Présentation du Prix France Culture Cinéma des étudiants
Chaque année, France Culture est partenaire d’une quarantaine de films qui sortent en salles. Qu’ils soient Français ou étrangers, ces films sont accompagnés par la radio lors de nombreuses émissions et sur le web. Créé en 1999, le Prix France Culture Cinéma récompensait, jusqu’en 2005, le « cinéaste de l’année » (français et étranger). France Culture change ensuite la forme de sa récompense et offre chaque année un prix, dès 2006, à « une personnalité du cinéma pour la qualité de son œuvre ou la force de son engagement ». Enfin, dès 2011, France Culture met l’accent sur la mention « consécration », une oeuvre accomplie donc et la « révélation » avec de nouveaux cinéastes dont les films ont marqué l’année et dont la carrière naissante promet d’autres belles œuvres. Ce Prix met depuis deux ans les femmes à l’honneur dont Haifaa Al-Mansour qui a reçu, en 2013, la mention « Révélation » pour son film Wadjda, premier long métrage réalisé par une femme en Arabie Saoudite, pays où il n’y a aucun cinéma !
En 2015, France Culture, fort de son expérience littéraire auprès des jeunes avec le Roman des étudiants Télérama-France Culture, lance un tout nouveau prix. Les étudiants remettront en quelque sorte l’ancien prix « révélation », puisque c’est un jury de professionnels qui remettra le prix « consécration ». Parmi les membres de ce jury « Radio France », on retrouve Olivier Poivre d’Arvor, directeur de France Culture, Sandrine Treiner, directrice adjointe en charge de l’éditorial et les producteurs Caroline Broué, Michel Ciment, Antoine Guillot et Marc Voinchet. Côté étudiants, ce sont plus de 1 000 jurés issus des 17 universités partenaires, mais aussi de 10 écoles spécialisées dans le cinéma qui sont sollicités cette année. Un large panel d’étudiants issus de la France entière, ainsi que d’autres sélectionnés après leur participation au Roman des étudiants France Culture – Télérama qui a, cette année, récompensé L’amour et les forêts d’Éric Reinhardt.
Sur une sélection de quarante films (sortis entre septembre 2014 et mars 2015) dont France Culture est partenaire, les critiques de la radio ont sélectionnés cinq longs métrages finalistes qui sont soumis au vote des étudiants jusqu’au 4 mai 2015. Ces films sont pour la plupart français et jouent des frontières entre réalité et fiction, entre drame et documentaire. Leur point commun est d’aborder les thèmes qui marquent et questionnent nos sociétés actuelles. Sont ainsi sélectionnés :
Chante ton bac d’abord de David André – Documentaire français – 22 octobre 2014
Chante ton bac d’abord raconte l’histoire tumultueuse d’une bande de copains de Boulogne-sur-Mer, une ville durement touchée par la crise. Un an entre rêves et désillusion. Imaginées par ces adolescents issus du monde ouvrier ou de la classe moyenne, des chansons font basculer le réel dans la poésie, le rire et l’émotion.
Of men and war de Laurent Bécue-Renard – Documentaire français – 22 octobre 2014
Ils auraient pu s’appeler Ulysse, ils s’appellent Justin, Brooks ou Steve. Ils auraient pu revenir de Troie, ils reviennent d’Irak ou d’Afghanistan. Pourtant, pour eux aussi, le retour au pays est une longue et douloureuse errance. Partis combattre pour l’Amérique, les douze guerriers de Of Men and War (Des hommes et de la guerre) sont rentrés du front sains et saufs mais l’esprit en morceaux, consumés de colère, hantés par les réminiscences du champ de bataille. Leurs femme, enfants et parents ne les reconnaissent plus et les regardent, impuissants, se débattre contre d’invisibles démons. Guidés par un thérapeute pionnier des traumatismes de guerre, ils vont peu à peu tenter ensemble de mettre des mots sur l’indicible et de se réconcilier avec eux-mêmes, leur passé, leur famille.
Mange tes morts de Jean-Charles Hue – Drame français – 17 septembre 2014
Jason Dorkel, 18 ans, appartient à la communauté des gens du voyage. Il s’apprête à célébrer son baptême chrétien alors que son demi-frère Fred revient après plusieurs années de prison. Ensemble, accompagnés de leur dernier frère, Mickael, un garçon impulsif et violent, les trois Dorkel partent en virée dans le monde des « gadjos » à la recherche d’une cargaison de cuivre.
Hope de Boris Lojkine – Drame français – 28 janvier 2015
En route vers l’Europe, Hope rencontre Léonard. Elle a besoin d’un protecteur, il n’a pas le coeur de l’abandonner. Dans un monde hostile où chacun doit rester avec les siens, ils vont tenter d’avancer ensemble, et de s’aimer.
Les Merveilles de Alice Rohrwacher – Drame italien – 11 février 2015
Dans un village en Ombrie, c’est la fin de l’été. Gelsomina vit avec ses parents et ses trois jeunes sœurs, dans une ferme délabrée où ils produisent du miel. Volontairement tenues à distance du monde par leur père, qui en prédit la fin proche et prône un rapport privilégié à la nature, les filles grandissent en marge. Pourtant, les règles strictes qui tiennent la famille ensemble vont être mises à mal par l’arrivée de Martin, un jeune délinquant accueilli dans le cadre d’un programme de réinsertion, et par le tournage du « Village des merveilles », un jeu télévisé qui envahit la région.
Le Prix France Culture Cinéma des étudiants sera remis au réalisateur du film primé le samedi 16 mai à Cannes, en présence de Pierre Lescure, Président du Festival de Cannes. CineSeriesMag s’y rendra et vous annoncera le nom du gagnant.
Synopsis : En 1996, alors que la campagne électorale en Israël approche, le réalisateur, Avi Mograbi, décide de faire un film sur la figure politique contestée d’Ariel Sharon.
La politique telle une comédie
S’initier au cinéma israélien, c’est découvrir un cinéma exotique où l’on se doit d’éviter d’avoir des idées préconçues, en pensant que ces œuvres sont surement « archaïques » et qu’elles manquent de profondeur. C’est aussi s’apprêter à avoir un réel choc culturel, tant nos cultures sont parfois aux antipodes. Mais, visionner le premier long métrage de Avi Mograbi, « Comment j’ai appris à surmonter ma peur et aimer Ariel Sharon », c’est surtout le plaisir de découvrir un documentaire atypique et extrêmement passionnant.
Le réalisateur parvient à manier avec perfection, la fiction pour mieux retranscrire la réalité, ce qui donne à cette œuvre un côté surréaliste et à la fois au plus près des réalités. De plus, la consistance de ce documentaire pendant cette heure, est assez surprenante pour un réalisateur encore inexpérimenté, et les échanges avec Arial Sharon sont parfaitement réalisés. En effet, l’une des forces majeure de ce long métrage, c’est sa capacité à maintenir l’intention et à susciter un réel intérêt.
Dans un premier temps, le processus de communication est habilement choisi, puisque l’on a réellement l’impression que l’on échange directement avec le réalisateur. De plus, aujourd’hui, dans notre société où les NTIC sont parfaitement intégrées dans notre vie sociétale, cette manière directe de communiquer pourrait même faire directement penser à une éventuelle interview sur Skype avec le réalisateur. Autrement, on peut facilement s’identifier au « personnage standard » qui cherche à obtenir des informations pour répondre à ses prérogatives politiques où tout simplement pour affirmer son opinion au travers du septième art.
Par la suite, ce qui interpelle directement par rapport à nos coutumes occidentales dans ce registre de documentaire, c’est la totale implication de l’auteur dans des propos parfois très sévères. Par exemple, oser dire qu’un massacre a été réalisé par la moitié de la population. On discerne également une importance capitale de son choix politique en Israël, comme si la politique pouvait s’apparenter à une forme de religion. Mais, ces propos parfois virulents, sont atténués par le choix très intéressant de tourner cette œuvre telle une comédie anodine, alors qu’elle traite directement de la politique israélienne. A l’image, notamment de sa dérision souvent de ses propos, en faisant référence aux changements qui se sont produits dans son couple, pendant le tournage de cette œuvre. C’est aussi, implicitement, un moyen de montrer que le choix politique en Israël peut avoir un réel impact dans la vie quotidienne. On distingue aussi une réelle fracture sociale au sein de ce peuple, où le choix politique détermine presque tes relations. Ainsi, de par, la réalisation de cette œuvre, Avi Mograbi, donne l’impression d’exercer son droit naturel de citoyen en tentant d’exprimer son opinion.
Par ailleurs, la comédie, dans ce documentaire n’est pas choisi par hasard, car plus le film avance, plus l’on s’aperçoit que c’est la situation politique actuelle qui s’apparente à une comédie. A l’image, de l’hypocrisie que l’on peut discerner dans le milieu politique, notamment lorsque Ariel Sharon promet dans la première partie des réponses que le réalisateur obtiendra seulement grâce à sa persévérance.
Ensuite, Comment j’ai appris à surmonter ma peur et à aimer Ariel Sharon permet d’exprimer le côté virulent, de la société israélienne. On distingue notamment des échanges verbaux très tendus parfois entre des spectateurs et Ariel Sharon. Cela met en valeur deux points, à la fois la capacité d’expression dans son pays et par la même occasion un certain manque de maturité dans la gestion des relations politiques.
Par la suite, on pourrait également évoquer le fait que Avi Mograbi utilise avec une grande subtilité le côté amateur du documentaire, en jouant souvent avec cet aspect au plus proche des réalités. Ainsi, ce registre assumé par le réalisateur lui permet également de voir son ennemie, Ariel Sharon, en tant qu’homme et non plus seulement se fier à la façade de l’homme politique. On constate, même par moment au fur et à mesure d’échanger avec Ariel Sharon, le réalisateur finit par être gêné par le développement des événements. On peut ainsi, se demander si le politique et l’homme sont dissociables ? Selon, le réalisateur, qui parvient à garder malgré le bon déroulement des événements une certaine neutralité, elle permet en tout les cas de voir plus loin de l’image que les médias tentent de véhiculer. Par exemple, on découvre un politique qui paraît être stricte et peu compréhensif, à un homme presque attachant dans la vie privée notamment de par sa simplicité.
D’autre part, on peut également remarquer, l’admirable qualité du réalisateur de séquencer sa pensée, les étapes se suivent de façon très logique et chaque thématique est traitée au moment opportun. Il arrive notamment, par moment à introduire le sujet de religion très habilement où l’on perçoit clairement, une forte croyance, et une véritable spiritualité dans ce peuple israélien, notamment le passage avec les orthodoxes. Enfin, Avi Mograbi fait partager clairement son cauchemar sous forme de fiction, après avoir rêvé d’un idéal pour son peuple. On retombe brusquement à la réalité, et finalement à celle qu’il a toujours voulu partager mais qu’il a tenté de cacher ou d’amoindrir du moins avec sa relation avec Ariel Sharon. On découvre alors, un pays sanguin, pro révolutionnaire, où la violence fait partie du quotidien d’une grande majorité de la population.
Pour conclure, d’un point de vue culturel et politique cette œuvre est très enrichissante. On ne peut qu’être admiratifs devant le challenge relevé par ce réalisateur pour fournir des images avec une telle authenticité qui permettent notamment d’en apprendre un peu plus sur le monde politique. Avi Mograbi, souhaite tout de même terminer son œuvre, dans une certaine cacophonie représentant la société actuelle. Le réalisateur, se prête au jeu de l’environnement de la scène finale et laisse à la fois un goût d’inachevé puisque il ne parvient pas à confirmer son idée initiale, mais son engouement final laisse tout de même présager un avenir meilleur. La meilleure des preuves, de l’optimisme possible est notamment sa capacité à outrepasser sa peur pour aller au-delà de l’image, et s’intéresser aux hommes au-delà de leurs statuts, tel un anthropologue.
Comment j’ai appris à surmonter ma peur et à aimer Ariel Sharon: Fiche technique
Eich Hifsakti L’fahed V’lamadeti L’ehov et Arik Sharon
Israël – 1997
Réalisation: Avi Mograbi
Scénario: Avi Mograbi
Image: Ran Carmeli, Yoav Gurfinkel, Ronen Shechner
Son: Avi Mograbi
Montage: Avi Mograbi
Producteur: Avi Mograbi
Interprétation: Avi Mograbi et Ariel Sharon…
Durée: 1h02
Synopsis: Installé au volant de son taxi, Jafar Panahi sillonne les rues animées de Téhéran. Au gré des passagers qui se succèdent et se confient à lui, le réalisateur dresse le portrait de la société iranienne entre rires et émotion…
Il était une fois en Iran
Le prix de l’Ours d’Or décerné à Taxi Téhéran à la dernière Berlinale risque d’être pris pour ce qu’il n’est pas, à savoir une sorte d’encouragement ou de manifeste politique, compte tenu des conditions difficiles dans lesquelles Jafar Panahi exerce son art en Iran. En effet, au-delà de cette dimension, et même si le ministre des affaires étrangères allemand a parlé d’un « symbole important de la liberté artistique », Taxi Téhéran est un film savoureux à plus d’un titre qui mérite amplement cette récompense.
On est tenté de dire que le cinéaste n’a besoin d’encouragement d’aucune sorte, tant son film montre à quel point il maîtrise son sujet. Taxi Téhéran est tourné entièrement depuis le point de vue d’un taxi que Jafar Panahi lui-même conduit, avec un dispositif proche des caméras cachées. Les clients entrent et sortent de son taxi, semblent se livrer à leur insu à diverses réflexions sur la vie iranienne, mais très vite, les caméras et Panahi lui-même sont « débusqués » par les « clients », ce qui ajoute un côté vertigineux au film, dont on se met à douter de la nature documentaire et improvisée.
Le film est tourné avec des moyens techniques extrêmement limités, trois caméras DV dissimulées dans le taxi, un téléphone portable, l’appareil de la jeune nièce du réalisateur. Une fois ou deux, on voit Jafar Panahi réorienter une caméra, un ultime geste de mise en scène quand on est empêché de tout, un geste qui montre que son envie est toujours là, mais surtout que son talent est là, de réussir à faire ce film complet avec si peu de moyens.
Ainsi, Jafar Panahi invite à bord de son taxi la société iranienne moderne dans une succession de saynètes très drôles. La modernité est en effet un outil qui permet aux personnages de s’extirper de leur situation parfois difficile. Un homme blessé et en sang s’engouffre avec sa femme dans le taxi et demande à ce que son testament soit filmé, afin de protéger sa veuve potentielle de ses propres frères. Un autre client vend sous le manteau des dvd, des blockbusters américains à Woody Allen ou encore Nuri Bilge Ceylan. Sa jeune nièce (pétillante Hana Saeidi, celle-là même qui a reçu le prix à Berlin pour le compte de son oncle) doit faire un film pour l’école, avec son petit appareil photo numérique, sous la contrainte de préceptes sévères transmis par la maîtresse d’école, une censure qui ne dit pas son nom. La modernité et le cinéma donc, car oui, il est beaucoup question de cinéma dans ce film en forme de pied de nez au gouvernement iranien.
Il est question de cinéma, et à juste titre, Jafar Panahi cite de manière explicite et sans aucune prétention son propre cinéma (dans une réplique, dans une scène etc). Une manière de célébrer son art, mais également de résister par rapport aux autorités de la République islamique d’Iran qui ont interdit ses films sur le territoire national.
Il est question de liberté aussi, car Jafar Panahi réussit la gageure d’embarquer dans son taxi Nasrin Sotoudeh, l’avocate des droits de l’homme condamnée à l’emprisonnement comme lui et en même temps que lui lors des manifestations de 2009, après l’élection d’Ahmadjinejad, et libérée comme lui sous la pression de la communauté internationale. Une femme qui symbolise toutes les luttes menées en Iran pour la liberté d’expression.
Il est enfin question encore et toujours de la place de la femme dans la société iranienne, et Taxi Téhéran leur fait la part belle, qu’elles soient vieilles, jeunes, voire très jeunes comme Hana, traditionalistes ou modernes. Elles sont drôles et vivantes, impertinentes mêmes, et sont les remparts à la progression d’une répression ambiante (on apprend de la bouche de plusieurs personnages et de Panahi lui-même que deux personnes ont été exécutées pour une « simple » histoire de racket).
Toutes ces idées sont portées par un scénario mince en apparence, et pourtant très cohérent malgré l’organisation en saynètes : toutes les séquences se tiennent toutes seules, mais également s’articulent et se répondent, les unes expliquant les autres, rien n’étant anodin. Et cela, même si on ne le réalise qu’après coup.
Jafar Panahi est le plus souvent face caméra, un homme tranquille et sûr de lui. Un homme qui a déjà été en prison, et qui est toujours sous le coup d’interdictions diverses (de faire des films, de parler aux journalistes, de quitter le territoire iranien etc). Comme il le dit lui même, le confinement dont il fait l’objet le pousse de manière encore plus urgente vers la création, et sa détermination et son assurance se lisent sur son visage.
Pour notre plus grand bonheur, car Taxi Téhéran est un film très plaisant à regarder, la visibilité de Jafar Panahi grandit avec les interdictions qui lui sont infligées. Plusieurs fois primé à Berlin ou à cannes, L’Ours d’or qu’il a reçu au 65ème festival de Berlin est une sorte de consécration, Alors, ce n’est peut-être pas un lot d’encouragement, mais espérons que cet Ours d’Or pourrait permettre qu’un jour, ces films puissent être vus par les iraniens eux-mêmes, ce qui est le vœu le plus cher de Jafar Panahi.
Taxi Téhéran : Bande-annonce
Taxi Téhéran: Fiche Technique
Titre original : تاکسی.
Réalisateur : Jafar Panahi
Genre : Drame, Comédie
Année : 2015
Date de sortie : 15 avril 2015
Durée : 82 min.
Casting : Jafar Panahi
Scénario : –
Musique : –
Chef Op : –
Nationalité : Iran
Producteur : Jafar Panahi
Maisons de production : –
Distribution (France) : Mémento Films Distribution
Découvrez le festival séries mania 2016 en quatre jours clefs !
Si vous aussi vous aimez bing-watcher des séries, que les spoilers sont votre plus grande frayeur ou bien que votre vie est régie par les nouveautés sur Netflix ou autre plateforme de lecteur média : Séries Mania est fait pour vous. Chaque année, le Forum des Images à Paris vous permet de participez à des marathons comédies et Walking Dead, des conférences ou tables rondes autours de vos séries préférées, parfois en présences des réalisateurs et acteurs, et le tout gratuitement! Cette année, le thème fil rouge du festival est le genre féminin. Tout au long du festival, nous avons suivis plusieurs nouvelles séries mettant à l’honneur des héroïnes féminines.
Nous avons vu, jour après jour, ces nouvelles séries : qu’elles soient Françaises (Nina, La vie devant-elles), étrangères (Tellus) ou américaines (Transparent), elles usent toutes de personnages féminins centraux et de moins en moins archétypaux.
#JOUR 1
Nina (Saison 1 – ép. 1 et 2 ) : 3/5
RÉSUMÉ : Nina, mère divorcée et infirmière de 37 ans, repart à zéro. Mais rien ne s’avèrera facile en tant que stagiaire, qui plus est, au sein de l’hôpital géré par son ex. Après avoir combattu le terrible cancer de sa fille Lily, elle est dévouée et prête à tous pour réellement devenir infirmière. Mais dans un hôpital, tout peut arriver : entre drames, passion amoureuses et amitiés, Nina n’est pas au bout de ses surprises.
Critique des deux premiers épisodes :
Encore une série médicale ? Oui, mais pas que. Ce projet prometteur, crée et scénarisé par Alain Robillard et Thalia Rebinski, est déjà prometteur. Une prochaine diffusion sur France 2 et est prévue et les créateurs sont en phase de réaliser une seconde saison. Elle reprend les codes de la série médicale romancée type Grey’s Anatomy mais avec mise en scène cohérente, des dialogues à la fois drôles et légers, la série tient le paris d’utiliser le genre médicale pour aborder des thèmes modernes.
Le personnage de Nina n’est pas une ingénue, elle a l’expérience mais se retrouve au plus bas de l’échelle du milieu hospitalier. Grâce à son ingéniosité et sa volonté à toute épreuve, elle saura se faire sa place et rétablir un équilibre dans sa vie assez chaotique. Mère ultra protectrice, ex-femme, infirmière en devenir, amie loyale ; elle aborde plusieurs rôles et ce, de manière moderne et juste.
L’univers hospitalier permet de parler de réalités sociales (les grèves des aides-soignants, les positions supérieures des médecins, l’implication personnelle chez certains patients) tout en narrant des histoires de bouts de vies (des rencontres, des séparations et des révélations de soi-même). Les acteurs ont même intégré un réel hôpital comme stagiaires pour mieux se rendre compte de la réalité du milieu hospitalier.
Avec un panel de personnages caractériels mais pas stéréotypés, on se laisse charmer par le franc parlé de Léo, la candeur de Dorothée ou le manque d’humanisme du Dr Proust. Cette série est à suivre, pour l’évolution des liens créés entre les personnages. Et même si la qualité de la série reste française donc moins sérieuse que certaines américaines du même genre, la cohérence du scénario reste accrocheur et donne envie d’en savoir plus.
Il est intéressante alors d’observer ce personnage de Nina qui doit à plus de 30 ans, ré-affirmer son indépendance en tant que femme par rapport aux hommes qui l’entourent. Avec des dialogues sur son rôle comme infirmière mais aussi comme ex-femme qu’on remet sans cesse à sa place, Nina est un personnage qui ne s’enferme pas dans des cases et se bat pour s’affirmer.
INFOS TECHNIQUES & GÉNÉRIQUE :
Créateur(s): Alain Robillard, Thalia Rebinsky Scénariste(s): Alain Robillard, Thalia Rebinsky Avec: Annelise Hesme, Thomas Jouannet , Nina Melo, Grégoire Bonnet Réalisateur(s): Nicolas Picard-Dreyfuss Producteur(s): Barjac Production Vendeur international: Newen Distribution Diffuseur(s): France 2 (France)
INFOS TECHNIQUES
Année: 2015 Pays: France Saison: 1 Épisodes: 8 Durée: 50 min
#JOUR 2
Tellus (Saison 1 – ép. 1 et 2 ) : 2/5
RÉSUMÉ : En Finlande, Eevi (Minka Kuustonen), jeune docteur, est aussi secrètement membre d’un groupe d’éco-terroristes. Au cours d’une des missions activistes, un innocent meurt dans l’incendie qu’ils ont provoqué et tout change au sein du groupe… Eevi rencontre par la suite, Alex (Lauri Tilkanen) chef d’écologistes modérés qui risque de remettre en cause ses convictions et les sacrifices qu’elle s’est imposés.
Critique des deux premiers épisodes :
Cette série scandinave, réalisée par JP Silli, est certes de très bonne qualité et comparable aux thrillers du grand écran, mais souffre de son format de série, ou le suspens freine le rythme. On est plongé dans l’univers froid et rude de la Finlande, avec des paysages de neige et de tunnels naturels impressionnants. La mise en scène, la lumière et le cadrage rendent l’ambiance angoissante et intense, ou même les locaux de polices sont taillés dans les sous terrains.
Si le sujet n’est que rarement abordé à l’écran, avec Night Moves de Kelly Reichardt, l’éco-terrorisme reste peu pris au sérieux. La série reprend le nom Tellus (Terre matrice), de la déesse romaine pour défendre cette mère nature. Mais le problème écologique, n’est au début abordé que de manière superficielle.
Le but est plus d’éveiller les consciences du public à travers un discours écologique simple et efficace. Mais elle ne creuse pas encore assez les réels problèmes sociaux et économiques des actions écologiques. La série ne prends parti que du côté des activistes écologiques, et s’éternise alors dans les dialogues à sens unique.
La série tend plus au genre d’enquête policière, menée par un vieux policier fort sympathique. On prend facilement son parti, il est très partagé entre son métier et sa conscience écologique. A travers les divers personnages d’Eevi, Alex et le policier, sont dépeintes des visions extrêmes de l’éco-terrorisme qui tendent à se réunir dans les futurs épisodes.
Le problème de la série serait surement son manque de risque pris, et sa confusion des genres. D’un thriller écologique à la série policière simple, en mêlant des histoires de triangles amoureux, on est face à un résultat pas assez attrayant. Bien sûr, ce mélange est imposé pour attirer le public des séries, friand d’histoires d’enquête et d’amour.
Le but principal était pourtant d’éveiller la conscience écologique de chacun, et si la série n’a pas fait plus débat dans son pays d’origine c’est pour des raisons évidentes. Mettre en avant un groupe de terroriste, même si écologistes, serait un appel à la violence et à la révolte qu’il vaudrait mieux faire taire. Reste à voir si son exportation à l’étranger (France, Allemagne) entraînerait plus sérieusement les réactions.
Néanmoins, est à féliciter l’utilisation d’une femme comme personnage central. Même s’il est moins rare de voir en actions les femmes dans des séries (Homeland), ou menant une double vie (Orphan Black) grâce aux séries américaines. Dans Tellus, Eevi est aussi meneuse de l’action militante, et non seulement la source des réflexions autour du remords éprouvé après l’accident.
On se concentre sur la dualité de son personnage, qui parait libre mais est enfermé dans sa solitude. L’attachement amoureux qu’elle éprouve pour Alex n’est pas le centre de l’intrigue. La femme n’est pas alors cette chose fragile qui s’émeut au moindre intérêt amoureux. Au contraire, cet amour qu’elle sait impossible à cause de son secret, va remettre en question ses propres convictions et devenir un obstacle. Elle reste ce personnage fort et déterminé, mais faisant face à une vie de paranoïa et horriblement solitaire.
GÉNÉRIQUE & INFOS TECHNIQUES
Créateur(s): JP Siili Scénariste(s): JP Siili Avec: Minka Kuustonen, Lauri Tilkanen, Pirkka-Pekka Petelius, Henrik Hammarberg Réalisateur(s): JP Siili Producteur(s): Sveriges Television (SVT) / Yleisradio (YLE) Diffuseur(s): Yle TV1 (Finlande)
Pour ce festival autour du genre féminin, vous pouviez aussi retrouver des débats, à revoir sur le site officiel.
La sexualité féminine dans les séries TV
La conférence d’Iris Brey met en évidence l’évolution de la représentation de la sexualité féminine à travers des séries connues comme Sex and the City, ou plus récentes comme Girls, Orange is the New Black et Masters of Sex, qui mettent en évidence la nouvelle expression de la sexualité féminine dans les séries TV. A Serie Mania, des nouvelles séries The Affair, Togetherness et Transparent, qui participent à jouir de cette nouvelle liberté en abordant la masturbation féminine et montrant des corps nues non plus aussi gratuitement que par le passé. Aborder la sexualité féminine de manière plus sérieuse, sans être pornographique mais éducative incite à bousculer les stéréotypes sur la sexualité en générale.
La conférence n’abordait qu’un court corpus de séries, qui plus est américaines. Des séries qui sont néanmoins diffusées en France grâce aux chaines câblées. Il est intéressant de pointer alors ce manque de risque sans doute des chaines publiques, à aborder la sexualité sous toutes ses coutures. A quand la version française de Girls ou la même liberté de montrer la femme et ses tribulations sexuelles ?
La vie devant-elles (saison – ép. 1 et 2) : 1,5/5
RÉSUMÉ : Dans le milieu des années 1970, au nord de la France, une explosion survient dans une mine. Trois hommes et leurs secrets se retrouvent alors ensevelis. Alma, Solana et Caroline vont devoir se battre pour l’honneur de leurs pères, prendre en main leur destin et s’émanciper dans une période de grands bouleversements sociaux. Une génération, trois destins
Critique des deux premiers épisodes :
La série suit le « destin » de trois jeunes filles plutôt stéréotypées. Ainsi, les deux amies principales veulent faire de la mode à Paris. L’une est très dure en apparence, puisqu’elle n’a pas reçu d’amour maternel, l’autre est plus délurée, mais finalement peu sûre d’elle, très maternée par son père, peu par sa mère. La dernière, périphérique aux deux amies, doit faire face à la disparition de sa mère, qui refait sa vie loin des siens et le mutisme renfermé de son père qui pourtant l’admire. La série retranscrit bien le monde ouvrier des années 70, il n’est donc pas étonnant qu’une chaîne comme France 3 (qui diffusera la série à partir du 28 avril) l’ait rachetée. La chaîne est devenue spécialiste après la diffusion et le succès de la série Un Village français et sa reconstitution fidèle de la Seconde Guerre mondiale en France.
Mais il lui manque une vraie originalité, le thème de la jeunesse étant plutôt sous-exploité puisque ces jeunes filles ont une certaine fraîcheur, mais ne s’éloignent pas des idées reçues sur leur condition : premiers amours, désir d’émancipation, jalousie, beauté, transgression. Le rapport au père, les mères étant quasiment absentes ou défaillantes, est l’aspect le plus intéressant de la série, qui donne à voir la paternité autrement. C’est comme ça que le genre féminin s’y lit différemment. Les pères ne sont plus seulement des figures d’autorité et les mères des êtres aimants, les rôles parentaux sont presque inversés et les jeunes filles en deviennent plus duelles, n’étant pas seulement des jeunes fleurs en pleine croissance, mais aussi des personnalités fortes dans un monde ouvrier exclusivement masculin, puisque les mines dominent encore à cette époque.
Cependant, si les enjeux de la série sont passionnants : fin d’un monde (ouvrier, minier), début d’une nouvelle ère (sans emploi, avec des familles éclatées) et que l’émancipation permet de mettre trois jeunes filles en avant, la série souffre d’un format trop « long » pour un rythme assez mal maîtrisé. Les dialogues ne sont pas toujours très heureux et l’esthétique se contente d’une reconstitution, sans audace. Si l’idée de départ parait réjouissante, la forme pêche un peu malgré de superbes interprètes (surtout les trois jeunes filles). On regrettera donc le format tv pépère de la soirée série sur France 3 qui permet peu de prises de risques. Il est encore trop rare dans la série française (sauf si on pense à Engrenages récemment ou aux Revenants) de voir des formats sériels réellement addictifs et qui bouleversent les stéréotypes. La série a un certain charme, mais reste trop plan-plan avec le schéma : secrets et drames familiaux, petit village, gens simples, vies simples et peu de surprises ou de bouleversement des certitudes. Dommage.
Néanmoins, le regard sur la cellule familiale, qui vole en éclats dès le premier épisode, permet de mieux envisager l’avenir des femmes dans un monde préconçu. Il faut souligner la volonté de faire sortir ces jeunes femmes de leur milieu, mais en parlant de jeunesse trop maladroitement. Ces filles-là ne rêvent finalement, car les créateurs ne leur donne pas le choix, que de de mariage et de départ, mais aussi de paillettes. Heureusement qu’elles sont confrontées à un désir de justice et de vérité qui, qui sait, prépare peut-être les justicières des séries d’aujourd’hui, prêtes à s’affirmer et à être plus que des jeunes filles, mais à compter dans la société et à la faire évoluer, bouger, à la féminiser. Il faudrait pour cela que la série envisage d’avantage le corps des actrices et l’appropriation que chacun des personnages doit faire de soi.
GÉNÉRIQUE & INFOS TECHNIQUES
Créateur(s): Dan Franck, Stéphane Osmont Scénariste(s): Dan Franck, Stéphane Osmont Avec: Stéphane Caillard, Alma Jodorowsky, Lilly-Fleur Pointeaux, Sabine Haudepin Réalisateur(s): Gabriel Aghion Producteur(s): Cinétévé, Pictanovo Diffuseur(s): France 3 Vendeur international:France Télévisions Distribution
INFOS TECHNIQUES
Année: 2015 Pays: France Saison: 1 Durée: 50 min
#JOUR 4
Les stéréotypes sur les femmes-flics dans les séries TV :
Cette conférence en présence deMathieu ARBOGAST (DOCTORANT) et DESBARATS (ESSAYISTE DE CINÉMA) se penche sur les figures de femmes flic dans les séries TV.
Récemment, ce ne sont plus Maigret, Colombo ou l’inspecteur Derrick qui crèvent l’écran pour débusquer les vilains criminels. Désormais, les femmes aussi ont leur place dans le rôle du policier au passé douloureux, à la vie de famille chaotique et qui rendent son boulot prioritaire.
De la femme sexy et dominatrice de Chapeau melon et bottes de cuir (1961-1969) à la femme ordinaire mais autoritaire de Cold Case (2003- 2010) ou Les Experts, les stéréotypes sur les flics ont bien évolués. Avec une étude intéressante de ce changement de personnages types et leur représentation, on voit que les femmes affirment leur force et leur violence sans plus passer pour des garçons manqués. Elles sont des femmes doubles, pas juste jolies mais intelligentes, à la fois fortes et fragiles, ordinaires et extraordinaires, femme et flic.
C’est grâce à des scénaristes de séries comme Engrenages, the Fall ou Happy Valley, que les femmes flics sont réinventées et que les exceptions féminines ne sont plus que des marginales.
Transparent (Saison 1 – ép. 1 à 3) : 4/5
RÉSUMÉ : Mort Pfefferman, professeur à la retraite, réunit ses trois grands enfants et leur annonce qu’il veut dorénavant s’habiller publiquement en femme.
Critique des premiers épisodes :
Cette série est un OVNI remarquable. Réalisée parJill Soloway et produit par Amazon, la série a déjà fait du bruit en gagnant le prix de la meilleur série comique au Golden Globe 2015. Aborder de manière sérieuse, sans devenir trop mirobolant, la situation d’un trans à notre époque est remarquable. Tout comme l’a fait précédemment, Xavier Dolan avec Laurence Anyways à sa manière.
Trans-parent, c’est une dramedy unique qui aborde le coming-out trans d’un père de famille retraité, avec un coté décalé et hors des clichés. L’histoire se concentre sur la réaction de son entourage, mais plus particulièrement face au jugement de ses trois enfants, qui eux-mêmes vivent dans le mensonge de leur propre vie. Maura est donc cette femme qui renaît du personnage mensonger de Mort. Elle s’affirme courageusement, mais timidement, hors du placard.
On voit que ce coming-out n’est pas juste brutal, il est un long processus, par étapes que chaque nouvel épisode tente de faire ressentir. Avec aussi une manière très intime de filmer, parfois à la manière de camera amatrice (comme celle du générique), on entre dans la psyché de chacun de ses personnages marginaux mais pourtant vrais.
Par des situations délicates, parfois drôles comme la fameuse interrogation : « Comment l’appeler ? Lui ou elle?« ; mais parfois moins drôles, comme le regard et le jugement véhément des autres face à ce « pervers » qui se « déguise en femme », on est témoins d’une réalité qui nous est pour la plupart inconnu.
La série jouit en plus d’un casting de qualité avec pour personnage principale le célèbre Jeffrey Tambor, qui illumine naturellement dans son rôle. Mais aussi Amy Landecker (A Serious Man) , Gaby Hoffmann (connu pour son rôle dans Girls), Jay Duplass et la méconnaissable Judith Light (Madame est servie, Ugly Betty) pour interpréter la petite famille « spéciale ».
Cette série est celle qui représente le mieux le genre féminin promit par le festival. Elle montre comment Moira apprend à devenir la femme qu’elle veut être. Son vrai combat c’est de de refaire sa vie à l’âge de la retraite et affronter le jugement universel. Etre femme trans n’est pas juste porter des perruques et du maquillage, ou agir de manière efféminée, c’est une révélation qui est plus que physique. Et Jill Soloway avec Transparent prends le risque de nous dévoiler cette vérité.
En dernier, il est à féliciter de voir que d’autres sujets « tabous » sont abordés, mais également montrés, chose rare au cinéma. La série se risque à parler d’avortement désiré et de montrer la sexualité lesbienne : des sujets non pas principaux mais importants. Ces premiers épisodes sont une bonne mise en bouche qui promet, avec des dialogues justes, des personnages intéressant à suivre. De plus, le format de 30 minutes rends plus accessible et addictif la volonté de continuer la série. A ne pas manquer donc, à partir du 8 mai sur OCS en France.
Synopsis : Le major Thomas Egan est un ancien pilote de chasse aujourd’hui reconverti en pilote de drone de combat. Quand il ne combat pas les talibans depuis sa base à Las Vegas, il est chez lui où il se querelle avec sa femme Molly et ses enfants. Alors qu’il développe un trouble de stress post-traumatique, Thomas remet sa mission en question : ne crée-t-il pas plus de terroristes qu’il en extermine ?
Guerre 2.0
9 ans après Lord of War,le réalisateur Andrew Niccol renoue avec un cinéma militant, en dénonçant les aberrations d’une guerre qui semble sans fin. Son film est comme une réponse au American Sniper de Clint Eastwood, qui faisait l’éloge du sniper Chris Kyle, en romançant la véritable histoire, pour en faire un héros. Ici aussi, le récit s’inspire de faits réels, mais on nous montre l’envers du décor, en démontant l’héroïsme des protagonistes, qui ne sont que des marionnettes dans les mains de leurs supérieurs.
Ethan Hawke est un homme au bord de la rupture. Un ancien pilote de F-16, devenu un pilote de drone de combat, mais qui a toujours le désir de voler à nouveau. Son ancienne vie lui manque. Il a besoin de l’adrénaline, qu’il ressentait durant ses missions. Il est en manque de sensations et ce n’est pas sa vie trop rangée dans un pavillon, avec sa femme et ses enfants, qui vont lui redonner cela. L’alcool lui permet d’accepter sa nouvelle vie, mais il reste absent, les yeux rivés au ciel. Il est enfermé dans une routine, qui le détruit à petit feu. Son attitude met sa vie de famille en péril, mais aussi sa carrière.
Le film parle surtout de cette guerre contre le terrorisme, de ce droit que s’octroie les états-unis d’assassiner des gens, sans procès. La situation est résumée en un échange rapide, entre Ethan Hawke et un policier, c’est une guerre sans fin, comme face à la drogue. Son lieutenant Bruce Greenwood a aussi sa vision des choses : si on ne les tue pas, ils vont nous tuer, c’est un cercle vicieux. A travers diverses discussions, Andrew Niccol; également scénariste; énonce des vérités qui font mal. En se cachant encore et encore, derrière les drames du 11 septembre, le gouvernement américain, justifie ses attaques et l’emploi de drones. Ces hommes et cette nouvelle venue, Zöe Kravitz, doivent éliminer des cibles, sans que les civils soient touchés. Mais la CIA va prendre les commandes des opérations et les dommages collatéraux, deviennent récurrents. Face à cette nouvelle situation, les consciences de chacun, vont être mises à mal. Doivent-ils exécuter les ordres ou réfléchir avant d’agir, en risquant de perdre leurs postes ?
Le camp militaire est situé à côté de Las Vegas, la ville de tout les vices, ou tout parait fictif. Ces pilotes sont aussi fictifs, enfermés dans leurs boites climatisés, ils prennent juste le risque de se renverser du café sur leurs combinaisons. Mais quand ils appuient sur la gâchette, ils mettent vraiment fin à la vie d’un terroriste ou d’un innocent. Tout en restant impuissant, quand ils voient un vrai drame se dérouler sous les yeux, avec cette femme violée. Zoë Kravitz apporte un regard différent face à ses insoutenables situations. Les hommes qui l’entourent, ne semblent pas se remettre en question, même si on perçoit furtivement une douleur dans leurs regards. Seul Ethan Hawke semble se remettre en question. Ce sont deux générations qui se rejoignent, le vétéran qui a connu le terrain et la jeune recrue idéaliste, pensant éliminer seulement des membres d’Al-Qaïda. Elle a beau asséner des faits avérés, on ne veut pas l’entendre, les mots se perdent, seuls les actes restent. Même à travers un moniteur, on ressent la douleur de ses femmes pleurant leurs enfants, ou enlevant un bras d’un arbre. Ces gens qui sont tués, au cas ou, par le biais d’un ordre émis par le haut-parleur d’un téléphone….Ces hommes de l’ombre, ces fonctionnaires de haut rang, qui ont du sang plein les mains, mais l’esprit en paix, en déléguant les exécutions à des subalternes, dont les images de ces meurtres restent gravés dans leurs esprits.
Andrew Niccol dénonce cette inhumanité, en signant un pamphlet contre le guerre. Ses plans sur les pavillons de Las Vegas, sont comme ceux dans la salle de contrôle des drones, comme pour montrer, qu’eux aussi peuvent devenir des cibles, qu’ils ne sont pas à l’abris et que la mort, peut frapper à tout moment. Sa réalisation est redondante, à l’image de la vie d’Ethan Hawke. On passe de la salle de contrôle, à sa maison. Seul le trajet semble lui permet de souffler un peu, avec du rock à fond, mais toujours avec une bouteille à la main, son seul remède, contre l’horreur des images, qu’il voie chaque jour. Il habite son personnage, on sent sa douleur, sa frustration, mais aussi une violence sous-jacente. C’est sa troisième collaboration avec Andrew Niccol, après Bienvenue à Gattaca et Lord of War, ses deux plus grandes réussites. Même s’il n’atteint pas l’excellence de ces deux précédentes œuvres, en allant pas au fond de son sujet. Cela reste un film de bonne facture. C’est une réflexion sur la guerre et ses conséquences. Il reste sobre en ne montrant jamais des images chocs, les situations et les mots, suffisent à retranscrire l’horreur des faits.
Le film perd souvent de sa force, dès qu’il tente de montrer les conséquences de la guerre, sur la vie familiale. January Jones n’est pas étrangère à ce léger handicap, en ne faisant jamais preuve d’émotions, face aux drames se déroulant sous son toit. Enfin, on regrettera une fin convenue, dans un film non-conventionnel, une contradiction, qui laisse le spectateur sur sa faim. Mais pour son sujet brûlant et l’interprétation d’Ethan Hawke, Bruce Greenwood et Zoë Kravitz, le film reste intéressant et à le mérite de dénoncer ces faits, malheureusement réel.
Fiche technique : Good Kill
USA – 2014
Réalisation : Andrew Niccol
Scénario : Andrew Niccol
Distribution : Ethan Hawke, January Jones, Zöe Kravitz, Jake Abel, Bruce Greenwood et Peter Coyote
Photographie : Amir Mokri
Montage : Zach Staenberg
Musique : Christophe Beck
Société de production : Voltage Pictures
Société de distribution : La Belle Company
Genre : Thriller
Durée : 104 minutes
Date de sortie française : 22 Avril 2015
Nouveau point de convergence des films Marvel, Avengers : L’ère d’Ultron était encore attendu comme le messie, celui qui mettrait tout le monde d’accord, public, critique et fans hardcore, sur la viabilité d’un univers partagé. Mais si Joss Whedon réussissait à faire illusion dans le premier épisode, il est triste de constater qu’il semble dépassé par l’ampleur du projet. L’ère d’Ultron est un monstre. Un bulldozer financier, calibré pour rafler le jackpot, mais surtout un monstre narratif protéiforme engoncé dans sa chrysalide de divertissement grand public.
La fin d’une époque
Whedon est avant toute chose un scénariste de la télévision, cela se ressent par le grand nombre de personnages à l’écran, ainsi que la multiplicité des intrigues développées donnant l’impression d’une série télévisée de luxe, condensée en 2h40. Le film n’a alors plus l’aspect d’un récit cohérent avec un fil narratif précis, mais plutôt celui d’une créature constituée de divers bout d’histoires maladroitement cousus ensembles, avançant d’un pas lourd et mal assuré. Obligé de composer avec les anciens en ajoutant de nouveaux protagonistes, le messie de la culture geek s’embrouille rapidement, proposant nombre d’idées qui s’entrechoquent parfois violemment. Le récit oscille sans cesse entre humour et sérieux, scènes intimistes et actions groupées, divertissement bourrin ou culture littéraire. Toute la promotion tournait autour d’une référence un peu maladroite au Pinocchio de Walt Disney (une chanson sifflée au détour d’un plan), mais en sortant de la salle on pense plutôt aux romans anglais du XIXième voyant Thor s’improviser en Frankenstein cosmique ou les héros se battre contre Ultron dans les rues d’une Laputa contemporaine. Si les super-héros sont les nouveaux mythes du monde moderne, ils n’en restent pas moins soumis aux grands récit des siècles passés. Difficile de reprocher à un blockbuster de connaître ses classiques, sauf quand ceux-ci sont mis en relation avec les pires clichés narratifs connus.
En première ligne, cette romance maladroite entre Black Widow et Hulk, la minceur des dialogues et le niveau relativement crétin des blagues (analogie entre la taille du monstre et celle de son chibre…classe) ramène les personnages féminins du film presque 20 ans en arrière. Natasha Romanov s’était imposée comme une femme forte ne souffrant pas la comparaison avec ses collègues masculins, le film la transforme en minette, semblant constamment en rut, draguant ouvertement Bruce Banner, parce que la féminité chez Whedon ne peut s’exprimer que par le désir sexuel (pour un autre homme) ou l’instinct maternel, quand la super espionne doit chanter une berceuse au géant vert pour le calmer. Même combat pour le Dr. Helen Cho (nouveau personnage) mariée à son travail de chirurgienne mais se laissant convaincre de venir à une soirée parce qu’elle a le béguin pour Thor. Très moderne tout ça de la part de Whedon, après avoir accusé Jurrasic World d’être sexiste au travers d’un seul extrait, comment compte-t-il justifier ce machisme triomphant qui s’étend sur plus de deux heures?…Question en suspend.
Des maladresses scénaristiques, le film n’en manque pas, que ce soit le surdéveloppement de Hawkeye, jusqu’à la révélation de sa vie privée qui tend vers le ridicule, aux apartés faisant office de micro-teaser à l’intérieur même du film. La quête personnel de Thor (accompagné de son meilleur pote le Dr. Selvig) ne semble être là que pour annoncer le troisième épisode des aventures du dieu nordique et la présentation d’Ulysse Claw (Andy Serkis) ne fait que confirmer le film Black Panther. Difficile d’y voir autre chose qu’une nouvelle forme de stratégie commerciale. Les scènes post génériques ne semblent plus suffire à Marvel, il faut en plus aguicher le public à l’intérieur même des récits. Certains personnages brillent par leur inutilité, tel Quicksilver ou le baron Von Strucker, et l’intrigue réserve quelques trous béants comme l’absence inexpliquée de Hulk pendant dix bonnes minutes lors de la bataille finale. Au milieu de tout ces échecs, on gardera un souvenir positif du méchant Ultron plutôt amusant, de la Vision étonnamment réussie et du running gag du marteau qui fonctionne toujours bien. Néanmoins Whedon se laisse emporter dans son élan et oublie de maintenir une cohérence, malgré des enjeux plus alléchants. Le film, Avengers : L’Ère d’Ultron souffre de cette coexistence fragile entre tous ces éléments qui s’imbriquent fort mal.
Au-delà de ces considérations scénaristiques, il y a peu d’intérêt à juger la réalisation du film tant celle-ci apparaît froide et dépourvue d’identité. S’il peut être un bon scénariste, Whedon est un réalisateur particulièrement surestimé, se contentant de stratégies éprouvées mille fois (ralentit pendant les scènes d’actions, plans séquences numériques servant de cache misère…) pour maintenir éveillé. Jamais le réalisateur ne prend de risque dans sa mise en scène, si bien qu’on a l’impression de revoir encore et toujours les même scènes d’actions, répétitives et peu excitantes. C’est surtout ce manque d’audace visuelle qui étouffe l’ambition scénaristique du film, donnant l’impression d’une œuvre amputée de son potentiel narratif immense, pour rentrer dans les schémas pré-établis. Preuve final que l’ambition du producteur Kevin Feige, bien que lucrative, est infiniment destructrice, annihilant toute créativité dans l’espoir de plaire au plus grand nombre.
Synopsis :Après les événements relatés dans Captain America : Le Soldat de l’hiver qui ont vu la destruction du SHIELD, Tony Stark a créé Ultron avec l’aide de Bruce Banner, une intelligence artificielle capable d’augmenter seule ses capacités, et qui est censée protéger l’humanité de toutes les menaces potentielles et contrôler la légion des Iron Man. Mais le plan de Stark se retourne contre lui lorsque Ultron décide que les principaux ennemis sont en fait les humains, et s’emploie à les éradiquer de la surface de la Terre. Les Avengers se regroupent à nouveau pour lutter contre ce péril mortel, tandis que trois nouveaux personnages apparaissent, ennemis puis alliés : Vif-Argent, la Sorcière rouge et Vision.
Avengers : L’ère d’Ultron – Bande-annonce
Avengers : L’Ère d’Ultron : Fiche Technique
Titre original : Avengers: Age of Ultron
Titre français : Avengers : L’Ère d’Ultron
Réalisation : Joss Whedon
Scénario : Joss Whedon, d’après les personnages créés par Stan Lee et Jack Kirby
Distribution: Robert Downey Jr. (Tony Stark/Iron Man), Chris Evans (Steve Rogers/Captain America), Chris Hemsworth (Thor), Mark Ruffalo (Bruce Banner/Hulk), Scarlett Johansson (Natasha Romanoff/Black Widow), Jeremy Renner (Clint Barton/Hawkeye), Elizabeth Olsen (Wanda Maximoff/Scarlet Witch), Aaron Taylor-Johnson (Pietro Maximoff/Quicksilver), Cobie Smulders (Maria Hill) et James Spader (Ultron).
Direction artistique : Mike Stallion
Décors : Maher Ahmad
Costumes : Alexandra Byrne
Photographie : Ben Davis
Son : Peter Lindsay
Montage : Jeffrey Ford et Lisa Lassek
Musique : Brian Tyler et Danny Elfman
Production : Kevin Feige
Production exécutive : Victoria Alonso, Louis D’Esposito, Alan Fine, Stan Lee et Jeremy Latcham
Société de production : Marvel Studios
Société de distribution : Walt Disney Studios Motion Pictures
Budget : 250 000 000 dollars
Pays d’origine : États-Unis
Langue originale : anglais
Format : couleur – 35 mm – 2.35:1 – son Dolby Digital / DTS / Dolby Atmos
Genre : super-héros, science-fiction, action
Durée : 142 minutes
Dates de sortie :
Europe : 22 avril 2015
États-Unis : 1er mai 2015
Synopsis : Un cinéaste reconnu travaille sur son prochain film, consacré à la monstruosité dans la peinture. Il est guidé dans ses recherches par une historienne de l’art avec laquelle il entame des discussions étranges et passionnées….
Freaks
La genèse de ce deuxième long-métrage d’Antoine Barraud est complexe, car il est à la fois la forme finale de ce qui devait être un documentaire sur le cinéaste Bertrand Bonello, et l’expression de l’envie originelle du réalisateur d’inviter le spectateur, mais sans doute aussi lui-même, à regarder les œuvres (tableaux, sculptures, photographies) dans les musées. Barraud avoue en effet devenir lui-même un visiteur de musée de plus en plus pressé au fil du temps, un visiteur qui voit les œuvres plutôt qu’il ne les regarde. Il atteint donc son double objectif en posant la caméra dans de longs plans-séquence devant des œuvres, des tableaux principalement, vus au travers du regard de Bertrand Bonello, un cinéaste comme lui.
Le film prend la forme d’une fiction, avec comme protagoniste le réalisateur Bertrand (Bertrand Bonello, étonnamment à l’aise devant la caméra) qui fait des recherches afin de trouver l’œuvre d’art qui symboliserait la monstruosité, thème qu’il souhaite traiter dans son prochain film. Il se fait aider en cela par une historienne de l’art (tour à tour jouée par Jeanne Balibar, superbe et toujours égale à elle-même, et Géraldine Pailhas, dans une version sexy du même personnage) qui l’emmène de musée en musée découvrir les œuvres qui pourraient correspondre à sa quête. L’univers de Bertrand est également composé de sa mère, une voix off qui fait office de narratrice au début et à la fin du film (Charlotte Rampling dont la voix se suffit à elle-même en tant que personnage), de sa femme actrice (troublante Joanna Preiss), de sa productrice Alice (Valérie Dréville), d’un journaliste gay pétrifié d’amour et qui n’arrive pas à l’interviewer (Nicolas Maury), et enfin d’amis divers comme son acteur Pascal (Pascal Greggory) ou son ancien médecin (Barbet Schroeder, vu récemment chez Bonello dans son film Saint Laurent). Dans le même temps, Bertrand cache une tâche rouge dans son dos qui grandit à vue d’œil (d’où le dos rouge du titre), peut-être le symbole psychosomatique de la monstruosité après laquelle il court.
On voit par ce casting exigeant d’acteurs rompus à des films d’auteur pas faciles, et par le sujet centré sur l’art et le processus de la création, que le cinéma d’Antoine Barraud s’adresse à des spectateurs plutôt connaisseurs, qui possèdent les codes et les grilles de lecture nécessaires pour entrer dans un univers culturel assez fermé. Il nous invite véritablement, pendant de longues minutes, à regarder avec ses acteurs les tableaux de Miro, de Bellmer, de Bacon, du Caravage, le très troublant « Alice et le miroir » de Balthus ou encore cet autoportrait de Spilliaert, et à écouter avec avidité les explications inspirées de Jeanne Balibar/Géraldine Pailhas, comme quand par exemple Jeanne Balibar lui démontre avec un sens évident du blasphème et de la provocation la nature monstrueuse de la vierge dans le splendide «mort de la Vierge » du Caravage (La Vierge est une figure monstrueuse par essence, dit-elle en substance), ou les interrogations du personnage/acteur/réalisateur/homme Bertrand (Bonello) devant ces tableaux (sa perplexité par exemple, devant le portrait d’une « danseuse » de Miro, composé d’une plume et d’une pointe). Un des intérêts de ce film est de débrouiller ce qui est d’Antoine Barraud de ce qui est de Bertrand Bonello dans le film, tant ce dernier est présenté à la fois comme lui-même, surtout quand on se réfère à l’idée initiale du documentaire, et comme le double de fiction d’Antoine Barraud.
Le dos rouge est un film déroutant qui peut très vite perdre son spectateur, de par un rythme très lent, un côté contemplatif et une absence de vrai fil conducteur. Mais celui qui a passé les premières minutes le trouvera de plus en plus intéressant au fur et à mesure qu’il avance dans le film. La découverte de ces œuvres d’art est l’attrait majeur du film. Pour le reste, il est assez frustrant, car on se pose trop de questions sans réponse sur les intentions du réalisateur. En dehors de Jeanne Balibar qui en impose beaucoup, et de Bertrand Bonello qui nous intrigue, le film par sa relative froideur nous laisse plutôt de marbre. Au-delà de la curiosité intellectuelle, le film d’Antoine Barraud a du mal à émouvoir. Ni les chants de Joana Preiss (musique de Bonello lui-même), ni les larmes de Bertrand Bonello devant ce tableau de Spilliaert, rien ne nous touche vraiment. Seule peut-être cette belle séquence avec le journaliste transi apporte une vraie émotion : avec son magnifique Hasselblad, Bertrand reproduit avec le journaliste une célèbre photo de Diane Arbus (Homme assis avec un soutien gorge et des bas, New-York, 1967), et on se met à penser que la monstruosité est de son côté, lorsqu’il profite des faiblesses du modèle pour l’utiliser à sa guise…
Trop hermétique, enfermé sur lui-même, Le dos rouge est pourtant un film qui nous embarque presque malgré nous, pour peu que l’on soit intéressé par le domaine si particulier des Beaux-arts.
Le Dos Rouge – Bande Annonce
Le dos rouge: Fiche Technique
Réalisateur : Antoine Barraud
Genre : Comédie dramatique
Année : 2014
Date de sortie : 22 avril 2015
Durée : 127 min.
Casting : Bertrand Bonello (Bertrand), Jeanne Balibar (Célia Bhy), Géraldine Pailhas (l’autre Célia Bhy), Joana Preiss (Barbe), Pascal Greggory (Pascal), Valérie Dréville (Alice), Nicolas Maury (le jeune journaliste), Barbet Schroeder (Le médecin)
Scénario : Antoine Barraud
Musique : Bertrand Bonello
Chef Op : Antoine Parouty
Nationalité : France
Producteur : Antoine Barraud, Cédric Walter, Vincent Wang
Maisons de production : House on fire, Centre Georges Pompidou
Distribution (France) : Epicentre films
Enfant 44 est un film ambitieux, au casting impressionnant, mais qui ne donnera jamais la pleine mesure de tout son potentiel. Adaptation du premier tome de la trilogie de Tom Rob Smith, on suit Tom Hardy, un orphelin, devenu un héros de la nation, par le fruit du hasard.
Synopsis : Hiver 1952, Moscou. Leo Demidov est un brillant agent de la police secrète soviétique, promis à un grand avenir au sein du Parti. Lorsque le corps d’un enfant est retrouvé sur une voie ferrée, il est chargé de classer l’affaire. Il s’agit d’un accident, Staline ayant décrété que le crime ne pouvait exister dans le parfait Etat communiste. Mais peu à peu, le doute s’installe dans l’esprit de Léo et il découvre que d’autres enfants ont été victimes « d’accidents » similaires. Tombé en disgrâce, soupçonné de trahison, Léo est contraint à l’exil avec sa femme, Raïssa. Prenant tous les risques, Léo et Raïssa vont se lancer dans la traque de ce tueur en série invisible, qui fera d’eux des ennemis du peuple.
De l’ombre à la lumière
C’est dans l’URSS Stalinienne, totalitaire et répressive, qu’évolue notre héros, devenu un inspecteur du MGB (police secrète russe). Sous sa carapace impressionnante et son visage marqué par les cicatrices, se cache un homme follement épris de sa femme Noomi Rapace. Il n’hésite pas à déclamer son amour, à son entourage. Elle est sa raison de vivre. Mais dans cet état ou les apparences sont trompeuses, l’amour est un luxe.
En parallèle à cette romance, il y a cet enfant retrouvé assassiner. Tom Hardy est frappé directement par ce décès, c’est le fils d’un de ses hommes. Mais dans cet état, le meurtre n’existe pas, car on ne tue pas au paradis…..par contre, si on pense le contraire, on est exécuté. Tom Hardy est pris entre son devoir envers son supérieur Vincent Cassel, son amitié pour Paddy Considine et sa condition d’orphelin, qui le renvoie à son sombre passé. Mais en coulisses, d’autres forces sont à l’oeuvre pour prendre sa place sociale, mais aussi maritale. Comment va-t’il réussir à protéger sa femme, ses enfants, mais surtout lui-même. C’est ce que l’on va découvrir dans ce film dense, mais brouillon.
Le réalisateur Daniel Espinosa était-il l’homme de la situation ? Sa filmographie ne plaide pas en sa faveur : Easy Money et Sécurité Rapprochée, des séries B de bonnes factures, visuellement réussi, mais qui s’oublie très rapidement. Il n’a pas su passer un cap, en étant pas à la hauteur de ce thriller sombre. La forme est réussie, les plans sur Moscou, sur ce train et l’immensité de ses forêts qui abrite un monstre, sont magnifiques. Il a su recréer l’URSS des années 50, tout en nous faisant ressentir la paranoïa de cette époque et la noirceur de l’intrigue. La photographie de Philippe Rousselot, participe grandement à cette atmosphère pesante.
Tom Hardy est encore une fois parfait. Même s’il fait preuve de tendresse envers sa femme, on sent aussi en lui, une violence qui peut exploser à tout moment. Il bouffe l’écran et son réalisateur semble aussi sous le charme, au point de perdre de vue, la cohérence de son histoire. Daniel Espinosa ne va jamais au fond du sujet, il reste en surface et semble pris de court, par la complexité des diverses intrigues politiques et policières. Il met beaucoup de temps à installer son histoire, à nous présenter les personnages, mais sans vraiment leur donner de la profondeur, en dehors du couple Tom Hardy et Noomi Rapace, de nouveau réuni après Quand vient la nuit.
Il faut s’armer de patience, pour que l’histoire s’intéresse enfin à ce serial killer. Ce qui est plutôt incohérent, vu que nous sommes dans un thriller…Il est inspiré d’Andreï Chikatilo surnommé « Le monstre de Rostov », dont la véritable histoire est assez différente que celle décrite dans le film. Mais sa traque reste superficielle, comme l’ensemble. Encore une fois et malgré un film de 2h15, Daniel Espinosa ne parvient pas à rendre l’histoire passionnante. La forme est belle, mais jamais le fond ne fait son apparition. On reste sur sa faim, face à ce film qui ne décolle jamais. Cette frustration est légèrement compensé par le jeu des acteurs, ou plutôt par des rôles à contre-emploi pour Joel Kinnaman et Gary Oldman, même si on ne leur laisse pas assez de temps, pour exprimer leur talent. Ils brillent avec le peu, qu’on leur offre, au contraire d’un Jason Clarke, rapidement sacrifié et dont on se demande encore, quelle était vraiment son utilité.
Puis pour un réalisateur de films d’actions, Daniel Espinosa ne brille pas non plus dans ce domaine, en semant la confusion, dans les rares moments de combats. Décidément, il semble vraiment larguer et la réponse ne fait plus de doute, il n’était pas l’homme de la situation. Il en est de même de son scénariste Richard Price, qui vit toujours sur la réussite de son premier scénario datant de 1986 La couleur de l’argent. Le duo n’a pas su relever le défi et on en sort, profondément ennuyé de n’avoir pas ressenti grand chose, face à ce semblant de thriller.
Le gouvernement russe a interdit la sortie du film Enfant 44, estimant que ce thriller hollywoodien sur un tueur en série dans l’URSS de Staline, déformait l’Histoire de manière « inacceptable »(source l’Express). Ce pays qui ne respecte pas les droits de l’homme, n’a décidément pas vraiment évoluer, en interdisant aussi le clip de campagne d’Hilary Clinton au moins de 18 ans, car on y voit des couples d’hommes et de femmes. Cela en dit long sur la mentalité de son gouvernement.
Enfant 44 est une déception. L’attente était grande, le casting est à la hauteur, mais on en revient à cette incapacité à donner de l’ampleur à une intrigue, qui avait tout pour être passionnante. Il a ses qualités, mais au final, c’est un énorme ratage.
Enfant 44 : Bande-annonce
Fiche technique : Enfant 44
Child 44
Etats-unis, Royaume-Uni et République Tchèque – 2015
Réalisation : Daniel Espinosa
Scénario : Richard Price d’après l’oeuvre de Tom Rob Smith
Distribution : Tom Hardy, Gary Oldman, Noomi Rapace, Joel Kinnaman, Jason Clarke, Vincent Cassel, Paddy Considine, Fares Fares, Nikolaj Lie Kaas, Charles Dance, Josef Altin et Agnieszka Grochowska
Photographie : Philippe Rousselot
Montage : Dylan Tichenor
Musique : Jon Ekstrand
Sociétés de production: Scott Free Productions, Summit Entertainment, Stillking Films et Worldview Entertainment
Société de distribution : SND
Budget : 50M$
Genre : Thriller
Durée : 136 minutes
Date de sortie française : 15 avril 2015
Dans l’industrie de plus en plus formatée du film d’animation, il heureux de voir que Dreamworks est toujours là pour mettre son petit grain de folie dans l’engrenage. De la même manière que Kung Fu Panda ou Shrek en leur temps, la bande annonce ne promettait pas grand chose et la surprise est d’autant plus grande. En Route réussi un pari d’équilibriste en mélangeant les genres et en abordant des thèmes légèrement plus complexes que ses concurrents, en gardant son sens de l’humour et sa maestria visuelle.
Synopsis : Des aliens nommés les Boovs choisissent de faire de la Terre leur nouvelle planète d’adoption mais Oh, l’un d’entre eux, révèle par erreur la cachette de son peuple. Contraint de fuir, il fait la connaissance d’une jeune fille nommée Tip (Tif dans la version française) à la recherche de sa mère . Ils vont ensemble devenir des fugitifs embarqués dans l’aventure de leur vie et vont réaliser que leurs enjeux auxquels ils font face sont beaucoup plus complexes que de simples mésententes intergalactiques…
Des bulles plein les yeux
Dès l’introduction, on se retrouve embarqué dans ce qui s’annonce comme une belle folie visuelle comme un film d’animation n’en avait pas proposé depuis longtemps. Les Boovs, sorte de marshmallow octopodes multicolores, fuient une race supposément belliqueuse qui chercherait à les détruire. Il choisissent donc de se cacher sur terre, en déplaçant les humains dans des banlieue/réserves à l’aide de bulles géantes, pendant qu’ils s’installent à leur place. Plus qu’un réflexe de survie, la fuite est chez ces sympathiques aliens une idéologie, un mode de vie. Leur arrogance les poussent également à considérer l’humanité comme un peuple sous développés qui ne peut qu’évoluer en bien à leur contact. Plutôt gonflé ce pitch qui rappelle les vagues de colonisations et le discours « civilisateur » de l’Europe du XIXème siècle, heures sombre de notre histoire. Les choix de l’Australie comme réserve géante et de Paris comme base de commandement ne sont peut être pas anodins. Mais pas de panique, nous somme toujours dans un film pour enfant, ainsi les Boovs se contentent de déplacer les humains sans leur faire de mal, pensant bien faire. Un angle assez naïf qui rassure la jeunesse, mais ne manque pas de résonner plus cynique encore dans notre esprit, car on sait que les humains n’ont pas que des bons cotés et on se doute que les gentils aliens comprendront que leur mode de vie intrusif peut aussi provoquer quelques dégâts. A partir de là nous suivons Ho, gaffeur de première catégorie, obligé de fuir car un mail maladroitement envoyé à toute la galaxie risque de révéler la cachette de son peuple. En chemin il rencontre Tif, une jeune afro-américaine séparée de sa mère lors des déplacements de population. C’est alors le débuts d’un road movie a travers un monde sens dessus dessous.
Bien sur on échappe pas au traditionnel discours sur l’acceptation de l’autre et le vivre ensemble qui est l’étendard de Dreamworks depuis ses débuts, mais pour une phrase cliché, c’est dix idées visuelles qui éclatent à l’écran. De la voiture volante, carburant aux jus de fruits, à la terre remodelée par des bulles géantes, En route est une sympathique invitation au voyage qui ne sacrifie jamais sa fantaisie sur l’autel de pathos et de la morale convenue. Ho finit par devenir attachant et Tif est à des années lumière du personnage de la princesse à sauver. C’est une fille forte, indépendante et débrouillarde. Devant l’écran on a envie de crier « enfin », Tif n’est jamais opposée à une figure masculine qui remettrait ses choix en question et jamais sa condition de fille casse-cou est évoquée frontalement. Tant mieux, elle est probablement le personnage le plus féministe d’un film d’animation car justement son genre n’est jamais au centre d’une conversation. C’est une fille certes, mais c’est surtout quelqu’un de courageux, compréhensif, amical et sympathique, c’est ça qui est important, pas son sexe ou sa couleur de peau. Dreamworks semble l’avoir mieux compris que les autres. Le vrai sujet du film c’est la rencontre, et le genre du road movie s’y prête très bien, tout en autorisant des paysages sublimes où la beauté de l’animation fusionne avec le délire quasi féerique des animateurs. Les monuments flottent dans les airs, emprisonnés dans des bulle de savons, la tour Eiffel se retourne et la statue de la liberté se retrouve avec une moustache. Tout cela rythmé par les sons électroniques de Rihana, qui collent finalement très bien à cet univers de science-fiction pop, coloré et parfois même poétique.
Seul bémol peut être, quelques scènes du point de vue des belliqueux Gorgs n’aurait pas étés de trop, afin de renforcer le message final, plutôt que d’expliquer leur motivations par un monologue paresseux dans un dernier quart d’heure un peu torché rapidement. Mais au delà de ça, En route nous laisse avec des étoiles pleins les yeux et le cœur gros comme ça, heureux de voir que la fantaisie et l’originalité existent toujours à Hollywood, et que Dreamworks prouve une fois de plus, après Dragon et Kung fu Panda, qu’il est aujourd’hui le nouveau roi de l’animation.
En Route ! (Enfin presque…) — Court métrage [Officiel]
En Route ! : Fiche Technique
Titre original : Home
Réalisation : Tim Johnson
Production : Chris Jenkins
Scénario : Tom J. Astle et Matt Ember d’après The True Meaning of Smekday d’Adam Rex
Durée : 94 minutes
Dates de sortie :États-Unis : 27 mars 2015, Belgique : 1er avril 2015 ,France : 15 avril 2015
V.O : Jim Parson, Rihanna, Steve Martin, Jennifer Lopez…
V.F : Alex Lutz, Leïla Bekhti, Jacques Frantz, Guy Lecluse…
Jack est un titre particulièrement bien choisi pour ce film, car il s’agit en effet de Jack seul pendant la majeure partie du film, et de Jack en interaction avec d’autres le reste du temps, le tout étant étudié depuis sa propre perspective.
Synopsis: Fonceur, tenace et plein de ressources, Jack, dix ans à peine, est déjà seul responsable de sa famille : son petit frère Manuel, six ans, et leur mère célibataire aimante, mais totalement immature, Sanna, qui travaille la journée et fait la fête la nuit. Mais cet homme de la maison en culottes courtes n’est pas infaillible et un événement va venir bouleverser le quotidien de ce trio. Les services de protection de l’enfance décident alors de retirer la garde des deux garçons à la jeune femme et de placer Jack dans un centre d’hébergement….
Brothers
Même pas une minute de film, et le rythme effréné de la vie de Jack, 10 ans, nous happe déjà. Réveil en fanfare, petit déjeuner sur le pouce pour lui et surtout pour son petit frère Manuel, tâches ménagères comme le linge et la vaisselle, ablutions hâtives et Jack saute dans son jean, prêt à foncer pour l’école. Edward Berger filme le tout en steadicam, et on a déjà compris que la vie de Jack n’est pas le long fleuve tranquille qui est le lot de beaucoup de petits garçons de son âge.
Jack a la chance d’avoir une mère très jeune, Sanna, avec l’amant duquel il peut s’amuser à s’arroser d’eau fraîche dans les parcs publics de Berlin en cette fin d’été. Jack a le malheur d’avoir une mère très jeune, presque une enfant encore, aimante sans aucun doute, à sa manière, mais inconsciente de sa responsabilité d’être la mère de deux garçons en bas âge. Alors Jack est responsable de tout et de tous. De son petit frère Manuel surtout, la prunelle de ses yeux, qu’il emmène aussi bien à la baignade qu’à la baignoire. Mais les absences répétées de Sanna ont conduit fatalement au drame, et Jack va être placé en foyer, une sorte de maison de correction, tandis que Manuel reste inexplicablement sous la garde de sa mère, en réalité sous la garde d’une amie de sa mère. Car Sanna a disparu des radars, et une grande partie du film va consister à suivre pendant plus de trois jours l’errance toujours aussi saccadée de Jack et de son petit frère, à la porte de leur appartement et sans personne vers qui se tourner.
Edward Berger n’évite pas toujours les chemins faciles de l’accumulation pour nous rallier à la cause de Jack : brimades et drame au foyer, mère qui ne vient pas le rechercher pour les vacances, musique un peu asphyxiante, et surtout, tous ces adultes, connus et étrangers qui regardent les deux enfants sans les voir. Mais c’est le jeune Ivo Pietzcker, qui joue le rôle de Jack, et dans une moindre mesure Georg Arms, qui interprète le non moins formidable Manuel, qui sauvent véritablement ce film du pathos dans lequel il aurait pu allègrement se noyer. Les enfants jouent de manière idéale, avec beaucoup de sérieux et de pragmatisme pour créer la distance nécessaire, mais avec suffisamment d’émotion pour susciter l’empathie.
Le scénario d’Edward Berger et de sa femme Nele Müller-Stöfen (également actrice du film dans le rôle de la gentille Becki, la référente de Jack dans son nouveau foyer) n’est pas aussi étoffé que par exemple celui du film de la française Ursula Meier, L’enfant d’en haut, un film qui présente des analogies avec Jack, et qui traite également de l’enfance difficile dans le milieu de la montagne des sports d’hiver. Ursula Meier traite son sujet sur fond de travail clandestin, ce qui étoffe considérablement le récit. Ce scénario est en revanche aussi ténu que celui de Hirokazu Kore-Eda pour son chef d’œuvre Nobody knows. Mais Kore-Eda est un maître dans l’art de raconter des histoires avec les enfants, et surtout de filmer à leur hauteur. Plutôt que le stress permanent qui est palpable dans Jack, le réalisateur japonais montre au contraire ces quatre enfants abandonnés par leur mère dans un très long métrage (le récit se déroule sur plusieurs années) qui leur laisse le temps de respirer et de vivre. Pas toujours de manière heureuse, loin de là, même, mais de vivre. Un film qui brise le cœur sans aucun effet de style. Ce parallèle avec le film de Kore-Eda est inévitable, et n’est donc malheureusement pas toujours à l’avantage d’Edward Berger.
Dans l’ensemble, Jack est un film intéressant qui met en exergue la belle relation fraternelle entre Jack et Manuel, un film qui nous promène joliment dans les méandres de Berlin, un film qui nous apporte aussi quelques matières à réflexion sur cette Allemagne (trop) libérale qui conduit à ce que deux enfants de cet âge se retrouvent a dormir dehors pendant plusieurs jours et presque sans manger, sans que personne ne s’en inquiète. Enfin, un film empreint de tendresse malgré tout comme par exemple les séquences de jeu avec la mère, ou celles avec Jonas, un des ex de leur mère, une brève trouée de joies enfantines dans leur malheur, où encore quand les deux frères, en guise de repas, se goinfrent de sucre et de lait en sachets volés dans un café avoisinant, montrant enfin que malgré leur opiniâtreté, ils ne sont que des enfants, avec des fantasmes d’enfants comme celui de ne se nourrir que de sachets de sucre et de lait…
Jack – Bande-annonce VOST
Jack : Fiche Technique
Titre original : Jack
Réalisateur : Edward Berger
Genre : Drame
Année : 2014
Date de sortie : 8 avril 2015
Durée : 103 min.
Casting : Ivo Pietzcker (Jack), Georg Arms (Manuel), Luise Heyer (Sanna), Nele Müller-Stöfen (Becki), Vincent Redetzki (Jonas)
Scénario : Edward Berger, Nele Müller-Stöfen
Musique : Christophe M Kaiser, Julian Maas
Chef Op : Jens Harant
Nationalité : Allemagne
Producteur : Jan Krüger, René Römmert
Maisons de production : Focus Features , StudioCanal , Relativity Media , Mike Zoss Productions, Working Title Films
Distribution (France) : Studio Canal
Synopsis : La Guerre d’Indépendance fait rage aux Amériques en cette fin de XVIIIème siècle. Abe Woodhull, un simple paysan, va se retrouver à cause de ses convictions, comme le tout premier espion d’un réseau, créé par George Washington, alors commandant de l’armée d’indépendance.
Indépendance
Guerre civile, guerre familiale
Qu’on lui voue une haine sans limites où qu’on lui porte un amour sans fin, les U.S.A. est un pays qui fascine. Fascination due à des contradictions innombrables, héritées d’une Histoire certes récente, mais d’une incroyable complexité. C’est le passage le plus important de cette Histoire, que Craig Silverstein nous invite à parcourir : la Guerre d’Indépendance. Elle fut à la fois une guerre classique entre deux états, mais aussi une guerre civile entre loyalistes (fidèles à la couronne d’Angleterre) et patriotes (partisans de l’indépendance des colonies), parfois au sein d’une même famille. Ce qu’il y a de très particulier dans cette affaire, c’est que les patriotes qui sont à la base des colons, se sont comportés vis-à-vis des britanniques, comme des colonisés en train de chasser l’envahisseur.
Commander in chief
Sans aborder les qualités purement techniques de la série, Turn a un réel intérêt pédagogique. Car, même si l’on peut regarder les U.S.A. avec mépris, on ne peut nier que comprendre les fondements historiques de la plus grande puissance mondiale, aide à comprendre le monde d’aujourd’hui et notamment, l’idéologie de tout un peuple. On assimile mieux, les causes de la création du premier réseau d’espions à grande échelle, avec l’approbation de George Washington. On comprend mieux ce statut de « commander in chief » qu’a chaque président des U.S.A. Bref, on appréhende mieux l’importance de cette guerre, entre les tuniques bleues et les tuniques rouges et pourquoi, le peuple américain, se sent aujourd’hui tellement à part.
Récréer une époque
Ce travail historique passe par un travail étonnant sur les décors, les costumes et la recréation d’un contexte. On sent la volonté de la production d’être la plus authentique possible, d’être irréprochable de ce côté-là. Il faut reconnaître qu’à part quelques fonds verts parfois douteux (mais économiques c’est vrai), le sentiment d’immersion est bien réel. On sent un pays au développement économique encore incertain, des colons qui triment alors que les représentants de la couronne semblent bien vivre, d’où cette volonté d’autonomie qui grandit peu à peu.
Spy game
L’idée de traiter cette Histoire par le biais de la création du premier réseau d’espions, appelé le Culper Ring, a pour but de mettre du suspense et de l’action dans la série. Dans les premiers épisodes, cette idée fonctionne peu, voir pas du tout. Car la série peine vraiment à trouver un rythme et prend peut-être trop de temps à se mettre en place. Puis ça vient peu à peu, et les derniers épisodes sont enfin dignes de ce qui peut se faire de mieux avec de telles contraintes historiques. Ce rythme enfin trouvé doit être conservé pour les saisons suivantes, sous peine de signer à brève échéance la fin d’une histoire captivante.
Casting so british
Ce qui serait dommage, avec un tel casting qui, des stars aux moins stars, parvient à donner corps à des personnages entrés dans l’histoire mondiale. Même si Seth Numrich (The Good Wife) manque cruellement d’épaisseur, il est « compensé » par d’autres acteurs tels que Kevin McNally (Pirates Des Caraïbes) en charismatique homme de loi. Au générique également le toujours excellent Angus Macfayden (Equilibrium, Braveheart), sorte de gros ours aussi dangereux qu’un reptile (drôle de mélange). Sans oublier Jamie Bell, révélé à l’âge de 12 ans dans Billy Elliot et qui se trace depuis, une carrière tranquille et de qualité, avec des films comme Snowpierceret Nymphomaniac.
Apprendre et comprendre
Il faut prendre votre temps avec Turn, autant qu’elle prendra son temps avec vous. Se dire qu’à défaut d’attendre ses qualités techniques (qui finissent par arriver), il faut apprécier ce qu’elle a à vous raconter. Il faut prendre le temps d’écouter cette Histoire, avant de découvrir comment elle va nous être racontée. Le seul vrai défaut de Turn, reste finalement son retard à l’allumage, qui fera peut-être décrocher certains spectateurs. Pour les autres, ils comprendront combien on peut se tromper sur la supposée pauvreté de l’histoire de cette jeune nation, et combien il y a à apprendre sur les motivations d’un peuple, dont on ne sait jamais s’il nous attire ou nous révulse.
Turn : Bande annonce
Turn – Fiche Technique
Scénario : Craig Silverstein, d’après Washington’s Pies d’Alexander Rose
Diffuseurs : AMC & OCS Max (pour la France)
Pays : U.S.A.
Format : 10 épisodes de 42’
Statut: en production
Première diffusion : 6 avril 2014 Sortie DVD : 22 avril 2015
Distribution : Jamie Bell, Seth Numrich, Daniel Henshall, Heather Lind, Meegan Warner, Kevin R. McNally, Burn Gorman et Angus Mcfayden.
Exposition : Coup de projecteur sur les Frères Lumière
L’Institut Lumière de Lyon et le Centre National de la Cinématographie (CNC) organisent une exposition, « Lumière! Le Cinéma inventé », consacrée aux frères Lumière et à la naissance magique et technique du cinéma, jusqu’au 14 juin 2015 dans le salon d’honneur du Grand Palais à Paris. CineSeries-Mag s’y est rendu, récit.
Comme le musée Lumière le fait toute l’année, le Grand Palais a réuni de nombreuses images en mouvement et autres prototypes du Cinématographe pour présenter l’invention du cinéma par Louis Lumière en 1895. À l’occasion des 120 ans de cette innovation majeure, la collection inestimable s’exporte à Paris et célèbre les premières images vivantes, témoins d’une époque, mais aussi de la naissance d’un art qui ne cesse de célébrer la vie et l’émotion, captant le temps dans son commencement et sa fin et ce, à l’infini. Mis en parallèle avec trois contemporains, Charles Pathé, Léon Gaumont et George Méliès, d’autres inventeurs aussi, les frères Lumière sont montrés comme des industriels passionnés, portés par un fort goût pour l’image, la couleur et bientôt, grâce à leur père, le mouvement. Mais la force de l’exposition est aussi de s’éloigner des portraits officiels et parfois arides des premiers frères du cinéma pour les montrer en famille, à travers des photographies ou films. Insuffler du mouvement aux images fixes, capter le réel et le voir bouger, voilà de quelle volonté est né le cinéma.
Des images, du mouvement, de la vie et un peu de couleur
« Sortie d’usine » – premier film du cinéma
Dans l’exposition, une large place est consacrée à la diffusion, sous différentes formes souvent ludiques, parfois étonnantes, des 1 422 films Lumière. On entre ainsi dans l’exposition par la diffusion sur un écran géant du tout premier film : Sortie d’usine. Décanté, le film passe en boucle et on se prend à rester quelques instants devant ces images à l’apparence réaliste, mais déjà fabriquées car mises en scène et répétées. C’est tout naturellement que nous pénétrons ensuite dans la « rue du premier-film » où l’industrie des frères Lumière est détaillée. Comme leur invention ne vient pas de nulle part, c’est d’abord la photographie, son développement, les plaques que fabriquaient les usines Lumière qui nous sont présentées. L’image animée évolue très vite, comme ses supports. On peut ainsi découvrir les films à travers les premières « boîtes de films Lumière », animer l’image à l’aide de dispositifs artisanaux ou la faire défiler sur un écran tactile, sur un mur, choisir, la voir multipliée. Pour faire renaître cet héritage dans nos vies saturées d’images, l’exposition propose même de revivre la première séance de cinéma, dans le Salon Indien où 33 personnes, dont George Méliès, se sont assises pour la première fois pour observer un film au cinéma. Le salon a été recréé en partie pour cette occasion, le dispositif aussi. L’émotion est là, l’impression de redonner de la valeur aux images est passionnante. On redécouvre cette magie intacte de l’image qui s’anime pour la toute première fois, que de nombreuses citations de grands noms viennent étayer et faire ressentir. Ces belles images du passé ont encore une influence majeure dans notre cinéma d’aujourd’hui, dont quelques cinéastes actuels se font les héritiers. Louis Lumière avait un autre but cependant : la photographie couleur qu’il expérimentera dans un Autochrome. La beauté des couleurs, ce sont les plaques originelles qui sont présentées, fait ressentir quelque chose d’inouïe à l’oeil qui voit le passé et le ressent avec une émotion bien présente. Autre « nouveauté » expérimentée dès 1895 et que l’on découvre ici sans lunettes : la 3D !
« Offrir le monde au monde » [Bertrand Tavernier]
Né d’une toute petite volonté de mise en mouvement, le cinéma des frères Lumière devient très vite une industrie et s’invite dans le monde entier. C’est au début du XXe siècle que de nombreux opérateurs parcourent le monde et ramènent des images qui sont diffusées dans les ancêtres de nos salles de cinéma actuelles. Des images qui témoignent de leur époque, mais pas seulement. Il y a aussi cette volonté de voir le monde, de filmer le réel, de le comprendre. Un pan de l’exposition est consacré à cette gigantesque entreprise de découverte, celle aussi d’analyser le mouvement, le cinéma s’écrit donc dès le début hors frontière, même s’il est né en France. L’exposition parisienne offre également le cinéma au monde, dans une salle immense, sans véritable murs, le visiteur circule, voit, ressent, expérimente et découvre. Termes techniques toujours illustrés par la pratique, réévaluation du statut de l’image qui devient magique, l’espace du salon d’honneur du Grand Palais a été revisité pour devenir un spectacle permanent. Plongés dans une lumière bleutée, les explorateurs de la naissance du cinéma ressemblent à de grands enfants devant les premiers jouets optiques. Un espace jeunesse est d’ailleurs installé au cœur de l’exposition pour rendre accessible le cinéma et ses débuts à tous.
Persistance rétinienne
Le cinéma des frères Lumière rééxiste et persiste grâce à cette exposition qui présente sur un même panneau, intitulé 1895-1905, les 1 422 films Lumière en petit format, seul le premier s’agrandit, toujours cette fameuse Sortie d’usine. Sur le côté du panneau, deux salles consacrées à des documentaires sur les Lumière d’un côté et sur l’évolution de l’image de l’argentique au numérique de l’autre, permettent d’explorer plus avant le cinéma et ses techniques. C’est déjà presque la fin de l’exposition, après un bref passage par les photographies couleur de Louis Lumière. On redécouvre la pellicule papier avant de filer vers ces « traces et héritage » des Lumière au 20e siècle, mais aussi encore aujourd’hui. Le cinéma s’interroge en permanence sur sa propre existence, son évolution. Le cinéma qui « ouvrai(t) une fenêtre sur l’infini » selon les mots d’Henri Langlois, cet infini qu’on découvre immobiles dans une salle obscure. Le cinéma, dès ses débuts, a capté la vie dans ce qu’elle a d’immuable, d’éternel, mais toujours aussi de terriblement évident et contemporain. Il y avait déjà quelque chose de l’ordre du fantastique chez ces frères Lumière qui ont capté les premières images en mouvement et ont donc saisi une émotion nouvelle, éternelle et impossible à saisir de nouveau. Pourtant, de nombreux cinéastes continueront l’oeuvre des Lumière : Renoir, Bresson, Pialat, Rosselini, Tavernier avec Un dimanche à la campagne et ses couleurs proches des autochromes de Louis et Abbas Kiarostami. Mais ce cinéma des débuts, de pionniers, inspirera plus d’un cinéma, celui qui saisit un premier geste, une fulgurance, une permanence, qui rit de lui, qui se met en scène, qui s’engage dans un processus animé et donne à voir au-délà du réel, un regard devenu essentiel.
Les techniques ont pourtant évolué, c’est vers la fin que l’exposition le dit avec force, et ont donné lieu à « l’élaboration de nouvelles théories esthétiques », même si des cinéaste comme Philippe Garrel, dont le dernier film ouvrira la Quinzaine des réalisateurs à Cannes cette année, se battent pour faire vivre encore la pellicule 35 mm. Si aujourd’hui l’image projetée semble moins extraordinaire qu’auparavant, qu’il y a moins à découvrir du réel capté qui soudain s’anime comme si un geste aussi innocent qu’un repas d’enfant pouvait ne jamais vieillir, le cinéma demeure tout de même un émerveillement permanent, une découverte grâce à des cinéastes inventifs. C’est comme ça que s’achève l’exposition, sur ce message de transmission et de persistance du geste originel. On y voit Jerry Schtatzberg, Xavier Dolan, Michael Crimino, Pedro Almodovar, Paolo Sorrentino et Quentin Tarantino revisitter le premier film, Sortie d’usine, en tournant à nouveau sur le site originel du Hangar du Premier-Film à Lyon. Dans ces nouvelles images chacun a mis sa touche personnelle, cet élan qui les fait créer, certains ont interrogé nos nouveaux modes de consommation de l’image, sur portable, quand d’autres ont célébré le burlesque, la fantaisie des premiers essais Lumière. Une voltige vieille de 120 ans et pourtant permanente, si bien résumée dans ces mots qui seront donc ceux de la fin : « Je ne demande rien d’autre pour le cinéma, serait-il appelé un jour à disparaître sous la forme que nous avons connue : seulement la reconnaissance que cette forme aura été et demeure unique, à travers l’expérience vécue dans la communauté d’une séance, de la perception du temps, de la mémoire et de l’oubli mêlés que seul son dispositif induit, grâce à l’immobilité forcée du corps dans le silence et l’obscurité. Rien de plus, rien de moins » [Raymond Bellour].
