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Alors que la geekosphère internationale trépigne d’impatience autant que de défiance dans l’attente de sa suite de Blade Runner, Denis Villeneuve nous prouve avec Premier Contact qu’il maîtrise la science-fiction comme les autres genres auxquels il s’est déjà frotté. Pour le meilleur comme pour le pire.

Synopsis : Le Dr Louise Banks est engagée par l’armée américaine pour décrypter le langage d’extraterrestres dans l’un des douze vaisseaux qui viennent de se poser sur Terre. Elle y découvre d’immenses créatures céphalopodes avec lesquelles elle décide de communiquer à l’écrit plutôt qu’à l’oral. Ainsi commence une longue initiation linguistique, qui lui permettra de comprendre les intentions de ces mystérieux visiteurs.

Une étonnante impression de déjà-vu

Il est des films qu’il est difficile d’évoquer sans rien révéler de leurs twists. Premier contact en est un. Essayons alors d’y aller en douceur avec les spoils, en adoptant une approche linéaire. Mais comme viendra nous le rappeler le film, ce n’est finalement là que l’affirmation de notre humanité. Après tout, ceux qui liront cette critique dans son intégralité avant d’avoir vu le film ne pourront se plaindre de ne pas avoir été prévenus.

Depuis Prisonners, en 2012, Denis Villeneuve s’est imposé comme l’une des valeurs sûres du cinéma de genre américain, mais peut-être faut-il également analyser les films qu’il a réalisés précédemment au Canada pour définir une « patte Villeneuve ». Et pourtant, sa filmographie au cours de ces cinq dernières années est loin d’être impersonnelle. La preuve que l’on a affaire à un véritable auteur – tel que Truffaut a pu définir ce terme – est que, dans le choix des scénarios de ses films, une continuité se tisse entre eux. Et il a raison de les choisir avec soin, car Villeneuve est un bien meilleur créateur d’atmosphères pesantes qu’il n’est un raconteur d’histoires. Si l’on devait trouver une thématique commune à ses réalisations américaines, il s’agirait de la question de la dualité/complémentarité, qui trouve évidemment son paroxysme dans Enemy, mais également présente, par exemple, dans le schéma de buddy-movie que prend Sicario. La façon dont cette thématique est exploitée dans Premier Contact sera la marque de la singularité du dispositif qu’il y met en place.

L’arrivée des extraterrestres sur Terre est un point de départ que l’on aurait pu penser si suranné qu’il n’avait plus rien à nous offrir. C’était sans compter sur l’habilité avec laquelle Villeneuve a su construire toute la première partie de son film. En calquant sa mise en scène sur le point de vue du personnage incarné par Amy Adams, le film nous permet d’avoir un regard à hauteur d’homme et parfaitement réaliste de la situation. Et que les extraterrestres ne se montrent pas aussi virulents que dans La Guerre la Monde permet une montée crescendo de la panique. Depuis la découverte de l’information jusqu’aux réactions les plus excessives, que tout soit ainsi perçu depuis un point de vue unique nous pousse inévitablement à nous interroger sur notre propre comportement si nous étions à sa place.

De plus, que la plupart des informations lui parviennent par écrans interposés pose la première pierre de la vaste réflexion sur le sujet de la communication qui sera le cœur de l’intrigue. L’un des effets les plus marquants de cette première partie est très certainement le contre-champ qui nous place du coté de la télévision, lorsque le Dr Banks y découvre pour la première fois les fameux vaisseaux spatiaux. Ce seul plan provoque chez le spectateur un sentiment de frustration, qui restera le moteur de la tension pendant un petit bout de temps. S’il est une chose pour laquelle Villeneuve est doué, c’est incontestablement pour faire monter le suspense, et son parti-pris de nous dévoiler les éléments au compte-goutte est d’une redoutable efficacité. Jusqu’à la découverte des deux extraterrestres – avec leur design de poulpes géants que certains assimileront au Cthulhu de Lovecraft et d’autres à Kang et Kodos des Simpsons –,  puisque dès lors le spectateur pensera n’avoir plus grand-chose à découvrir, il ne pourra qu’être pris aux tripes par cette tension à couper le souffle. Une pure réussite donc… et pourtant.

A n’en point douter, Premier Contact est le meilleur film mettant en scène des extraterrestres que l’on ait vu depuis longtemps… mais, malheureusement pour lui, il s’efforce à ne pas être que ça.

Et pourtant, que le film ait commencé par une saynète cotonneuse et tire-larme filmée comme les passages les plus sirupeux de Tree of Life laisse la crainte malaisante que, malgré son ambiance brillamment mise en place, cet excellent film d’extraterrestres peut dériver à tout instant dans la niaiserie cucul-la-praline. Et ce n’est pas se tromper car plus le film avance, plus il se retrouve parasité par des scènes assimilables à des flashbacks mielleux qui n’ont pour seul effet que de faire retomber à plat toute la tension. Il faut tout de même admettre que tout le second tiers du tiers souffre d’un suspense qui ne tient pas la distance vis-à-vis de ce qui l’a précédé. Les atermoiements scientifiques et ethnologiques qui deviennent alors l’unique enjeu de chacun des dialogues assurent certes une approche réaliste trop rare dans le cinéma mainstream, mais n’ont pas de quoi constituer à eux seuls une intrigue passionnante. Que le pilier scénaristique central de cette partie du film soit composé d’une ellipse –d’une durée diégétique d’un peu plus de 3 semaines– elle-même compensée par une explication par une voix-off des avancées des recherches pendant cette période est d’une telle maladresse que l’adaptation de la nouvelle de Ted Chiang apparait dès lors comme loin d’être parfaitement aboutie.

Dans quelques passages, l’héroïne regarde encore la télévision pour prendre connaissance de l’affolement qui agite le monde. Encore une fois, l’importance des écrans est alors indéniable, mais aurait pu être exploitée bien plus en profondeur si la nature de cette « vitre » derrière laquelle apparaissent les aliens (le « miroir » est-elle appelée dans le roman, une piste passée la trappe de l’adaptation), avait permis une remise en question de leur véritable présence. Mais il n’en sera rien. En revanche, chacun des montages télévisuels nous mène à penser que l’hystérie collective aux relents post-apocalyptiques que l’on y perçoit serait plus palpitante à suivre que beaucoup de ce qui se passe dans cette base militaire. Ainsi, la frustration qui avait été le moteur de l’angoisse que générait le film, devient par la suite un frein à son pouvoir d’immersion.

Et pourtant, la tension finira bon gré mal gré par renaitre, sur fond de contraction des relations diplomatiques et de la peur des conséquences que cela pourra avoir. Sous l’influence de ces enjeux géopolitiques et pour la première fois, le rythme va s’accélérer, mais sans pour autant retrouver l’intensité de la première demie-heure. Beaucoup de réalisateurs contemporains devraient retenir cette leçon comme quoi le suspense est davantage une question d’ambiance que de montage. Notons d’ailleurs que la représentation de la Chine comme un antagoniste dirigé par son pouvoir militaire, est quelque chose de relativement nouveau dans le cinéma américain, révélateur de l’évolution des rapports internationaux. Mais Villeneuve va alors faire preuve de ce qui est certainement son plus gros défaut, à savoir une incapacité à faire exploser cette tension latente dans des passages marquants. Le problème s’était déjà fait ressentir dans Sicario, alors que la pression montait jusqu’à des scènes de fusillades qui ne faisaient l’effet que de pétards mouillés. Cette fois, l’intensité prend une forme purement émotionnelle, avec ces fameuses scènes de souvenirs mélodramatiques larmoyantes et une bluette naissante entre les personnages d’Amy Adams et de Jeremy Renner (qui semble en fin de compte n’être là que pour ça) qui est, elle aussi, mise en scène et dialoguée de la façon la plus convenue qui soit en termes de romantisme à l’eau de rose.

Accentuer le caractère « mind fuck » du scénario pour nous en faire oublier la prévisibilité et la consensualité : coup de génie, aveux d’échec ou cynisme putassier? Sans doute un peu des trois.

Puis arrive enfin ce fameux twist, relativement bien amené mais loin de nous retourner le cerveau comme il en avait le potentiel. Nous permettre de comprendre que les flashbacks, jusque là si inutiles à la narration, étaient en fait des flashforwards ne parvient pas pour autant les rendre plus utiles dans l’avancée de l’intrigue. En plus de faire pleurer dans les chaumières, ces scènes auront toutefois permis d’illustrer la déconstruction chronologique du scénario (et de donner son double sens au titre original dont nous a privé le distributeur français ! C’est dit.). C’est justement là que l’on peut évoquer la thématique de complémentarité/dualité qui, pour la première fois, ne concerne pas deux personnages – encore que, on ne fait pas les bébés tout seul… surtout pas dans l’image traditionaliste de la famille que veut donner le film – mais deux axes temporels : le présent et le futur. S’ouvre alors un second sujet de pure science-fiction au-delà de celui des extraterrestres, celui des allers-retours spatio-temporels, lui-même exploité de deux façons : à la fois comme un mélodrame et comme un thriller. Thriller dont le traitement n’a rien de plus offrir que celui de séries B tels que Next ou Prémonitions. Pire encore, ce retournement de situation réussit à transformer certains des éléments scénaristiques de l’intrigue principale en véritables incohérences. Comment justifier, dès lors que l’on sait que les extraterrestres peuvent lire l’avenir, qu’ils se fassent surprendre par une bombe et qu’ils attendent que l’un d’eux se fasse tuer pour délivrer leur message ?

Autre question fondamentale lorsque l’on atteint ce point de non-retour qualitatif : Le seul à blâmer est-il Eric Heisserer, le scénariste ? Que celui-ci soit déjà coupable de deux des pires remakes du cinéma horrifique de ces dernières années (Freddy, les griffes de la nuit et The Thing) aurait pourtant dû nous alerter. Mais Villeneuve n’est pas non plus exempt de tout reproche dans l’effondrement de cette dernière demi-heure. Dans sa mise en scène tout semble alors disparaitre, que ce soit les personnages secondaires tels que celui de Forest Whitaker, ou même la volonté d’en savoir plus sur les extraterrestres, pour uniquement se concentrer sur la révélation que les personnages d’Amy Adams et Jeremy Renner finiront en couple… ce que tout spectateur un tant soit peu averti aura deviné depuis déjà plus d’une heure. Et ce twist qui n’en est pas un devient alors le prétexte à une explosion passionnelle mielleuse sur fond de musiques d’ascenseur. Cette seule scène de déclaration d’amour pourrait devenir un cas d’école dans l’art de noyer le rationalisme d’un film intelligent dans la soupe la plus mièvre.

Quelle finalité peut-on trouver à ce changement de ton ? Celui de porter en héros, dans une imagerie typiquement propre à l’imaginaire puritain américain, cette femme qui fait le choix courageux de faire un enfant quand bien même elle sait celui-ci condamné à mourir jeune. Faut-il y voir une morale qui va dans le sens des militants anti-avortement ? Ce sera à chacun de trancher avec sa propre conscience de savoir si Louise Banks est un modèle d’abnégation ou une cruelle égoïste. Mais au-delà de cette épineuse (et non moins troublante) question éthique, on peut affirmer que c’est dans sa volonté de mêler en un deux films, et à travers eux des enjeux à la fois intergalactiques et intimistes, que le scénario de Premier Contact n’aura réussi qu’à aboutir sur une double intrigue particulièrement bancale qui laissera derrière elle un sentiment d’inabouti. Espérons à présent pour Blade Runner 2, déjà qu’il inspirera davantage le compositeur, mais surtout que Villeneuve choisira de mettre en scène une histoire qui se contentera d’explorer la dualité entre humains et replicants et ne sera pas lui aussi un gloubi-boulga de pistes scénaristiques qui se sabordent l’une l’autre.

Premier Contact : Bande-annonce

Premier Contact : Fiche technique

Titre original : Arrival
Réalisation : Denis Villeneuve
Scénario : Eric Heisserer, d’après la nouvelle L’Histoire de ta vie de Ted Chiang
Interprétation : Amy Adams (Dr. Louise Banks), Jeremy Renner (Ian Donnelly), Forest Whitaker (Colonel Weber), Michael Stuhlbarg (Agent Halpern), Tzi Ma (General Shang)…
Photographie : Bradford Young
Montage : Joe Walker
Musique : Jóhann Jóhannsson
Direction artistique : Isabelle Guay
Producteurs : Daniel S. Levine, Shawn Levy, David Linde, Karen Lunder et Aaron Ryder
Sociétés de Production : FilmNation Entertainment, 21 Laps Entertainment, Lava Bear Films
Distributeur : Sony Pictures Releasing France
Budget : 47 000 000 $
Récompenses :  Oscars 2017 du Meilleur montage de son pour Sylvain Bellemare
Genre : Science-fiction
Durée : 116 min
Date de sortie : 7 décembre 2016
Etats-Unis – 2016

Avec son Planetarium, Rebecca Zlotowski aborde aussi bien la Mitteleuropa et l’antisémitisme des années 30, que l’imaginaire du cinéma et du spiritisme. La robustesse de son cinéma supporte-t-elle pour autant de si vastes sujets, si épars ?

Synopsis : Paris, fin des années 30. Kate et Laura Barlow, deux jeunes mediums américaines, finissent leur tournée mondiale. Fasciné par leur don, un célèbre producteur de cinéma, André Korben, les engage pour tourner dans un film follement ambitieux. Prise dans le tourbillon du cinéma, des expérimentations et des sentiments, cette nouvelle famille ne voit pas ce que l’Europe s’apprête à vivre. …

Les âmes vagabondes

Rebecca Zlotowski est souvent mise dans le même sac que bien des jeunes cinéastes françaises très intéressantes qui renouvellent le cinéma hexagonal. Pourtant, dès son premier long métrage, on a immédiatement l’intuition que son travail est différent, plus ambitieux, très solide, sans faire offense à ses camarades. Disons que son cinéma nous fait penser davantage à Claire Denis, sec, abrupt, et très réfléchi. Il était très frappant par exemple de constater combien ces deux femmes avaient une même radicalité, le même cinéma pourrait-on dire, lors des sorties presque concomitantes de Grand Central (Rebecca Zlotowski) et Les Salauds (Claire Denis) en Août 2013…Des films qui ne cherchent pas à séduire coûte que coûte, mais à faire réfléchir, à interpeller au sens le plus noble du terme.

Déjà, son premier long métrage donc, Belle Epine, son sujet de fin d’études à la Fémis, une histoire de deuil portée par une toute jeune Léa Seydoux tout à convaincante dans le film, montrait que la cinéaste ne laisse rien au hasard, et la force de ce film-là résidait dans ce que la maîtrise formelle s’accompagne d’une émotion très palpable, notamment dans une très belle scène où deux sœurs, après la mort très récente de leur mère, n’arrivent à communiquer que par la musique. Une sorte d’autofiction d’une maturité et d’une complexité impressionnantes.

Dans Planetarium, il est également question de sœurs. Deux jeunes femmes américaines, les sœurs Barlow, entament une tournée mondiale de spiritisme, plus exactement de spiritualisme, si l’on se réfère aux sœurs Fox, de vraies américaines qui ont fondé cette croyance et qui ont inspiré la réalisatrice. La très jeune Kate (Lily-Rose Depp) est le medium, et sa grande sœur Laura est une sorte de manager, qui tient les (fins) cordons de la bourse et le carnet des commandes de séances privées. C’est à la suite d’une de ces commandes que leur vie va basculer : André Korben (Emmanuel Salinger), un producteur de cinéma visionnaire et passionné, va essayer de filmer ses séances avec Kate, pour tenter de reproduire sur la pellicule le phénomène surnaturel, tandis qu’avec Laura, il va produire un film  dans lequel elle jouera un medium.

On voit l’idée de la cinéaste, on voit le parallèle entre ces deux mondes imaginaires, le surnaturel et le cinéma, et on voit le métafilm qui parle du cinéma comme unique moyen de saisir ce qui est invisible aux yeux. On voit encore l’utilisation d’Emmanuel Salinger, qu’on salue avec bonheur tant sa présence, bien que régulière, est trop discrète : sa ressemblance avec Peter Lorre (M le Maudit de Fritz Lang), invoquée par la cinéaste elle-même, ne fait en effet aucun doute, et par ailleurs les rôles qu’il a tenus chez Arnaud Desplechin, notamment dans La Sentinelle, semblent trouver un écho ici…

Sur ses trois longs métrages, Rebecca Zlotowski a toujours travaillé avec des acteurs professionnels, très aguerris, voire avec des stars. Ici, on traverse les océans, et ce n’est pas avec une, mais deux actrices américaines très en vue qu’elle a choisi de collaborer. Natalie Portman est de tous les plans, irradiant d’une beauté à couper le souffle, capable de véhiculer des émotions intenses et contradictoires. Lily-Rose Depp, dont c’est le premier rôle au cinéma, est parfaite en femme-enfant grandie trop vite, et montre ici beaucoup mieux son potentiel d’actrice qu’elle ne l’a fait dans La Danseuse de Stéphanie Di Giusto, un film tourné après Planetarium, où elle semblait hors sujet et improbable dans le rôle d’Isadora Duncan. Emmanuel Salinger est comme habité, comme galvanisé par ce personnage multiple, ambigu, ou dépeint comme tel par des bourgeois nostalgiques de l’avant-guerre, ou par la caméra elle-même.

Tourné avec la fameuse caméra  Alexa 65, dont la cinéaste elle-même concède qu’« elle est quelque chose qui n’appartient qu’à [eux], les cinéastes », Planetarium est une merveille esthétique, avec des plans ultra-lumineux de jour comme de nuit, des subtilités de la profondeur de champ élastiques à souhait, et une définition hallucinante des personnages sous le regard de « son » chef opérateur Georges Lechaptois. Une fois de plus, la cinéaste montre ainsi son extrême implication dans son sujet, le cinéma. La première au monde à avoir tourné intégralement avec cette fabuleuse caméra (l’équivalent en numérique du 70mm que Tarantino a utilisé pour les 8 Salopards), elle embrasse tout avec un même intérêt, la technique et l’histoire (le scénario, a été co-écrit avec Robin Campillo, le merveilleux réalisateur de Eastern Boys), la direction d’acteurs et la mise en scène proprement dite.

Alors, même si le film se termine en nous laissant une impression d’inachevé, de quelque chose qui n’a pas vraiment été dit, de trop de directions prises par la cinéaste pour que le spectateur ne se sente pas un peu submergé (il est aussi question de Mussolini et d’antisémitisme dans le film), il faut le regarder et le garder comme un cadeau rare, vecteur de beauté, catalyseur de réflexions, et bonheur de cinéphile, toutes ces choses qu’on ne trouve pas tous les jours en sortant de sa séance préférée…

Planetarium : Bande annonce

Planetarium : Fiche technique

Réalisateur : Rebecca Zlotowski
Scénario : Rebecca Zlotowski, Robin Campillo
Interprétation : Natalie Portman (Laura Barlow), Lily-Rose Depp (Kate Barlow), Emmanuel Salinger (André Korben), Amira Casar (Eva Saïd), Pierre Salvadori (André Servier), Louis Garrel (Fernand Prouvé), David Bennent (Juncker), Damien Chapelle (Louis), Jerzy Rogulski (Professeur Ulé)
Musique : Robin Coudert
Photographie : Georges Lechaptois
Montage : Julien Lacheray
Producteurs : Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne, Frédéric Jouve
Maisons de production : Les Films Velvet, Coproduction : Les Films du Fleuve, France 3 Cinéma, Kinology, Proximus, RTBF
Distribution (France) : Ad Vitam
Durée : 105 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 15 Novembre 2016
France, Belgique – 2016

Nouveau démarrage pour la franchise Harry Potter avec la sortie du film Les Animaux Fantastiques. JK Rowling et David Yates réussissent à donner un second  souffle à cette saga qui aura rendu de nombreux lecteurs heureux tout en remplissant grassement les comptes en banque des producteurs. Les aventures de Norbert Dragonneau ont-elles le potentiel pour remplacer Harry dans le cœur des fans ? Ho que oui!

Rowling, Rowling, Rowling… (air connu)

Adaptation, suite, prequel, remake, reboot… Les années se suivent et se ressemblent et les cinémas ne semblent plus proposer que d’interminables itérations de franchises à succès. Au bout d’un moment on se dit que ça commence à bien faire ; le côté mercantile pourrait bien susciter une certaine frilosité chez le spectateur… Alors pourquoi aller voir le dernier produit en date d’une marque qui a déjà rapporté plusieurs milliards de dollars à ses producteurs ? Deux raisons peut-être permettent aux Animaux Fantastiques de sortir un peu du lot. La première étant bien sur l’argument « auteur » un poil roublard mais qui fait sont petit effet, J.K Rowling elle-même signe le scénario du film, prenant de court les décisionnaires avides en proposant un développement autour d’une mythologie sur laquelle elle garde un contrôle artistique conséquent. La seconde est à juger au regard de la concurrence. Si le déluge de blockbusters super-héroïques qui prend en otage presque la totalité des écrans depuis quelques années (2016 étant un cru particulièrement dense avec deux X-men, deux Marvel plus les séries Netflix), revenir vers un univers un peu plus magique et enfantin sera peut être le remède qu’il vous faut. En plus si vous faites partie de cette génération « Harry Potter » qui, même sans être fan, a grandi avec les livres et les films, et bien faites-vous une raison, vous ne pourrez pas vous empêcher d’aller le voir.

Tout cela ne dispense pas d’avoir des craintes sur le produit final. La peur de voir une auteure que l’on aimait bien s’enfermer dans une caricature d’elle-même, car même les plus grands écrivains peuvent être de piètres scénaristes (Stephen King, Brett Easton Ellis et Cormac McCarthy s’y sont déjà pété les dents). Ou encore l’appréhension de tomber devant un long métrage creux se contentant de recycler des codes et des personnages déjà connus. Nous avons tous cru que le film se contenterait de lâcher sa ménagerie fantastique dans New York sans véritablement composer une intrigue, se contentant d’effets numériques tellement incroyables que l’on dirait de la magie. Bref, une fois encore la peur du vide nous prend aux tripes, pauvres moldus que nous sommes. Et pourtant, magie du cinéma ou mentalité de vieux con qui grandit en nous, dès l’apparition du logo Warner Bros accompagnée des notes mythiques composées par John Williams en son temps, le charme opère. On se sent replonger en enfance avec l’envie furieuse de pénétrer à nouveau dans cet univers.

Avec Les Animaux Fantastiques, Rowling décide donc de refaire son monde en déplaçant l’intrigue de son Royaume-Uni contemporain aux Etats-Unis de la prohibition. A nouveaux lieux, nouveaux personnages. Le trio magique complémentaire est donc remplacé par un quatuor un peu branque composé d’un zoologiste timide (Eddie Redmayne à la limite de l’autisme), un moldu bon vivant un peu paumé (Dan Fogler), une employée radiée du gouvernement magique local (Katherine Waterston) et sa sœur télépathe (Alison Sudol). Substituant aux enfants trop parfaits de la première heure des adultes bourrés de défauts, l’auteure prend des risques avec son propre univers et cela fait plaisir. L’intrigue se déploie ainsi autour de ces quatre personnages confrontés à diverses créatures magiques, un gouvernement bien moins sympathique que son homologue britannique et la menace d’un mage noir venu d’Europe. N’ayant rien perdu de son style foisonnant qui a fait son succès, elle développe ainsi toute une facette méconnue de son œuvre et partage son imagination avec un plaisir communicatif. Face à une concurrence qui élève la vacuité scénaristique au rang des beaux-arts, Les Animaux Fantastiques fait la proposition presque expérimentale d’un univers dense qui préfère développer sa mythologie tranquillement, plutôt que de l’adapter à des schémas narratifs pré-existants. Malgré son âge et sa longévité, l’univers Potterien apporte paradoxalement un vent de fraîcheur sur les écrans.

Le film n’est évidemment pas parfait. Le problème d’une narration touffue (celui-là même qui avait donné des sueurs froides à Steve Kloves chargé d’adapter les romans) provoque parfois des égarements. Embarquée dans sa folie créatrice, Rowling multiplie les intrigues secondaires qui, faute de temps, aboutissent à des conclusions parfois tièdes. Ainsi l’utilité de la dynastie moldue Shaw (dont le patriarche est incarné par John Voight) est tout à fait discutable, développée plus que raison pour finalement n’aboutir sur rien, le final laissant peu de doute quand au retour de ces personnages. Idem du côté de l’antagoniste principal, Percival Graves, qui aurait pu être le Eliot Ness du monde magique – un fonctionnaire incorruptible, peu impressionnable mais légèrement obtus face au flegme du magizoologiste – pour finalement être réduit à un méchant basique peu intéressant (qui n’est même pas la menace principale qui tombe sur la grosse pomme). Si la romancière en profite pour exprimer le fond de sa pensée sur la politique sécuritaire américaine (patriot act, peur du terrorisme etc.), l’intrusion de cette note plus « adulte » est faite sans véritable finesse. La facilité avec laquelle l’administration magique outre-atlantique condamne ses citoyens sans procès provoque ainsi le temps d’une séquence un léger malaise. Regrettable car le jeu calme et mesuré de Colin Farell détonne en comparaison des personnages fantasques que la saga s’était amusée à déployer. Une nouveauté qui aurait été bienvenue si elle avait été utilisée correctement.

Il est également dommage de constater que Rowling ne démord pas de ses tics d’écriture de roman policier pour ado, concluant une fois de plus sur un twist surfait tout en multipliant les fausses pistes trop évidentes (il y a toutefois quelque chose d’amusant dans le fait de compter le temps que le film passe à tenter de nous faire croire que Ezra Miller n’a qu’un rôle secondaire). Tout cela débouche sur un paradoxe étonnant : la fantaisie et la naïveté se retrouvent du coté des adultes tandis que l’horreur prend place dans l’esprit des enfants (au détour de séquences particulièrement glauques dans un orphelinat que n’aurait pas renié Dickens). Curieux choix qui semble démontrer que le public visé s’avère quand même être très spécifique (le même qu’en 1993 qui aurait grandi) et que la créatrice ne cherche pas vraiment à se mettre en phase avec une nouvelle génération. Certains appellent cela de la cohérence artistique, d’autres une zone de confort, mais qui sommes nous pour juger ?

Malgré tout cela, il est difficile de faire la fine bouche devant un film aussi bien exécuté. La partie artistique reste le point fort de la saga. Les décors dépaysent, les costumes mettent en joie et la magie fait toujours son effet. David Yates, de retour derrière la caméra, retrouve le rythme qu’il avait réussi à insuffler à l’Ordre du phénix tout en composant de très belles séquences bourrées d’humour et de candeur enfantine qui font chaud au cœur. La découverte de l’intérieur de la valise, où se déploie un bestiaire merveilleux entre des paysages qui se succèdent comme les toiles d’un panorama, réveille notre âme d’enfant. La poursuite avec un rhinocéros magique en chaleur dans Central Park est une pépite d’humour. Le cameo de Ron Perlman en gobelin mafieux dans un bar clandestin amusera les plus grands. Il sera également difficile de ne pas craquer pour les petites créatures qui accompagnent le héros (un bambou câlin et un ornithorynque cleptomane), avant que ceux-ci n’envahissent les rayons peluches des magasins de jouets. Les Animaux Fantastiques est un film dense, bancal, qui fuit parfois de tous côtés, mais dont la générosité fait plaisir à voir. Non seulement on ressort de la salle heureux, mais en plus on en redemande.

Synopsis: 1926, New York. Norbert Dragonneau rentre à peine d’un périple à travers le monde où il a répertorié un bestiaire extraordinaire de créatures fantastiques. Il pense faire une courte halte à New York mais une série d’événements et de rencontres inattendues risquent de prolonger son séjour et vont le mener face au terrible mage noir qui sème alors la terreur dans la communauté des sorciers, Gellert Grindelwald…

Les Animaux Fantastiques : Bande-annonce

Les Animaux Fantastiques : Fiche Technique

Titre original : Fantastic Beasts and where to find them
Réalisation : David Yates
Scénario :  J.K Rowling
Interprétation : Eddie Redmayne (Newt Scamander), Katherine Watertson (Tina), Dan Fogler (Jacob), Alison Sudol (Queenie), Colin Farell (Percival Graves), Ezra Miller (Creedance), Ron Perlman (Gnarlak), Jon Voight (Henry Shaw Sr.)…
Photographie : Phillipe Rousselot
Montage : Mark Day
Musique : James Newton Howard
Costume : Colleen Atwood
Décors : James Hambridge
Producteurs :  David Heyman, Steven Kloves, J.K Rowling et Lionel Wigram
Sociétés de Production :  Heyday Films, Warner Bros, Wigram Productions et The Blair Partnership
Distributeur :  Warner Bros
Budget : 180 000 000 $
Classification : Tout Public
Récompenses :  Oscar 2017 du Meilleurs costumes pour Colleen Atwood
Genre :  Fantastique, Aventure
Durée : 133 min
Date de sortie : 16 novembre 2016

 Etats-Unis – 2016