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Le sujet de Colonia s’annonçait passionnant. Il prend place aux prémices du régime de Pinochet, un des régimes totalitaires les plus opaques de l’Histoire, qui a vu un nombre important de disparitions inexpliquées et qui a permis à un ancien nazi d’exprimer, en toute impunité, sa folie en s’érigeant gourou d’une secte où il a pu torturer hommes, femmes et enfants.

Synopsis : Chili, 1973. Le Général Pinochet s’empare du pouvoir par la force. Les opposants au coup d’Etat descendent dans la rue. Parmi les manifestants, un jeune couple, Daniel photographe et son ami Lena. Daniel est arrêté par la nouvelle police politique. Il est conduit dans un camp secret, caché dans un lieu reculé au sein d’une secte dirigée par un ancien nazi. Une prison dont personne n’est jamais sorti. Pour retrouver son amant, Lena va pourtant rentrer dans la Colonia Dignidad.

Romance encadrée

On avait là les bases d’une histoire tragique, malheureusement authentique, et globalement méconnue qui voyait en Florian Gallenberger, le cinéaste idéal pour lui faire honneur. Il s’est déjà illustré dans le récit tiré de faits réels, avec son réussi mais académique John Rabe en 2009. Et surtout, voulant suivre ici le destin d’un couple au sein de Colonia Dignidad, le lieu de la secte dirigée par Paul Schäfer, l’ancien nazi, il renoue avec son premier film Schatten der Zeit (qui n’est jamais sorti en France), où il s’attardait sur des émois amoureux contrariés par la politique d’un pays. Chose qui fait écho avec l’histoire de Colonia. Tout pouvait laisser penser que, dans la réunion de ces deux styles qu’il affectionne tant, on y trouverait son film ultime. Pourtant la vérité est ici plus complexe et les attentes généralement déçues.

L’approche choisie par Gallenberger se montre très vite handicapante, s’intéressant plus aux péripéties traversées par le couple pris au milieu d’un coup d’état, ce qui a pour cause de délaisser tout ce qui touche aux faits réels. Il use des rouages classiques du thriller romanesque pour chercher l’efficacité du divertissement au détriment de la rigueur du sujet, se laissait volontairement aller au caricatural lorsqu’il s’intéresse à la vie au sein de la secte et surtout au culte mené par Schäfer. Aspect qui est accentué par la prestation outrancière de Michael Nyqvist. Il ne cherche pas les nuances de son personnage et fait un travail de surface. Déjà l’écriture ne s’intéresse jamais à l’étude du mal dont il est capable mais en plus c’est une figure de gourou démoniaque et excentrique comme on en voit souvent. Il est abordé de manière peu originale et même s’il était peut-être vraiment comme ça dans la vraie vie, son traitement ne permet pas de le rendre intéressant. On souligne cependant la bonne idée qu’a eu le cinéaste dans sa façon de suggérer ses crimes avec pudeur, particulièrement en ce qui concerne la pédophilie. Il évoque les penchants du personnage au sein d’une séquence assez glaçante par son regard froid et très détaché mais qui est minutieusement travaillé pour que l’on comprenne sans que ça devienne trop explicite. La scène n’en est que plus malsaine. On regrettera quand même que tout ne soit pas du même niveau, la mise en scène de Florian Gallenberger étant trop superficielle par moments qu’il peine à établir des fulgurances. On pense par exemple à un passage de réunion d’hommes autour d’une femme, qui sont là pour la juger. Le propos est extrêmement fort mais  la séquence est filmée de manière tout aussi détachée que le reste ce qui la rend presque anecdotique. Accentuer la tension et avoir une mise en scène plus crue lors de ce passage aurait vraiment pu aboutir à un moment anxiogène marquant.

C’est principalement ce que l’on peut reprocher au film, sa manière de se construire sur des demi-mesures. Chaque bonne idée étant contrebalancée par un défaut qui vient  l’amoindrir. C’est le résultat d’une démarche hésitante qui veut offrir une vision réaliste de ce qu’était la vie à Colonia Dignidad tout en édulcorant le propos en plaçant les enjeux au niveau du couple. Un couple qui est finement écrit et attachant surtout grâce aux prestations impeccables de Emma Watson, qui crève littéralement l’écran, et de Daniel Brühl, très en forme. Mais plus que ça, c’est l’alchimie évidente que partagent les deux acteurs qui les rend authentiques, on croit en leur histoire et on a envie de les voir s’en sortir. Ils ont beau être sacrifiés sur l’autel du suspense dans un climax bien trop facile et expédié, prenant la forme d’une banale course-poursuite, ils sauvent l’ensemble par leur présence. La manière dont se conclut le récit reste pourtant difficile à avaler, utilisant un élément exposé dans le prologue sans subtilité, le tout apparaît comme un setup/payoff (présenter un élément anodin qui est voué à jouer un rôle plus tard dans l’intrigue) grossier qui vient faire un pied de nez aux intentions de réalisation qui avaient jusqu’ici régi le film. Dans sa quasi-globalité, le tout est monté de manière à être très posé pour avoir un regard clair et précis sur les événements, notamment dans le prologue qui illustre les violences militaires sur la population. Une fois à Colonia, Gallenberger pousse ça encore plus loin dans un montage totalement mécanique et segmenté en jour – le film présente une pancarte lorsque que l’on change de jour pour montrer le temps que les protagonistes ont passé dans le camp. C’est un moyen assez habile de nous plonger dans la routine très disciplinaire de la secte, de vraiment nous immerger avec les personnages et d’accentuer la redondance de cette vie. Une bonne idée qui sera reniée dans un dernier tiers qui cède à la grandiloquence avec un montage plus sensationnaliste et dénué de toute tension, la fuite des protagonistes étant trop fonctionnelle dans ses mécaniques qu’on ne s’y intéresse pas vraiment.

Colonia est un film qui pouvait prétendre à beaucoup mais qui se contente au final du minimum. On est assurément devant un divertissement plaisant à suivre mais aussi indéniablement décevant dans son absence d’ambitions. La partie romanesque prend trop les devants sur l’Histoire, et même si elle dispose de bons moments de suspense, elle discrédite l’horreur qu’était cette secte et les agissements de Paul Schäfer par son approche trop caricatural des faits réels. Pourtant par sa pudeur et l’intelligence de son montage durant la majeure partie du récit, le film trouve une forme de justesse et met en lumière une réalité effrayante bien trop méconnue. La mise en scène impersonnelle ne lui rend pas particulièrement honneur mais à le mérite de l’illustrer lorsqu’il ne tombe pas dans le classicisme du thriller mais on peut malgré tout compter sur la présence de Emma Watson et Daniel Brühl pour maintenir l’intérêt du spectateur.

Colonia : Bande annonce

Colonia : Fiche technique

Réalisation : Florian Gallenberger
Scénario : Florian Gallenberger et Torsten Wenzel
Interprétation: Emma Watson (Lena), Daniel Brühl (Daniel), Michael Nyqvist (Paul Schäfer), Julian Ovenden (Roman), …
Image : Kolja Brandt
Montage: Hansjörg Weißbrich
Musique: André Dziezuk
Costumes : Nicole Fischnaller
Décor : Agostina De Francesco
Producteur : Benjamin Herrmann, Christian Becker, James Spring et Nicolas Steil
Société de production : Iris Productions, Majestic Filmproduktion et Rat Pack Filmproduktion
Distributeur : Rezo Films
Durée : 110 minutes
Genre: Drame
Date de sortie : 20 juillet 2016

Allemagne – 2016

Synopsis : La fanfare flamande Sainte-Cécile et la fanfare wallonne En Avant sont toutes deux sélectionnées pour représenter la Belgique à la grande finale européenne.

Mais quand le soliste de Sainte-Cécile s’éteint brusquement sur le podium, Elke, la fille du chef d’orchestre flamand, a une idée pour sauver la finale: engager Hugues, le fabuleux trompettiste de leur concurrent wallon… 

La visite de la fanfare

Habitué aux excentricités de nos cinéastes d’Outre-Quiévrain en matière de comédies, depuis le film fondateur d’un certain nouveau cinéma belge, C’est arrivé près de chez nous de Rémy Belvaux et André Bonzel en 1992, en passant par le cultissime Dikkenek d’Olivier van Hoofstadt en 2006, jusqu’au récentes comédies noires de Félix van Groeningen (La merditude des choses, 2009), ou de Vincent Lannoo (Au nom du fils, 2014), le cinéphile trépigne à l’annonce de chaque nouvelle sortie du même acabit.

Son attente est « récompensée » par un feel good movie, plus sérieux qu’il n’en a l’air. « Récompensée » est un bien grand qualificatif, car La Vie est belge du cinéaste Vincent Bal (initialement Brabançonne dans la version de travail, du titre de l’hymne de la Belgique) n’atteint pas le niveau de férocité des films sus-cités, et vaut surtout par la fraîcheur qu’il amène par les temps troubles qui nous plombent actuellement.

L’histoire est celle d’un concours entre deux fanfares, l’une wallonne, l’autre flamande, pour représenter le plat pays afin de ravir le titre de meilleure fanfare européenne. Le cinéaste Vincent Bal opte pour une comédie musicale, mais avec des tubes 100% belges en guise de support, l’occasion de vérifier une fois de plus si besoin est, que la variétoche flamande est un… concept. Les deux fanfares finissent bien sûr ex-aequo, et l’Europe va accueillir deux Belgique, allégorie politique s’il en est…

La fanfare flamande Sainte-Cécile est menée par Elke (Amaryllis Uitterlinden), la fille du chef d’orchestre, et la fiancée du fils de Byl, son employeur en même temps que le sponsor principal de la formation. Autant dire une carriériste qui n’inspire pas la sympathie de prime abord.

De son côté, la fanfare wallonne En Avant est dirigée par Michel (Marc Weiss), frère du soliste trompettiste Hughes (Arthur Dupont, remarqué tout récemment dans l’Outsider), plus attiré par le jazz que par les fanfaronnades municipales. Avec sa bouille échevelée d’adolescent, l’acteur français imprime un côté plus artiste, plus bricoleur aussi, à sa fanfare.

Le ressort comique du film s’appuie sur l’étalage des clichés sur ce petit pays déchiré par une barrière linguistique totalement virtuelle in fine, car tous les flamands parlent en flamand et les wallons en français, sans que cela ne gêne en rien leur compréhension mutuelle. Des clichés qui sont égrenés, l’air de rien, par les membres de la fanfare : la rigueur des flamands, leur sens des affaires et du commerce, d’un coté; de l’autre le romantisme des wallons, leur manque de self control, leur paresse et leur retard, tout est à l’avenant. Mais le cinéaste ne se prive pas non plus d’un vrai comique de situation, tel que dans cette scène d’enterrement ou dans cette autre où le personnage d’Arthur Dupont massacre joyeusement Plastic Bertrand, ou encore d’un comique de répétition (« Oh, oh, j’ai des soucis » répétera à l’envi Andries, interprété par l’excellent Tom Audenaert, une sorte de mix plutôt drôle de Benny Hill et de Mr Bean ), il ne se prive de rien, et au contraire use de tout un tas d’artifices pour essayer de hisser son film à la hauteur de ses prédécesseurs qu’hélas les moyens mis en œuvre ne permettent pas toujours d’atteindre : scénario assez simple, acteurs sans charisme, et une  partie musicale risquée puisque seule la moitié des chansons intéressera des francophones, l’autre moitié des néérlandophones, le tout présentant un intérêt proche de zéro pour le reste du monde…

Avec ce thème de la fanfare, La vie est belge aurait pu être rapprochée de films comme Les Virtuoses (Brassed off) de Mark Herman en 1997, ou La visite de la fanfare d’ Eran Kolirin dix ans après, mais ces films ont un ancrage social fort que le cinéaste belge a remplacé ici par une  sentimentalité un peu naïve (le jazz, l’histoire d’amour etc.) et qui ne prête pas à conséquence.

Paradoxalement, le film plait grâce à ses défauts mêmes : la légèreté, les bons sentiments, les morceaux de Lio, d’Arno, de Pierre Rapsat, et d’autres. Quelques bonnes idées de cinéma émaillent le film, comme par exemple celle de choisir un chauffeur de taxi, dont le nom, Nazir, a une consonance étrangère, pour faire le pont, voire la paix entre ces deux « peuples ».

Mais La Vie est belge ne rejoindra pas le panthéon des must-see des comédies belges, même si ce sentiment de bien-être qu’il a procuré à ses spectateurs n’est pas à mépriser, et permet qu’on ne le balance pas directement aux oubliettes. Le cinéma est aussi divertissement, et comme disait George Cukor : « Le cinéma, c’est comme l’amour, quand c’est bien, c’est formidable, quand c’est pas bien, c’est pas mal quand même »…

La vie est belge : Bande annonce

La vie est belge : Fiche technique

Titre original : La vie est belge
Réalisateur : Vincent Bal
Scénario : Pierre de Clercq, Vincent Bal
Interprétation : Amaryllis Uitterlinden (Elke), Arthur Dupont (Hugues), Marc Weiss (Michel), Erika Sainte (Sandrine), Philippe Résimont (Damien), Frederik Haugness (Urbain), Claudine Pelletier (Arlette), Joël Delsaut (Bernard), Fabrice Boutique (Nazir), Jos Verbist (Jozef), Tom Audenaert (Andries), David Cantens (Renaat), Michel van Dousselaere (Byl), Liesa Naert (Tine), Veerle Eyckermans (Brigitte)…
Musique : Steve Willaert
Photographie : Danny Elsen
Montage : Philippe Ravoet
Producteurs : Peter Bouckaert, Coproducteurs : Jani Thiltges, Diana Elbaum, Sébastien Delloye, Producteur exécutif : Nathalie Van Schelvergem
Maisons de production : Entre Chien et Loup, Eyeworks Film & TV Drama, Samsa Film
Distribution (France) : Paradis Films
Durée : 100 min.
Genre : Comédie musicale
Date de sortie : 13 Juillet 2016
Belgique – 2014

Après 20 ans d’attente, le roi du destruction porn revient (enfin) poutrer de l’alien. Cependant, pas de quoi se réjouir : c’est toujours aussi niais et ça a le chic pour être encore moins bien que le film de 1996.

Synopsis : Nous avons toujours su qu’ils reviendraient. La terre est menacée par une catastrophe d’une ampleur inimaginable. Pour la protéger, toutes les nations ont collaboré autour d’un programme de défense colossal exploitant la technologie extraterrestre récupérée. Mais rien ne peut nous préparer à la force de frappe sans précédent des aliens. Seule l’ingéniosité et le courage de quelques hommes & femmes peuvent sauver l’humanité de l’extinction.

Le retour du fils prodige.

Sept ans que ça le courait le Roland. Sept ans où le bougre germanique aura patiemment essaimé les genres, passant du drame historique teinté de secrets (Anonymous) au pamphlet pro-gay (Stonewall) pour se racheter une conduite et surtout se faire désirer. Car, on ne va pas se mentir, le crédo de celui qu’on appelle « Le Petit Spielberg de Sindelfingen », c’est pas le tricot, mais la destruction de masse. Du genre de celle qui égratigne les immeubles et fait des milliards de morts, tout en faisant fi de quelconques règles de physique. Et pour un peu qu’on accepte de se prendre au jeu, on doit bien reconnaitre un certain talent au bonhomme. Celui de captiver. Pour autant, c’était loin d’être gagné à l’époque. En 1996, les railleries étaient ainsi légion pour cet énergumène d’outre-Rhin, qui s’était fait le pari de venir dézinguer du petit homme vert au pays de l’Oncle Sam. Vingt ans après, même rengaine ? Ses terrains de jeux  (l’ère glaciaire dans Le Jour d’Après, une prophétie maya dans 2012) ont évolué (encore que) mais le réalisateur qu’il est, a pris de la bouteille. Fini les projets incendiaires d’antan et place au cinéma engagé. Un cinéma, qui au vu de son pedigree de pyromane, doit bien se voir payer par un asservissement tout ce qu’il y a de plus normal outre-Atlantique : le business. C’est donc vers son succès le plus emblématique que l’allemand s’est tourné : Independance Day. Et aussi improbable que cela puisse paraître, mais on se devait de saluer l’effort de ce revival mâtiné d’impératifs commerciaux, car de toute sa filmographie, ce ballet réactionnaire ou E.T se prend une mandale à bon coups d’ogive nucléaire était bien la seule oeuvre a mériter les honneurs d’une suite (encore que).

Independance Day : Répugnance. 

Nous voilà donc 20 ans après. L’humanité a compté ses morts. Mais elle s’est surtout tenue prête. De concert avec Jeff Goldblum, propulsé chef du Earth Space Defense, un organisme inter-étatique visant à la protection de notre bonne vieille Terre face à l’envahisseur alien, le monde s’est unifié sous une seule et même bannière. Patatras, à peine le temps de souffler et d’exhumer quelques vieux acteurs et punch-line de la naphtaline que la menace alien resurgit. Résurgence, vous comprenez. Et place donc au naufrage. Car si le Titanic a eu les honneurs de couler avec un orchestre, nul doute que ce Resurgence entraînera par le fond qu’une masse de rires hilares venant d’une audience mortifiée devant autant de niaiseries. Au fond, difficile de leur reprocher. En 1996, l’explosion de la Maison Blanche était un must. Le son, le décor, les effets spéciaux, tout respirait le vrai.  A tel point qu’on se prenait presque d’affection au pauvre contribuable qui devrait éponger ce foutoir. En 2016, dans une industrie ayant transformé la destruction comme un passage obligé, difficile de feindre la surprise quand l’Empire State Building ou le Burj Khalifa (tout du moins leur copies en 3D) se font pulvériser. Un sentiment de redite, de déjà-vu qui amplifie malheureusement tous les travers du film. Car si le premier, régressif et réactionnaire en diable, avait su fonctionner et se hisser jusqu’à cet éden lucratif, c’était sans aucun doute pour la naïveté qu’il véhiculait. Des Etats-Unis égoïstes, une flopée de trompettes et de jingles héroïques, manquait plus que l’encart nous incitant à rejoindre les rangs pour se croire dans Starship Troopers. Et, de manière ironique, c’est précisément cette fougue et ce je-m’en-foutisme ambiant, ayant irrigué plus que de raison l’oeuvre, qui rendaient le tout sympathique. Fatalement, après 20 ans et une mutation radicale de l’industrie dans lequel le film s’insère, il était ainsi difficile d’espérer quoique ce soit. Tout au plus un divertissement bête et méchant comme le fut son aîné. Mais ça sera malheureusement trop demander au réalisateur allemand. Enquillant les passages obligés, les redites (tout le film est voulu comme une update du premier) et les fautes de goûts manifestes, le métrage ne peut assister qu’invariablement à sa propre perte. On passera ainsi sur le casting littéralement aux fraises (mais que diable est venu faire Charlotte Gainsbourg ?!), les effets spéciaux omniprésents nous faisant regretter les maquettes de jadis, le scénario ubuesque et la gestion du rythme tout bonnement catastrophique, là ou le premier excellait par sa puissance narrative à galvaniser le spectateur. Du reste, on ne pourra qu’être sidéré de voir Emmerich, pourtant crédité d’un budget titanesque, réitérer sans gêne la recette du premier film, sans pour autant la soumettre à évolution, et à minima en limiter le discours égoïste et réactionnaire, qui dans ces temps troublés, nous ramènent 100 ans en arrière, en plein impérialisme américain. Evidemment, certains se diront que tirer à boulet rouge sur un film dont le scénario n’a jamais été sa priorité, c’est petit, mais quand on assiste pantois à la destruction en plein vol de l’artificier ayant réussi à créer ce qu’on appelle le divertissement pop-corn, permettez nous de jouer les mauvaises langues. Car plus qu’un simple ratage, cet Independance Day : Resurgence est la preuve que le blockbuster bourrin, fleuron des 90’s, est bel et bien un genre en voie de disparition.

Casting au fraise, 3D raté, scénario crétin : Independance Day : Resurgence accumule les poncifs du mauvais divertissement estival à une telle vitesse que jamais une fin n’aura eu si bon gout. Mais outre d’être un ratage historique, le film d’Emmerich marquera une époque : celle de la fin du blockbuster bourrin et ouvertement con. RIP.

Independance Day : Resurgence – Bande-annonce VOST

Independance Day – Resurgence : Fiche Technique

Titre original : Independence Day: Resurgence
Titre de travail : ID Forever (Part 1)
Réalisation : Roland Emmerich
Scénario : Carter Blanchard, Dean Devlin et Roland Emmerich
Casting : Liam Hemsworth (Jake Morrison), Jessie Usher (Dylan Dubrow), Jeff Goldblum (David Levinson), Bill Pullman (Thomas J Whitmore), Charlotte Gainsbourg (Dr Catherine Marceaux), Sela Ward (la Présidente des États-Unis Elizabeth Lanford), William Fitchner (le général Adams), Vivicia Fox (Jasmine Dubrow), Maika Monroe (Patricia Whitmore), Judd Hirsch (Julius Levinson)
Costumes : Lisy Christl
Photographie : Markus Förderer
Montage : Adam Wolfe
Musique : Harald Kloser et Thomas Wander
Production : Dean Devlin, Roland Emmerich et Harald Kloser
Sociétés de production : Centropolis Entertainment, TSG Entertainment et Electric Entertainment
Société de distribution : 20th Century Fox
Budget de production : 200 000 000 $
Langue originale : anglais
Genre : science-fiction, fantastique, catastrophe
Date de sortie : 20 juillet 2016

Etats-Unis – 2016