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Avec Une affaire de famille, Hirokazu Kore-Eda marque la sélection officielle de ce Festival de Cannes 2018, avec une œuvre à la fois lumineuse et triste autour de sa thématique de prédilection : la filiation et le reflet de la famille dans un Japon reclus sur lui-même.

D’un point de vue cinématographique, Une Affaire de famille est d’une intelligence assez rare : la sobriété du dispositif et la sincérité narrative font qu’un petit rien suffit à émouvoir. La caméra est toujours magnifiquement bien placée, elle porte son regard toujours à travers le bon angle et matérialise les enjeux de chacun malgré l’aspect opaque et très renforcé de cette « tribu ». Hirokazu Kore-Eda n’a pas besoin de sortir l’artillerie lourde (violon, pathos) pour amener son drame vers des confins romanesques, il laisse s’exprimer les situations qui parlent à la fois du passé et du présent : malgré le vol perpétré par des enfants ou le travail d’escort-girl de l’adolescente de la famille, le sentimentalisme est en fuite. Dans une petite bicoque où vit une « famille » composée d’un couple, un fils, une fille et une mamie, Une Affaire de famille va disséquer les moindres parcelles de la définition même de la famille dans un Japon contemporain clairsemé.

Au tout début du film, alors que père et fils usent de stratagèmes malicieux pour voler dans les supermarchés et manger à leur faim, ils vont ramener et adopter illégalement chez eux une jeune petite fille dotée d’un regard de chien battu, assise seule sur son balcon dans le froid et battue par ses parents. A partir de là, la petite famille va continuer à vivre, comme si de rien n’était, alors que les infos parlent de la disparition de la petite fille dans les médias. Kore-Eda, à ce moment, signe une tranche de vie hors des sentiers battus de la grande mégalopole, touchante et sincère, qui enlève toute trace de misérabilisme social malgré la condition précaire dans laquelle vivent ses personnages : portrait de vie fait de repas en famille, d’engueulades brèves, de rires aux éclats autour d’une table, de journées à la plage, de membres de la même famille qui tentent de démêler le vrai du faux sur le rôle de chacun, de se connaitre et de s’appréhender.

Lorsque le petit garçon, Shota, s’enfuit, on découvre qu’il n’est pas le fils biologique du dit « père » de la famille : il n’ose pas l’appeler « Papa ». Cette famille est construire de toutes pièces, mais elle s’est adoptée elle-même, recluse sur elle-même hors du cadre de la société malgré le travail de salarié ou d’intérimaires des « deux parents ». C’est toute la beauté du cinéma du japonais, qui se sert du drame pour faire rire, amuser avec douceur ou apaiser les cœurs, même dans les situations les plus difficiles, tout le contraire d’un autre film de la compétition, Les filles du soleil d’Eva Husson. Une simple phrase, un petit regard ou un geste permet de faire comprendre les intentions sans forcément être dans l’obligation de les marteler, ni d’utiliser un montage scénaristique trop didactique. On pourrait aisément penser que Kore-Eda récite sa leçon cotonneuse habituelle et son trop-plein de bienveillance, mais Une Affaire de famille est plus fissuré qu’il n’en a l’air, et tire au fur et à mesure sa trame dramatique.

Au-delà de la deuxième partie du film, qui remettra en cause l’existence même de cette famille à cause d’une enquête judiciaire, Kore-Eda, à travers ses personnages, filme et observe avec amertume un pays qui a du mal à faire évoluer sa notion de famille, sa réflexion sur les liens du sang et qui s’entête dans ses idéaux familiaux qui desservent les enfants au profit des mœurs du pays. Certes, Kore-Eda n’incrimine ni ne passe sous silence les méfaits des uns et des autres, mais  accompagne ses personnages, leur prend la main pour ne jamais les relâcher et sonne l’alerte sur l’importance de la réalisation d’une enfance : le cinéaste parle en effet avec justesse de ces êtres invisibles de la société, de ces égarés dont même les parents biologiques se foutent, et de ces disparus agrippés à leur condition et qui n’ont parfois qu’eux-mêmes pour exister aux yeux des autres.

Extraits : Une Affaire de famille

Synopsis : Au retour d’une nouvelle expédition de vol à l’étalage, Osamu et son fils recueillent dans la rue une petite fille qui semble livrée à elle-même. D’abord réticente à l’idée d’abriter l’enfant pour la nuit, la femme d’Osamu accepte de s’occuper d’elle en apprenant que ses parents la maltraitent. En dépit de leur pauvreté, survivant de petites rapines qui complètent les maigres salaires, les membres de cette famille semblent vivre heureux – jusqu’à ce qu’un incident révèle brutalement leurs plus terribles secrets…

[En compétition au Festival de Cannes 2018]

Une Affaire de famille (Titre original : Manbiki Kazoku), un film de Hirokazu Kore-Eda
Avec Lily Franky, Sakura Ando, Mayu Matsoka, Kirin Kiki
Genres : Drame
Distributeur :  Le Pacte
Durée : 2h01 min
Date de sortie : Prochainement

Nationalité Japonaise

Récompensée d’un Molière en 2016, Andréa Bescond choisit de porter son histoire sur grand écran. Les Chatouilles offre un sujet saisissant sur le viol et la pédophilie porté par un corps en mouvement, qui libère l’esprit de ses maux. La section Un certain Regard s’inscrit vraiment dans l’actualité cette année et bouscule le public.

Les chatouilles, c’est comme ça que Gilbert appelle ce qu’il fait subir à Odette. Nous, on appelle ça du viol. Adapté d’une pièce de théâtre, le film d’Eric Métayer et Andrea Bescond a une puissance de dénonciation incroyable. Pourtant, les scènes, pour la plupart, font rire, on a l’impression d’assister à une comédie sympathique mais ces notes d’humour cachent un fond bien plus profond et saisissant. L’oscillation entre comique et drame est réalisée avec succès. La salle éclate de rire et quelques secondes plus tard, c’est un silence plein d’une tension pensante ou des cris scandalisés qui s’emparent du public. Comment rester stoïque face à ces scènes atroces ? Le film a la rage et souligne l’importance de parler, d’oser se libérer du traumatisme.

Pierre Deladonchamps est impressionnant dans la peau de ce pédophile. Clovis Cornillac est tout aussi sincère dans son rôle de père aimant, prêt à tout pour rendre justice à sa fille. Ses hurlements de père transi de malheur résonnent encore dans les têtes et font encore ressentir sa douleur paternelle. Le personnage de Karin Viard est également joué avec brio par une actrice percutante en mère désarmée, que le public juge et ne comprend pas tant son indécence et son manque d’humanité sautent aux yeux et révoltent. Mais chacun gère sa culpabilité comme il peut… Andrea Bescond porte le film avec une énergie et une détermination impressionnante.

La forme ne sert pas toujours le film tant les moments théâtraux sont un peu trop poussés et surtout font perdre la crédibilité du message de l’œuvre, mais on l’oublie vite. Les allers-retours entre passé et présent sont nécessaires et bien construits mais les échanges entre Odette à 30 ans et Odette à 8 ans sont plutôt lourds et loin d’être indispensables. Les chorégraphies enchaînées n’apportent rien de nouveau hormis le fait que l’on voit clairement que l’art est pour Odette, toute sa vie. La danse lui fait tenir le coup, la maintient en vie. Et l’on s’attache très vite à ce personnage, un peu perdu, qui n’attend qu’une chose c’est qu’on l’aide. Qu’on l’aide à parler, à se battre et à se reconstruire parce qu’en 20 ans elle n’a pas réussi.

Bande-annonce : Les Chatouilles

Synopsis : Odette a huit ans, elle aime danser et dessiner. Pourquoi se méfierait-elle d’un ami de ses parents qui lui propose de « jouer aux chatouilles »? Une fois devenue adulte, Odette libère sa parole, et se plonge corps et âme dans sa carrière de danseuse, dans le tourbillon de la vie…

[Un Certain Regard au 71ème Festival de Cannes]

Les Chatouilles, un film de Andréa Bescond & Eric Métayer
Avec Karin Viard, Clovis Cornillac, Pierre Deladonchamps, Andréa Bescond…
Genre : Drame
Distributeur : Orange Studio Cinéma / UGC Distribution
Durée : 1h 43min
Date de sortie : 26 septembre 2018

Nationalité français

Présenté à la Quinzaine des réalisateurs du Festival de Cannes 2018, Climax envoie valser le public dans une transe folle aux allures psychédéliques. Gaspar Noé est vraiment un grand maître de la mise en scène.

Ils étaient nombreux à l’attendre, et l’heure est enfin arrivée de découvrir le dernier délire du réalisateur d’Irréversible. Un film brut sous acide que l’on regarde en se perdant au rythme des acteurs. Gaspar Noé confirme son talent monstre pour créer une ambiance purement visuelle grâce à des jeux de lumière qui n’appartiennent qu’à lui. Glauque, zombiesque et transcendant, Climax offre une danse lugubre aux odeurs de sangria. La manière qu’il a de peindre des tableaux avec les corps n’a pas bougé et bien que l’on puisse commencer à s’en lasser, ses plans vus d’en haut sont toujours aussi spectaculaires. Non, rien n’a changé dans le cinéma de Noé si ce n’est qu’il est moins provocateur. Une chose est sûre, il fait ce qui lui plaît, il s’éclate, et en voyant le cinéaste tout excité dans le Théâtre de la Croisette avant de présenter son film, on voit que rien ne l’a quitté de son âme d’adolescent.

Le cinéma de Noé n’est pas mort, mais les idées peut-être. Une heure et demie passée à regarder des corps danser, céder à l’ivresse et se déshumaniser au fil de la drogue, c’est beau parce que le cinéaste, passionné, fait ce qu’il a toujours su faire. Faire valser la caméra pour retourner son spectateur, mais rien de nouveau dans la mise en scène qui aurait pu surprendre la Croisette. Les plans-séquences sont gigantesques et enferment encore plus les personnages dans le huis clos de la salle des fêtes de laquelle ils semblent ne pas parvenir à sortir. Emprisonnés dans la drogue et dans les relations qu’ils ont les uns avec les autres, les couloirs glauques sont à l’image de la destruction qu’ils s’imposent et s’infligent. Des phrases écrites en gros sur tout l’écran qui font passer les étincelles fugitives de son esprit décalé avec quelques critiques du monde actuel glissées subtilement mais tout de même. Le collectif, l’anarchie, c’est la clé du projet fou qu’il nous propose au détriment d’un message profond. En choisissant des danseurs plutôt que des comédiens, le cinéaste mise sur la folie spontanée et naturelle de ceux qu’il a choisi. L’improvisation est le maître mot, hormis pour la scène de danse obligée d’être chorégraphiée. La danse est une envolée céleste qui pourrait bien faire danser toutes les salles au son euphorisant de l’électro .

Climax n’est pas vraiment le film qu’on attendait, il semble que Gaspar Noé n’a plus grand chose à dire et beaucoup de choses se mélangent, mais ne serait-ce que pour la proposition esthétique électrisée par les rythmes sonores, assister à cette séance magnétique à Cannes a quelque chose de divin.

Bande-annonce : Climax de Gaspar Noé

Synopsis : Naître et mourir sont des expériences extraordinaires. Vivre est un plaisir fugitif.

[Quinzaine des Réalisateurs au Festival de Cannes 2018]

Climax, un film de Gaspar Noé
Avec acteurs inconnus
Distributeur : Wild Bunch Distribution
Genres Drame, Thriller
Durée : 1h 35min
Date de sortie : 19 septembre 2018
Nationalité français

Pour son premier long métrage, Vanessa Filho s’offre l’une des plus grandes actrices françaises, Marion Cotillard, habituée de la Croisette. Dans Gueule d’Ange, elle interprète une mère absente et donne la réplique à une petite fille qui irradie de talent.

Gueule d’ange n’a pas l’intensité rêvée pour captiver sur toute sa longueur, mais met en lumière deux acteurs brillants que sont Alban Lenoir (déjà remarqué dans Un Français) et Ayline Aksoy-Etaix. Pour son premier long métrage, en compétition pour la Caméra d’Or, Vanessa Filho choisit la relation mère/fille comme moteur de l’intrigue pour proposer toute une réflexion sur l’éducation, l’indépendance et la construction de soi à travers certains modèles. Ici, c’est Marion Cotillard qui joue le rôle de ce modèle maternel. Si elle a su accompagner la petite fille durant tout le tournage et l’épauler avec toute son expérience d’actrice, son personnage, lui, fait tout le contraire. Mère immature et enfant responsable, on remarque dès le début l’inversion des rôles assez touchante et filmée subtilement. Pourtant, le mimétisme est largement présent et la fillette de 8 ans devient rapidement la même que sa mère. Surmaquillée, ondulant les hanches, Elli imite sa mère comme un miroir le ferait. Les deux se confondent parfois mais pourtant tout les oppose.  Marion Cotillard incarne avec justesse la cagole irresponsable qui ne pense qu’à ses soirées et son plaisir adolescent tandis qu’Alban Lenoir endosse le rôle de père de substitution de manière très forte.

Le charme du film repose sur la gueule d’ange d’Ayline Aksoy-Etaix, comme sa mère l’appelle si bien, et son besoin d’amour vital, que sa mère est incapable de lui donner laissant un grand vide en elle et l’entraînant à faire comme elle. Ce vide, il est aussi l’un des personnages principaux de l’intrigue représenté à de multiples reprises notamment grâce à la rencontre avec Julio, ancien plongeur professionnel. La gamine sombre finalement très vite, comme sa mère, dans l’alcoolisme enfantin et le vide devient celui qu’elle laisse dans les bouteilles d’alcool qu’elle enchaîne, mieux que tout le monde. La rencontre de ces deux personnages, émouvants par leur solitude et leur manque de repères est l’une des choses les plus réussies de l’histoire. Le besoin de l’un et de l’autre se crée très rapidement faisant presque oublier au spectateur qu’Elli a eu une mère, ou plutôt qu’elle n’en a pas. « C’est un fantôme » comme sa camarade de l’école le dit. Le récit souffre cependant de quelques longueurs et de scènes assez fades et répétitives, et n’embarque pas vraiment le spectateur dans cette quête d’une mère mais a au moins le mérite de proposer une œuvre touchante.

Bande-annonce : Gueule d’ange

Synopsis : Une jeune femme vit seule avec sa fille de huit ans. Une nuit, après une rencontre en boîte de nuit, la mère décide de partir, laissant son enfant livrée à elle-même.

[Un Certain Regard au Festival de Cannes 2018]

Gueule d’ange, un film de Vanessa Filho
Avec Marion Cotillard, Alban Lenoir, Ayline Aksoy-Etaix, Stéphane Rideau, Amélie Daure…
Genre : Drame
Distributeur : Mars Films
Durée : 2h 00min
Date de sortie : 23 mai 2018

Nationalité français

C’était l’une des grosses attentes de la croisette et la Quinzaine des réalisateurs de ce festival de Cannes 2018 nous a encore ébloui. Après Les Confins du monde de Guillaume Nicloux, Le monde est à toi de Romain Gavras, c’est autour de Mandy de Panos Cosmatos, et un Nicolas Cage survolté, de pulvériser la concurrence, dans ce film de vengeance gore et baroque à souhait. Oui, la Quinzaine de cette année est « the place to be » de ce festival.

Sur le papier, l’alliance entre les deux faisait saliver, et c’est peu de le dire. On pensait à l’esthétique baroque de l’un, au jeu d’acteur outrancier et vociférant de l’autre, et à la violence que cette coalition pouvait amener. Et, par miracle, le résultat est presque au-dessus de nos espérances, nous abreuve d’une générosité déconcertante. De la joie à n’en plus finir. Panos Cosmatos a parfaitement intégré Nicolas Cage dans son environnement et inversement : la première heure du film est la démonstration de tout l’art de Panos Cosmatos.

Des plans esthétiques 70’s qui s’étirent à n’en plus finir, une fantasmagorie psychédélique chamanique, une musique symphonique étourdissante, des jeux de lumières criards, des monstres que l’on croirait tout droit sortir de Hellraiser et un scénario de série Z : Panos Cosmatos n’a pas changé d’un centimètre depuis Beyond The Black Rainbow, au grand bonheur des fans du bonhomme.

Puis suite à la mort de sa dulcinée, car oui Mandy est un film de vengeance, Nicolas « Steven Seagal » Cage va devoir tuer tous les responsables de cette barbarie démoniaque. A partir de ce moment-là, et même si l’œuvre garde son esprit baroque et son style visuel toujours aussi impressionnant de virtuosité, Nicolas Cage devient le patron des lieux et se mue en véritable Viking : il fracasse tout sur son passage, à grands coups de haches, avec son exubérance habituelle. Il crie jusqu’à l’extinction de voix, pleurniche en slip tout en s’enfilant une bouteille de vodka dans le gosier, lance des punchlines en démembrant ses victimes, allume sa cigarette sur une tête coupée, et se fait une ligne de coke juste après une éviscération.

Ça, c’est notre Nicolas Cage sous LSD comme on l’aime. Le film se veut gore, lugubre et horrifique, et il l’est. Mais Mandy est surtout jouissif : ce cinéma de genre, qui assume l’étendue de son potentiel drolatique à son insu, et en devient donc un pur exercice de style, à la fois de metteur en scène mais aussi de directeur d’acteur. Car le rôle était écrit pour Nicolas Cage, qui parfois prend des faux airs de Bruce Campbell version Evil Dead : c’est un tel plaisir de voir cet acteur autant s’amuser, de jouer de sa notoriété et surtout, de sa (mauvaise) réputation. Mandy est un film méta qui devient un parc d’attraction pour tout fan de Nicolas Cage.

Mais au-delà de l’acteur, Mandy est un ovni qu’on ne voit quasiment jamais sur nos écrans, grâce à un cinéaste pas assez prolifique à nos yeux. Certes, les tics sont clinquants, et l’appropriation des codes du genre un peu trop forcée mais Panos Cosmatos a cet amour du cinéma bis et lui rend bien. Et c’est beau.

Synopsis : Pacific Northwest, 1983. Red Miller et Mandy Bloom mènent une existence paisible et empreinte d’amour. Quand leur refuge entouré de pinèdes est sauvagement détruit par les membres d’une secte dirigée par le sadique Jérémie Sand, Red est catapulté dans un voyage fantasmagorique marqué par la vengeance, le sang et le feu…

Mandy : Bande-annonce

[Quinzaine des réalisateurs au Festival de Cannes 2018]

Mandy, Un film de Panos Cosmatos
Avec : Nicolas Cage, Andrea Riseborough, Ned Dennehy, Olwen Fouéré…
Distributeur : XYZ Films
Genre : Action, Thriller
Durée : 2h01
Date de sortie : Prochainement

Nationalité américaine

Tout festival de Cannes a besoin d’une petite bouffée d’air frais, de ce film qui pulse, et qui égratigne les rétines avec son côté pop débridé. Ça tombe bien, la Quinzaine des Réalisateurs 2018 vient de nous l’offrir sur un plateau. Et c’est Le Monde est à toi de Romain Gavras. Le cinéaste signe la meilleure comédie de l’année.

Le Monde est à toi est une prise de risque intéressante car inattendue. Pourtant, tout le sel qui fait le cinéma de Romain Gavras est là : on reconnait son iconisation publicitaire avec ces grosses bagnoles et ces maisons de luxe dégoulinante, son héros aux antipodes des carcans habituels (génial Karim Leklou), sa mise en scène provenant du monde des clips avec son imagerie chromatique et théâtralisée des banlieues, sa palette de couleurs chatoyante et sa bande son électro (Jamie XX). Cependant, les craintes étaient de mise avant que l’on connaisse le résultat de Le Monde est à toi.

C’est-à-dire que ce second film est complètement différent de la grosse déception qu’était Notre Jour viendra. Ce dernier avait un ton solennel, une ironie d’enfant gâté et un anarchisme un peu de pacotille : au final, on avait bien morflé. Pourtant, le talent était là, devant nos yeux interloqués, visible dès le premier coup d’œil : son côté insurrectionnel s’ajoutait à cette envie communicative de déjouer les codes du cinéma français. Ça fait du bien au moral de voir que Le Monde est à toi révèle enfin au grand jour les qualités indéniables de Romain Gavras, qu’on attendait à ce niveau-là depuis longtemps, et sur lequel il faudra compter dans les prochaines années du cinéma français.

Aussi drôle que percutant, Le Monde est à toi est un film qui s’offre facilement à son public : immédiat et comique grâce à une écriture moderne faite de punchlines incorrigibles (le dialogue entre François et la gamine anglaise pour savoir qui a eu la pire enfance possible), et surtout par le biais d’un casting 4 étoiles. Un Vincent Cassel jouant les attardés écoutant les médias complotistes, une Isabelle Adjani hilarante dans son rôle de tatie Ginette psychédélique et un Philippe Katerine, avocat pernicieux et dérangé. Le Monde est à toi, c’est un peu comme si True Romance de Tony Scott rencontrait Les Lascars : de l’aventure, du luxe, des armes, de l’amour, de la drogue, de l’accent racaille, de l’argent mais tout ça mixé pour en faire une comédie irrésistible.

Romain Gavras apporte une bouffée d’air frais au cinéma de genre français, et surtout montre comment écrire une comédie, qui ne jalonne jamais son rythme autour de situations désordonnées, se sert des clichés pour fédérer et non diviser, et casse cette idée que la comédie française est un genre fainéant se basant uniquement sur ses grands noms pour faire rire. Alors que Notre Jour Viendra parlait de racisme et d’isolement social d’une manière un peu trop frontale et juvénile pour que cela soit réellement pertinent, Le Monde est à toi à cette immense qualité de pouvoir appréhender l’actualité sociale et sociétale (la banlieue et ce qui l’entoure) avec recul, et dérision. Au lieu de jouer les accusateurs et les révolutionnaires, Le Monde est à toi s’amuse des codes avec son esprit pop à la Spring Breakers d’Harmony Korine.

La comédie française peut avoir du fond (l’envie d’être soi-même ou l’instrumentalisation des médias numériques), de la forme (une mise en scène clipesque onirique et jamais grossière), des personnages charismatiques avec des grands acteurs au service de l’histoire (et non l’inverse), et du rythme (le mélange des genres entre film de braquage et comédie). Avec cette escapade, Romain Gavras signe un retour en grande pompe et enchante toute la croisette. Et c’est bien mérité.

Bande-annonce : Le Monde est à toi

Synopsis : François, petit dealer, a un rêve : devenir le distributeur officiel de Mr Freeze au Maghreb. Cette vie, qu’il convoite tant, vole en éclat quand il apprend que Dany, sa mère, a dépensé toutes ses économies. Poutine, le caïd lunatique de la cité propose à François un plan en Espagne pour se refaire. Mais quand tout son entourage s’en mêle rien ne va se passer comme prévu.

[Quinzaine des réalisateurs au Festival de Cannes 2018]

Le Monde est à toi, un film de Romain Gavras
Avec Karim Leklou, Isabelle Adjani, Vincent Cassel, Oulaya Amamra
Distributeur : StudioCanal
Genre : Action, Comédie
Durée : 1h34 min
Date de sortie 22 août 2018

Nationalité française

Les Filles du soleil est un sérieux candidat à la Palme d’Or pour le Festival de Cannes 2018. À visée immensément politique et en gros chef d’œuvre esthétique, le film bouleverse par ses personnages féminins forts.

Il est difficile de ne pas considérer Les filles du soleil sans faire référence  à l’actualité. Après la montée des marches de 82 femmes ce samedi 12 mai sur le tapis rouge cannois, la projection du film ne peut que donner plus d’impact au combat actuel. Eva Husson réveille l’engagement pour rendre un bel hommage aux femmes kurdes qui se sont battues pour leur liberté. Le film est fort et bouleversant par tant de détermination et de courage. Le regard de Golshifteh Farahani ne baisse jamais et l’actrice domine le film dans son rôle d’héroïne prête à tout pour revoir son fils et sa liberté. Peu à peu et à force de flashbacks bouleversants, on découvre son histoire et sa vie faite de traumatismes, au même rythme que la reporter jouée par Emmanuelle Bercot lui pose des questions.

La critique s’emballe contre ce film qu’elle juge majoritairement tire-larme dans sa réunion d’éléments dramatiques, mais ceux-ci définissent l’origine du combat en montrant une réalité trop souvent oubliée. La vie de Bahar, c’est ce qui a fait d’elle cette guerrière. C’est grâce à ces cicatrices qu’elle a réussi à décrocher le drapeau noir en criant « Vive le Kurdistan libre », ce sont tous ces éléments qui bouleversent et donnent toute sa force et sa puissance au combat qu’elles mènent. Ensemble. Les voix qu’elles portent dans le film sont les mêmes que l’on entend aujourd’hui et qui ne cessent pas de se faire entendre. La solidarité jaillit du film par des chants, des regards et des gestes protecteurs qui forcent l’admiration. Outre le contexte politique actuel, Les filles du soleil saisit par la réalité qu’il met devant les yeux du monde. Des viols à la torture, de l’esclavage sexuel à la mort, tout y est dénoncé, tirés de témoignages que la réalisatrice a recueilli. Tout y est essentiel et grand d’intensité.

Hormis le sujet purement politique, la cinéaste fait de son film un bijou esthétique. Que ce soit dans les détails des visages déterminés par le besoin de liberté ou dans la captation des regards purs remplis de sincérité, la caméra ne fait que décharger les émotions picturales qui suivent celles de l’intrigue. La composition des images est splendide et met aussi bien en valeur les personnages que les paysages kurdes habités par la guerre mais où résonnent la paix à travers les plans d’Eva Husson. Les Filles du soleil est donc un grand film porté par deux actrices aux expressions bouleversantes pour un sujet aussi percutant que la guerre.

Bande-annonce : Les Filles du soleil

Synopsis : Quelque part au Kurdistan. Bahar, commandante des Filles du Soleil, un bataillon composé de femmes soldates kurdes, est sur le point de reprendre la ville de Gordyene, où elle avait été capturée par les extrémistes. Mathilde, journaliste française, couvre les trois premiers jours de l’offensive. A travers la rencontre de ces deux femmes, on retrace le parcours de Bahar depuis que les hommes en noir ont fait irruption dans sa vie.

[Compétition au Festival de Cannes 2018]

Les Filles du soleil (The Girls of Sun), un film d’Eva Husson
Avec Golshifteh Farahani, Emmanuelle Bercot, Zübeyde Bulut, Behi Djanati Atai…
Genre : Drame
Distributeur : Wild Bunch Distribution
Production : Steps Productions, Arches Films, Bord Cadre Films, Maneki Films , Wild Bunch
Durée : 1h 55min
Date de sortie 21 novembre 2018

Nationalité français

La sélection officielle du Festival de Cannes a été marquée hier par sa première véritable sensation, Les Eternels de Jia Zhang-ke. Alors qu’il part en trombe avec ses faux airs de film de mafia nerveux et sec comme un coup de trique, Les Éternels révèle par la suite toute sa profondeur. Un portrait de femme magnifique dans une Chine aliénée, solitaire et en pleine mutation. C’est presque d’une densité sans égale.

Au premier regard, Les Eternels pourrait paraître être le patchwork parfait entre A Touch of Sin et Au-delà des Montagnes, tout en reprenant certains codes visuels documentaires de Still Life. Et pourtant, le film est beaucoup plus que cela. Non, Jia Zhang-ke ne se caricature pas, il continue les césures de son cinéma avec passion et férocité. Non, il ne reste pas dans une zone de confort inlassable, il avance ses pions et se questionne même sur son cinéma. Et oui, il déjoue les attentes qui étaient largement importantes autour de son retour au festival de Cannes. Dans une Chine où la pègre dirige les petits quartiers avec des cadeaux sous la table, où le code d’honneur n’a plus de valeur aux yeux des malfrats, Les Eternels nous livre un premier tiers de films lorgnant sur le cinéma de genre, tendu et tonitruant, surtout lorsque la fameuse scène de bagarre survient.

Un choc, les coups pleuvent, les lumières scintillent de mille feux, la caméra fait crépiter toute la violence et le bruit assourdissant des coups. Intense. Brutal. Sauf que cette scène sonne le glas de la violence physique et intestinale de la pègre, pour se faire déloger par une violence plus insidieuse et douloureuse : celle d’une vie de droiture et de reconstruction dans un environnement qui change de visage à grande vitesse. La jeune Qiao vient de sauver Bin, son compagnon, chef de la pègre d’un petit village. Lui continuera sa vie, elle partira en prison. A partir de là, la caméra de Jia Zhang-ke change d’épaule, dévie son regard pour deviner les péripéties d’une survie dans une Chine où la solitude est le maître mot malgré l’immensité et la densité de la population.

Film de malfrat, romance heurtée, documentaire, analyse sociale d’un pays en friche, Les Éternels marie les genres avec subtilité, mais reste avant tout un portrait de femmes impressionnant de conviction et de pugnacité, où se pose la question de comment survivre suite à une explosion de violence, qui au lieu de devenir une délivrance et l’ultime moyen d’expression (comme dans A Touch of Sin) est un purgatoire, une remise en question individuelle. Car ce sont les cendres les plus chaudes qui sont les plus pures selon le titre du film. Devenant alors une épopée apathique diront certains, parfumée et contemplative diront d’autres, Les Éternels écoute les petites discussions dans des trains de passage, observe avec attention l’effet de groupe dans une pègre de bouiboui, travaille beaucoup sur l’arrière-plan pour montrer ce qui se trame sous nos yeux et regorge de détails qui assument leur fondation documentaire.

La Chine est un personnage, elle est visible par ses paysages astronomiques ou sa population de masse qui gronde, mais Les Éternels touche ses plus beaux sommets par le biais de sa romance qui unit deux êtres aux antipodes. Romance, qui, au-delà des scènes de disputes ou de remise en question en tant que couple (magnifique scène de rupture sur un lit de chambre d’hôtel), étudie la Chine avec encore plus de flamboyance : entre ceux qui avancent et ceux qui reculent, ceux qui ont les cartes en main ou ceux qui ne les ont pas. Dans ces regards perdus vers le sol, ou ces larmes au creux des joues, autour de ces buildings qui s’amassent, Jia Zhang-Ke touche au sublime et réfléchit même sur son propre cinéma : la place de la violence dans l’avancement même de chacun, celle qui se veut économique et amoureuse.

La violence qui hante les pas de la jeune Qiao est autant propice à la réflexion sur l’ambivalence d’une société capitaliste avec les valeurs ancestrales qu’au questionnement plus pudique sur le reflet des petits méfaits (vol ou mensonge) ou des accidents (maladie) dont les répercussions dénaturent les personnes. Le temps passe, les sentiments non, malgré les silences. Peut-on aimer et garder ses propres rêves dans un monde dont la simple envie est de les écraser ?

Synopsis : En 2001, la jeune Qiao est amoureuse de Bin, petit chef de la pègre locale de Datong. Alors que Bin est attaqué par une bande rivale, Qiao prend sa défense et tire plusieurs coups de feu. Elle est condamnée à cinq ans de prison. A sa sortie, Qiao part à la recherche de Bin et tente de renouer avec lui. Mais il refuse de la suivre. Dix ans plus tard, à Datong, Qiao est célibataire, elle a réussi sa vie en restant fidèle aux valeurs de la pègre. Bin, usé par les épreuves, revient pour retrouver Qiao, la seule personne qu’il ait jamais aimée…

Extraits : Les Eternels (Ash Is Purest White)

[Compétition au Festival de Cannes 2018]

(Titre original : Jiang Hu Er Nv) Les Eternels (Ash Is Purest White), un film de Jia Zhang-ke
Avec Zhao Tao, Fan Liao et Feng Xiaogang
Genres : Romance, Drame
Distributeur : Ad Vitam
Durée : 2h 30min
Date de sortie : 26 décembre 2018

Nationalités : Chinoise, Française et Japonaise

La Quinzaine des réalisateurs offre à Marie Monge l’occasion de montrer l’étendue de son talent avec son premier film, Joueurs, porté par un duo magnétique. Le Festival de Cannes 2018 accueille beaucoup de talents émergents dont la cinéaste fait clairement partie.

Il est rare de voir à l’écran un film dans lesquels la femme est le personnage dont on s’inquiète le plus. Dans Joueurs, on découvre le deuxième personnage principal interprété par Tahar Rahim, à travers le regard de sa partenaire féminine. Après avoir joué la femme de Jean-Luc Godard dans Le redoutable, Stacy Martin repasse au centre de l’image dans ce film noir au scénario assez prévisible, mais pas moins convaincant.

La force du film ne repose pas vraiment dans l’intrigue, bien qu’elle soit captivante du début à la fin. La vraie intensité est provoquée par le jeu des acteurs parce que c’est eux qui attirent notre regard pendant plus d’une heure et demie. Le naturel de Tahar Rahim, toujours très convaincant en caïd, s’associe très bien à la douceur de Stacy Martin. Le duo d’acteurs fonctionne totalement à l’écran et l’alchimie passe autant entre eux qu’avec le spectateur qui saisit toute la force du lien qui les unit dès les premiers mots échangés. Ces premiers regards sont d’ailleurs brillamment marqués en image avec une opposition de la lumière pour les deux personnages. Au début, Ella est toujours dans des couleurs froides et bleues, et Abel dans des couleurs plus chaudes qui marquent son côté joyeux et plus excentrique que la vie que la jeune femme mène. Puis les couleurs s’inversent au fur et à mesure que leur relation avance. On voit notamment une scène de danse où Tahar Rahim passe des couleurs chaudes aux couleurs bleues en dansant, totalement à l’image du changement s’opérant dans sa vie. Addict aux jeux, il finit par quitter ce monde pour rassurer la femme qu’il aime. Mais on ne quitte jamais cet univers si facilement, ou en tout cas, rarement sans dettes.

Cette dichotomie se poursuit tout au long du film, montrant la rupture entre les deux mondes bien distincts des deux personnages. Malgré le fait que chacun essaie d’entrer dans celui de l’autre, les vieilles habitudes reviennent toujours. La fin, on la devine très rapidement parce que la réalisatrice s’inspire des codes du film noir et les traques sont maintenant habituelles du genre et pourtant, celles-ci restent efficaces. L’addiction aux jeux laisse souvent place à celle de l’amour pour deux personnages prêts à tout l’un pour l’autre, malgré les trahisons. S’il y a bien quelque chose qu’ils aiment plus que les jeux, c’est l’un et l’autre. Ensemble.

Synopsis : Lorsqu’Ella rencontre Abel, sa vie bascule. Dans le sillage de cet amant insaisissable, la jeune fille va découvrir le Paris cosmopolite et souterrain des cercles de jeux, où adrénaline et argent règnent. D’abord un pari, leur histoire se transforme en une passion dévorante.

[Quinzaine des Réalisateurs au Festival de Cannes 2018]

Joueurs, un film de Marie Monge
Avec Tahar Rahim, Stacy Martin, Karim Leklou et Bruno Wolkowich
Genre : Thriller
Distributeur : Bac Films
Durée : 1h 45min
Date de sortie : 4 juillet 2018

Nationalité française