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Mélancolie douce et ode à la vie, avec Et les Mistrals gagnants, premier documentaire d’Anne-Dauphine Julliand

Synopsis : Ambre, Camille, Charles, Imad et Tugdual ont entre six et neuf ans. Ils vivent dans l’instant. Avec humour et surtout l’énergie optimiste de l’enfance, ils nous prennent par la main, nous entraînent dans leur monde et nous font partager leurs jeux, leurs joies, leurs rires, leurs rêves, leur maladie. Avec beaucoup de sérénité et d’amour ces cinq petits bouts d’Homme nous montrent le chemin du bonheur. Un film à hauteur d’enfant, sur la vie tout simplement.

« Le temps est assassin et emporte avec lui
Les rires des enfants et les mistral gagnants
Et les mistral gagnants… »

Jamais des paroles de chansons n’auront pu si bien correspondre aux propos tenus dans un documentaire. La chanson de Renaud résonne en nous, chacun ayant sa propre signification des « mistrals  gagnants ».
Avec le documentaire d’Anne-Dauphine Julliand, les mistrals gagnants prennent cette forme douloureuse et difficilement tarissable qu’est celle de la maladie infantile. Cette maladie avec laquelle on nait, et non pas celle qui nous attrape au cours de notre vie.
Ils sont âgés de maximum 9 ans, et sont pourtant d’infatigables guerriers, grandissant en avance sur leur temps.
Ambre, Camille, Charles, Imad et Tugdual sont des bouts de choux, des bambins, des chérubins, et ont pourtant bien plus soufferts que la plupart d’entre nous. Ils sont venus au monde avec la maladie, et ne cesseront de tout faire pour s’accommoder à cette dernière. Chacun s’en accapare de façon différente : Camille fait tout de suite exploser sa colère et ne cesse de prouver la rage qui sommeille en lui. Imad, quant à lui, fait dans la patience. Charles, Ambre ou Tugdual sont beaucoup plus sereins, ne l’omettant jamais, cependant.

La caméra de la réalisatrice est l’œil que nous portons sur eux. Un oeil bienveillant, mais dans lequel s’immisce la douleur. Aux rires viennent se mêler les larmes. Les séquences de fou rire, de plaisirs innocents précèdent les piqûres ou les poses de sonde, en vue d’une dialyse.
Anne-Dauphine Julliand ne sombre jamais dans quelconque voyeurisme. Elle offre aux spectateurs des tranches de vie dont on ressort difficilement indemnes. On s’attache, énormément,  on se prend d’affection, et on ne souhaite plus les lâcher. Impossible de ne pas sourire, voire rire, souvent de manière niaise mais émerveillée, devant tous ces petits faits du quotidien (notamment la séquence de la balançoire ou celle d’une partie de Dobble endiablée).

« Quand on est malade, ça n’empêche pas d’être heureux. »

Voguant entre de nombreuses valeurs de plan, la réalisatrice impose des moments intimes, mais également des instants de fuite, de relâchement, le but n’étant pas d’oppresser les enfants, mais bien de leur céder la place. Ils nous prennent par la main, nous guident, cela pour notre plus grand plaisir.
Il faut savoir que Et les mistrals gagnants est tourné à une seule caméra. Ainsi, les enfants peuvent sortir du champ selon leurs désirs. Il était important pour la réalisatrice de ne leur imposer aucune contrainte.

Toutefois, on regrettera cette dimension larmoyante, à laquelle contribue la musique extra-diégétique, nous enivrant de mélancolie.
Aussi, Et les mistrals gagnants est porteur d’un nombre important de questions et de réflexions. Autour du film gravite ce sujet sensible et non moins tabou qu’est la mort. Alors que chez les adultes, aborder cette question conduit souvent à bon nombre d’interdits et de paroles prohibées, les enfants parviennent davantage à la prendre en considération. Derrière leur maladie se cache une issue qu’ils savent fatale. Ainsi, des remarques anodines tel que « Il n’y a que quand je serai mort que je ne serai plus malade» sont remplies d’insouciance chez eux, mais s’avèrent bouleversantes pour nous. Sont également traités, même si plus en surface, la question des services hospitaliers, du rôle du parent dans la prise en charge de l’enfant et de la maladie. Mais attention, cela ne fait pas de Et les mistrals gagnants un film superficiel !

Et outre le film en lui même, Et les mistrals gagnants est la preuve que le crowfunding peut être porteur de projets qui méritent toute notre attention. 93 000 euros récoltés sur les 50 000 espérer, plus de 1757 donateurs. Une vraie belle réussite pour un film qui vaut plus que le coup d’œil et qui nous permet d’apprécier toujours un peu plus la vie.

Enfin, se termine la séance. Après un générique comme partie constituante du film, qui nous offre les images supplémentaires que l’on attend de peur de ne pas être rassasié, on s’interroge : « Que sont devenus ces enfants ? », « Imad a-t-il pu avoir sa greffe ? ». Et les réponses nous sont apportées : Imad a bénéficié d’une greffe de rein grâce à son père, Ambre continue le théâtre, Charles est rentré chez lui. Vint ensuite de plus triste nouvelle : peu après le tournage, Camille s’en est allé. Les mistrals gagnants ont emporté avec eux les rires d’un enfant.

Et les mistrals gagnants : Bande-annonce

https://www.youtube.com/watch?v=Fd8X4n_Ki0E

Et les mistrals gagnants : Fiche technique

Réalisateur : Anne-Dauphine Julliand
Scénario : Anne-Dauphine Julliand
Photographie : Katell Djian, Isabelle Razavet, Laurent Brunet, Alexis Kavyrchine, Matthieu Fabbri
Montage : Lilian Corbeille
Musique : Rob
Producteurs : Edouard de Vesinne
Sociétés de production : Incognita Films
Distribution (France) : Nour Films
Durée : 79 minutes
Genre : Documentaire
Date de sortie : 1er février 2017

France – 2017

Après les quatre opus (deux japonais et deux américains, sans parler du prequel et des 8 dérivés) sortis entre 1998 et 2005, la saga horrifique Le Cercle – Rings refait vainement surface sur un cahier des charges teen contemporain en référence à Don’t Breath.

Synopsis : Une jeune femme s’inquiète pour son petit ami lorsqu’ il commence à s’intéresser aux mystères entourant une vidéo censée tuer celui qui la regarde 7 jours après l’avoir visionnée. Elle se sacrifie pour le sauver et fait alors une terrifiante découverte : il y a « un film dans le film » que personne n’avait encore vu…

Revenir d’entre les morts

Le remake américain sorti en 2002 avec Naomi Watts avait permis au scénario de Hideo Nakata (sur une adaptation du roman de Kōji Suzuki, l’équivalent japonais de Stephen King), de trouver un très large public pour ne pas dire devenir de notoriété publique avec un box office international de 250 millions. Un nouveau mythe cinématographique, comme le furent Nosferatu, Dracula, Freddy Krueger, Jason Voorhees, Michael Myers…? Sadako Yamamura, alias Samara Morgan outre Atlantique, est tirée d’une véritable légende qui aurait vraisemblablement existé. Il faut savoir que la culture japonaise est nettement plus poussée concernant l’au-delà. Une véritable mythologie/ croyance autour d’esprits vengeurs (appelés « Onryō ») subsiste au même titre que n’importe quelle religion. L’écrivain japonais se serait inspiré de deux Onryō très connus dans la littérature et théâtre japonais (kabuki): Okiku, une femme assassinée et jetée dans un puits par un samouraï dont elle avait repoussé les avances, et Oiwa, jeune femme empoisonnée par une crème défigurante envoyée par une autre femme qui avait des vues sur son mari. Ce dernier avait ordonné son exécution à la simple vue de celle-ci, mais elle mourra par accident avant. On se demande si le réalisateur espagnol, F. Javier Gutiérrez, a bien vraiment assimilé les différentes interprétations de ce personnage et sa mythologie, tant la mise (au poker) est sur un message méta-assourdissant, l’âme qui rejoint un autre corps après la mort. Plutôt que de tisser intelligemment les ficelles d’une version qui aurait pu être remarquable, il (ou les producteurs!) choisit d’accorder toute l’importance du divertissement sur la (con)quête de Julia pour sauver son petit ami Holt à l’ère d’internet où les écrans sont partout. La surprise est certainement la participation de Vincent D’Onofrio qui, pour jouer un aveugle, aurait demandé les conseils de son ami Charlie Cox (Daredevil). Malheureusement, les séquences sombrent rapidement dans une réplique insignifiante de Don’t Breath du jeune génie uruguayen Fede Alvarez qui n’a que deux longs métrages à son actif ! On apprécie également la présence furtive en introduction de Lizzie Brocheré (American Horror Story: Coven, The Strain, Falling Water).

Mais les plaisirs tournent court, car malgré une photographie pimpante et un soin en demi-teinte apporté aux effets spéciaux (la sortie de la télé aurait pu être améliorée en post-production), l’intrigue est rapidement noyée dans une peinture déjà-vue hollywoodienne sur fond de romantic story. En effet, quoi de plus neuf que de décrire la lutte vaine pour sa propre survie à coup de montage effréné et de jump scares mal aboutis? La mise en abyme du « film dans le film » n’a aucune profondeur et encore moins de légitimité lorsque le récit enchaîne paramnésie cinématographique et bien-pensance américaine en terme de divertissement facile. L’horreur a, ces dernières années, perdu ses lettres de noblesse avec des films pop corn n’attirant que de jeunes spectateurs naïfs. Dans le noir, Unfriended, Ouija, Friend Request sans oublier de citer le sequel inutile Blair Witch l’année dernière… L’intention première, étant de calquer un succès sur de nouvelles technologies avancées dont témoignent les années 2010, dépasse le stade du « défi relevé » que moyennement. L’écriture est avortée, la photographie est surestimée et le montage désordonné. Seul le premier film énoncé précédemment se démarque par un réel amour pour le genre et un hommage à moitié soigné. Si nous arrêtions de considérer le divertissement comme un produit éphémère et consommable, nous arriverions peut-être à accoucher d’un peu plus de talent. Retournons sur « l’original » de Gore Verbinski, visionnaire, dont on pourra très prochainement apprécier A Cure For Life, le 17 février sur nos écrans plutôt que de s’attarder sur cet ersatz stérile. Ou mieux encore sur l’anthentique de Nakata! Une étoile et demi pour ne s’être qu’à moitié ennuyé. Instants Vidéo Gags promotionnels ? Mieux vaut en rire non?

Vain et mal amené, ce troisième film US se veut renouveler le mythe, mais n’y apporte absolument rien d’efficace, si ce n’est la performance de Vincent D’Onofrio…

Le Cercle – Rings : Bande Annonce

Le Cercle – Rings : Fiche Technique

Réalisation : F. Javier Gutiérrez
Scénario : David Loucka, Jacob Estes et Akiva Goldsman
Interprétation : Matilda Lutz (Julia), Alex Roe (Holt), Johnny Galecki (Gabriel), Vincent D’Onofrio (Burke), Aimee Teegarden (Skye), Bonnie Morgan (Samara)…
Photographie : Sharone Meir
Montage : Steve Mirkovich, Jeremiah O’Driscoll
Musique : Matthew Margeson
Producteurs : Christopher Bender, Neal Edelstein, Ehren Kruger, Roy Lee, Mike Macari, Laurie MacDonald, Walter F. Parkes, Amy Sayres, J.C. Spink
Productions : Macari/Edelstein, Parkes+MacDonald Image Nation, Vertigo Entertainment, Waddieish Claretrap
Distribution : Paramount Pictures
Durée :  102 minutes
Genre : Horreur
Date de sortie : 1er février 2017

États-Unis – 2017

Montrant davantage de sobriété tant dans le traitement de l’humour que de la conduite de son récit, Raid dingue, le dernier né de Dany Boon est pourtant pavé de maladresses. En résulte donc un film français loin d’être dingue plutôt qu’une comédie d’action réussie.

Synopsis : Johanna Pasquali est une fliquette pas comme les autres. Distraite, rêveuse et maladroite, elle est d’un point de vue purement policier sympathique mais totalement nulle. Dotée pourtant de réelles compétences, sa maladresse fait d’elle une menace pour les criminels, le grand public et ses collègues. Acceptée au centre de formation du RAID pour des raisons obscures et politiques, elle se retrouve alors dans les pattes de l’agent Eugène Froissard (dit Poissard), le plus misogyne des agents du RAID. Ce duo improbable se voit chargé d’arrêter le redoutable Gang des Léopards, responsable de gros braquages dans les rues de la capitale.

Bienvenue chez les machos! 

Dany Boon fait sans conteste parti des artistes français les plus décriés. Génie de l’humour et roi du box-office français pour les uns, symbole de la comédie populaire et du divertissement neuneu pour les autres, ses diverses réalisations n’ont pas laissé le public indifférent. Et ce pour diverses raisons, les principales étant une certaine efficacité dans le côté gagesque des personnages, et bien évidemment leurs colossaux succès dans les salles de cinéma. Profitant aussi de budgets de plus en plus considérables, surtout dans le paysage cinématographique français (rappelons que Supercondriaque a bénéficié d’un budget d’environ 31 millions d’euros), Boon se laisse aller à de multiples délires visuels, parfois très bien exploités pour illustrer son propos. On peut facilement faire la fine bouche devant ses œuvres, force est de reconnaître que le ch’ti sait y faire avec une caméra, montrant une réalisation impeccable ou encore rendant assez palpitant quelques séquences d’action. On se souvient notamment de la course poursuite sur autoroute dans Rien à Déclarer à bord d’une 2CV tombant en morceaux, ou encore du sauvetage final de Supercondriaque en pleine zone de guerre avec fusillades et pyrotechnies à la clé. Et ce modeste côté actionner se retrouve complètement dans RAID Dingue, sa dernière réalisation.

Car Dany Boon s’essaye cette fois à la comédie d’action, genre prolifique aux États Unis mais plutôt rare chez nous, à l’exception par exemple de quelques Belmondo fleurant bon les seventies, et qui sert pleinement de référence ici.  Pour illustrer l’arrivée de cette gaffeuse pistonnée (Alice Pol) dans l’univers très masculin et testostéroné du RAID, outre un budget encore plus colossal (plus de 34 millions d’euros), il s’est entouré de certains membres pour documenter son histoire, notamment les trois seules femmes de France faisant parties de cette unité, et a véritablement filmé au sein des locaux officiels. Ce souci d’authenticité favorise l’immersion et fait plonger avec facilité le spectateur au cœur du récit. Et pour mener ce dernier, Boon fait preuve d’une sobriété qu’on ne lui connaissait guère (sauf peut-être à l’instar de son premier film, La Maison du Bonheur). Avec une mise en scène toujours aussi lisible, renforcé par une lumière et un étalonnage des couleurs bien géré, il met de côté les gags en rafale pour davantage se concentrer sur des aspects plus dramatiques, voulant démontrer le quotidien parfois difficile de ces hommes dont la bravoure n’est plus à prouver. Mais si l’on salue l’idée, le rendu n’est en définitive pas du meilleur acabit.

Car le problème est bien là : Dany Boon n’est pas à l’aise lorsqu’il s’éloigne des sentiers battus. Le film s’évertue par exemple à faire un parallèle avec la triste actualité de nombreuses grandes villes d’Europe, à savoir les attentats terroristes, accompagné d’un regard plutôt incisif sur l’inappropriée omniprésence des journalistes pour couvrir ces événements. Cette tentative reste malgré tout maladroite car traitée à travers des séquences à peine survolées, rapidement expédiées. L’intensité dramatique n’ayant jamais le temps de s’installer, l’impact est quasi nul. Il en est de même pour le personnage qu’interprète Boon : en retrait par rapport à ses précédentes réalisations, son ton volontairement grave et surjoué à certains moments ne convainc pas. Ce n’était pas l’objectif du film dira-t-on, car RAID Dingue est avant tout une comédie. Mais là encore, bien qu’amoindries, les différentes parties comiques ne sont pas très originales. Les situations sont soit vues et revues (on aura encore droit à la sempiternelle séquence d’entrainement aux allures de clipshow enchaînant les gags prémâchés sur fond de musique pop) soit manquent relativement de folie.

Cette folie montre quand même ses bribes lorsque le personnage de Johanna Pasquali débarque à l’écran. Car là est le véritable argument du film : Alice Pol ! Si les instants drôles l’entourant ne sont pas tous réussis, ce personnage doux rêveur dégage une telle sympathie qu’il est difficile de résister. Emplie de charme, d’une grande naïveté et bêtise, mais également d’une détermination sans borne et un caractère passionné, elle incarne une Pierre Richard au féminin assez irrésistible. Folie qu’on retrouve également chez Yvan Attal dans un rôle à contre-emploi. Jouant le bad guy avec un accent russe à couper au couteau, il est à l’origine des principales scènes drôles du film, à l’image de celle des travestis, qui, si elle ne brille pas par sa subtilité, a le mérite de déclencher quelques rires.

Ces deux personnages, si l’on ajoute une réalisation maitrisée et également une ou deux scènes d’action réussies bien que trop timides, demeurent les principaux points forts du film. Pour le reste, RAID Dingue ne marquera pas les annales de la comédie française, et ne réconciliera pas les détracteurs de l’acteur-réalisateur.

Raid dingue : Bande-annonce

Raid dingue : Fiche technique

Réalisation : Dany Boon
Scénario : Sarah Kaminsky et Dany Boon
Interprétation : Alice Pol (Johanna Pasquali), Dany Boon (Eugène Froissard), Michel Blanc (Jacques Pasquali), Yvan Attal (Viktor), Sabine Azéma (Marie-Caroline Dubarry), Patrick Mille (Edouard Dubarry), François Levantal (Patrick Legrand), Florent Peyre (Olivier Lopez)…
Photographie : Denis Roudan
Montage : Elodie Codaccioni
Son : Lucien Balibar, Guillaume Bouchateau, Thomas Gauder
Producteurs : Jérôme Seydoux, Dany Boon, Patrick Quinet, Eric Hubert, Romain Le Grand, Vivien Aslanian
Sociétés de production : Pathé, Les Production du Ch’timi, TF1 Films Production, Artemis Productions
Distribution (France) : Pathé Distribution
Durée : 105 minutes
Genre : Comédie, Action
Date de sortie : 1er février 2017

France – 2016

Auréolée du Prix du Jury au dernier Festival de Cannes, American Honey est une œuvre aussi atypique que marquante. Filmé en caméra à l’épaule, le long-métrage immortalise les pérégrinations d’un groupe de jeunes marginaux dans une Amérique sinistrée. Une ode à la liberté poétique et déjantée qui capture la modernité et la sauvagerie d’une époque singulière.

Synopsis : Star, une adolescente défavorisée habituée du système D, subsiste en vivant de petits larcins. Un jour, elle tombe sur Jake et sa bande, un groupe de jeunes libres et sans attaches qui sillonnent le pays en faisant du porte-à-porte pour gagner leur croûte. Attirée par leur mode de vie, elle décide d’embarquer avec eux pour un road-trip mouvementé riche en émotions à travers une Amérique aride et sinistrée.

Un récit initiatique du XXIème siècle 

American Honey, c’est avant tout une œuvre électrisante et forte qui marque les esprits durablement. Mais pourquoi ce film a-t-il un tel impact sur le public ? Sans doute parce qu’Andrea Arnold est parvenue à retracer l’errance d’une jeunesse aussi trash que désœuvrée qui n’a rien à perdre. Sans attache, en perpétuel mouvement, ces jeunes partagent tout et ne possèdent rien, ils vivent au jour le jour dans un joyeux n’importe quoi improvisé et profitent à fond du moment présent. Entre cuites, beuveries, feux de camp, rituels sauvages, flirts enfiévrés et sensations fortes, ces héros modernes brûlent leurs ailes sans peur du lendemain, comme si rien n’avait d’importance. Projetée dans cet univers à la fois violent et merveilleusement débridé, Star va découvrir ses limites et se forger une expérience de vie significative qui va influer sur sa construction et son évolution identitaires. A travers les différentes étapes de ce road-trip qui oscille entre onirisme et réalité crue, l’héroïne grandit, change : en ce sens, on peut envisager American Honey comme un récit d’apprentissage contemporain. Mais le film peut également être perçu comme une sorte d’anti-conte de fées où l’espoir n’existe plus. A ce titre, lorsqu’un routier demande à la jeune Star quels sont ses rêves d’avenir, elle est prise de court et avoue que personne ne lui avait jamais posé la question. Plus tard, Jake aura la même réaction. Preuve que ces jeunes, totalement ancrés dans l’air du temps, ne se projettent plus : ils se contentent de survivre dans l’instant. Cette culture de l’instantané, la réalisatrice la capture à la perfection grâce à des dialogues majoritairement improvisés, des acteurs pour la plupart amateurs et un style naturel et survolté tantôt nerveux tantôt contemplatif où sa caméra d’épaule suit le mouvement bordélique et désorganisé de ce groupe de marginaux barrés mais attachants.

Splendeur et misère d’une Amérique à deux vitesses

La réalisatrice Andrea Arnold est britannique, et pourtant, avec American Honey, elle a réussi à s’approprier l’essence même des Etats-Unis, en ayant d’abord l’idée de reprendre les codes d’un genre cinématographique typiquement américain : le road-movie. Son film, c’est l’Amérique. L’Amérique des grands espaces avec ses vallées, ses déserts, ses rivières, ses dunes, ses plaines et ses champs à perte de vue. L’Amérique urbaine avec ses buildings, ses autoroutes, ses parkings, ses supermarchés, ses Burger King et ses Taco Bell. L’Amérique profonde aussi, avec sa country, ses rednecks et ses cowboys. L’Amérique des inégalités, avec d’un côté les pauvres et les laissés pour compte qui vivent dans des caravanes en bord de route avec leurs chiens et leurs parents drogués ou alcooliques ; et les riches de l’autre, reclus dans leurs pavillons cossus, retranchés dans leurs banlieues résidentielles. C’est l’Amérique de Kim Kardashian. C’est l’Amérique de Bruce Springsteen. C’est l’Amérique du rap et du hip-hop. C’est l’Amérique capitaliste. D’ailleurs, à travers le personnage de Krystal, sorte de patronne auto-proclamée motivée uniquement par la course au profit et le plaisir de dominer, on peut y voir la métaphore d’un système économique autoritaire et oppressant qui glorifie la performance, la win et qui bannit la lose, qui humilie ses perdants. Affublée d’un bikini aux couleurs du drapeau confédéré, cette figure tyrannique, qui se revendique comme une « Américaine pur sucre », est donc le symbole de cette Amérique liberticide que tous cherchent à fuir mais dont chacun dépend à cause de l’argent, nerf de la guerre. Mais la puissance du long-métrage réside dans son énergie et dans la force de vie qui en émane à chaque instant. Malgré les galères, malgré les malheurs, les personnages fourmillent, s’agitent et évoluent au milieu d’une faune colorée et variée (ours, loups, chiens, écureuils, papillons de nuit, araignées etc) dont se dégage une impression d’agitation constante : les héros ne sont pas statiques, ils bougent, ils se déplacent, ils s’accrochent. En ce sens, il jaillit d’American Honey une forme d’optimisme brut et instinctif, un cri de lutte qui nous entraîne et qui nous fait sentir libre et invincible, galvanisés par les rythmes tribaux et primaires d’une bande originale viscéralement brute mais tellement cathartique. Bizarrement, malgré son message désenchanté, le film n’est jamais déprimant. La cinéaste brosse le portrait sauvage d’une époque singulière avec une rage primitive portée par l’énergie d’une jeunesse en roue libre qui garde les poings levés, prête à combattre. On se dit que tout n’est pas perdu et qu’American Honey est l’exutoire dont on avait besoin.

D’amour et d’eau fraîche

La cinéaste n’oublie pas d’introduire dans son film un ingrédient romanesque qui vient pimenter l’intrigue, à savoir une histoire d’amour explosive et torturée entre Star la nouvelle recrue et Jake le mentor du groupe. Cette love story enflammée s’impose comme un ressort scénaristique habile et fin, qui met en lumière un malaise symptomatique de cette jeunesse sans filet. Habitués à grandir comme des herbes folles, sans amour ni réelle éducation, Star et ses compagnons d’infortune n’ont pas de pudeur, pas de gêne, pas de barrières. Ils font tout ensemble : ils urinent dans les champs en rang d’oignon, se promènent à moitié nus, couchent les uns avec les autres, et ainsi de suite. Star va même plus loin en se mettant en danger avec des inconnus et en vendant ses charmes, comme si elle n’avait aucun respect pour son corps, aucune valeur. Mais alors, qu’en est-il des sentiments authentiques ? C’est là que le bât blesse. Ces personnages ne savent pas comment aimer, ne savent pas gérer ce qu’ils éprouvent. Ils n’ont jamais appris à communiquer, à s’exprimer, ni même à s’ouvrir. Star et Jake sont amoureux mais ignorent comment s’y prendre, et c’est cette dimension si particulière qui rend leur relation déchirante et complexe, mais surtout très belle. On est emporté par leur fougue et leur passion, et frustré par leur incapacité à se comprendre mutuellement. Cette romance chaotique, vouée à l’échec (ou non ?) correspond bien à l’esprit d’American Honey : une fuite en avant sans but, dont on ne connait pas l’issue. D’ailleurs, on peut juste déplorer la fin ouverte qui nous laisse dans le doute, même si on peut l’interpréter comme une sorte de libération et de renaissance pour l’héroïne, qui, après un baptême du feu haut en couleurs, prend conscience de son existence propre. Mais que fera-t-elle ensuite ? Les paris sont ouverts et Andrea Arnold laisse libre cours à notre imagination. Le film s’achève comme il a commencé : freestyle, dans le mépris des règles et des traditions.

En conclusion, American Honey est une œuvre authentique et peu ordinaire qui ne manquera pas de s’imposer comme le film de toute une génération en perte de repères et en quête de liberté : c’est le témoignage d’une époque. Avec ce cri du cœur, Andrea Arnold bouleverse sans jamais toucher au pathos, et c’est cette énergie, ce dynamisme qui font de son film un objet cinématographique étincelant et indomptable qui marque les esprits et qui fait réfléchir. En somme, la cinéaste nous offre un voyage unique et nous emporte dans une frénésie aussi bordélique que joyeuse qui ne laissera sûrement personne indifférent.

American Honey : Bande-annonce

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American Honey : Fiche Technique

Titre original : American Honey
Réalisation : Andrea Arnold
Scénario : Andrea Arnold
Interprétation : Sasha Lane (Star) ; Shia LaBeouf (Jake) ; Riley Keough (Krystal) ; McCaul Lombardi (Corey) ; Arielle Holmes (Pagan)…
Image : Robbie Ryan
Décor : Kelly McGehee
Costumes : Alex Bovaird
Montage: Joe Bini
Sociétés de production :  Parts and Labor, Protagonist Pictures, Pulse Films
Producteurs :   Thomas Benski, Lars Knudsen, Jay Van Hoy, Lucas Ochoa, Pouya Shahbazian, Alice Weinberg
Distributeurs : A24 ; Focus Features
Genres : Road-movie, drame
Date de sortie en France : 8 février 2017
Durée:  163 min

Royaume-Uni – Etats-Unis – 2016

Il semble bien que personne en France n’aura l’occasion de voir Un jour dans la vie de Billy Lynn dans le format 120 images/secondes, en plus du 4K et de la 3D, dans lequel Ang Lee a conçu son nouveau film. Il est d’autant plus dommage de constater que cette vaine révolution technologique se soit faite aux dépens d’une écriture qui aurait rendue pertinent ce drame intimiste.

Synopsis : En 2004, un jeune soldat américain dont l’action en Irak a été filmée et diffusée sur Youtube, est mandaté par le gouvernement pour parader en tant que héros national. C’est à ce titre qu’il est invité, avec son bataillon, à participer à un événement sportif dans son Texas natal. Mais, après ce spectacle, ils devront retourner au front. 

American heroes

Cette notion de héros militaire est depuis plusieurs années au cœur de la plupart des films de guerre américains (on peut considérer que Clint Eastwood lancé le mouvement avec son diptyque Mémoires de nos pères/ Lettres d’Iwo Jima), mais Ang Lee détourne la sempiternelle question des valeurs nécessaires à l’obtention de ce statut pour se concentrer sur celle du rapport que la société civile entretient avec ces vétérans. Pour cela, l’ancien réalisateur de Tigre et Dragon et du Secret de Brokeback Mountain adapte un roman de Ben Fountain, intitulé « Fin de mi-temps pour le soldat Billy Lynn » et lui-même inspiré par un spectacle patriotard auquel a assisté l’auteur. Une pure fiction basée, non pas sur une histoire vraie, mais sur une anecdote vraie donc. Peut-être est-ce là le défaut dont vont découler tous ceux qui feront de cette adaptation un scénario bancal. Et pourtant, l’idée d’affronter des jeunes hommes brisés par un conflit aussi absurde que meurtrier à l’insouciance d’une société superficielle avait de quoi offrir une attaque brutale contre le militarisme américain, et en particulier celui qui animait le pays sous l’ère Bush. Toutefois, que le récit n’aille pas jusqu’au bout de sa démonstration mortifère, et que s’y voient greffées des sous-intrigues à unique fin pathos, ont le résultat paradoxal d’en saborder la portée dramatique.

Le film nous fait donc suivre une journée de Billy Lynn et des membres de son régiment d’infanterie alors qu’ils sont exploités comme de vulgaires produits publicitaires pro-militaristes dans le cadre de la mi-temps d’un match de football à Dallas. Parce que réduire la narration à ces quelques heures aurait été trop limité, Ang Lee n’hésite pas à multiplier les flashbacks renvoyant à l’entrainement et à la guerre. Des scènes de guerre qui d’ailleurs sont fort réussies grâce à leur mise en scène immersive, et qui semblent justifier à elles-seules l’énorme dispositif technologique mis à profit. Le but avoué de ces nombreux passages est en fait d’appuyer le drame vécu par Billy lors de la perte de son sergent dont il était très proche. Si proche qu’elle en vient à s’habiller d’une dimension crypto-gay loin d’être indispensable au propos. Que celui-ci soit de plus interprété par un acteur aussi peu attachant que Vin Diesel enterre définitivement la part tragique de cette relation prématurément brisée. Autre choix de casting qui n’aide en rien cette sensiblerie larmoyante : Kirsten Stewart en sœur handicapée. Loin d’être aussi insupportablement apathique que dans Personal Shopper, la jeune actrice participe pour beaucoup à la peinture surabondamment misérabiliste servant de background familial à ce pauvre Billy.

En plongeant un soldat traumatisé en plein cirque médiatique, Ang Lee dévoile les contradictions de cette société américaine qui préfère regarder des matchs de foot et des concerts de Beyoncé qu’ouvrir les yeux sur le calvaire des jeunes qu’elle envoie au casse-pipe. Un propos malheureusement sapé par une écriture qui s’égare maladroitement.

Fort heureusement, ces deux pistes de lecture malhabiles ne sont pas le cœur du récit. Ils ne font en fait, comme le flirt avec la pom-pom girl, que le parasiter. Les coulisses du show sont en revanche passionnantes. Parce qu’elles sont filmées avec le même procédé immersif que les scènes de guerre, elles servent parfaitement le propos en jouant sur le parallèle entre une surmédiatisation oppressante et le syndrome post-traumatique propre aux survivants de la guerre. De là surgit une question qui fait froid dans le dos : ces personnages ont-ils davantage perdu leur humanité lorsqu’ils se sont vus transformés en machines à tuer ou en icônes de la pop-culture ? Entre le cynisme que dégage le personnage de Steve Martin et la superficialité incarnée par celui de Chris Tucker (deux acteurs de talent trop rares soit dit en passant), Un jour dans la vie de Billy Lynn s’avère particulièrement belliqueux à l’égard de la relation d’une Amérique va-t’en-guerre et tape-à-l’œil à l’égard  de cette jeunesse qu’elle n’hésite pas à sacrifier sur l’autel d’un interventionnisme intéressé. Ce discours ouvertement antimilitariste est toutefois difficile à valider tant Ang Lee prend soin à sacraliser ces jeunes soldats et s’applique à filmer leurs interprètes en gros plans. Leur excellent jeu permet ainsi de rendre palpable leurs troubles et leurs doutes… qui convergeront vers une détermination enjouée de retourner sur le champ de bataille.

Le drame, aussi bien psychologique que politique, de voir des jeunes soldats retourner vers un massacre annoncé perdra donc, dans les dernières minutes, tout son mordant qui représentait pourtant ce que le film avait jusque-là de meilleur. C’est là qu’une histoire vraie, qui aurait permis de nous annoncer leur destin tragique, aurait pu permettre à Ang Lee de retomber sur ses pieds. Au lieu de cela, sa façon de jongler, dans un scénario bavard et maladroitement tire-larme, entre antimilitarisme primaire et patriotisme immature fait s’effondrer ses velléités de mettre en place un pamphlet contre le détournement de l’industrie du spectacle au profit d’une propagande militariste et gouvernementale. Un semi-échec vis-à-vis d’un sujet au fort potentiel, d’autant plus regrettable que les meilleures idées de la réalisation semblent avoir été uniquement pensées pour être mises au profit de ces fameux moyens techniques dont on ne profitera jamais.

Un jour dans la vie de Billy Lynn : Bande-annonce

Un jour dans la vie de Billy Lynn : Fiche technique

Titre orignal : Billy Lynn’s Long Halftime Walk
Réalisation : Ang Lee
Scénario : Jean-Christophe Castelli, d’après le roman « Fin de mi-temps pour le soldat Billy Lynn » de Ben Fountain
Interprétation : Joe Alwyn (Billy Lynn), Kristen Stewart (Kathryn Lynn), Vin Diesel (Shroom),  Garrett Hedlund (Dime), Steve Martin (Norm Oglesby), Chris Tucker (Albert)…
Photographie : John Toll
Montage : Tim Squyres
Direction artistique : Mark Friedberg
Décors : Kim Jennings, Thomas Minton, Aziz Rafiq, Gregory S. Hooper
Musique : Jeff Danna, Mychael Danna
Producteurs : Marc Platt, Ang Lee, Rhodri Thomas et Stephen Cornwell
Productions : Studio 8, LStar Capital, Film4 Productions, Bona Film Group, The Ink Factory, Marc Platt Productions et TriStar Productions
Distribution : Sony Pictures Releasing France
Durée : 113 minutes
Genre : Drame, guerre
Date de sortie : 1er février 2017

États-Unis/Grande-Bretagne/Chine – 2016