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Maestro, voilà un film précédé d’un bouche-à-oreille très favorable. Un avis positif consensuel, tous âges confondus. Une réputation de feel good movie, ce qui n’est pas forcément de très bon augure…

Synopsis : Henri, un jeune acteur qui rêve de jouer dans FAST & FURIOUS, se retrouve engagé dans le film de Cédric Rovère, monstre sacré du cinéma d’auteur. Les conditions du tournage ne sont pas tout à fait celles auxquelles il s’attendait… Mais le charme de sa partenaire et la bienveillance du maître vont faire naître en lui des sentiments jusqu’alors inconnus. Et Rovère, conquis par la jeunesse et la fantaisie d’Henri, vivra ce tournage comme un cadeau inattendu.

A la lecture du dossier de presse, il apparaît que le film est réalisé par Léa Fazer, amie proche de Jocelyn Quivrin, et pour les funestes raisons que l’on connaît, ce dernier n’a pas pu réaliser. Il s’agit d’un « témoignage » suite à sa rencontre avec Eric Rohmer sur le tournage de son dernier film, Les Amours d’Astrée et Céladon. Léa Fazer a été coscénariste dans le projet initial.

Un film qui aurait pu être auto fictionnel donc, voire autobiographique, mais qui ne l’est pas, et ça pose souci, car c’est sans doute une des raisons qui font que ce film sonne faux, à la manière d’un carton-pâte.

Maestro raconte l’histoire de la rencontre improbable entre Henri (Jocelyn Quivrin), et Cédric Rovère (Eric Rohmer), sur le mode initiatique de l’acteur habitué aux films d’action (qui cite par cœur des dialogues entiers de Fast and furious visionné en boucle avec son meilleur ami), qui découvre le cinéma d’auteur et son maître, et qui petit à petit devient le fan numéro 1 du génie et poète.

Le film est une juxtaposition de gags plus ou moins réussis. Parmi les plus réussis, on trouve par exemple Michael Lonsdale dans des gags très visuels où il se lève et se rassied de manière très majestueuse, mais tel un automate rouillé, qui déploie péniblement ses éléments un à un, vraiment hilarant. Ou encore cette scène où Michael Lonsdale, est dans le recueillement voire la componction la plus absolue en faisant la lecture d’un passage de l’Astrée aux comédiens, quand il reçoit en pleine face une boulette de papier qui s’est trompée de destinataire ; il la défroisse et la lit à voix haute « ta meuf, je la kiffe, gros… » : la tête de Lonsdale en lisant ces mots qui de toute évidence lui sont plus incompréhensibles que du mandarin ancien est juste impayable. (Plus tard, quand il prend Henri à part pour lui demander presque timidement : « qu’est ce que ça veut dire : ta meuf, je la kiffe , gros », il nous offre une vraie belle scène de tendresse et d’émotion).

Du coup, s’il est indéniable que le film comporte de vrais moments d’humour, il semble rater sa cible qui est de rendre hommage à Rohmer, tant la volonté de faire rire prend le pas sur le reste et rend Rovère ridicule dans son attitude d’homme décalé, avec son cinéma différent, à l’économie, impulsif (quand il demande impromptu à Henri d’apprendre le biniou par exemple) ; on ne n’appréhende pas vraiment dans ce film ce qui fait de Rohmer, un poète, un Maestro.

La mise en scène, qui se veut également un hommage est surtout mise en valeur par le choix d’un cadre magnifique (le val de Creuse tel qu’on le rencontre dans l’Indre), dans les belles lumières mordorées d’un début d’automne du chef op Lucas Leconte.

Une mention spéciale à Dominique Rémond qui joue très bien le rôle de l’assistante du grand maître ; sa belle voix grave et cassée, donne à son jeu une sensualité que l’on regrette de ne pas voir plus souvent au cinéma.

Quant aux autres acteurs, ils font le job comme on dit, dans un registre de pure comédie. Seule Déborah François, Rohmérienne à souhait, dépasse ce contexte et nous rappelle, de manière assez fade, il faut bien en convenir, que le film est censé être un peu plus que ce que  ce que l’on voit…

Fiche Technique: Maestro

Réalisateur : Léa Fazer
Genre : Comédie
Année : 2013
Date de sortie : 23 Juillet 2014
Durée : 81 min.
Casting : Pio Marmaï (Henri), Michael Lonsdale (Cédric Rovère), Déborah François (Gloria), Alice Belaïdi (Pauline), Dominique Rémond (Francine)
Musique : Clément Ducol
Scénario : Léa Fazer, Jocelyn Quivrin
Chef Op : Luca Leconte
Production : France
Maisons de production : Mandarin Films, Rézo Production, Canal +
Distribution (France) : Rézo Films

Dès les premières images, on voit bien que le film est un western un peu différent. Un homme, Jon, est sur le quai, dans l’attente de l’entrée en gare du train. Une belle femme blonde et un garçonnet, blond également, en sortent. Il s’agit de sa femme et de son enfant qu’il n’a pas vus depuis 8 ans, ayant émigré du Danemark vers l’Amérique pour faire fortune, après avoir fait la guerre contre les allemands.

Synopsis: 1870, Amérique. Lorsque John tue le meurtrier de sa famille, il déclenche la fureur du chef de gang, Delarue. Trahi par sa communauté, lâche et corrompue, le paisible pionnier doit alors traquer seul les hors-la-loi.

La prisonnière du désert

Dans cette première séquence, loin des plans larges sur les vastes prairies américaines, le réalisateur filme des plans serrés sur les visages plutôt souriants des personnages, une image bien peu représentative du genre western, dans une profusion de couleurs hyper saturées, qui n’évoquent en rien les grands maîtres du genre, comme John Ford. Et pourtant tous les codes du western sont là : le cow-boy solitaire, le shérif un peu dépassé, le méchant très vilain, les bagarres épiques, le saloon, la diligence, la pendaison. Avec une telle accumulation de stéréotypes, Levring finit par donner l’impression d’imiter un western plutôt que d’en réaliser un.

L’histoire est donc celle de Jon, avec un Mads Mikkelsen impeccable comme toujours dans un rôle quasi-mutique, ne dérogeant finalement pas à son habitude. Après avoir retrouvé sa famille à la gare, il repart avec elle en diligence vers Black Creek, son habitation. Le voyage s’effectue malheureusement en compagnie de deux hommes avinés et violents qui éjectent Jon de la diligence, avec des intentions peu équivoques envers sa femme. Bien vite, Jon retrouve la diligence, et le corps de son fils, puis celui de sa femme violentée.

Dès lors, le processus de vengeance/contre-vengeance se met en place. Jon tue les malfaisants de la diligence, dont l’un s’avère être le frère du gangster Delarue, auto-proclamé « protecteur » de la petite localité Black Creek où habite Jon. Delarue à son tour déploie un éventail d’horreurs pour venger la mort de son frère. Et Jon va devoir se défendre, et défendra aussi la petite localité de ce tortionnaire et de sa bande, d’où le « salvation » du titre.

Lorsque Jon retrouve la diligence, il fait nuit, et la lune qui inonde la scène donne une ambiance très inhabituelle pour un western : Mads Mikkelsen a le visage très lumineux et très argenté, et la prairie américaine apparaît pour ce qu’elle est véritablement, à savoir une savane sud africaine où le film a été tourné. Cette séquence, et bien d’autres encore, plongent le film dans une sorte d’incohérence visuelle, sans doute voulue par son réalisateur, afin de donner une identité renouvelée à son western. Cela ne fonctionne pas très bien, d’autant moins que les CGI (notamment les incrustations de plans de Monument Valley à la lumière beaucoup plus américaine, et plus douce) aggravent encore le résultat. Il est difficile dans le même temps d’exacerber cette lumière africaine, tout en insistant sur la présence des Monuments de la Valley.

La problématique de l’image est rejointe par d’autres mauvais choix de Levring qui fait ne fait qu’un ersatz de western , voire un pastiche qui, du coup, ne présente que peu d’intérêt. Il aurait été souhaitable de creuser davantage l’origine étrangère de Jon, pour faire un film original, en étayant un peu le sens et l’implication, que cela pouvait avoir dans sa vie de tous les jours, dans sa conquête de l’Ouest.

De même, le film est danois, taiseux et  minimaliste aussi bien dans les décors que dans les expressions des personnages. Levring aurait pu prendre encore plus partie de ses acteurs, Cantona, (alias le Corse, le bras droit de Delarue), Eva Green (une veuve pas vraiment consentante du violeur de la diligence, qui l’aurait sauvée des griffes des indiens après que ceux-ci lui ont tatoué le front et coupé la langue), et Mads Mikkelsen, qui sont très bien castés pour ce genre de rôle silencieux, mais qui sont outrageusement sous-utilisés  (surtout Cantona, et Eva green dans une moindre mesure).

On ne peut pas dire que The salvation soit un mauvais film, c’est un film plutôt divertissant, mais qui n’apporte rien au genre. Du coup, il oscille entre une dimension commerciale qu’il pourra vraisemblablement satisfaire, et une volonté artistique qui a visiblement raté sa cible.

Fiche Technique: The Salvation

Titre original : the salvation
Réalisateur : Kristian Levring
Genre : Drame/ Western
Année : 2014
Date de sortie : 27 Août 2014
Durée : 89 min.
Casting : Mads Mikkelsen (Jon), Eva Green (Madelaine), Jeffery Dean Morgan(Delarue), Eric Cantona (Le Corse), Mikael Persbrandt (Peter)
Musique : Kasper Winding
Scénario : Anders Thomas Jensen, Kristian Levring
Chef Op : Jens Schlosser
Production : Danemark , Afrique du Sud, UK
Maisons de production : Zentropa entertainments, Forward films, Spier films
Distribution (France) : Chrysalis Films, Jour2fete

Court Métrage : Evidence, Une courte mise en abyme troublante et efficace !

Synopsis : Godfrey Reggio offre une forme de complément de son œuvre majeure, Koyaanisqatsi dans un documentaire où des enfants avec des regards inquiets regardent la télévision. Sont-ils observés ou c’est cette fameuse télévision qui les perturbent ?

On peut lancer Evidence par simple curiosité puisque c’est le fameux réalisateur de Koyaanisqatsi, Godfrey Reggio qui est l’auteur de ce petit chef-d’œuvre. Si l’on a apprécié ce documentaire contemplatif, on peut naturellement se tourner vers ce documentaire qui s’apparente plus finalement à un Court-Métrage puisqu’il ne dure que 7 minutes. Mais, l’on ne s’attend pas à vivre la même émotion que sur un long métrage car il est assez rare tout de même de trouver un réalisateur qui parvient à véhiculer les mêmes émotions sur une plus petite durée.

Et finalement, on ne peut être que surpris de part ce court-métrage !!! Il est totalement captivant, les jeux de regard de ces différents enfants sont vraiment troublants et terriblement efficaces. On ressent une certaine mysticité dans les yeux de ces enfants, qui permet de vraiment développer son imagination sur ce « documentaire ».

Tout d’abord, on peut être en totale admiration devant ces jeunes regards pleins d’insouciances. Quoi de plus difficile que d’interpréter le regard d’un enfant qui ne sait pas encore gérer la plupart de ses émotions. Il est encore plus compliqué de les analyser lorsque l’on doit suivre une dizaine de regards d’enfants. On passe ainsi d’un sentiment d’admiration à une certaine forme d’inquiétude au point de se demander « mais qu’est-ce que j’ai fait pour que ce gamin me regarde comme ça? ».
Ainsi plusieurs interprétations sur ces fameux regards sont possibles. Premièrement, on peut se demander s’ils ne nous regardent pas comme si nous étions coupables de les faire entrer dans notre monde actuel rempli d’angoisses et de contraintes inutiles.

Ensuite, on peut s’interroger à savoir si ce Court Métrage n’était pas un complément à sa pensée véhiculée dans Koyaanisqatsi pour pouvoir accentuer la contemplation de ce monde. Comme si finalement ce Court Métrage, était en quelque sorte une forme de « post-traumatisme » de Koyaanisqatsi. Puisque l’on voit clairement au début et à la fin de ce CM un homme et une femme avec des regards sereins et avec une lecture beaucoup plus explicite (puisque ils sont ancrés dans notre société). Mais les enfants ne savent pas encore comment réagir face à ce monde « Koyaanisqatsisé » (heureusement que c’est pas un verbe celui-ci), et cela peut expliquer ces regards inquiets.

Après, on peut finir par imaginer que ces enfants avaient peur d’être finalement formatés par notre vie sociétale. Notamment, si l’on interprète le regard de l’homme au départ comme étant autoritaire et assez directif.

Une peur finalement de l’uniformisation, de la standardisation de nos actions etc …. On voit également certains enfants prêts à pleurer; signe sans doute d’une société qui laisse de moins en moins de place à la liberté d’expression ou de création que l’on discerne également dans Koyaanisqatsi notamment, du fait que la technologie a pris une place parfois démesurée dans notre vie quotidienne. Enfin, grâce à la dernière phrase explicative de ce que les enfants regardaient, on peut se dire que toutes ces versions pouvaient être exactes, même si nous n’avons aucune preuve (petit clin d’œil au titre).

Ces enfants regardent finalement avec stupéfaction l’objet qui représente sans doute le plus l’évolution de l’homme et sa dépendance face aux NTIC, la télévision.

Mais regardaient-ils la télé en étant encadrés par l’homme du début et la femme de la fin, ou étaient-ils des projections de la télévision ? Ou tout simplement regardent-ils la télé sans aucune idée précise, comme si cet objet de communication de masse avait empêché leurs esprits de s’émanciper ? Ces enfants étaient-ils bloqués dans un monde fiction loin de nos réalités concrètes ?

Ainsi, cette oeuvre est à la fois très marquante et troublante du fait qu’elle paraît à la fois être très accessible et en même temps tellement impossible à analyser parfaitement.

Godfrey Reggio – « Evidence »

Auteur de la critique : Adrien Lavrat

Brick Mansions : Castagne, Courses-poursuites et explosions à tout-va

Synopsis : Détroit, 2018. Damien (Paul Walker), policier expert en arts martiaux, est chargé d’infiltrer le dangereux ghetto de Brick Mansions. Sa mission : neutraliser une arme de destruction massive détenue par le gang de Tremaine (RZA), qui règne sur les lieux. Pour ce faire, Damien devra faire équipe avec Lino (David Belle), un habitant du quartier qui connaît la banlieue comme sa poche… mais qui a surtout une affaire très personnelle à régler avec Tremaine.

C’est toujours hilarant de voir une production Besson débarquer dans nos salles avec la mention « d’après une idée originale ». D’autant plus que les films ont beau avoir un acteur/protagoniste différent, les trames sont quasiment les mêmes à chaque fois, suivant principalement le schéma scénaristique suivant : un vétéran des forces spéciales ou un tueur qui ne faut pas embêter, un méchant le titille, et c’est parti pour 1h30 minimum de castagne, de courses-poursuites et d’explosions à tout-va. Alors, quand le plus américain de nos réalisateurs français nous livre un remake d’une de ses propres productions, l’hilarité n’en est que plus intense. Mais finalement, pourquoi ne pouvons-nous pas être surpris par un tel divertissement ?

Pour savoir ce qu’est Brick Mansions, il faut remonter 10 ans en arrière, à l’époque où sortait un certain Banlieue 13. Qui se déroulait dans un futur proche, où toute une cité de la banlieue parisienne était cernée par l’armée, pour y « enfermer » la criminalité, laissant tous les habitants livrés à eux-mêmes. Un taudis grandeur nature dans lequel va pourtant se retrouver une bombe nucléaire que doit désamorcer un policier qui, pour le coup, devra faire équipe avec un bon samaritain yamakasi pour y parvenir. Un homme confronté en parallèle au parrain de cette fameuse Banlieue 13, qui détient son ex-petite amie en otage pour une histoire de drogue. Bref, du Besson pur jus, que nous retrouvons à la scène près dans ce remake.

Ne passons pas par quatre chemins : Brick Mansions, c’est la copie conforme de Banlieue 13, à la seule différence que l’histoire ne se déroule plus à Paris mais à Detroit (question criminalité, les États-Unis ne pouvaient rêver mieux comme lieu d’action). Sinon, nous retrouvons les mêmes personnages (Damien, Lola, K2…), les mêmes séquences (les plans n’ont quasiment pas changé entre les deux films). Si vous avez vu Banlieue 13, ce remake n’a clairement aucun intérêt, du moins sur le plan scénaristique. Comme tout bonne production Besson qui se respecte.

Ce que nous voulons avant tout chose, c’est de l’action à outrance. Brick Mansions nous en fournit avec une très grande générosité, lui permettant de remplir amplement son cahier des charges (bien loin de la redondance exaspérante de 3 Days to Kill). La bande-annonce nous promettait un film qui bougeait, le film assure grandement le spectacle. Bien plus que le long-métrage de base, pourtant réalisé par Pierre Morel (le cinéaste de Taken), qui faisait preuve d’amateurisme et de manque de moyens, le tout pour un aspect un peu trop « frenchy » pour un divertissement d’action. Ici, c’est le monteur Camille Delamarre (ayant œuvré sur Le Transporteur 3, Colombiana, Taken 2…) qui s’y colle pour sa première réalisation, et montre qu’il sait s’y prendre avec un film de cet acabit. À défaut d’être original, Brick Mansions ne nous prend aucunement pour des pigeons et livre tout le quota d’adrénaline que nous sommes venus voir, notamment via des cascades ahurissantes et des fusillades qui s’enchaînent sans aucun temps mort. Le tout filmé et monté avec une énergie folle, qui fait oublier tous les défauts de ce divertissement. Même si le long-métrage se termine à la va-vite (encore une fois, comme dans le film originel), nous prenons aisément notre pied.

Là où Brick Mansions surpasse également Banlieue 13, c’est du côté de son casting. Non pas que les comédiens soient bons. Nous en avons certains qui ne jouent pas, préférant rester inexpressifs (David Belle, qui revient faire des sauts de l’ange après Banlieue 13 et sa suite, le rappeur RZA). Mais généralement, là où Brick Mansions l’emporte, c’est par le charisme indéniable de ses interprètes. Ici, les comédiens ont bien plus de présence que dans les premiers films. Notamment Paul Walker, dont le décès influence (malheureusement) ce constat. Déjà, ne pas avoir des bonshommes aussi séduisants qu’une huître aide énormément à l’intérêt que nous pouvons porter à ce divertissement pur et dur.

D’accord, Brick Mansions n’a vraiment rien d’exceptionnel. Mais descendre ce film serait comme attendre du Shakespeare de la part de Transformers. Si l’on voit ce genre de divertissement, nous savons à quoi nous attendre : de l’action ébouriffante qui éclate sous nos yeux du début jusqu’à la fin, tout en mettant de côté les personnages et l’histoire sans que cela nous gêne. Brick Mansions est clairement ce film, qui ne se prend nullement au sérieux (surtout quand on voit le personnage de Yéti/Stéroïde). Un spectacle assurément crétin au possible et qui ne casse pas trois pattes à un canard. Mais bon sang, que cela fait du bien !

Fiche Technique: Brick Mansions

France, Canada – 2014
Réalisation : Camille Delamarre
Scénario : Luc Besson et Robert Mark Kamen, d’après le scénario de Banlieue 13 écrit par Luc Besson et Bibi Naceri
Interprétation : Paul Walker (Damien), David Belle (Lino), RZA (Tremaine), Carlo Rota (George « The Geek »), Bruce Ramsay (le maire), Ayisha Issa (Rayzah), Gouchy Boy (K2), Catalina Denis (Lola)…
Date de sortie : 23 avril 2014
Durée : 1h31
Genre : Action, policier
Image : Christophe Collette
Décors : Jean-André Carrière
Costumes : Julia Patkos
Montage : Carlo Rizzo et Arthur Tarnowski
Musique : Marc Bell et Trevor Morris
Budget : 28 M$
Production : EuropaCorp.
Distributeur : EuropaCorp. Distribution

Auteur de la critique : Sebi Spilbeurg

Adieu au Langage : Un grand réalisateur ne manque jamais son dernier film

Synopsis : Un couple dont la situation se complique recueille un chien errant qui va soudainement prendre la parole. Comment cette histoire se terminera-t-elle ?

Aujourd’hui, on peut distinguer de nombreuses personnes qui peuvent s’offusquer devant ce titre. C’est du Godard de toute façon, quelqu’un qui parle pour ne rien dire, il aurait dû s’abstenir de refaire un film, Godard c’est l’éternelle « Nouvelle-Vague ». Mais on peut dire et penser ce que l’on veut sur ce dernier, aux USA, s’il y a bien un réalisateur français que tout le monde connaît c’est JLG (avec Tati). Ainsi, la notoriété de ce Monsieur n’est pas à remettre en question, même si vous n’adhérez pas à son style, il fait partie des grands réalisateurs français.

Ainsi, Adieu au Langage peut apparaître comme l’un des chefs-d’œuvre de l’année 2014, et ce pour de multiples raisons.

La dynamique intellectuelle

Cette œuvre est destinée tout particulièrement aux personnes qui aiment le cinéma qui fait vraiment réfléchir, où l’on ressort avec de nombreuses questions en tête. Ce qui manque cruellement dans le cinéma actuel…

Certains pensent que Godard impose toujours sa vision des choses … Les choix très personnels du réalisateur ont souvent laissé perplexes de nombreux spectateurs, jugeant son cinéma d’un « style élitiste ».

Justement dans ce film, le réalisateur présente les choses à sa manière, mais sans forcément tout remettre en question, l’objectif étant de modifier notre perception des diverses mutations structurelles de notre société. C’est un film très humain, où l’on a l’impression de repartir de zéro, sans toute cette superficialité ambiante. On redécouvre les rites de notre vie sociétale à son commencement, l’homme en contact avec la nature par exemple. Finalement, Godard nous explique la façon dont il a vu évoluer les choses tout au long de sa carrière de réalisateur.

Ensuite, ce film est 100% « made in JLG », la façon de s’exprimer, de communiquer, de transformer des dialogues simples en des paroles compliquées, cette manière d’articuler. Les français sont connus pour être des poètes, la langue française appréciée comme étant riche… JLG représente ainsi de la meilleure manière toutes ses caractéristiques, tout en restant fidèle à son style. Cela fait du bien de voir des dialogues travaillés aujourd’hui, qui cherchent à faire « philosopher » le spectateur.

Godard qui fait du 3D ?

Quel choix astucieux ! Jean-Luc surprend tout le monde en utilisant la 3D. Ce qui en surprendra certainement plus d’un. Avant ce film, beaucoup « d’anti-Godard » pensaient sans doute, que de toute de façon ce réalisateur ne sait faire que du cinéma archaïque, traduisant finalement son incapacité à être dans l’ère du temps. Il répond ainsi de la meilleure des façons avec une utilisation d’une 3D quasi-parfaite. Dans Adieu au Langage, la 3D est superbement exploitée, ce qui le range parmi les plus beaux films français en 3D.

Finalement, Godard est un génie, capable de s’adapter à n’importe quelle technique de création cinématographique. C’est aussi une manière de laisser en guise de touche finale, une image d’un réalisateur qui a d’innombrables capacités de création. Bien que celui-ci avait décidé de garder son propre style cinématographique jusqu’à présent.

De plus, Godard a très astucieusement décidé de surexploiter la 3D, en réalisant certaines séquences à couper le souffle. Il a notamment osé tenter une 3D inversée à un moment notamment, lorsque la femme devient l’objet de l’homme et doit se soumettre aux ordres et à l’exhibition dans la société. Godard décide alors de nous faire une inversion 3D, qui nous laisse l’impression que c’est le monde à l’envers …C’est sans doute aussi une manière de critiquer les films d’Hollywood actuels, où l’on retrouve très souvent des films en 3D « surfaits ». Godard a toujours jugé que le cinéma américain était un peu trop un « cinéma fiction », trop éloigné des réalités, avec souvent des films imagés.

La personnification et la métaphore

Godard a un certain talent pour exprimer ses opinions au travers de ses acteurs, on peut notamment le remarquer dans Pierrot le Fou. Mais ici, son interprète c’est un chien. D’où la partie sur la métaphore, le chien est l’homme, et l’homme est chien. Ce choix est très habile : souvent on utilise l’expression « Quel monde de chien » pour décrire notre univers un peu cruel, où l’on on est quelque peu désabusé. On pourrait même reprendre l’exemple d’un documentaire culte dans son genre qui reprend directement l’expression « Mondo Cane ». Le choix du chien est peut-être aussi une dédicace aux nombreux sponsors qui ont refusé de financer ou de participer à son dernier film, Godard s’est peut-être vu traité comme un chien lui aussi …… Ainsi, notre chien s’appelle Jean-Luc. Celui-ci contemple notre monde, mais celui-ci n’a pas de langage que l’on pourrait codifier. En quelque sorte, il fait appel à d’autres sens comme l’ouïe et la vision notamment. C’est là qu’intervient la question sur la compréhension du langage.

Le langage est-il indispensable à notre émancipation spirituelle ? Est-il à la fois la cause et la conséquence de notre société ? N’est-il pas un outil démocratique ? Est-il plus intelligible par écrit qu’à l’oral ? La technologie est-elle une nouvelle forme de langage, garde-t-il alors la même valeur ? Le langage universel n’est-il pas au-dessus des mots ? Le langage, une obligation de communication ? Godard, le chien, ne nous donne pas une leçon, il cherche juste à nous faire réfléchir sur ces questions …

Ensuite, on retrouve un Godard que l’on pourrait qualifier d’ »avocat de la femme », comme dans son Court-Métrage, Anticipation ou l’Amour en l’an 2000. Il se personnifie parfois, dans cette jeune femme dénudée, vide de sens et de paroles dans cette société à domination « masculine ». Le message véhiculé ? Surement de changer notre regard sur la perception de la femme qui depuis très longtemps selon l’auteur, est la source de stéréotypes infondés. Adieu au Langage évoque également certains passages du Mépris, où l’on voit BB en femme objet, mais qui reste une femme libre de ses décisions. Comme si la femme avait finalement un pouvoir bien sous-estimé …

La littérature vs NTIC

En outre, Godard s’attarde souvent au cours de son œuvre à la place de la littérature aujourd’hui, qu’il considère certainement comme étant la meilleure utilisation du langage, avec le cinéma bien sur. On voit notamment des jeunes étudiants que l’on pourrait qualifier de marginaux (avec leurs habits) qui sont en train de lire. La littérature n’est-elle pas entrain de se perdre dans les nouvelles générations ? La littérature, une façon archaïque d’utiliser le langage et de communiquer ses pensées et ses idées ? La technologie est-elle un réel un vecteur de communication, n’est-elle pas nuisible à l’évolution de l’être ? L’échange est-il plus complexe, plus simple par l’intermédiaire de la technologie ? L’avenir de la littérature n’est-elle pas dans la technologie ?

Un passage justifie notamment ces nombreuses questions : deux personnes autour d’un stand de livres sont en train d’échanger leurs impressions sur un livre, par téléphone, en partageant leurs connaissances et leurs idées. Dans le même plan, une personne est simplement en train de lire une première de couverture, comme si finalement la lecture avait perdu de son dynamisme …A un autre moment, des personnes échangent de manière brutale et l’on voit dans le fond écrit sur une palissade « LANGAZ ». Cela ne représente-il pas d’une certaine façon notre langage asphyxié ? Comme si au cours de notre évolution, nous étions en train de perdre nos capacités linguistiques et la richesse de nos langues respectives. On peut également l’entendre comme les critiques à l’encontre de Godard dans sa façon de s’exprimer et son utilisation du langage optimal. Un style qui passe de moins en moins aujourd’hui, d’où sans doute ce fameux « LANGAZ ».

Les moments 100% « made in Godard »

Voici un petit panel de moments atypiques appréciables. Mettons-nous à la place du chien (soit de l’homme), Jean-Luc :

– JLG 1 : « Je sais que la majorité des personnes qui verront mon film sont des français, je sais qu’ils sont pour la plupart mauvais en anglais, enfin ils adhèrent à mon cinéma donc c’est l’élite donc ils parlent anglais. Du coup, je vais faire un petit speech de 3 minutes juste en anglais sur les prémices de la démocratie tant pis si certains ne comprennent pas l’anglais » …

– JLG 2 : « Et ils pensent (les spectateurs) que je vais les laisser voir tout le temps des images ? Non, ça serait trop beau, je vous laisser philosopher sur ce que je suis en train de vous dire, je vais arrêter le film pendant 3 minutes pour m’assurer que vous soyez bien concentrés. Et puis ça vous vous permettra de vous reposer après toutes les infos emmagasinées » …

– JLG 3 : « Je suis un « artiste du langage », et je compte bien le démontrer, qu’avec ma finesse linguistique je suis capable de dénoncer ce que je veux. T’as déjà vu des personnes ne pas du tout freiner lorsque le feu est vert ? Evidemment, Mao Tsé-toung et Che Guevara » … Autre exemple,  » qu’est ce que tu penses de la Russie ? S’ils sont européens ils ne seront plus russes, donc ils ne peuvent pas être européens.  » …

Un demi chef-d’œuvre

Adieu au Langage était déjà le film extraterrestre du dernier Festival. Il a tout de même était nominé ce qui peut surprendre, tant ce film est hors-sujet (ce qui n’est pas plus mal) par rapport aux autres films qui étaient en compétition.

Adieu au langage, est un film que l’on ne retrouvera pour ainsi dire plus jamais dans notre cinéma. C’était la dernière vague du Tsunami Godard … Mais, l’on prend un réel plaisir à couler sous cette dernière vague. Nous avons l’occasion notamment de découvrir un JLC proche de la nature et des choses simples de la vie. Ce film est sans doute finalement même plus positif que Pierrot le Fou, c’est en quelque sorte un hymne à la vie lorsqu’il décide de nous montrer cette nature verdoyante…

Tu nous laisses finalement sur une image de toi, le chien Jean-Luc, partant sur un chemin isolé en pleine nature, loin de nous. Tu nous manqueras forcément …

AH DIEU GoDaRd !!!

Jean-Luc Godard – « Adieu au langage » (2014) (Trailer)

Fiche technique – Adieu au Langage

Réalisateur : Jean-Luc Godard
Scénario : Jean-Luc Godard
Acteurs : Alexandre Païta, Héloïse Godet, Jessica Erickson
Durée : 70 minutes
Date de sortie initiale : 21 mai 2014
Producteurs : Alain Sarde, Brahim Chioua, Vincent Maraval

Auteur de la critique : Adrien Lavrat