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Lady Bird, au-delà de sa nomination aux Oscars, est un film plein d’une belle tendresse, d’une certaine extravagance et d’une nostalgie plutôt bien dosée, le tout porté par des comédiens au top, Saoirse Ronan en tête. Greta Gerwig convainc en passant pour la (presque) première fois derrière la caméra.

Mademoiselle

Lady Bird est l’histoire d’une jeune fille de 17 ans qui renie son prénom, tient fortement tête à sa mère (jusqu’à se jeter de la voiture en marche pour la contredire, première séquence – déroutante et hilarante – du film), et surtout cherche son identité. Un peu comme la Frances Ha interprétée par la réalisatrice du film, Greta Gerwig, Lady Bird alias Christine est encore incomplète. Elle ne prend pas de chemin de traverse pour aller vers sa vie d’adulte, mais plutôt des détours. Si l’adolescence était un grand désert à traverser, Lady Bird serait en quête d’une eau plus spéciale que les autres pour se désaltérer, avide de mirages et de fantasmes. Des fantasmes ou autres attendus des films d’adolescence que Greta Gerwig s’attache à détourner. Fantasme de la première fois idéalisée (par Lady Bird surtout qui dira préférer finalement « être pelotée »), fantasme de la sentimentalité des filles adolescentes (il y a autre chose dans la vie de Lady Bird) , fantasme des garçons virils (ils sont ici homosexuels refoulés ou faux « beaux » en quête de douceur), fantasme des amitiés quasi indestructibles et des familles solides (la question de l’argent étant au centre, quand c’est l’amour filial qui compte finalement). Ici, tout est déconstruit, en puzzle, ce qui donne lieu à un joli film choral où chaque acteur peut déployer son jeu, son personnage. Mais ce qui frappe surtout c’est la capacité de Greta Gerwig à distiller du fantasque (qui n’est pas que dans les cheveux rouges de son héroïne), de la sensibilité et de la nostalgie dans un film doux-amer.

« Il faudrait pouvoir se tuer idéalement dans nos têtes pour renaître après »

La grande force du film est de contredire un destin tout tracé. En parlant d’elle à travers une fiction, Greta Gerwig parle d’art, d’émancipation, mais aussi de territoire. Sacramento, la ville soi-disant détestée, est en fait le centre de ce film, son cœur battant. On pense assez souvent à la série Gilmore Girls qui racontait le quotidien d’une mère et de sa fille dans une petite ville de banlieue américaine. Si ici il est plus question du conflit mère-fille, on retrouve les thèmes du désir d’être ailleurs tout en étant attachée aux siens. Ce qui impressionne dans le film, c’est son mouvement permanent alors qu’il s’agit plutôt pour Lady Bird de se recentrer sur elle-même tout en s’ouvrant au monde, comme le dit la réalisatrice elle-même : « Ce double mouvement de l’identité m’a intéressée : pour grandir, on a besoin de s’inventer et de pouvoir revenir ensuite à soi-même ». Lady Bird devient ainsi le metteur en scène de sa propre vie, quitte à la laisser lui échapper pour mieux la reconstruire ensuite. A ce jeu-là, l’actrice Saoirse Ronan s’en sort brillamment, en ajoutant de l’étrangeté à son jeu, par son visage et sa sensibilité. Elle n’est pas que le double (pourtant assumé) de Greta Gerwig, elle est aussi sa propre version d’une adolescence comme un mouvement vers l’avenir, tout en étant ancrage sur ce que l’enfance a fait au corps et à l’esprit. Il y a des moments d’émotion pure dans Lady Bird, mais aussi d’autres beaucoup plus drôles ou en apparence convenus. Au final, c’est une douce petite ritournelle que l’on retient, celle qui déjà faisait danser et courir Frances Ha. Le mouvement de Lady Bird est celui de celle qui s’habille en une autre pour redevenir peu à peu elle-même, sans pour autant s’enfermer. Elle s’envole, mais comme un petit oiseau migrateur, revient toujours au nid pour y retrouver la joie d’être ensemble, même en se tenant tête.

Lady Bird : Bande annonce

Lady Bird : Fiche technique

Réalisatrice : Greta Gerwig
Scénario : Greta Gerwig
Interprètes : Saoirse Ronan, Laurie Metcalf, Tracy Letts,  Lucas Hedges, Timothée Chalamet, Beanie Feldstein, Lois Smith, Stephen Henderson
Photographie : Sam Levy
Montage : Nick Houy
Sociétés de production : IAC Films, A24
Distribution : Universal Pictures  International
Durée : 94 minutes
Genre : comédie dramatique
Date de sortie : 28 février 2018

États-Unis – 2018

Pour plus d’informations sur Lady Bird

Le plasticien étonne et détonne avec Winter Brothers, son premier long métrage très maîtrisé, un concentré de performances visuelle et auditive qui n’oublie pas pour autant de raconter une vraie histoire.

Synopsis : Emil travaille avec son frère dans une carrière de calcaire et vend aux mineurs l’alcool frelaté qu’il fabrique. Les relations changent lorsque la mixture préparée par Emil est accusée d’avoir empoisonné l’un d’entre eux.

Faute d’amour

Faute d’amour. Voilà la phrase (pêchée dans le dernier Zvyaguintsev) qui nous obsède au visionnage de Winter Brothers. De fait, nous apprendrons plus tard que l’Islando-Danois Hlynur Palmason a sous-titré son film « The Lack of Love Story », et nous ne sommes pas trop mécontente d’avoir au moins percuté cela.

Car Winter Brothers n’est pas un film facile, un film à la limite du film expérimental pur, avec une longue séquence d’ouverture en temps quasi-réel ayant lieu au fin fond d’une mine, elle-même au fin fond d’un Danemark méconnu et hostile. Les toutes premières minutes sont plongées dans un noir total graduellement éclairé par de minuscules touches de lumière provenant des lampes frontales d’un ou deux mineurs, ponctuées par les bruits insensés de l’endroit : les machines qui tournent, les pioches, le minerai qu’on balance dans les brouettes, l’eau qui ruisselle dans les cavités… C’est un travail extraordinaire et précis sur le son que Lars Halvorsen a concocté, étoffé par l’électronique industrielle de Toke Brorson Odin. La séquence, située en fin de quart, débouche sur la sortie des mineurs qui atterrissent littéralement dans le contraste saisissant de la neige. C’est un noir et blanc hyper graphique que le cinéaste plasticien met en scène dans ce choc entre la noirceur du monde industriel et la blancheur de la nature, cette même nature que ses compatriotes et contemporains tels que Rúnar Rúnarsson (Sparrows) mettaient déjà en avant dans ce jeune cinéma islandais qui est en train de se façonner sous nos yeux.

Malgré donc des images de toute beauté, la déception, voire l’ennui, aurait pu gagner le spectateur si Hlynur Palmason n’avait pas réussi à mettre une âme dans sa quête de la perfection formelle. Cette âme, c’est Emil (Elliott Crosset Hove) qui l’incarne de manière très juste. Au centre d’un scénario assez ténu, le personnage est un concentré de souffrance et de solitude. Affublé d’un masque blanc lui permettant d’éviter l’inhalation de la poudre de  calcaire, Emil ressemble à s’y méprendre au Saul de László Nemes (le Fils de Saul, les affiches sont d’ailleurs très identiques), qui porte le masque de la même manière pour tenter de s’isoler d’horreurs autrement plus atroces, celles des odeurs des fours crématoires. Dans les yeux fous d’Emil, comme dans ceux de Saul, la mort. Celle qui est au centre de la vie de Saul et celle qui sous-tend la non-vie d’Emil. Emil est infiniment seul, malgré la présence d’un grand frère Johan (Simon Sears). Pour tromper l’ennui et la pauvreté, il vole des produits chimiques à son employeur, distille et vend un alcool frelaté auprès de ses collègues, eux-mêmes en recherche d’une étincelle, voire d’un simple mirage, dans une vie épouvantablement insipide. Emil devient rapidement obsédé par une arme échangée contre sa mauvaise booze, et des images surréalistes de militaires s’exerçant au tir au M1 émaillent le film, comme pour marteler la quasi-folie du protagoniste.

Fragile et presque naïf, Emil sourd la solitude par tous ses pores. Des parents inexistants, un frère beaucoup plus avenant et qui gagne du terrain sur lui, une jeune femme qui n’est sa petite amie que dans ses fantasmes. L’émotion nous étreint vraiment, lorsqu’un ouvrier, un de ses plus fervents « clients » tombe gravement malade après un empoisonnement dont tout le monde soupçonne Emil d’être à l’origine. Le voilà alors qui court partout, son visage enfariné de calcaire, à essayer de vendre son alcool. Tout le monde lui tourne le dos, lui refuse même un regard, et le désarroi qu’on lit dans les yeux hébétés d’Emil est une des choses les plus poignantes du film. Ce n’est pas son alcool qu’on rejette, c’est lui tout entier. Son propre frère, dans un combat extrême -et extrêmement dénudé-, une des scènes phares du film, semble vouloir sa mort. Rarement un cinéaste a réussi à montrer ainsi la solitude d’un homme entouré d’une violence et d’une hostilité omniprésentes, de la part des éléments et de la nature, de la part de son environnement quotidien, mais surtout de la part des autres humains totalement déshumanisés. A moins que ce ne soit Emil lui-même qui n’est pas dans la norme humaine…The Lack of Love Story, un défaut d’amour criant qui crève l’écran tel un trou béant.

Winter Brothers est un film obtus qui en rejoint d’autres comme Jauja de Lisandro Alonso. Difficile, mais indispensable et beau. Comme Jauja, et comme Le fils de Saul, encore lui, Winter Brothers adopte les coins arrondis pour accentuer l’effet artistique de son métrage. Le travail de Maria von Hausswolff sur la photo est phénoménal, la palette des couleurs allant du blanc du calcaire jusqu’au bleu délavé des combinaisons des mineurs marque le côté fantomatique, presque irréel du film, les contrastes graphiques entre les composants de la mine, les cylindres, les grues, les différentes échelles, d’une part, et la rondeur de la nature enneigée, d’autre part, tout est magnifiquement tiré au cordeau.

Alors, bien qu’on n’arrive pas toujours à percer le mystère des messages de Hlynur Palmason, on ne peut rester indifférent devant Winter Brothers qui est une proposition forte de cinéma, en ce qu’il joue pleinement sur le son et l’image, en ce qu’il exploite un scénario qui ne verse jamais dans la facilité, et surtout en ce qu’il suscite l’émotion brute chez le spectateur, en étant une expérience sensorielle intense aussi bien que l’histoire solide d’un personnage touchant qui entraîne sans réserve  l’empathie du spectateur.

Winter Brothers : Bande-annonce

Winter Brothers :  Fiche technique

Titre original : Vinterbrødre
Réalisateur : Hlynur Palmason
Scénario : Hlynur Palmason
Interprétation : Elliott Crosset Hove (Emil), Simon Sears (Johan), Victoria Carmen Sonne (Anna), Lars Mikkelsen (Carl), Peter Plaugborg (Daniel), Michael Brostrup (Michael), Anders Hove (l’homme aux cheveux longs)
Musique : Toke Brorson Odin
Photographie : Maria von Hausswolff
Montage : Julius Krebs Damsbo
Producteurs : Julie Waltersdorph Hansen, Per Damgård Hansen, Hlynur Palmason, Coproducteur : Anton Máni Svansson
Maisons de production : Masterplan Pictures ApS, Coproduction : Join Motion Pictures Corporation
Distribution (France) : Arizona distribution
Récompenses : Festival du Film de Locarno, 4 prix, dont Prix de la meilleure interprétation masculine pour Elliott Crosset Hove, Premiers plans d’Angers : Grand Prix du Jury
Budget : EUR 828 000
Durée : 100 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 21 Février 2018

Danemark, Islande – 2017

Favori dans la courses aux Oscars, La Forme de l’eau émerveille grâce à sa sublime poésie, son esthétique soignée et sa mise en scène ambitieuse. Entre fantastique et romance, elle s’admire comme une véritable ode au cinéma, à la magie infinie. Après l’inoubliable Labyrinthe de Pan, Guillermo del Toro signe un nouveau chef d’œuvre.

Synopsis : Elisa Esposito, une attachante muette, mène une vie routinière et solitaire. Son rituel matinal, son trajet en bus, et son travail de femme de ménage marquent l’éternel quotidien de sa vie difficile et monotone. La découverte d’une mystérieuse créature aquatique bouleverse soudainement son existence, en lui conférant un sens jusqu’alors insoupçonné.

Librement inspiré du mythe classique de La Belle et la Bête, La Forme de l’eau démarre sur un pitch assez simple. Par ses traits de conte populaire, La Forme de l’eau s’impose sans aucun doute aujourd’hui comme l’œuvre la plus accessible de Guillermo del Toro. Toutefois le réalisateur y insuffle son propre univers, entremêlant habilement réel et imaginaire. Dans un contexte sombre de Guerre Froide, où science rime avec pouvoir, la fin justifie atrocement les moyens. L’inconnu, source d’espérance, mais aussi de dangers s’il tombe aux mains de l’ennemi, exacerbe les passions humaines.

Dans ce monde authentique des années 1960, del Toro brosse d’un pinceau presque naturaliste le portrait de protagonistes marginaux, de laissés-pour-compte de la société enfermés dans leur propre isolement. Elisa Esposito, atteinte de mutité, est traitée avec force mépris par son propre entourage.

Elle trouve seulement du réconfort auprès de son voisin de pallier, Giles, lui-même rejeté en raison de son homosexualité, et de sa collègue de travail noire, Zelda, empêtrée par un mariage raté.

Les particularités de ces personnages constituent le cœur de la première thématique du film : l’acceptation de l’autre, qui implique avant tout de vaincre le rejet de soi. Ainsi Elisa, qui se sent fatalement « incomplète », apprend au contact de la créature qu’en réalité il ne lui manque rien, qu’elle peut être aimée simplement pour ce qu’elle est. Quant à Giles, il ne craint plus d’affronter son reflet, dans lequel il refusait auparavant de s’identifier. Cette réconciliation avec soi permet ensuite aux protagonistes de se reconnaître entre eux, leurs différences générant un incroyable esprit de cohésion et d’unité. Elisa, Giles et Zelda s’entraident alors pour sauver l’étrange amphibien, qui leur renvoie l’image de leur propre situation, incomprise et menacée.

Comme dans ses films précédents, Guillermo del Toro étudie avec ambivalence les rapports de l’humain et du monstrueux. Dans La Forme de l’eau, le monstre n’est pas tant celui qui en a l’apparence ni ceux qui sont traités comme tels à cause de leurs divergences. Il gît dans le cœur d’un homme, dépourvu de toute compassion et guidé par sa seule quête de pouvoir. A ce titre Richard Strickland, incarné par un convaincant Michael Shannon, rappelle à certains égards l’odieux capitaine Vidal du Labyrinthe de Pan, aussi froid que violent.

Ainsi l’amphibien, loin de la créature démoniaque, est presque immédiatement humanisée grâce aux émotions qu’il manifeste. Il apprécie la musique et parvient à communiquer avec Elisa d’une façon déconcertante en apprenant rapidement le langage des signes. La mutité, que l’héroïne percevait comme un effroyable handicap, se transforme ici un atout pour échanger avec un être également incapable de parler.

Ceci donne un nouveau sens à l’existence d’Elisa. La relation qu’elle tisse progressivement avec la créature est remplie de poésie. L’inimaginable histoire d’amour, une des plus belles de ces dernières années au cinéma, devient alors possible. L’appartenance à une espèce définie ne constitue plus une barrière à franchir. L’harmonie entre les êtres naît d’une compréhension mutuelle, d’une fusion des incomplétudes, du désir de dépasser sa propre condition.

Comme dans un conte, les personnages suivent en le découvrant le chemin de leur destinée. Elisa explique à son fidèle voisin que sa route l’a conduite inexorablement vers sa rencontre avec l’amphibien. Cette affirmation est confirmée par ses trois cicatrices au niveau du cou, qui se révéleront avoir une fonction essentielle.

La grande force de La Forme de l’eau consiste également à mélanger des genres antinomiques. Au-delà du fantastique, le drame gagne sa place dans la dernière partie du film, même si l’horreur et la violence ne rivalisent pas avec la fin du Labyrinthe du Pan. Le comique de situation est aussi présent grâce aux réparties de Zelda et aux réactions de la créature. La somptueuse musique d’Alexandre Desplat incorpore parfaitement ces altérations de registres et donne une vraie ampleur au récit.

Guillermo del Toro prouve avec La Forme de l’eau qu’il ne cessera jamais de nous surprendre. Autour d’une histoire assez simple, il parvient à créer un univers fabuleux, avec des réflexions plus profondes qu’il n’y paraît et un visuel magnifique.

L’eau s’est malheureusement troublée récemment en raison des accusations de plagiat dont fait l’objet le réalisateur mexicain. Après des remontrances de Jean-Pierre Jeunet, David Zindel vient de porter plainte. Il estime que le film de Guillermo del Toro s’inspire directement d’une pièce de théâtre pour enfants écrite par son père, Let me hear you whisper, racontant l’histoire d’une femme de ménage se liant avec un animal aquatique prisonnier, au beau milieu de la Guerre Froide.

Quelle que soit la véracité de ces reproches, la beauté de La Forme de l’eau justifie sans contexte une immersion en salles. Certainement un des meilleurs films de ce début d’année.

La forme de l’eau : Bande annonce

La forme de l’eau – Fiche technique

Titre original : The Shape of water
Réalisateur : Guillermo del Toro
Scénario : Guillermo del Toro, Vanessa Taylor
Interprétation : Sally Hawkins (Elisa Esposito), Michael Shannon (Richard Strickland), Richard Jenkis (Giles), Octavia Spencer (Zelda Fuller), Michael Stuhlbarg (Dr. Robert Hoffstetler), Doug Jones (l’Amphibien)
Musique : Alexandre Desplat
Photographie : Dan Laustsen
Montage : Sidney Wolinsky
Costumes : Luis Sequeira
Producteurs : Guillermo del Toro, J. Miles Dale
Maisons de production : Fox Searchlight Pictures, Double Dare You (DDY)
Distribution (France) : Twentieth Century Fox France
Récompenses : Lion d’Or à la Mostra de Venise 2017, 2 prix (meilleur réalisateur et meilleure musique) et 5 nominations (meilleur film dramatique, meilleure actrice dans un drame, meilleur acteur dans un second rôle, meilleure actrice dans un second rôle, meilleur scénario) aux Golden Globes 2018, 13 nominations aux Oscars 2018 (meilleur film, meilleur réalisateur, meilleure actrice, meilleur acteur dans un second rôle, meilleur actrice dans un second rôle, meilleure musique, meilleur scénario, meilleure photographie, meilleur montage, meilleurs costumes, meilleurs décors, meilleur montage de son, meilleur mixage de son)
Budget : $ 19 000 000
Durée : 125 min
Genre : Fantastique, drame, romance
Date de sortie (France) : 21 février 2018
États-Unis – 2017

Pour plus d’informations sur le film La forme de l’eau

A une époque qui a à ce point creusé un gouffre entre la promesse de l’œuvre et l’œuvre elle-même, au point que  l’expérience spectatorielle  est en passe de devenir le parent pauvre du processus cinématographique, le simple fait de parvenir à être ce que l’on est supposé être constitue en soi un petit miracle. Ça tombe bien, c’était tout ce qu’on demandait à Criminal Squad, le premier film de Christian Gudecast, que la bande-annonce nous avait vendu comme un ersatz de Heat tartiné au jus de couilles emmené par un Gérard Butler éructant d’un machisme d’un autre âge.

Pour nous les hommes

Bref, du bon gros polar urbain testostéroné traversé par les excès de ses personnages borderlines et enivré de sa propre amoralité. Et pour bien faire, le réalisateur s’assurait les services de tout ce que l’industrie du divertissement peut compter de fiers représentants d’une masculinité trempée dans le jus de testostérone non dilué. Hormis notre Léonidas (Gérard Butler donc) qui a troqué sa jupette contre un marcel blanc et ses abdos de club de gym de San Francisco contre une bedaine de pilier de bar, comptez donc des seconds rôles vus dans tout ce que le cinéma et la télé peuvent compter d’univers « manly man approved »: un emblème du gangsta rap qui travaille sa reconversion (l’inénarrable Curtis « 50 Cent » Jackson) et le fils d’un rappeur célèbre connu pour avoir joué son paternel (O’Shea Jackson jr), des Samoans aux physiques de Goliath, et même des combattants de l’UFC qui viennent faire coucou. Devant tant de bonheur, on était même prêt à fermer les yeux sur les inévitables appels du pied au moralisme pontifiant de l’éternel troisième acte expiateur pour peu que le film commette vraiment les outrages dont il essaierait hypocritement de se racheter in extremis. En résumé, on voulait que Criminal Squad ressemble le plus possible à ça :

Soit des gros bras mal rasés parfumés à la bouteille de Jack de la veille, des concours de qui a la plus grosse en veux-tu en voilà, des clubs strip-tease pour apaiser les esprits, et les basses d’une bande-son rap pour la caution street de rigueur. Des fois, le cinéma c’est simple comme les petits plaisirs de la vie.
Ça tombe bien, c’est exactement ce que nous offre le film. Et même un peu plus.

On se gardera bien de comparer Criminal Squad à toute autre œuvre s’étant essayé à marcher sur les plates-bandes du monument de Michael Mann mentionné plus haut vu qu’au bout du compte, le film réussit à ne ressembler qu’à lui-même. Visiblement conscient non seulement de ses influences mais aussi des attentes qu’il avait fait naître, Christian Gudecast se fait un point d’honneur à cocher toutes les cases du programme qu’il s’était fixé. Le classique schéma du flic au bord du point de rupture engagé dans un jeu du chat et de la souris avec un voleur supérieurement doué fait le lit ici d’un duel de pitbulls qui a le bon goût de ne pas s’embarrasser de trop de considérations existentielles.

Il ne peut en rester qu’un

Convoquant avec talent l’urbanité caniculaire et déliquescente de Los Angeles pour mieux faire accentuer la pression, Criminal Squad orchestre parfaitement la confrontation de ces deux camps qui ne vivent que pour imposer leur suprématie aux autres. Il faut à cet égard souligner à quelle vitesse Gudecast expédie la mise en place inhérente au genre. Les braqueurs sont identifiés en quinze minutes par les flics et les flics sont reconnus encore plus vite par les braqueurs, chacun jouant la carte d’une transparence qui permet au réalisateur de sortir du carcan du genre pour se focaliser sur le conflit en chien de faïence qui s’installe. Ce n’est pas un polar, mais une compétition sportive entre deux équipes chauffées à blanc (ce que le scénario ne manque pas de souligner). Chaque confrontation se transforme ainsi en décharge de tension silencieuse, tel cet anthologique dialogue méta au stand de tir qui donne envie au spectateur de se planquer dans un trou de souris. Pour vous donner un ordre d’idée, c’est un peu comme si vous vous retrouviez au milieu de ça :

https://www.youtube.com/watch?v=l_EexEAVAzo

Tu sens la pression qui émane de nous ?

Vous l’aurez compris, le cahier des charges est rempli, et bien rempli. A d’autant plus forte raison que le contexte dépeint de la militarisation des conflits entre braqueurs et forces de l’ordre et la volonté de filmer des décors susceptibles de sortir L.A de ses images d’Epinal ajoutent un ancrage bienvenu au récit. De fait, dans son degré de lecture le plus immédiat, Criminal Squad est le film que David Ayer n’a jamais fait – et ne saura jamais faire. Christian Gudecast est un réalisateur qui a définitivement compris ce que son public est venu voir. Tellement même que l’ensemble pourrait paraître presque trop calculé pour être honnête, d’autant plus à l’aune d’un twist final qui aurait pu se révéler méchamment roublard en d’autres mains (David Ayer, encore lui !). Or, c’est bien la conscience de ces attentes qui apporte à l’ensemble une perspective lui permettant de préparer la transgression de sa ligne de conduite en amont sans dévier des clous de sa proposition initiale. Un numéro d’équilibriste qui pourrait tenir tout entier sur un élément oh combien déterminant à la réussite de l’ensemble : la composition de son casting.

Gérard Butler on fire

Soyons clair, si Criminal Squad affiche une belle brochette de gros bras aux tronches de bourrins endurcis (Pablo Schreiber, Curtis Jackson, la galerie impressionnantes de trognes convoquée pour l’occasion), c’est bien le chef d’escadrille qui donne le ton à l’ensemble. Et cette tête de gondole c’est Gérard Butler. Butler bon comme il l’a rarement été, endossant la panoplie du flic fucked up accro à l’adrénaline comme s’il était le premier à la porter. Butler, dont le profil de brute antipathique trop ivre de sa violence (mal) contenue pour être tout à fait soluble dans le moule du héros classique, trouve enfin le terrain sur lequel se déployer. Dans le royaume des bullys de cour de prison, il est confortablement assis sur le trône. Contre son adversaire qui danse autour de lui, joue la tactique et refuse l’affrontement de face, Butler fonce comme un buffle prêt à l’attaque. Son « Big Nick » terrorise son entourage, s’assoit sur le protocole pour assouvir son besoin d’imposer sa loi, et victimise son prochain quand il est trop tendre pour lui faire face (il surnomme la petite frappe jouée par O’Shea Jackson jr « Fraulein », après une allusion à son intégrité anale). Butler est violent, Butler est hargneux, Butler est over the top, Butler sort ses grosses couilles et les frotte sur la table jusqu’à décaper l’amour-propre des quidams qui y sont assis.

Or, c’est bien à l’aune de ce show complètement désinhibé qu’il faut aller chercher le propos qui sous-tend l’ensemble. A savoir que ces démonstrations de forces hyperboliques sont précisément pensées pour extérioriser les névroses des personnages (en particulier celui-là). Jusqu’à son climax, Criminal Squad est un spectacle qui appuie généreusement sur tous les curseurs convoqués jusqu’à ce qu’un twist inattendu reconfigure son logiciel en totalité, sans pour autant faire mentir ce qui a précédé. Toute la réussite du film réside dans la capacité du réalisateur à gérer le mélange de premier degré absolu et de distance induite par le propos sans trahir son jeu aux yeux du spectateur. Une réussite tributaire de la performance de Butler, tant l’Écossais intègre sans se forcer la défaillance de ce personnage qui n’a pas conscience de la taille de sa touquette, son environnement lui renvoyant constamment le reflet qu’il aime à contempler. Mais c’est aussi l’honnêteté du réalisateur qui fait la différence, dans sa volonté de ne pas articuler ses intentions au détriment de ses personnages. Pas question d’instrumentaliser des caricatures pour appuyer un discours (voir ainsi les apartés sur la vie privée des uns et des autres, assez justes) et casser le premier degré de l’ensemble.

La fin d’une époque

Évidemment, dans ce genre d’exercice entreprenant de duper le spectateur sans se foutre de sa gueule, il est toujours difficile de réussir à jouer sur les deux tableaux si on ne s’appelle pas M. Night Shyamalan. De fait, on pourra toujours reprocher à Christian Gudecast de dissimuler ses cartes un peu trop vertement ; on pointera également du doigt les quelques incohérences qui survivent au procédé qui est censé leur donner sens. Reste que c’est tout à l’honneur du réalisateur d’entreprendre cette mécanique dans son découpage même plutôt qu’en intériorisant un discours qui se mettrait en travers de la proposition initiale. Se faisant, Criminal Squad fait de son propos un enjeu purement cinématographique qui sait choisir son moment pour se cristalliser. Comme dans cette fusillade finale qui refuse la catharsis tant espérée, laissant la frustration l’emporter sur la satisfaction. Un climax que l’on pourrait résumer dans cette réplique du personnage de 50 Cent, qui demande son arme du ton le plus fataliste et laconique dont il est capable, comme s’il était conscient du programme qu’il devait remplir. Si même celui qui a réinventé le gangsta rap il y a 15 ans fait la tronche en empoignant son arme…

Sous couvert du film mâle hyperbolique annoncé, Criminal Squad dessine le crépuscule d’un archétype en fin de vie. Ce faisant, le film de Christian Gudecast réussit à être parfaitement ce qu’il se devait d’être, tout en devenant son inverse. Autant dire que de la part du scénariste de la Chute de Londres et Un homme à part, on n’en attendait vraiment pas tant.

Criminal Squad : Extrait

Synopsis : Chaque jour, 120 millions de dollars en liquide sont retirés de la circulation et détruits par la Réserve fédérale de Los Angeles. Un gang de braqueurs multirécidivistes va tenter l’audacieux tour de force de mettre la main dessus. Mais, ils vont se heurter à une unité d’élite de la police qui n’a pas l’intention de jouer dans les règles de l’art. Tous les coups sont permis pour coincer ces gangsters prêts à tout.

Criminal Squad : Fiche technique

Titre original : Den of Thieves
Titre québécois : À armes égales
Réalisation : Christian Gudegast
Scénario : Christian Gudegast et Paul Scheuring
Interprétation : Gerard Butler :(Nick « Big Nick » Flanagan), Pablo Schreiber (Ray Merrimen), O’Shea Jackson Jr. (Donnie Wilson), Curtis « 50 Cent » Jackson (Levi Enson), Evan Jones (Bosco), Cooper Andrews (Mack), Brian Van Holt (Murphy « Murph » Collings)
Musique : Cliff Martinez
Photographie : Terry Stacey
Montage : Joel Cox
Production : Mark Canton, Christian Gudegast, Ryan Kavanaugh et Tucker Tooley
Sociétés de production : Diamond Film Productions, Tooley Productions et G-BASE
Sociétés de distribution : STX Entertainment (États-Unis), Metropolitan FilmExport (France)
Date de sortie : 21 Février 2018
Durée : 2h20
Genre : Thriller, policier

États-Unis 2018

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