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« R », un Pusher en huis-clos, ravageur. violent, âpre, un film sans concession sur l’univers carcéral, à la mise en scène ultra immersive, porté par un trio d’acteurs magnétiques.

L’univers carcéral inspire les scénaristes aussi bien ceux du grand que du petit écran. Donner vie à ce microcosme qu’est une prison a été l’une des plus grandes réussites de la série légende Oz. Au cinéma on peut citer des films cultes films comme L’évadé d’Alcatraz, The Shawshank redemption, et du film de Jacques Audiard, Un prophète, révélant le comédien Tahar Rahim. Tourné en 2010, la même année que le film Un prophète, R vient s’inscrire dans la lignée des précédents de ses réalisateurs, Northwest pour Michael Noer et Hijacking pour Tobias Lindholm (scénariste de La chasse et Borgen), on y retrouve ce même niveau de réalisme immersive, brut, dur dont on ne ressort pas indemne.

R ou la machine à construire des morts-vivants

Le voisinage avec le film Un prophète est certain, le sujet traité est le même, celui d’un jeune délinquant tentant de survivre dans l’aquarium carcéral, toutefois, autant le film d’Audiard est parfois onirique, voir sombrement lyrique visant l’impressionnisme romanesque, autant celui du duo danois est d’un réalisme absolument glacial.

R, un récit à mi-chemin entre documentaire façon Dardenne et fiction, une sensation d’authenticité renforcée par le lieu du tournage, une vraie prison et des acteurs, qui pour la plupart, sont d’ex-détenus.

R est un classique, tout y est, la drogue, les passages à tabac, les conflits entre les groupes et le rituel de vengeance connu sous le nom « café chaud » consistant à ébouillanter une balance avec de l’huile d’olive et du sucre. Un classique d’une extrême efficacité, l’esthétique avec ses jeux de couleurs dans les tons neutres, totalement « désaturée » porte sur le psychisme, créant un sentiment d’isolement, de crainte et d’oppression. La survie mais aussi la souffrance intense du personnage Rune joué par l’acteur Pilou Asbaek, passe à la fois par ce regard terrifié, ses yeux vigilants, ce visage figé, sans impression, impassible…R est un film viscéral, d’une brutalité nue, une approche de la vie en prison sans fioriture servit par une mise en scène sèche, nerveuse et une performance brillante de Pilou Asbæk.

Un film d’une rare authenticité ou R comme Rune et R comme Raschid (Dulfi Al-Jabouri), les deux jeunes détenus ne sont rien d’autre que de la viande pour le hachoir qu’est l’institution carcérale. La force des deux réalisateurs est d’avoir su créer une atmosphère et déplacer l’histoire dans ce huit clos autour des personnages servit par des dialogues sobres toute en capturant l’ambiance oppressante ou les sentiments de répulsion et même de terreur sont permanents.

Les deux jeunes détenus partagent cette lettre, R, mais aussi la descente aux enfers, l’avilissement, la destruction morale et physique ou la seule voie de survie est de céder à la violence, aux meurtres, pour s’adapter dans le monde hiérarchique de la prison. Il n’y rien de décent dans cet univers broyeur ou le final fait écho aux paroles prononcées plutôt par le parton de R, « Il n’y a pas de nous. » Un film profondément pessimiste, âpre et saisissant jusqu’au twist final fulgurant et sa dernière image très marquante. Un film d’une rare authenticité ou R comme Rune et R comme Raschid (Dulfi Al-Jabouri), les deux jeunes détenus ne sont rien d’autre que de la viande pour le hachoir qu’est l’institution carcérale. La force des deux réalisateurs est d’avoir su créer une atmosphère et déplacer l’histoire dans ce huit clos autour des personnages servit par des dialogues sobres toute en capturant l’ambiance oppressante ou les sentiments de répulsion et même de terreur sont permanents.

Les deux jeunes détenus partagent cette lettre, R, mais aussi la descente aux enfers, l’avilissement, la destruction morale et physique ou la seule voie de survie est de céder à la violence, aux meurtres, pour s’adapter dans le monde hiérarchique de la prison. Il n’y rien de décent dans cet univers broyeur ou le final fait écho aux paroles prononcées plutôt par le parton de R, « Il n’y a pas de nous. » Un film profondément pessimiste, âpre et saisissant jusqu’au twist final fulgurant et sa dernière image très marquante.

Synopsis : Rune est un jeune criminel qui vient d’arriver en prison. Il découvre ce nouveau monde régi par les codes et les missions à exécuter. Réduit à néant, il n’est désormais qu’un numéro, que la lettre R. Dans sa quête de survie, il rencontre Rachid, un jeune musulman, avec lequel il met en place un trafic qui lui permet d’être désormais respecté. Mais leur réussite suscite la convoitise d’autres détenus, qui ne tarderont pas à leur faire savoir. Le titre « R » se réfère bien entendu à la première initiale de Rune et Rashid. L’histoire tourne autour des deux R, expulsés du monde des vivants vers un autre monde, un enfer sans fin ou la seule chance de survie consiste à devenir une âme vide.

R – Bande-annonce

Fiche Technique R, un film de Tobias Lindholm et Michael Noer

Réalisateur(s) : Tobias Lindholm, Michael Noer
Scénariste(s) : Tobias Lindholm, Michael Noer
Acteurs : Pilou Asbaek (Rune), Dulfi Al-Jabouri (Rashid), Roland Moller (Mason), Jacob Gredsted (Carsten), Kim Winther (Prison Guard), Omar Shargawi (Bazhir) and Sune Norgaard (Sune)
Directeur de la photographie : Magnus Nordenhof Jonck
Pays : Danemark
Genre : Drame
Durée : 1h 39
Budget : 4 755 000 DKK

Date de sortie : 15 janvier 2014

The Lunchbox de Ritesh Batra : Saveurs indiennes doucement épicées et romance épistolaire

Succès populaire et révélé lors de la Semaine de la critique à Canne (2013), The Lunchbox, le premier long-métrage de Ritesh Batra est une délicieuse friandise parfaitement maîtrisée, soutenue par un scénario simple mais d’une redoutable efficacité. A partir de la pratique traditionnelle des Dabbawalahs, la livraison quotidienne des déjeuners sur le lieu de travail des employés indiens, le réalisateur imagine une erreur d’aiguillage qui débouche sur une relation épistolaire entre deux êtres délaissés, une femme au foyer et un veuf solitaire. Cette correspondance lente, d’un autre temps, est une véritable bouffée d’oxygène dans notre monde instantané du numérique, et permet aux deux personnages si attachants, de se libérer de beaucoup de préjugés, d’obligations, de peurs. Le spectateur appréciera cette réalisation au plus près des émotions.

Loin des paillettes de Bollywood, The Lunchbox offre surtout au spectateur occidental à travers sa belle photographie, un voyage dépaysant, à la fois comique et nostalgique dans une Inde foisonnante et multicolore, un portrait de la vie quotidienne, des classes moyennes de Bombay, mégalopole à la vie grouillante, avec ses foules empruntant des rues bruyantes et bigarrées, des trains de banlieue vétustes et surchargés, contrastant avec l’isolement de beaucoup d’individus.

Ritesh Batra filme également avec une grande acuité les scènes de bureau, le rituel comique des fonctionnaires gratte-papiers qui gribouillent sur des registres avec comme seule outil une calculette. Mais la critique sociale est plus profonde. Le réalisateur porte un regard bienveillant et néanmoins vif sur la condition de la femme en Inde, celle d’Ila cloitrée à la maison, dont le seul dialogue est celui qu’elle entretient avec sa « Auntie », sa voisine du dessus, tour à tour hilarant et émouvant, mais également sur le marché du travail, l’importance de la famille et des traditions.

Les acteurs particulièrement attachants livrent une interprétation remarquable, toute en retenue : l’acteur Irrfan Khan (Saajan) de renommée internationale, interprète parfaitement le quinquagénaire veuf, qui se morfond dans une solitude affective presque raisonnée ; Nimrat Kaur (Ila) confère à son personnage une grande humanité, tandis que Nawazuddin Siddiqui (Shaikh), le successeur de Saajan, jeune travailleur orphelin ingénu et roublard, au bagout aussi énervant que drôle, est tour à tour hilarant et émouvant.

Sans se plier au modèle convenu du happy-end attendu, The Lunchbox est un film subtil et tendre, d’une grande humanité. Un joli conte épistolaire aux saveurs multiples, et universelles, qui confère à ses personnages une belle profondeur d’âme et révèle l’émergence d’un jeune cinéma indien indépendant. Rafraîchissant !

Synopsis : Chaque matin, Ila (Nimraut Kaur), une jeune femme au foyer délaissée par son mari, s’efforce de le reconquérir en lui préparant des plats variés et savoureux. Elle confie ensuite sa lunchbox au gigantesque service de livraison, assuré par les Dabbawallahs qui desservent toutes les entreprises de Bombay. Chaque soir, elle attend de son mari des compliments qui ne viennent pas. Ce qu’elle ignore, c’est que la lunchbox a été remise accidentellement à Saajan (Irrfan Khan), un veuf solitaire, proche de la retraite. Consciente de la méprise, Il a glisse alors dans la lunchbox un petit mot qui marque le début d’une relation épistolaire touchante et pleine de tendresse entre ces deux solitudes.

Fiche Technique : The Lunchbox

Titre original : Dabba
Réalisé par :  Ritesh Batra
Avec : Irrfan Khan , Nimrat Kaur , Nawazuddin Siddiqui …
Durée : 1h42min
Pays de production :  Inde
Année de production :  2013
Distributeur : Happiness Distribution

 The Spectacular Now de James Ponsoldt, une douce romance des douleurs adolescentes

The Spectacular Now, le premier film de James Ponsoldt, a été révélé par le Festival de Sundance, et rencontra de nombreuses critiques élogieuses outre-Atlantique. Dès les premières images, une maturité et un réalisme se dégagent des images de ce récit sur l’éveil adolescent et le passage à l’âge adulte : les premiers émois amoureux, la naissance d’une relation, les premières dissonances… Il y a beaucoup de délicatesse et de sensibilité dans ce film, à travers une mise en scène subtile et pudique, comme la scène du premier baiser ou de la première fois, sobre et nuancée, telle une aquarelle.

James Ponsoldt filme avec justesse ces deux adolescents, qui ne sont pas aussi mièvres et transparents qu’il y paraît. Le réalisateur aborde certes, sans pathos ni complaisance, le problème délicat de l’alcool chez les adolescents. Mais ce n’est pas le sujet essentiel du film. The Spectacular Now aborde surtout des thématiques beaucoup plus complexes (voire philosophiques) que les standards rebattus du teen moovie classique : les difficultés liées aux relations parentales, la nécessité de la construction de soi-même, de s‘affirmer, d’imposer ses propres choix envers et contre tout…

Cette production indépendante, au scénario linéaire et classique, mais loin d’être simpliste, au rythme volontairement calme, celui du rite initiatique, est soutenu par l’interprétation toute en retenue de son duo d’acteurs : Miles Teller, aperçu dans Projet X et tête d’affiche dans 21 & over, se révèle véritablement dans The Spectacular Now. De l’adolescent fêtard, il atteint peu à peu une certaine maturité, où les choix de l’âge adulte doivent s’imposer naturellement. Shailene Woodley, découverte au cinéma dans The Descendants, et présente dans le prochain Gregg Araki, dans son rôle de jeune adolescente amoureuse et candide, s’affirme peu à peu pour assumer pleinement la tendresse nouvelle qu’elle éprouve. La mise en scène douce, juste, doublée d’un scénario simple mais bien écrit, et de dialogues ciselés, révèle la vraie alchimie de ses deux interprètes.

Sundance nous livre une nouvelle fois, un film sensible et intense, certes imparfait mais attachant, qui aborde sans fard les douleurs des interrogations adolescentes. Nous aimons tous ce cinéma vrai qui dévoile une beauté simple, qui dépeint avec finesse une romance universelle, la complexité de toute relation humaine. De ce cinéma sobre et nuancé, le spectateur ressort de la salle comme apaisé. Et c’est déjà en soi une belle prouesse ! Sundance nous livre une nouvelle fois, un film sensible et intense, certes imparfait mais attachant, qui aborde sans fard les douleurs des interrogations adolescentes. Nous aimons tous ce cinéma vrai qui dévoile une beauté simple, qui dépeint avec finesse une romance universelle, la complexité de toute relation humaine. De ce cinéma sobre et nuancé, le spectateur ressort de la salle comme apaisé. Et c’est déjà en soi une belle prouesse !

Synopsis : Sutter (Miles Teller) est un adolescent brillant, drôle, charmant et très porté sur la boisson. Son quotidien est chamboulé par sa rencontre avec la timide Aimee (Shailene Woodley), une jeune femme totalement différente de lui.

The Spectacular Now : Bande-annonce

Fiche Technique : The Spectacular Now

Titre : The Spectacular Now
Réalisateur(s) : James Ponsoldt
Casting : Miles Teller (Sutter Keely), Shailene Woodley (Aimee), Brie Larson (Cassidy), Jennifer Jason Leigh (Mme Keely), Kyle Chnadler (Mr Keely), Mary Elizabeth Winstead (Holly Keely), Bob Odenkirk (Dan),
Kaitlyn Dever (Krystal)…
Genre : Comédie, Drame
Durée :1h 35
Scénariste(s) : Scott Neustadter, Michael H. Weber
Date de sortie : 8 janvier 2014
Pays : États-Unis
Budget : 2 500 000 $

Philomena de Stephen Frears : Une histoire à fleur de peau

Inspiré de faits réels, ce récit bouleversant réalisé par un grand S. Frears, dénonce des pratiques abominables en y mettant de la malice, de la drôlerie et de l’intelligence. Philomena Lee est un petit bijou, un croisement insolite de comédie dramatique engagée et de buddy movie, magnifié par le trio Dench-Coogan-Frears, mixant drôlerie et émotion.

Un petit mot sur le livre, « Philomena : the true story of a mother and the son she had to give away » de Martin Sixsmith est une histoire vraie, qui n’est pas sans rappeler la thématique du chef d’oeuvre « The Magdelene Sisters » (2001) de Peter Mullan, à savoir l’incroyable puissance de l’église et son pouvoir impitoyable sur la vie sexuelle des gens.

Quand la voiture s’éloigna, Philomena cria:
– Non! Non! Pas mon bébé! Ne les laissez pas me prendre mon bébé !
A cet instant-là, Anthony se retourna et s’agenouilla pour regarder par la vitre arrière. Il portait le short brun et le pull-over bleu que Philomena lui avait confectionnés et serrant dans sa main son avion en fer blanc.

La force de ce film n’est pas d’être une histoire vraie tragique, mais bien celle ne jamais tomber dans le mélo tout en évitant l’écueil du drame cul cul la praline et l’excès, le gavage sentimental. En effet Fears a su apporter une délicieuse malice, porté par un casting brillant, notamment Judi Dench (oui c’est, elle, M dans James Bond), impressionnante de justesse dans le rôle d’une adorable vieille dame partie à la recherche de son fils qui lui a été enlevé alors qu’il avait trois ans. Une prestation touchante, bouleversante, appuyée sur l’opposition entre les deux personnages, l’acteur Steve Coogan, également co-scénariste y incarne un journaliste, cynique, cultivé et méfiant.

La mise en scène met en avant avec finesse, drôlerie, cette opposition entre les 2 personnages principaux qui s’exprime à travers des dialogues savoureusement ciselés. Notons que le réalisateur y ajoute, comme dans (the Queen), une série britannique, réalisée par Stephen Frears, des images d’archives ainsi que cette touche d’humour british inimitable.

Philomena est un Magdalene Sisters mélancolique, interprété par l’excellent duo Judi/Dench contradictoire mais complémentaire. Philomena, un film poignant conté avec brio, conjuguant une belle écriture, une mise en scène élégante autour de magnifiques paysages anglais. Un film simple, beau et émouvant…

Synopsis : Irlande, 1952. Philomena Lee, encore adolescente, tombe enceinte. Rejetée par sa famille, elle est envoyée au couvent de Roscrea. En compensation des soins prodigués par les religieuses avant et pendant la naissance, elle travaille à la blanchisserie, et n’est autorisée à voir son fils, Anthony, qu’une heure par jour. À l’âge de trois ans, il lui est arraché pour être adopté par des Américains. Pendant des années, Philomena essaiera de le retrouver. Quand, cinquante ans plus tard, elle rencontre Martin Sixmith, journaliste désabusé, elle lui raconte son histoire. Ce dernier va entreprendre de l’aider, tenant là un bon article larmoyant qui aura sa place dans une certaine presse cynique spécialisée…

Fiche Technique : Philomena

Titre original : The Lost Child of Philomena Lee
Titre : Philomena
Réalisateur : Stephen Frears
Genre : Drame, Comédie Dramatique
Scénaristes : Steve Coogan, Jeff Pope, Martin Sixsmith
Casting : Judi Dench (Philomena Lee), Steve Coogan (Martin Sixmith), Sophie Kennedy Clark (Philomena jeune), Anna Maxwell Martin (Jane), Michelle Fairley (Sally), Peter Hermann (Peter Olsson), Barbara Jefford (soeur Hildegarde), Mare Winningham (Mary), Sean Mahon (Michael Hess)
Basé sur le livre : The True Story of a Mother and the Son She Had to Give Away signé Martin Sixmith
Date de Sortie : 08 Janvier 2014
Pays : Royaume-Uni
Durée du film : 1h38
Budget : 10 millions $

Cinq ans après Cendres et Sang, Fanny Ardant réalise Cadences obstinées.

Dans ce second long-métrage, Fanny Ardant, développe tout un univers autour du désenchantement, celui de Margo, « Asia Argento », violoncelliste, qui a abandonnée sa brillante carrière par amour. Un amour passionné, absolu, mais l’homme qu’elle aime l’a délaisse pour se consacrer à son travail. 

Dans Cadences Obstinées, on assiste à la déclinaison d’un amour dans une atmosphère oppressante. Un film mis en scène comme dans une pièce de théâtre contemporaine au point qu’il puisse paraitre désincarné.

Fanny Ardant réalise un film ou les ressentis des personnages sont traduits à travers des plans extrêmement bien travaillés, la lumière, le décor, dessine le désespoir, la dérive face à la perte et la lutte pour sortir de l’abîme dans lequel Margo plonge en réalisant que les fondations sur lesquelles, elle a bâtit son amour n’était que chimères…

« Les cadences du travail, les cadences musicales, les cadences du cœur »

Une tragédie pour cette violoncelliste à qui, un personnage du film dira « Je préfère détruire que m’habituer à la laideur ». Elle réalise alors que cette laideur est aussi sa trahison envers la musique, sa carrière et que son sacrifice, son désir de se remplir d’absolu à travers un sentiment pour un homme n’est autre qu’un déni de ses propres idéaux…

Cadences Obstinés marque la cadence du cœur de Margo, une femme qui porte en elle la culpabilité d’avoir trahi l’art pour l’amour. Noyée, pour ne pas avoir su se nourrir des deux mondes, elle cherche à s’échapper de la cage dans laquelle, elle-même s’est enfermée.

Des drames se nouent et se déjouent dans un huis clos ou se mêle tourbillons picturales et sonores sur un espace opératique. Cadences Obstinées sur une musique déclinée comme une obsession raconte l’histoire d’une femme à la recherche de sa part d’âme perdu. Au final un film ou l’on aurait souhaité s’attacher aux personnages si le jeu avait été plus convaincant, moins théâtrale. Un film décalé, une fresque d’un esthétisme ardent, mais qui malgré sa superbe photographie reste trop lointain.

Pour illustrer musicalement ce film Fanny Ardant retrouve le pianiste et compositeur attitré des musiques des films de Michel Gondry, Jean-Michel Bernard dont voici un extrait :

Pitch : Margo a abandonné sa brillante carrière de violoncelliste pour l’amour d’un homme. Mais cet homme, Furio (Nuno Lopes) en même temps qu’il devient possessif, il l’a délaisse pour un contrat à remplir : restaurer un hôtel de luxe pour un notable à la moralité douteuse. La jeune femme sent qu’elle est entrain de perdre cet amour dont elle se remplissait, gagnée par l’angoisse, elle sombre devant l’implosion de son couple. On n’aime jamais de la même façon et en même temps.

Fiche Technique : Cadences obstinées de Fanny Ardant

Réalisation : Fanny Ardant
Scénario : Fanny Ardant
Acteurs : Asia Argento, Nuno Lopes,Ricardo Pereira, Gérard Depardieu, Franco Nero
Date De Sortie : 08 Janvier 2014
Genre : Drame
Durée : 101 Min
Pays : France
Produit par Paulo Branco
Directeur de la photographie : André Szankowski
Chef monteuse : Julia Gregory
Directrice artistique : Isabel Branco
Son : Sylvain Malbrant, Nicolas Moreau, Ricardo Leal
Melissa Petitjean
Musique originale : Jean-Michel Bernard
Violoncelle : Sonia Wieder-Atherton
Directeurs de Production : Ana Pinhão Moura Et Raoul Peruzzi
Distributeur : Alfama Films

Yves Saint Laurent, portrait dense d’un créateur tourmenté superbement interprété par un duo d’acteurs haute couture.

Premier film de l’année consacré à Yves Saint-Laurent et approuvé par Pierre Bergé, le biopic de Jalil Lespert a l’avantage de l’authenticité : il nous plonge au cœur des décors, des costumes et des dessins qui ont fait partie de l’univers du plus célèbre des couturiers français.

Yves Saint Laurent s’intéresse davantage à la vie de l’artiste, de l’homme Yves Saint Laurent, qu’à la création artistique elle-même. Le spectateur est ainsi le témoin privilégié de la passion amoureuse entre Pierre Bergé et Yves Saint Laurent, de leur timide rencontre chez Dior à la fin des années cinquante jusqu’à la fin du couturier, perdu dans ses mystérieuses pensées. Pierre Bergé, qui a soutenu le film, n’est pas allé contre certains voiles levés. Jalil Lespert relate avec fidélité la part d’ombre du « petit prince de la haute culture », une personnalité complexe avec ses tourments, ses excès, mais surtout son génie artistique qui a révolutionné en 50 ans, non seulement le monde de la haute culture et de la mode, mais aussi le monde, en contribuant fortement à travers ses créations, à l’émancipation et à l’élégance de la femme moderne. Le film y gagne en force, en émotion et en sincérité.

« La création, c’est la douleur »

Yves Saint Laurent est également remarquable par son jeu d’acteurs. La Comédie Française choisit bien ses comédiens. Le jeune Pierre Niney nous prouve ici l’ampleur de son art. Il n’incarne pas Yves Saint Laurent. Il est Yves Saint Laurent, fragile, timide, complexe. La ressemblance physique est frappante bien sûr ; la diction, le phrasé, la gestuelle, les attitudes, cette timidité maladive propre à Yves Saint Laurent, tout y est ! Un jeu d’acteur impeccable et authentique qui annonce sans nul doute un flot de récompenses. Guillaume Gallienne, campe parfaitement Pierre Bergé, le mentor, mais aussi l’amant passionné, l’homme de l’ombre qui encourage, soutient, et pardonne, et surtout encadre le génie artistique, le rattrapant parfois au vol. Charlotte Le Bon signe enfin une prestation remarquable en interprétant le Mannequin Victoire, qui a tant inspiré le grand couturier.

Il y a beaucoup de force dans ce film, tant dans l’émotion, les silences, les ruptures et la démesure en tout genre. Jalil Lespert a su recréer l’esprit du Paris des années 60 et 70, avec ce qu’il comptait de soirées mondaines, d’excès, et de créatures parfaites. La réalisation et le montage sont impeccables, la mise en scène est subtile et fine, la musique très belle, la bande-originale superbe. Les décors sont authentiques, et les vêtements prêtés par la maison Yves Saint Laurent permettent au spectateur de revivre l’époque privilégiée des grands défilés.

Si le film de Jalil Lespert ne parvient pas à embrasser l’ampleur du mythe Yves Saint Laurent, s’intéressant essentiellement à ses jeunes années d’artiste en arrêtant sa biographie en 1976, à sa collection des Ballets Russes, si le processus de création, le travail dans les ateliers ne sont que des aspects effleurés, Yves Saint Laurent est à l’image de Saint Laurent lui même. Un bel hommage rempli de respect et d’élégance, un film sensible et émouvant.

Une version de Bertrand Bonello, sans doute moins consensuelle sortira en octobre 2014, avec Gaspard Ulliel. Il sera intéressant de comparer les deux œuvres et le jeu des deux comédiens.

Fiche Technique : Yves Saint Laurent de Jalil Lespert

Réalisateur : Jalil Lespert
Scénariste : Jalil Lespert, Marie-Pierre Huster, Jacques Fieschi
Interprètes : Pierre Niney, Guillaume Gallienne, Charlotte Le Bon, Laura Smet, Marie de Villepin, Nikolai Kinski, Ruben Alves, Astrid Whettnall
Genre : Biopic, Drame
Nationalité : Français
Distributeur :  SND
Durée du film : 1 h 40
Date de sortie : 08/01/2014
Photographie : Thomas Hardmeier
Montage : François Gédigier
Musique : Ibrahim Maalouf
Costumes : Madeline Fontaine
Décors : Aline Bonetto
Producteur : Wassim Béji pour WY Productions
Distributeur : SND

Adapté de l’autobiographie éponyme de Nelson Mandela sortie en 1995, qui a souhaité que le film soit de nationalité sud-africaine en apportant ses mémoires au producteur Anant Singh, refusant ainsi toutes les propositions alléchantes d’Hollywood, Mandela, un long chemin vers la Liberté de Justin Chadwick, est un biopic classique [i], qui relate le combat de toute une vie, le courage d’un homme qui a toujours gardé sa dignité et fait preuve d’une détermination inébranlable dans son combat contre l’oppression [ii], et ce même quand l’espoir était au plus bas. Doté d’un scénario fiable et de conviction de William Nicholson, à qui l’on doit Gladiator (2000) et Elisabeth l’âge d’or (2007) entre autres, l’importance humaine et historique de Mandela est ici bien dépeinte : le réalisateur anglais, Justin Chadwick [iii] dépassionne le propos et et livre un portrait intime qui rend justice au grand homme, sans jamais déraper dans l’hagiographie, mettant au contraire en exergue ses faiblesses.

Madiba : la force du combat, le pouvoir de dire « Non! »

Ce film est d’abord porté par un duo d’acteurs admirable qui livre une prestation très juste: Idris Elba, que l’on n’attendait pas forcément dans ce registre, confère à ce personnage charismatique, une force et une authenticité bouleversante, tandis que Naomie Harris est tout aussi époustouflante et émouvante dans le rôle de Winnie.

Si la première partie du film élude certains faits d’importance et constitue une forme de zapping empêchant réellement de comprendre le basculement de Mandela vers une lutte plus violente et de se rendre parfaitement compte des conditions de vie horribles du peuple noir à cette époque répressive et violente qu’était l’apartheid, le film trouve son vrai souffle dès que Mandela, le militant, est en prison, relatant son calvaire, mais surtout le cheminement intérieur de l’homme vers la stature d’homme d’Etat et son choix pour la paix. A cela se rajoute une musique magnifique, des prises de vues fort belles, et un générique de fin qui rend hommage au vrai Madiba.

Certes, Mandela, un long chemin vers la Liberté, demeure un biopic à la sauce internationale, sans doute trop consensuel. Il manque une fougue et une certaine dimension politique pour atteindre le souffle épique que pouvait avoir le Gandhi de Richard Attenborough (1982). Ce long-métrage souffre par son ambition démesurée de relater la vie du grand homme en près de 2h30. On aurait apprécié davantage de scènes sur son combat politique, peut-être un peu moins sur sa vie amoureuse. Mais son avantage réel est que le spectateur ressort de la salle avec une envie d’en apprendre davantage et d’ouvrir quelques livres sur Mandela et l’Apartheid. L’histoire du leader de l’Afrique du Sud est suffisamment forte et le jeu d’acteur juste, pour faire tenir l’édifice dans son ensemble.

« J’ai parcouru un long chemin vers la liberté. Ce fut une route solitaire et ce n’est pas fini. Personne ne naît en haïssant son prochain à cause de sa couleur de peau ou de son passé, ou de sa religion. Les hommes apprennent à haïr. On peut leur apprendre à aimer. »

Mandela, un long chemin vers la Liberté de Justin Chadwick demeure une épopée émouvante, une ode à l’antiracisme et la non-violence, un témoignage optimiste pour l’humanité : chaque combat n’est jamais perdu d’avance ; « penser c’est dire non » comme l’affirmait le philosophe Alain, et la résistance à l’oppression est un combat intemporel.

Synopsis : Né et élevé à la campagne, dans la famille royale des Thembus, Nelson Mandela (Idris Elba) gagne Johannesburg où il va ouvrir le premier cabinet d’avocats noirs et devenir un des leaders de l’ANC. Son arrestation le sépare de Winnie (Naomie Harris), l’amour de sa vie qui le soutiendra pendant ses longues années de captivité et deviendra à son tour une des figures actives de l’ANC. À travers la clandestinité, la lutte armée, l’emprisonnement durant 27 ans, sa vie se confond plus que jamais avec un combat hors norme pour la liberté et la paix, lui conférant peu à peu une dimension mythique, faisant de lui l’homme clef pour sortir son pays, l’Afrique du Sud, de l’impasse où l’ont enfermé quarante ans d’apartheid. Il sera le premier Président Sud-Africain élu démocratiquement.

Fiche technique : Mandela : Un long chemin vers la liberté de Justin Chadwick

Titre : Mandela : Un long chemin vers la liberté
Réalisateur(s) : Justin Chadwick
Scénariste(s) : William Nicholson
Acteurs : Idris Elba, Naomie Harris, Fana Mokoena
Titre original : Mandela: Long Walk to Freedom
Date de sortie :18 décembre 2013
Pays : Royaume-Uni, Afrique du Sud
Budget: 35 000 000 $
Genre : Biopic, Drame, Histoire
Durée : 2h 26

[i] Clint Eastwood dans son film Invictus (2009) avait déjà relaté la vie du grand homme en ne prenant qu’une partie de son existence. J’avoue être un adept non seulement de Clint Eastwood mais aussi de Morgan Freeman…

[ii] Ce film s’inscrit dans un certain courant qui veut mettre en lumière le combat contre la ségrégation. Cela a commencé avec La Couleur Des Sentiments (2011), Django Unchained (2012), Le Majordome (2013) et maintenant Mandela, Un Long Chemin Vers La Liberté, avant de découvrir l’année prochaine, 12 Years A Slave de Steve McQueen, l’un des favoris des Oscar 2014.

[iii] Réalisateur de Deux Sœurs Pour Un Roi (2008), le réalisateur Justin Chadwick s’intéresse ici à l’histoire contemporaine en adaptant l’autobiographie de Nelson Mandela. Son précédent film inédit en France The First Grader (2010) lui a servi un peu d’échauffement, puisqu’il se déroulait déjà en Afrique avec quelques uns des acteurs secondaires choisis pour ce biopic.

Fruitvale Station : Chronique d’une mort annoncée

Fruitvale Station n’est pas un brûlot rageur mais un film pudique toute en finesse. Le néo-realisateur Ryan Googler a eu l’intelligence de s’écarter des sentiers des raisins de la colère, pour présenter avec une caméra qui ne lâche pas Michael B. Jordan(Chronicle) le portrait d’un jeune homme au destin tragique.

Un film toute en douceur, le réalisateur prend le temps de camper les personnages et les liens qui les unissent, il nous montre la façon dont il s’occupe de sa fille âgée de 5 ans, l’aide qu’il apporte à une femme blanche qui achète du poisson dans un supermarché et qu’il met en contact avec sa grand-mère, spécialiste du poisson frit : des épisodes d’une tranche de vie sur 24h avant le drame.

Un témoignage noble, simple d’un jeune homme qui après avoir fait de la prison décide à 22 ans de se construire une vie rangée. On voit un jeune homme, avec ses défauts, ses doutes, ses qualités, sa joie et ses peurs de la précarité prêt à prendre son destin en main. Ce drame, tourné caméra à l’épaule permet de s’attacher aux personnages et même si la fin est inéluctable, on se surprend à espérer un autre destin pour Oscar Grant.

Fruitvale Station est une chronique poignante, un fait divers raconté avec sobriété. Un film sincère, à la mise en scène intimiste, qui nous emporte dans une histoire bouleversante à la fin terrifiante.

On peut reprocher à cette production indépendante soutenue par le comédien Forest Whitaker d’être trop porté sur le pathos, d’avoir utilisé les véritables images du meurtre d’Oscar Grant par un policier à la gâchette facile. Pourtant Fruitvale Station est un premier film emprunt d’humanisme, un bon début pour Googler, un réalisateur prometteur, à suivre…

Un film porté par des acteurs à l’interprétation magnifique, Octavia Spencer et Melonie Diaz sont excellentes. Quant à Michael B. Jordan que l’on a pu voir dans la série (Friday Night Lights et le film Chronicle), il est vraiment durant cette chronique d’une mort annoncée, Oscar Grant, un acteur magnétique, talentueux qui fera certainement parler de lui dans un futur proche.

Synopsis : Fruitvale Station fut la sensation, du dernier Festival de Sundance, où il remporta le prestigieux Prix du Jury ainsi que le Prix du Public. Fruitvale Station marque les premiers pas dans le long-métrage du jeune réalisateur Ryan Coogler, 27 ans, qui s’empare d’un authentique fait divers survenu à Oakland en 2009. Le soir du réveillon, le jeune Oscar Grant et ses amis croisent la route d’un gang vindicatif dans le métro. La situation dégénère, les policiers interviennent. Une bavure plus tard, la vidéo filmée par des passagers tourne à plein régime sur les réseaux sociaux et la ville est en émoi autant qu’en colère. Pour aborder cette histoire terrible, le jeune réalisateur Ryan Coogler, opte pour un point de vue mettant la dimension humaine au centre de ce tragique épisode, mêlant images fictionnelles et réelles.

Fruitvale Station : Bande-annonce

Fiche Technique : Fruitvale Station

Titre original : Fruitvale Station
Réalisation : Ryan Coogler
Scénario et dialogues : Ryan Coogler
Casting : Michael B. Jordan (Oscar Grant), Melonie Diaz (Sophina), Octavia Spencer (Wanda), Kevin Durand (Officier Caruso), Chad Michael Murray (Officier Ingram), Ahna O’Reilly (Katie), Ariana Neal (Tatiana)…
Date de sortie : 1er janvier 2014
Nationalité : USA
Durée : 1h25
Budget : 900 000 $
Décors : Hannah Beachler
Costumes : Aggie Rodgers
Image : Rachel Morrison
Montage : Michael P. Shawyer
Directeur de la photographie : Rachel Morrison
Musique : Ludwig Gôransson
Produit par Nina Yang Bongiovi et Forest Whitaker