés sri-lankais fuyant la guerre mais confrontés à la violence dans une cité de la banlieue parisienne. « Recevoir un prix de la part des frère Coen c’est quelque chose d’assez exceptionnel« , « je pense à mon père« , a déclaré très ému le cinéaste français en recevant la récompense suprême du festival.

Le Grand prix récompense « Le Fils de Saul », réalisé par le Hongrois László Nemes.  Un film sur la Shoah mettant en scène un juif forcé de participer à la Solution finale en travaillant dans les chambres à gaz.

Le prix de la mise en scène est décerné à Hou Hsiao-hsien pour « The Assassin« .

Le prix d’interprétation masculine est remit à l’acteur français Vincent Lindon pour son rôle dans « La loi du marché » du Français Stéphane Brizé. L’acteur y campe un ouvrier au chômage depuis vingt mois qui se bat pour retrouver un emploi, encaissant les coups avec dignité. « C’est la première fois que je reçois un prix dans ma vie« , a déclaré le comédien. « C’est l’un des trois plus beaux jours de ma vie« . L’acteur a estimé que ce prix était « un acte politique« .

Le prix du jury récompense « The Lobster » de Yorgos Lanthimos pour  son conte burlesque.

Le prix d’interprétation féminine a été attribué à Emmanuelle Bercot pour son rôle dans « Mon Roi » de Maïwenn et à Rooney Mara pour sa prestation dans « Carol« .

Rooney Mara campe le personnage d’une toute jeune vendeuse qui va se laisser séduire par une femme bourgeoise à la beauté fatale (Cate Blanchett). Emmanuelle Bercot interprète une avocate qui se retrouve après un accident de ski dans un centre de rééducation et se souvient d’une histoire d’amour tumultueuse.

La Caméra d’or du Festival de Cannes a été attribuée au Colombien César Augusto Acevedo pour « La Tierra y la sombra« , film consacré à la vie des paysans colombiens.

La Palme d’or du court-métrage a été attribuée à Waves’98 du Libannais Ely Dagher.

La réalisatrice Agnès Varda reçoit une Palme d’honneur pour l’ensemble de son oeuvre.

Le jury d’Un Certain Regard 2015 présidé par Isabella Rossellini et composé de Haifaa al-Mansour, Nadine Labaki, Panos H. Koutras et Tahar Rahim, a choisi de récompenser le film islandais Béliers (Hrurtar) de Grimur Hakonarson.

PRIX UN CERTAIN REGARD

HRÚTAR (Béliers / Rams) de Grímur Hákonarson / Islande.

Dans une vallée isolée d’Islande, deux frères qui ne se parlent plus depuis quarante ans vont devoir s’unir pour sauver ce qu’ils ont de plus précieux : leurs béliers.

PRIX DU JURY

ZVIZDAN (Soleil de plomb / The High Sun) de Dalibor Matanić

PRIX DE LA MISE EN SCÈNE

Kiyoshi Kurosawa pour KISHIBE NO TABI (Vers l’autre rive / Journey to the Shore)

PRIX UN CERTAIN TALENT

COMOARA (Le Trésor / Treasure) de Corneliu Porumboiu

PRIX DE L’AVENIR

MASAAN de Neeraj Ghaywan Ex aequo NAHID d’Ida Panahandeh

Le Prix Un certain regard : Béliers, Bande-annonce

Cannes 2015 – Quinzaine des réalisateurs : Lors de sa soirée de clôture, la plus ancienne section parallèle du Festival a livré son palmarès :  El Abrazo de la Serpiente, Mustang et Trois souvenirs de ma jeunesse.

Hier, vendredi 23 mai, la Quinzaine des réalisateurs a révélé son palmarès. Les films sélectionnés dans cette catégorie ne sont pas à proprement parlé en compétition, mais plusieurs partenaires remettent des prix : le Art Cinéma Award (remis par la Confédération internationale des cinéma d’art et d’essais), le prix SACD (Société Auteurs et Compositeurs Dramatiques), le Label Europa Cinéma et, enfin, le prix illy du court métrage.

Art Cinéma Award : El Abrazo de la Serpiente (Embrace of the Serpent), de Ciro Guerra

Prix SACD : Trois souvenirs de ma jeunesse, d’Arnaud Desplechin
Label Europa Cinéma : Mustang, de Deniz Gamze Ergüven

Prix illy du court métrage : Rate me, de Fyzal Boulifa
Mention : The Exquisite Corpus, de Peter Tscherkassky

Après cette cérémonie de clôture faite des remerciements habituels était projeté Dope de Rick Famuyiwa. Un film déjanté sur un groupe de jeunes geeks noirs pris malgré eux en plein trafic de drogue alors même que le héros principal, Malcolm, rêve de rentrer à Harvard. Jouant sur des retours en arrières qui font bouger sans cesse les lignes du film, Dope reprend l’esthétique des teenage movies des années 90, musique comprise avec une bonne dose d’humour et d’auto-dérision puisque ces jeunes se mettent eux-mêmes en scène au coeur du film. Un vrai bon moment de cinéma dans la lignée du récent « Dear White People. Le réalisateur détourne avec un vrai bon humour les clichés sur la jeunesse noire issue des ghettos américains. Le petit plus ? Dope est servi par un casting jeune et impeccable. Pharrel Williams est un des producteurs du film, il nous a fait honneur de sa présence hier à Cannes, sans pour autant chercher à mettre le feu sur scène.

Trailer de Dope, de Rick Famuyiwa

Samedi 23 mai, pour sa dernière journée à Cannes, CineSeries a monté une nouvelle fois les marches du palais pour Macbeth, signé Justin Kurzel. Un film fidèle à l’immense pièce de Shakespeare et ce jusque dans sa solennité à toute épreuve. La mise en scène comme la photographie baignée de rouge et de brume sont magnifiques tout comme le jeu des acteurs. Un moment de cinéma virtuose, mais sans grande prise de risque par rapport à l’oeuvre initiale. Notons tout de même que Michael Fassbender et Marion Cotillard sont plutôt bluffants dans ce film et dans des rôles tant joués qu’ils en deviennent des challenges.

C’était la dernière journée de CineSeries à Cannes, mais nous ne manquerons pas de vous révéler demain le palmarès de la sélection officielle et de partager encore nos rêves de cinéma avec des critiques de tous les films découverts durant cette édition. Nous avons voyager un peu partout et nous vous inviteront bientôt à revivre ce voyage en images et en mot.

Ayouch, le Kechiche marocain

Moderne dynamique et explosif, sont les trois caractéristiques de cette œuvre qui a réellement marqué les esprits dans cette Quinzaine des Réalisateurs 2015. Ignoble, fantastique, mauvaise image de la femme, formidable liberté d’expression, représentent les différents commentaires de cette œuvre qui divise assez logiquement.

En effet, Much Loved traite un sujet très délicat, les conditions de vie des prostitués. Jamais, un long-métrage n’avait été aussi proche de leurs réalités très précaires. On découvre ainsi une existence totalement déstructurée, où la femme existe la journée et se transforme en objet la nuit. De plus, la mise en scène nous permet de nous sentir très proches de ces êtres assez rapidement, comme si nous étions les responsables de leurs situations. Nous suivons leurs mésaventures, et leurs déshumanisations où l’objet devient plus présent que la femme elle-même. Ce sentiment est notamment dû aux bonnes prestations des actrices principales qui sont réellement captivantes, comme si l’on découvrait également un aspect plus sombre de l’humanité, où l’être n’est que paraître.

Par ailleurs, d’un point de vue culturel, ce film est véritablement enrichissant, notamment le fait que les perversités de la société marocaine soient révélées au grand public. On s’aperçoit alors que le Maroc avec cette œuvre controversée entre définitivement dans le cercle des pays libres cinématographiquement en n’hésitant pas à critiquer les pays occidentaux et les fortunes du Moyen-Orient. Cela reste une surprise car on entend souvent le stéréotype en France que le Maroc est un pays qui contrôle énormément son image par l’intermédiaire des différents médias. Cependant, on constate aussi une réelle volonté de la société marocaine de sortir de cette pseudo-isolation de ses problèmes internes. Puisque au-delà du suivi de la vie des prostitués on distingue d’autres problèmes de la société marocaine telle qu’une réelle fracture sociale entre les différentes classes. En outre, cette œuvre donne également un aperçu de ce que peut être l’opinion général des marocains concernant les occidentaux.

Ensuite, les forces de Much Loved, reposent principalement sur sa dynamique, avec une réelle intensité tout au long du film. Avec des séquences qui ont choqué les spectateurs de la Croisette, où plusieurs personnes exclamaient leurs mécontentement face à certaines déstabilisantes. De plus, ce long-métrage ne s’adresse pas à n’importe quel type de spectateurs puisque la façon de traiter le sujet est très moderne, et n’a rien à voir avec les grands classiques du cinéma. On pourrait même qualifier ce registre comme étant un cinéma choquant mais à la fois très poignant, qui d’un point de vue féminin est assez compliqué à accepter également en ayant vu notamment plusieurs jeunes femmes déplorer l’image pitoyable que véhiculait ce film.

Par la suite, cette œuvre, dénonce également d’un point de vue universel la cruauté humaine, où l’être n’est que chair et l’esprit est une chose superficielle. La scène où l’une des prostitués se fait « tabasser » en est le parfait exemple. D’autre part, au niveau de la forme cette œuvre est très audacieuse avec des plans très intéressants notamment pendant une traversée de Marrakech en voiture ou encore dans une boîte de nuit. C’est un film qui marque vraiment les esprits pour certains passages qui sont très réussis. Le thème de la sexualité est également assez bien traité dans son ensemble, bien que le sujet aurait pu être beaucoup plus développé et chercher un double voire triple lecture.

Cependant, on retrouve le même problème que dans la vie d’Adèle par exemple, le réalisateur ne parvient pas à maintenir une certaine cohérence dans sa ligne directrice tout au long du film. Plus l’histoire avance, plus elle en devient incohérente voire parfois absurde, comme par exemple la rencontre avec la paysanne totalement absurde. On pourrait ainsi supposer que le cinéma marocain n’est pas encore arrivé à une certaine maturité qui lui permettrait de franchir un cap supplémentaire. Les  images, sont également parfois choquantes pour être choquantes ce qui signifie que le travail de fonds est parfois inexistant, et l’histoire perd ainsi de sa consistance.

On discerne, une réelle surexploitation du sujet principale avec des passages qui n’apportent rien au film en termes de valeur ajoutée, encore une fois le même problème que dans la Vie d’Adèle. Les dialogues, dans la deuxième partie sont parfois d’une grande faiblesse et ne permet vraiment pas à ce film d’être considéré comme un véritable film d’auteur. La conclusion, est également totalement manquée avec un aparté sur ce que pourrait être leurs vies quotidiennes. L’auteur donne l’impression qu’il ne maîtrisait pas totalement sa narration avec une fin très commerciale, inappropriée et téléphonée.

Pour conclure, on pourrait qualifier ce film, d’œuvre qui vaut la peine d’être visionnée pour plusieurs thématiques bien analysées et pour un certain souffle nouveau très différent de nos films occidentaux. Il serait également judicieux de surveiller, l’évolution de Nabil Ayouch qui a une réelle capacité d’innovation qui peut un jour toucher véritablement la scène internationale. Mais, malheureusement, ce long-métrage malgré certaines qualités encourageantes souffre terriblement d’un réel manque de structure qui pénalise l’œuvre dans son ensemble.

Synopsis : Marrakech aujourd’hui. Noha, Randa, Soukaina, Hlima et les autres vivent d’amours tarifés. Ce sont des putes, des objets de désir. Les chairs se montrent, les corps s’exhibent et s’excitent, l’argent circule aux rythmes des plaisirs et des humiliations subies. Mais joyeuses et complices, dignes et émancipées dans leur royaume de femmes, elles surmontent la violence d’une société marocaine qui les utilise tout en les condamnant.

MUCH LOVED Extrait (Nabil Ayouch – Maroc – Cannes 2015)

Fiche Technique: Much Loved

De Nabil Ayouch, présenté dans la sélection de la Quinzaine des Réalisateurs.
Avec Loubna Abidar, Halima Karaouane, Asmaa Lazrak, Sara El Mhamdi Elaaloui, Abdellah Didane…

Auteur Adrien Lavrat

En cette fin d’années 60, plus que jamais, le Festival de Cannes montre qu’il n’est pas coupé de la réalité qui l’entoure. En 1968, il est interrompu, certains cinéastes estimant qu’ils se devaient d’être solidaires avec le mouvement social français. En 1969, le Prix du jury sera attribué, à l’unanimité, à Z, le troisième long métrage du cinéaste grec Costa-Gavras.

Synopsis : dans un pays indéterminé, un député pacifiste est assassiné. Les autorités militaires veulent faire croire à un accident.

Une fable politique
Z se déroule dans un pays indéterminé. Les personnages principaux n’ont pas de nom et sont uniquement désignés par leur fonction : Général, Colonel, Procureur, Substitut du procureur, Député. Et pourtant, cet anonymat ne parvient pas à masquer le véritable drame politique caché derrière le film.
Le générique nous donne déjà des indices. On y voit les noms des acteurs s’inscrire sur fond de décorations militaires et on y aperçoit des inscriptions en alphabet grec. Puis, à la fin du générique apparaît cette mention : « Toute ressemblance avec des événements réels, des personnes mortes ou vivantes n’est pas le fait du hasard. Elle est volontaire. »
Si, à cela, on ajoute que le cinéaste est d’origine grecque, on arrive facilement à l’idée que ce que Costa-Gavras a voulu montrer ici, c’est l’installation de la Dictature des Colonels en Grèce, deux ans plus tôt.

Mais, au-delà de ces événements, l’anonymat des personnages en fait des types et transforme le film en une sorte de fable politique. Les scénaristes Costa-Gavras et Jorge Semprun ont voulu montrer l’installation rampante de la dictature et les dangers qui menacent les démocraties, quels que soient les pays.

Un film ancré dans son époque
Le pays dans lequel se déroule le film est une démocratie, certes. On y trouve une justice indépendante, les journalistes y font leur métier dans une relative liberté. Mais cette démocratie est constamment sous la menace de ses opposants.
La scène d’ouverture est assez éloquente. On y suit une conférence sur le mildiou puis un officier prend la parole et compare la maladie de la vigne et le « mildiou social » qui secoue l’Europe, avec les « voyous à cheveux longs, les athées, les drogués au sexe indéterminé. »
Le film est, de ce fait, très ancré dans son époque. Les militaires visent directement les mouvements de contestations de la fin des années 60. Les références à l’actualité grecque, mais aussi à l’assassinat de John Fitzgerald Kennedy sont nombreuses.

La démocratie menacée
Dans un pays indéterminé au climat politique très tendu, un député (Yves Montand) pacifiste essaie de tenir une réunion politique sur le thème du désarmement. Après avoir prononcé son discours, le député sera agressé et grièvement blessé à la tête ; il mourra quelques temps plus tard. La thèse officielle est celle d’un accident de la circulation.
Le cinéaste montre ainsi les menaces subtiles, discrètes, qui rognent petit à petit les libertés individuelles et transforment un état de droit en une dictature. Il s’agit de petits actes, mais qui constituent quand même un danger. L’alliance entre l’armée, des groupuscules d’extrême-droite, la religion (« Dieu refuse d’éclairer les Rouges ») et certains hommes politiques aboutit à un danger contre la démocratie.
Il ne s’agit jamais d’actes anti-démocratiques flagrants et évidents, mais de petits phénomènes. Ainsi, notre député éprouve les plus grandes difficultés à trouver une salle pour faire sa réunion : les propriétaires se désistent ou refusent les uns après les autres. La police infiltre des manifestations, les « honnêtes citoyens » arrachent des affiches… Rien de franchement hors-la-loi. Costa-Gavras ne nous parle pas de pressions politiques, c’est aux spectateurs de croire ce qu’il veut.

Une enquête
Le film est clairement divisé en deux parties : l’attentat contre le député, et l’enquête du substitut.

Un substitut du procureur (Jean-Louis Trintignant, magnifiquement marmoréen derrière ses lunettes de soleil, droit comme la justice, sûr de son bon droit car il travaille uniquement dans le respect des lois) est nommé pour mener l’enquête.

Costa-Gavras a choisi de nous montrer cet accident et de nous faire voir qu’il s’agissait d’un attentat prémédité. Ainsi, pour nous, spectateurs, le doute n’est pas permis. La question n’est pas de savoir ce qui s’est passé, mais si l’enquêteur arrivera au terme logique de ses investigations, ou s’il en sera empêché.
Le jeu de Trintignant est remarquable : il apparaît tout timide, effacé, discret, ce qui a sûrement justifié son choix ; il a l’air, de prime abord, d’être parfaitement influençable. Mais l’enquête fera de lui un homme inflexible.
Et cette enquête, c’est la dernière chance de sauver la démocratie. C’est un modèle de ce que doit être la justice : une enquête menée sans a priori, sans préjugés, en se basant uniquement sur les faits, et soucieuse du mot juste (comme lorsque le mot « incident » est remplacé par « assassinat »).
Z est un film remarquable, sobre, profond, efficace. Première partie d’une trilogie sur les dictatures (avec L’Aveu et État de siège, film injustement oublié), il montre avec minutie comment une démocratie peut facilement sombrer si on n’y prend pas garde. C’est un appel à chacun d’entre nous pour défendre les droits constitutionnels, être le gardien de ce qui ne doit pas être perdu.

Ζ (Costa Gavras) – Trailer

Fiche technique- Z

Réalisateur : Costa-Gavras
Scénaristes : Coasta-Gavras, Jorge Semprun, d’après le roman de Vassilis Vassilikos.
Directeur de la photographie : Raoul Coutard
Montage : Françoise Bonnot
Producteurs : Jacques Perrin, Ahmed Rachedi, Éric Schlumberger, Philippe d’Argila
Société de distribution : Valoria Films
Avec : Yves Montand (le député), Irène Papas (la femme du député), Jean-Louis Trintignant (le substitut du procureur), François Périer (Procureur), Jacques Perrin (le journaliste), Pierre Dux (général de la police), Julien Guiomar (colonel de la police), Renato Salvatori (Yago), Marcel Bozzuffi (Vago), Charles Denner (Manuel), Bernard Fresson (Matt), Jean Bouise (Georges Pirou).
Date de sortie en France : 26 février 1969.
Durée : 127’