Quentin Tarantino finaliserait les derniers préparatifs pour son prochain long-métrage. Le réalisateur des 8 Salopards envisage de travailler sur un film particulièrement violent, subversif et polémique.
Selon des informations de la rédaction du Hollywood Reporter, Quentin Tarantino devrait en effet s’inspirer des meurtres des disciples de Charles Manson pour les besoins de son prochain film. Le réalisateur de Pulp Fiction essaierait déjà de convaincre des grands noms à Hollywood de le rejoindre sur ce projet au parfum de souffre. Brad Pitt et Jennifer Lawrence auraient été contactés pour participer au tournage. Selon des informations de Deadline, Quentin Tarantino aurait également rencontré Margot Robbie afin de lui proposer d’incarner Sharon Tate. Le réalisateur de Jackie Brown souhaiterait également confier un rôle important du film à l’un de ses comédiens fétiches, Samuel L. Jackson. Aucun titre précis n’a pour le moment été associé à ce projet de long-métrage toujours en cours de développement. Une première mouture du scénario aurait été écrite par Tarantino lui-même. Ce film sera également réalisé par ses soins. Le tournage est programmé pour l’été 2018 selon des indiscrétions du Hollywood Reporter. D’après de nombreuses sources américaines, Harvey et Bob Weinstein vont renouveler leur collaboration avec Quentin Tarantino pour ce nouveau film. Les frères Weinstein devraient bien produire ce long-métrage.
Tarantino serait en train d’apporter quelques modifications au scénario. Très peu d’éléments ont filtré sur le contenu détaillé du script. La seule indication concerne la thématique générale de l’intrigue. Le projet cinématographique de Quentin Tarantino serait directement inspiré du meurtre barbare de Sharon Tate ainsi que du couple LaBianca, commis en 1969. La compagne de Roman Polanski était enceinte de huit mois à l’époque. Ces crimes atroces ont été attribués aux adeptes sous l’influence de Charles Manson. Les agissements de ce criminel ont profondément bouleversé l’Amérique des années 1960 et 1970. Charles Manson avait ordonné à certains de ses disciples de s’en prendre aux habitants d’une maison située à Los Angeles. Manson prétendait s’attaquer ainsi à un producteur de disques avec lequel il avait eu un différend par le passé. Les quatre complices de Manson se sont livrés à des actes d’une barbarie sans nom dans la nuit du 8 août 1969. Sharon Tate et quatre autres personnes ont été littéralement massacrées. Manson et certains de ses adorateurs ont été condamnés à la prison à vie en 1971 suite à ces meurtres d’une rare sauvagerie ainsi que pour d’autres crimes atroces commis cet été-là.
Quentin Tarantino s’apprête ainsi à marcher sur les pas du cinéaste John R. Leonetti dont le huis clos Wolves at the door s’inspirait déjà du meurtre de Sharon Tate. La série Aquarius s’intéressait également au mythe de Charles Manson. Si ce projet se confirmait pour Tarantino, le réalisateur s’attaquerait pour la première fois au cinéma à une histoire basée sur des faits réels. Ce long-métrage permettra-t-il à Tarantino de rendre hommage au genre du giallo et aux slashers après s’être attaqué aux westerns, aux polars et à la blaxploitation ? Verdict en 2018 avec ce film subversif et polémique. Reste à savoir si Roman Polanski approuvera ce projet particulièrement douloureux pour lui et pour la mémoire de sa compagne, Sharon Tate.
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Témoin impuissante des drames existentiels de ses patients, en crise avec elle-même, elle va peu à peu investir leurs mondes sous une fausse identité. C’est ainsi que naît Diane, un personnage créé par la thérapeute mais qui habite en fait la part sombre de son esprit. Diane, la journaliste célibataire qui boit du bourbon Bulleit, symbolise un passé abandonné, des illusions perdues, des rêves inavoués.
Avec Knight of Cups, il était arrivé au bout d’une logique où il laissait tomber toute forme de narration pour l’expérimentation pure, c’est ce qui rendait le film si percutant dans sa démarche. Il était évident qu’après ça, le cinéaste aurait besoin de se renouveler. Et même s’il apporte des choses intéressantes dans Song to Song, notamment avec un retour aux sources dans le dernier acte qui renverrait presque aux prémices de sa carrière, il manque cruellement de subtilité dans ce qu’il essaie de raconter. Rajoutant un peu de narration dans son processus créatif il tente de faire exister quatre portraits croisés mais aucun n’est aussi captivant ou novateur qu’il le pense. Le personnage de Ryan Gosling est le personnage malickéen typique dans son problème face à la figure paternelle et qui est en quête d’un idéal. L’acteur se montre toujours aussi formidable quand il s’agit de susciter l’émotion mais le parcours de son personnage n’est pas des plus surprenants. Celui de Michael Fassbender se montrera plus complexe et plus trouble servi en plus par l’excellent cabotinage et le charisme de son interprète. Le film arrive avec beaucoup de finesse à dépeindre le trouble qui régit son existence même si on regrettera que cela soit un peu délaissé lors du dernier acte. Mais ici le cinéaste s’intéresse plus à ses personnages féminins, surtout celui de Rooney Mara que Malick filme avec une attention non dissimulée. Elle excelle par sa justesse mais Malick en fait trop un moteur de son récit plus qu’un de ses occupants. Elle n’est pas aidée, par une voix-off toujours aussi appuyée et omniprésente. Elle incarne cette quête perpétuelle de vie, de la moindre expérience pour se sentir vivant et tombera dans une pose un peu trop froide, où l’on aura finalement du mal à s’investir en elle. La tragédie autour de Natalie Portman, ici poignante, aura des développements plus passionnants mais Malick ne cherche jamais à approfondir le drame. Elle est typiquement celle qui se voit consumer par la vie et elle souligne quelque chose de très nouveau dans le cinéma de Malick. Mais par crainte celui-ci semble ne jamais vraiment s’y investir et survole son portrait de manière très maladroite.
Dès le premier plan, un ralenti sur un groupe de jeunes basketteuses en fleurs, tout de suite contrasté par des regards malsains qui observent : on sent que Ben Young a voulu bien faire, bien construire son film, celui d’un enfermement psychologique total. Les plans rapprochés sur les visages ou au contraire en longue focale pour donner l’impression de voir les êtres en train d’agir, comme dans un documentaire, à distance, contribuent à l’ambiance pesante de Love Hunters. Le montage construit également un suspens constant, donnant à suivre des scènes très tendues, suivies de moments plus calmes. Alors que Vicky est enfermée, le réalisateur donne à plusieurs reprises l’impression qu’elle va sortir, s’échapper, mais ces espoirs sont chaque fois dépréciatifs pour le spectateur maintenu dans une pression permanente. Le rythme du montage s’accélère alors, et on finit par ne même plus savoir depuis combien de temps Vicky est enfermée et quel sera finalement son sort, même s’il semble prévisible.
L’enjeu du film pour Ben Young est d’être dans la tête d’un tueur ou plutôt d’un couple de tueurs en série. Loin de la comédie romantique, cette histoire « d’amour », de dépendance et de destruction fait froid dans le dos. Ben Young a en effet choisi de suivre un couple de tueurs dont la femme agit pour assister son mari, espérant de lui des marques d’affection. Mais le cinéaste brouille aussi les pistes en multipliant les intrigues secondaires : le divorce des parents de la jeune Vicky séquestrée, le désir d’enfants d’Evelyne, la tueuse et la perversion de Bill, sujet central du film, passe au deuxième plan. Finalement, le film a du mal à s’assumer et se poser pour se focaliser sur Evelyne, qui semble pourtant, aux dires du réalisateur fasciné par les tueuses, être son sujet. La BO le suggère également, puisqu’elle vient souligner la détresse psychologique d’Evelyne, son incapacité à faire des choix par elle-même. A côté de ça, Vicky a moins d’importance, sauf dans sa capacité à faire vaciller Evelyne. Mais on regrettera le côté un peu naïf et trop innocent qui entoure la vie de Vicky. Comme si le réalisateur avait voulu à tout prix trouver un personnage avec lequel être en empathie, pour ne pas mettre le spectateur trop mal à l’aise. Alors que le type de film qu’il a choisi de réaliser est typiquement un opus qui est censé faire détourner les yeux de l’écran… Pourtant, Ben Young joue sur les hors champs pour suggérer la violence plus qu’il ne la montre et parvient ainsi à jouer avec nos nerfs et notre imagination. C’est là que réside la vraie réussite esthétique du film car, à côté de cela, la multiplication des ralentis est un peu maniériste et montre que Ben Young cherche encore sa pâte. Le film reste glauque mais sans véritable but et il a tendance à trop vouloir plaire au spectateur pour aller jusqu’au bout de son projet de suivre des tueurs en série violents et sans autre limite que leur amour autodestructeur.
Depuis les débuts de Unbreakable Kimmy Schmidt, on retient avant tout l’ami excentrique et terriblement drama queen de l’héroïne, Titus Andromedon, incarné par l’épatant Titus Burgess (qu’on avait découvert dans 30 Rock le temps de quelques épisodes). Son personnage a beau être une énorme caricature de l’ami gay noir roi de la punchline, il y a toujours derrière une bienveillance à son égard : on ne se moque pas ou on ne rigole pas à cause de son identité sociale, sexuelle et culturelle, on rit pour ses réactions disproportionnées par rapport à la réalité. Et ça, c’est un aspect que peu de séries et même films prennent en compte. D’autant que Tina Fey joue avec ces clichés autour des minorités pour en tirer un personnage plus profond qu’il en a l’air (et c’était déjà le cas dans 30 Rock). Titus a peur d’échouer aussi bien sur le plan amoureux que professionnel. Lui aussi est un personnage fort et c’est certainement ce qui explique sa connexion avec Kimmy.
Roschdy Zem, qui connaît bien le réalisateur, est aussi bon que sa collègue. À la fois compréhensif, doux et directif, son grade de capitaine lui colle à la peau. Les deux personnages principaux sont tous deux entourés d’une équipe masculine toute aussi juste.
Quand on pensait que tout aller s’arranger avec la fin de A.L.I.E, les choses vont de plus en plus mal entre Skaikru et les autres clans qui les jugent responsables des dommages causés par l’intelligence artificielle. Cette saison 4 de The 100 va donc suivre un chemin semblable à la précédente. On va dans sa première partie se retrouver de nouveau à suivre ces guerres de clan, notamment entre Azgeda, mené par le charismatique Roan, et Skaikru. C’était déjà un peu le défaut de la saison précédente, ces conflits sans fin où chaque tentative de paix se retrouve compromise par un petit détail qui relance la machine. Cela permettait à la série de ménager un certain sens du rebondissement tout en meublant un peu les 16 épisodes de la saison. Ici, on a une saison plus courte de 3 épisodes, mais les travers des scénaristes resurgissent quand même, du moins dans la première partie de The 100 saison 4.
Clarke ne sera pas la seule mise en avant, Octavia aura un rôle particulièrement important également. Devenue une véritable Grounder, Octavia s’impose dans cette saison comme une nouvelle Lexa, un personnage badass mais très juste dans ses choix. Le meilleur épisode de la saison mettra Octavia dans une situation des plus délicates elle aussi. L’épisode du conclave est une sorte de 
du film et permet d’apporter des précisions quant à la chronologie (qui s’étale sur dix ans). C’est une façon de pénétrer dans la conscience du personnage principal, d’y découvrir ses ressentis, ses sentiments et ses émotions vis-à-vis de la situation.
