Pendant longtemps, Dreamworks est resté dans l’ombre de Pixar. Mais depuis quelques années le public a réellement changé son regard que sur ce studio, depuis Dragons (2010) exactement, film plébiscité autant par la critique que par le public, puis Les Cinq légendes (2012) et aujourd’hui avec Les Croods. Il faut dire que John Cleese (Monty Python) a participé à l’écriture de l’histoire, et que l’on retrouve aux commandes Chris Sanders, accompagné de Kirk DeMicco. Une nouvelle fois, cette équipe démontre l’étendue de son talent pour réaliser un très bon film d’animation.

Dernier né des studios Dreamworks après Fourmiz (1998), Kung-Fu Panda (2008) ou encore Madagascar (2005, 2008, 2012)), le vingt-sixième film de l’écurie nous ramène ainsi à l’âge de pierre pour une aventure colorée, envolée, burlesque mais également touchante et profonde. Le moteur graphique est saisissant, la mise en scène est ambitieuse, la réalisation de toute beauté. Nous suivons avec joie les pérégrinations des Croods, une sorte de road movie servi par une 3D en relief réussie, à travers un monde préhistorique luxuriant aux décors majestueux, aux paysages très colorés (qui rappellent Avatar), peuplés de créatures extraordinaires et surtout inédites telles qu’un tigre à dents de sabre vert, un ours-hibou, des oiseaux-piranhas, des souris-éléphant ou encore des crocodiles-chiens. Le spectateur est amené à s’attacher à cette savoureuse galerie de personnages déjantés, que ce soit le père hyper-protecteur, la fille aventureuse, le fils un peu simplet, le bébé féroce ou la grand-mère rigolote qui refuse de mourir. On a envie de faire partie de cette famille des cavernes. Dès le début du film, la scène de chasse menée tonnerre battant par les Croods comme un match de rugby explosif, est hilarante. Plusieurs anachronismes malins sont très amusants également, tels la chaussure, le parapluie ou encore les lunettes de soleil et se mélangent astucieusement avec quelques allusions historiques, telles la découverte du feu, la création de Lascaux, voire de la photographie ou du cinéma. Le générique de fin, quant à lui, propose une chanson rock du groupe Owl City, parfaitement en résonance avec l’ambiance pop des Croods.

Mais ce film est bien plus qu’une animation pour enfants[iii]. Les réalisateurs démontrent également leur volonté de transformer cette odyssée préhistorique en fable philosophique, en rite initiatique : les personnages migrant face à une nature qui se modifie et devient dangereuse rappelle L’Âge de glace 2 et bien entendu L’Âge de glace 4, dans lequel les personnages sont également confrontés à la séparation des continents et doivent trouver un endroit plus sûr. Les Croods sont au final la première famille moderne : la Terre n’attend pas pour évoluer ; Les Croods prennent rapidement conscience que s’ils n’évoluent pas, ils appartiendront à l’Histoire. Grug pense au départ que tout ce qui est nouveau est un danger pour sa famille. La rencontre de l’autre, de Guy, le contraint d’évoluer et de changer les habitudes de toute sa famille. Le jeune guide va non seulement leur apprendre de nouvelles choses utiles comme le feu, les chaussures, les pièges ou encore manger la poule et non l’œuf, mais également à vivre au lieu de survivre, nouant ainsi une relation amoureuse avec la fille Croods, Eep, éprise de liberté… Au contact de l’autre, les Croods apprennent à ne plus avoir peur, à sortir de la grotte pour aller vers la lumière, et à apprivoiser la nature qui les entoure aussi dangereuse soit-elle. Les Croods, c’est nous à l’aube de notre vie : l’homme doit évoluer sans cesse, s’habituer à la nouveauté, à la différence, se confronter à la peur de l’inconnu ou de la mort, prendre confiance. Les Croods découvrent ainsi le sens de la vie, ses dangers, ses joies et ses peines, non sans transmettre une émotion sincère au spectateur. L’adulte à travers cette interrogation existentielle se retrouvera, lui aussi.

Avec Les Croods, Dreamworks propose un bijou d’animation, un divertissement remarquable qui ravira tant les enfants que les parents. Pour toute les familles du Pierrafeu 2013 !

https://vimeo.com/225227498

Synopsis : la famille Croods, dernière représentante de son espèce, menée par Grug, père ultra-protecteur, tente de survivre dans le monde hostile qui l’entoure. Vivant la majeure partie du temps enfermée dans une sombre caverne, la petite famille ne sort que pour se nourrir. Face à ce quotidien morose, Eep, la fille aînée s’ennuie ferme. L’arrivée de la fin du monde et du très évolué Guy et son hilarant paresseux Brassé, va changer la donne. Suite à la destruction de la précieuse caverne, le sympathique clan d’Homo sapiens est contraint pour survivre de  passer de l’ère paléolithique à l’ère néolithique à travers de nombreuses péripéties et la découverte d’un nouveau monde merveilleux. (A partir de 6 ans)
Note CSM : 4/5

[i] Chris Sanders, animateur, acteur, scénariste et réalisateur américain, né le 12 mars 1962 au Colorado, travaille tout d’abord pour le compte de Walt Disney Pictures entre 1984 et 2007, puis chez Dreamworks : on lui doit notamment Lilo et Stitch (2002), ou encore Dragons (2010).

Joseph Kosinski, n’ayant pas connu le succès escompté avec Tron : L’Héritage (2010), adapte ici son propre roman graphique Oblivion, un projet nettement plus personnel, un récit de science-fiction écrit de sa main.

Synopsis: En 2077, Jack Harper en station sur la Terre devenue hautement radioactive suite à une guerre avec une race extra-terrestre, est en charge de la réparation de drones et de la surveillance des plateformes d’extraction des dernières ressources disponibles. Sa mission touche à sa fin. Bientôt il rejoindra la colonie de survivants sur Titan, via une station orbitale, le « Tet », gigantesque tétraèdre flottant dans l’espace. Mais un jour, il est témoin du crash d’un vaisseau spatial et sauve l’un des membres de l’équipage, Julia, ce qui le bouleverse et le confronte à certains éléments de son passé pourtant effacés de sa mémoire.

Le point fort d’Oblivion est sans nul doute, son esthétisme, la création d’un univers de sensations. Graphiquement, le film est une merveille, due en grande partie aux décors épurés (notamment à celui de la station perchée et dotée d’une piscine céleste) ou aux paysages splendides d’Islande qui après le mauvais Prometheus (2012) de Ridley Scott, demeure malgré tout un paradis pour les films de SF. Les paysages désertiques et post-apocalyptiques sont très réussis, les effets spéciaux subtils, difficiles à distinguer des prises de vues réelles. La beauté plastique réside également en une mise en scène élégante et aérienne; le design de la technologie, à la fois sobre et travaillé, évoque l’univers d’Apple ou du jeu Portal. La photographie est somptueuse et certainement renforcée par l’absence de 3D, qui s’avère un choix courageux et efficace du réalisateur. Kosinski en grand maître plasticien, a ainsi su créer un univers, une ambiance, un visuel fort et d’une grande beauté qui rappelle une science-fiction à l’ancienne avec un habillage sonore remarquable et une bande-son épique du groupe M83. Pour une fois, l’action n’est pas le maître-mot du film ; La technique sert uniquement le récit et non le contraire ; la mise en scène joue davantage avec les errances géographiques, amoureuses et psychiques du héros. Les amateurs de SF noteront également, sans être exhaustif, les clins d’œil du film à Total Recall (1990), La Guerre des Mondes (2005), ou encore au vaisseau mère d’Independance Day (1996). Le spectateur appréciera aussi les drones rigolos de Portal ou leur efficacité de combat, les terres désolées de Fallout, la petite plante de Wall-E (2008), la course-poursuite dans le canyon rappelant celle de l’Étoile de la Mort dans Star Wars et certaines idées sympathiques, comme le mystère entourant l’identité des chacals.

Toutefois, Oblivion pêche par son casting. Certes, le jeu d’acteur de Tom Cruise, malgré ses 50 ans, est indiscutable et apporte une grande profondeur au personnage. C’est d’ailleurs lui qui porte le film sur ses épaules. Omniprésent, il occulte complètement le rôle des acteurs secondaires dans le film, qui malgré leurs efforts restent totalement effacés : Andrea Riseborough, apporte une tendresse cruelle à son personnage blafard mais sur-joue parfois, et reste discrète par rapport à son compagnon de cabine. Olga Kurylenko, ne transmet aucune émotion, et plombe la dimension sentimentale du film, qui passe totalement aux oubliettes. Quant à Morgan Freeman, acteur dont le talent n’est plus à démontrer, la quinzaine de minutes qui lui est accordée dans le film ne permet pas d’octroyer une véritable ampleur à son personnage.

En outre, le scénario reste en grande partie prévisible. On peut regretter l’absence de forts enjeux dramatiques et le manque de rythme de l’intrigue. Le film reprend quelques motifs connus pour tout connaisseur de SF : l’homme face à la machine, le clonage déjà abordé par Le Meilleur des Mondes (1998) ou Matrix (1999), l’idée récurrente de l’implantation des souvenirs et l’effacement de la mémoire de Blade Runner (1982) ou Total Recall, l’intelligence artificielle néfaste qui se fait passer pour ce qu’elle n’est pas (HAL dans 2001 l’Odyssée de l’Espace)…. Mais le réalisateur se perd dans un scénario retors sans réellement apporter un renouveau, une véritable piste de réflexion pour le spectateur. Plus regrettable encore est qu’Oblivion s’inspire grandement du film Moon (2010) de Duncan Jones avec Sam Rockwell, mais n’en est qu’une pâle copie plus politiquement correcte et se conclue par un dénouement ridicule : le retour improbable d’un clone aux émotions renouvelées à la terre paradisiaque.

Fort d’un budget de 120 millions de dollars, le film malgré un renouveau esthétique certain, se noie dans un scénario complexe, un casting en demi-teinte, une absence de construction. Ceci est regrettable car Oblivion aurait pu tenir ses promesses…

Thriller médical au scénario intelligent, Effets secondaires de Steven Soderberghpart d’un bon sujet, très actuel : le traitement de la dépression et les effets secondaires des médicaments.

Il évoque aussi le conflit inhérent des labos pharmaceutiques entre la volonté mercantile de faire fructifier leurs molécules coûte que coûte, et celle de soigner. La première partie est une merveille de suspense, à la tension psychologique permanente : fascinante et inquiétante à la fois, elle plonge le spectateur dans un monde où tout est magouille et pots de vin. Elle a aussi l’ambition de poser une question essentielle : jusqu’où la responsabilité du psychiatre est-elle impliquée lors de la prescription d’un anxiolytique?

Du « brouillard empoisonné » au jeu de masques hitchcockien ! Jon Banks est un psychiatre ambitieux. une jeune femme, Emilie, le consulte pour dépression. Il lui prescrit un anxiolytique dernier cri. Ses réactions deviennent brusques, inquiétantes, jusqu’au meurtre sanglant de son mari. La réputation du docteur Banks est alors compromise. Va-t-il échapper à la culpabilité ?…Soderbergh signe un thriller psychologique évocateur de l’âge d’or du film noir, qui ne devrait pas décevoir les fans d’Hitchcock, car il impose un retour aux fondamentaux du cinéma : un scénario en béton, un casting somptueux, une réalisation sobre, et une mise en scène froide totalement acquise à la narration, évoquant souvent le grand De Palma. Soderbergh rappelle tout d’abord que la désorientation, ce « brouillard empoisonné », est avant tout un art, avant de faire volte-face et d’imposer en seconde partie un jeu de marionnettes hitchcockien. La bande annonce a d’ailleurs le mérite de ne pas déflorer l’intrigue.

Ainsi, le suspense pharmaco policier nous tient en haleine jusqu’à son dénouement vengeur grâce à la fantastique brochette d’acteurs fidèles, castés et dirigés avec brio : le charismatique Jude Law, à travers un personnage opaque et agité, toujours porté par un instinct de survie, démontre que l’acteur se bonifie, se complexifie clairement avec les années ; Rooney Mara époustouflante de bout en bout, impressionnante de vérité, impose à travers un physique gracile et un regard intriguant, une palette de jeu remarquable et de plus en plus complexe. C’est elle l’épicentre ambivalent de l’histoire et elle ne dévisse pas. Catherine Zeta-Jones est également crédible en psychiatre perverse et hautaine…

Le seul reproche que l’on peut faire au réalisateur est peut-être une ambition démesurée, celle de faire deux films en un. Le cinéma de Soderbergh est pluriel, sa carrière et ses réussites sont elles aussi fluctuantes. Le film n’a d’ailleurs pas eu un grand succès aux États-Unis en partie à cause de son réalisme. Ainsi, la première grosse demi-heure résolument intellectuelle semble limpide, ancrée dans le thème de la dépression et du drame lié à l’industrie pharmaceutique. Elle apparaîtra trop lente pour certains. Mais comment décrire un tel phénomène de société d’un point de vue sensationnaliste ?

Puis Sodebergh nous surprend à mi-chemin en transformant son récit en un thriller psychologique. D’autres, reprocheront une embrouille alambiquée, un jeu inutile du chat et de la souris, avec fausse victime, faux médicaments, personnages manipulateurs ou scène pseudo-saphique… Certes, la fin est un peu trop rapide. Il n’en demeure pas moins que Effets secondaires se révèle une étude glaciale de la nature humaine, un thriller psychologique bien construit, remarquablement maîtrisé, et magnifié par une mise en scène élégante : un pur moment de cinéma. Espérons que Soderbergh n’ait pas réellement décidé de mettre fin à sa carrière. Car lui aussi, se bonifie avec le temps.

Le premier plan est d’ailleurs une caméra qui s’avance vers la fenêtre d’un immeuble d’une grande ville, comme dans Psychose.

Rooney Mara, révélée dans The Social Network, s’est également distinguée pour son rôle de Lisbeth Salander dans le Millénium de David Fincher. Après son interprétation remarquable dans Effets secondaires, il faut désormais suivre cette actrice de près.

Oblivion, est un film aux décors spectaculaires, novateur cinématographiquement, un événement visuel tourné dans une superbe résolution 4k numérique à travers les États-Unis et l’Islande.

Le réalisateur de Tron a encore une fois montré sa capacité à imaginer une Terre spectaculaire où un homme se confronte à son passé. La force du film réside dans le visuel agrémenté d’un esthétisme hors du commun et d’une bande originale sublime qui donne des frissons comme ce fut le cas pour Tron. Kozinski sait créer de bons univers futuristes uniques en leur genre, les décors sont tellement convaincants que l’on croirait qu’ils sont réels. L’une des machines volante de Tom Cruise, a un côté très kitsch, et la phrase « la Terre est un souvenir pour laquelle il faut se battre », fait penser à Mass Effect 3.

Les thèmes abordés dans ce film sont aussi très intéressants et largement exploités dans les livres d’anticipation et de fantastique : le clonage, la domination des machines, la survie dans les souterrains et l’effacement de la mémoire faisant penser aux histoires de Philip K. Dick et aux films comme Terminator, Total Recall etc… Et pour ceux qui adorent les jeux vidéos, une scène dans laquelle on voit Jack se battre dans son engin contre les drones ressemble à s’y méprendre à un de ses combats que l’on voit dans les jeux vidéos space opéra utilisant le même type de stratégie pour descendre un ennemi trop puissant.

Le synopsis peut se résumer ainsi : En 2077, la Terre est désormais une ruine, post-nucléaire suite à une guerre contre des aliens nommés Scavs, le dernier bastion de l’humanité a été évacué sur une lune de Saturne, Titan, Jack Haper, dont la mémoire est effacée tous les 5 ans, est un technicien vivant sur une tour dans le ciel. Il doit rester sur Terre pour veiller à l’entretien de drones, programmés à sauvegarder de gigantesques stations, pompant l’eau de mer pour s’en servir comme une source d’énergie nécessaire aux derniers humains.

Il vit avec Victoria, un agent de liaison, qui reçoit ses ordres d’une station spatiale du Têt où son patron Sally contrôle les opérations, mettant fin à chaque conversation par la même question « Êtes-vous une équipe efficace? ». C’est une question étrange mais Victoria est heureuse d’y répondre tel un perroquet : « Oui, nous sommes une équipe efficace ».

Quant à Jack, son sommeil est troublé par la vision d’une femme toujours la même, dans un New-York de notre époque, il rêve de Julia, à qui il rend visite chaque soir dans la cabane qu’il s’est construite sur cette Terre dévastée. Deux semaines avant le départ pour Titans l’arrivée d’une étrangère, interprétée par Olga Kurylenko, que la plupart d’entre nous connaissent comme la James Bond girl de Quantum of Solace, va remettre en question son existence…et l’emmènera dans un voyage de rédemption et de découverte qui placeront le destin de l’humanité entre ses mains.

Si on peut reprocher au film une certaine longueur, et une fin trop vite expédiée, le film reste bon, une photographie esthétisante, et un crescendo vers des révélations surprenante comme sur qui sont les Scavs. Reste à poser la question d’une science fiction renouvelée…

D’ailleurs, le rédacteur en chef de l’Ecran Fantastique Alain Schlockoff s’enflamme pour le film Oblivion il dira : « J’ai ADORÉ LE FILM ! C’est, pour moi, non seulement un grand film de SF, mais l’un des meilleurs du genre, qui m’évoque parfois 2001, conjuguant ici à merveille action, suspense et émotion, soutenu par une B.O. exceptionnelle (de M.8.3., auquel on doit déjà celle de l’épatant Chronicle). Tom Cruise est formidable (même s’il n’est pas le seul à l’être….). J’ai craqué par ailleurs sur Olga Kurylenko, que j’avais trouvé quelconque dans Quantum of Solace, sans doute parce que je n’aime pas le film, mais qui est sublime ici. Les visuels (décors, engins, etc) sont juste à couper le souffle !! (de même que les SFX). Un détail, important en ce qui me concerne : moi qui déteste revoir un film (quel qu’il soit), je suis partant pour le revoir tout de suite ! »

Au final, un vrai bon film de SF à l’ancienne, bénéficiant d’un savoir-faire dernier cri qu’aimeront les amoureux du fantastique…sans parler d’une bande musicale originale à tomber !