LeMagduCiné

Ce que le manque d’inspiration nous a apporté de meilleur

C’est en se retrouvant en manque d’inspiration lors de l’écriture de leur troisième film, Miller’s Crossing, que les frères Coen se sont mis d’accord pour faire du suivant la chronique d’un scénariste connaissant le même problème. Mettant de côté le détournement de films noirs, qui faisait le ciment de leurs premiers films, les deux frères ont tenu à revenir sur une période charnière d’Hollywood, celle de la fin de l’âge d’or des studios, suite à laquelle les scénaristes vont accéder à une certaine reconnaissance, tout en gardant leur regard cynique sur l’Amérique en insistant sur la place d’exécutants qu’occupaient jusque-là les auteurs à Hollywood. En donnant à John Turturro, déjà présent dans Miller’s Crossing, le rôle de ce dramaturge directement inspiré par Clifford Odets (auteur de Les Enchainés et Le Grand Chantage), l’acteur a trouvé le rôle de sa vie.

Dès son accueil à Cannes, Barton Fink entra dans la légende du 7ème Art puisqu’aucun autre film avant lui n’avait cumulé le prix de la meilleure interprétation masculine, le prix de la mise en scène et la Palme d’or (et aucun autre film ne le pourra plus puisque le film a même donné son nom à une jurisprudence de non-cumul des prix). Les critiques presse furent dithyrambiques et, même si le box-office ne permit pas à la production de rentrer dans ses frais, Barton Fink est assurément le film qui révéla les frères Coen au public européen, puisqu’il atteint près d’un demi-million de spectateurs en France (ils devront toutefois attendre Fargo, cinq ans plus tard, pour réellement être connus du grand public américain).

Si le film a tant divisé la critique et le grand public, c’est essentiellement parce qu’il mêle à ses références cinématographiques et littéraires, une dimension métaphysique assez retors. Coté références, il faut noter que le héros n’est pas l’unique personnage à être vraiment inspiré d’une personnalité bien réelle. Le nabab Jack Lipnick (Michael Lerner) est à lui seul un mélange entre Harry Cohl (l’autoritaire directeur de la Columbia à qui il emprunte son tempérament) et de Louis B. Mayer (le cofondateur de la MGM à qui il emprunte le physique ventripotent). De façon plus évidente, le romancier alcoolique W.P. Mayhew (John Mahoney) est lui, directement calqué sur William Faulkner qui, lui aussi, connut quelques troubles après avoir été débauché par Hollywood. Même s’ils ne sont pas percutants, ces parallèles appuient fortement la pertinence du propos sur l’industrie cinématographique proposé par les auteurs.

Pour ce qui est de la lecture métaphorique ce sont, à l’inverse, toutes les scènes se déroulant à l’intérieur de l’hôtel Earle qui méritent réflexion. Sans entrer dans une analyse profonde des éléments de la mise en scène, il n’est pas compliqué de considérer cette chambre sordide dont les murs se détériorent, cette photo d’une belle femme au bord de la mer et ce mystérieux voisin envahissant comme une allégorie de l’intérieur même de la psyché de Barton Fink. La preuve du talent de réalisateurs des Coen est justement de nous faire ressentir, à quel point cet environnement devient plus oppressant, tandis que la phobie de la page blanche envahit Barton. Dès lors, la réalité des évènements survenant dans l’hôtel devient incertaine, et la nature de Meadow (John Goodman), comme alter-égo maléfique de Barton ou comme représentation de ses angoisses, reste à débattre. Quoi qu’il en soit, les dialogues qu’ils entretiennent, sont d’une saveur mythique tant ils dénoncent avec violence l’outrecuidance des élites intellectuelles et leur mépris pour le peuple dont ils prétendent vouloir dépeindre le quotidien, à travers des œuvres sociales rendues, de fait, vides de sens.

En s’attaquant aussi bien à l’absence de considération artistique du système hollywoodien qu’aux auteurs dédaigneux, et en mêlant une comédie décalée à une fable philosophique, Joel et Ethan Coen ont réussi à signer un film lyrique, particulièrement pertinent et intemporel, sur les affres de la création. Barton Fink est définitivement un des plus grands chefs d’œuvre des années 90 et une véritable leçon de cinéma.

Synopsis : New-York. 1941. Les critiques encensent une pièce de théâtre mettant en scène la réalité des marchands de poissons. Son auteur, le timide mais passionné Barton Fink se voit offrir des opportunités de carrière à Hollywood. D’abord réticent, il accepte de s’y rendre et s’installe à Los Angeles, dans un hôtel glauque. Il reçoit ses ordres de l’extravagant patron de Capitol Pictures. Mais, dans cet univers qui lui est inconnu, la phobie de la page blanche va vite le rattraper.

Barton Fink : Bande-annonce

Barton Fink: Fiche Technique

Réalisateurs : Joel et Ethan Coen
Scénario : Joel et Ethan Coen
Casting : John Turturro, John Goodman, Michael Lerner, Steve Buscemi, Judy Davis, John Mahoney, Tony Shalhoub, Jon Polito….
Scénario : Joel et Ethan Coen
Musique : Carter Burwell
Chef Opérateur : Roger Deakins
Montage: Joel et Ethan Coen
Producteurs : Joel et Ethan Coen
Maisons de production : 20th Century Fox, Circle Films, Working Title Films
Distribution (France) : Bac Films
Genre : Comédie, Drame
Genre : Comédie dramatique
Durée : 113 min
Date de sortie : 25 septembre 1991

Etats-Unis – 1991

Miller’s Crossing, un film noir… si noir que la fantaisie n’y a pas sa place !

Synopsis: À l’époque de la Prohibition le gangster Tom Reagan, bras droit d’un caïd irlandais, trahit et manipule son entourage, l’utilisant à ses propres fins, même par la violence, afin de se faire une place dans le milieu.

Leur deux premiers films n’ayant pas connu le succès, Joel et Ethan Coen ont décidé, pour leur troisième long-métrage, d’être plus ambitieux. Déjà, en trouvant le soutien de la 20th Century Fox pour leur octroyer un budget deux fois supérieur à celui de leur précédent film, mais surtout en essayant, sans en avoir les droits, de s’inspirer de l’œuvre d’un romancier considéré comme difficilement adaptable (Dashiell Hammett, auteur du Faucon Maltais, un des mètres-étalons du film noir). Prenant place dans l’Amérique de l’époque de la Prohibition et de la toute-puissance des mafias, le film démarre par une scène qui renvoie directement à la scène d’ouverture du Parrain. Les doléances d’Amerigo Bonasera auprès de Vito Corleone sont remplacées, dans une mise en scène similaire, par une discussion bien plus agressive entre Johnny Caspar (Jon Polito) et Leo O’Bannion (Albert Finney), tous deux accompagnés de leurs bras droits respectifs, Eddie « le Danois » (J.E. Freeman) et Tom Reagan (Gabriel Byrne). Alors que l’on comprend que la querelle entre les deux caïds, l’un irlandais, l’autre italien, va tourner à une inéluctable guerre des gangs, c’est sur Tom que le scénario va se concentrer.

À l’origine de cette querelle, Bernie -un bookmaker véreux et, accessoirement, le frère de la petite amie de Léo- est interprété par John Turturro qui, pour sa première collaboration avec les frères Coen, est excellent dans son rôle d’arnaqueur félon. Un autre personnage indispensable pour démêler la complexité de l’intrigue, et pourtant peu présent à l’écran, est également incarné par un autre acteur qui deviendra récurrent dans la filmographie coenienne: Steve Buscemi, dans le rôle de Mink. Davantage que la bataille entre les deux bandes de mafieux rivaux, le principal enjeu du film va se révéler être le délitement parallèle de deux triangles amoureux : d’un côté, Léo, Verna et Tom et, de l’autre, Eddie, Mink et Bernie. Si la question de l’homosexualité entre les trois malfrats restera toujours suggérée, elle est une clef indispensable pour comprendre l’enchainement des événements. En effet, restant fidèle au roman La Clé de verre d’Hamett, Joel et Ethan Coen ont signé là leur scénario le plus tordu et le plus fataliste, tant les twists s’enchainent à un rythme effréné et les relations entre les personnages (la fameuse « amitié » que prône hypocritement Caspar) semblent n’y dépendre que des intérêts de chacun.

Chaque acteur trouve là un rôle à sa mesure, et la musique de Carter Burwell est tout simplement splendide. Mais il faut aussi saluer le travail fait par le chef opérateur (Barry Sonnenfeld qui, après ce troisième travail avec les Coen, s’essaiera à la réalisation) nous permettant de profiter d’une ambiance obscure en parfaite harmonie avec le ton de l’intrigue. Tout aussi remarquable, la décoration nous replonge dans les années 30 tout en réussissant à rendre non-identifiable la ville où se déroule l’action (une ville fictive nommée Personville dans le roman d’Hamett). Cette cité anonyme où règnent le vice et la corruption, où la vie nocturne semble rythmée par les descentes musclées d’une police qui retourne sa veste au gré des influences mafieuses, est vraiment un décor idéal pour ce qui est certainement le plus beau film noir des années 90.

Pour reprendre la métaphore omniprésente dans le film, on a envie de dire « chapeau ! » aux Coen pour avoir réalisé cette petite perle qui leur a permis de se faire connaitre du grand public.

Miller’s Crossing : Bande annonce (VO) 

Miller’s Crossing : Fiche technique

Réalisation : Ethan & Joel Coen
Scénario :  Ethan & Joel Coen
Interprétation : Gabriel Byrne (Tom), Albert Finney (Léo), John Turturro (Bernie), Marcia Gay Harden (Verna), J.E. Freeman (Eddie le Danois), Jon Polito (Johnny Caspar)…
Photographie : Barry Sonnenfeld
Montage : Michael R. Miller
Musique: Carter Burwell
Restriction : Interdit aux moins de 12 ans
Durée : 122 minutes
Genre : Film noir, Film de gangsters
Date de sortie : 27 février 1991

Etats-Unis – 1990

Synopsis : H.I. est un petit malfrat, une petite frappe qui passe son temps entre les casses minables et les cellules de prisons. Jusqu’au jour où il tombe amoureux d’une policière, l’épouse et croit avoir trouvé son bonheur, erreur grossière.

Arizona Dream

Le Talent n’attend pas le nombre des années

Arizona Junior constitue la preuve éclatante que les problèmes capillaires de Nicolas Cage ne datent pas d’aujourd’hui. Deuxième film des terribles frangins de l’Amérique, il marque déjà leur tendance au sadisme, qui consiste à insister sur les douleurs des laissés pour compte de l’American Dream. Ces Américains oubliés de la Sun Belt, parqués dans des mobile-homes par un système qui a oublié de leur donner leur part du gâteau. On leur fait souvent l’injuste procès de se moquer de ces ploucs, d’être condescendants avec ceux qui représentent le côté sombre de l’oncle Sam, ceux qui se débattent pour survivre, quelle injustice !

Le procès des U.S.A.

Mais comment ne pas voir dans Arizona Junior cette immense affection qu’ils ont pour H.I. et Edwina, ce couple perdu en plein désert ? Comment ne pas comprendre qu’en les exhibant ainsi, c’est aux nantis de l’American Way Of Life qu’ils s’adressent, qu’ils montrent du doigt en les sommant de s’expliquer sur la pauvreté érigée en dommage collatéral, au profit du plus petit nombre ? Dans ce film, H.I. tente pourtant de passer les obstacles, de faire amende honorable en mettant de côté sa vie de petite frappe, en épousant une femme policière. Sauf que le destin a décidé qu’ils ne pourraient pas procréer et ça, H.I. et Edwina ne peuvent l’admettre et se servent en bébés là où il y en a trop.

L’humour : arme fatale

Comme cela sera toujours le cas dans la suite de leur filmographie, les frères Coen usent de l’humour comme arme de destruction massive, suscitant un rire sincère, mais toujours gêné aux entournures. Ils ont cet humour noir qui ridiculise plus d’une fois leurs personnages, mais toujours dans le but de grossir le trait jusqu’à la caricature et la caricature, on en connait aujourd’hui le pouvoir dévastateur. Qu’il s’agisse de la manière « correc’» de s’exprimer d’Edwina ou de la pitoyable façon dont H.I. braque une banque, rappelant furieusement Pierre Richard dans Les Fugitifs, on ne sort pas de cet humour, qui ne s’encombre pas de dentelle ou de doigté et frappe directement à l’estomac. En particulier lors de cette scène finale, durant laquelle les deux frères retrouvent un semblant de sentiment, parvenant à nouer l’estomac devant ce qui apparait comme une injustice, quand bien même elle serait à l’égard de deux kidnappeurs.

Nicolas Cage et ses cheveux

Deux kidnappeurs incarnés, le mot est approprié, d’un côté par un excellent Nicolas Cage, qui joue le type complètement paumé avec un naturel qui frise la vocation inavouée. Regard bovin, moustache tombante de chien battu, on hésite sans cesse entre l’envie de lui botter les fesses pour le réveiller et celle de lui apporter un quelconque réconfort, s’il n’y avait cette coiffure improbable. D’un autre côté Holly Hunter qui, six ans plus tard, donnera une légendaire Leçon De Piano. De cette actrice aux apparences si frêles, ressort une force de caractère peu commune, un regard en acier trempé qui donne à son personnage une intensité dramatique peu commune. Et tout autour, se forme peu à peu la bande des frères Coen, leurs acteurs à eux : John Goodman (auteur d’une exceptionnelle sortie de boue) et Frances McDormand.

True Grit avant l’heure

Une troupe qui prend place dans ce qui ressemble déjà à un décor de western, bien avant True Grit. Paysages désertiques, malfrats en tous genres, cowboy solitaire sous forme d’ange de la Mort, mis au service d’une mise en scène faite de nervosité, tout en étant capable de disséquer les travers de personnages à la marge. Sans être encore au sommet de leur maitrise, les frères Coen savent déjà exactement ce qu’ils veulent pour leur cinéma : frapper par le rire et faire preuve du étonnante maturité, malgré la jeunesse de leur œuvre.  Confession

Pas surprenant alors qu’ils ont connu un succès critique aussi précoce, aussi bien auprès des professionnels que des cinéphiles. On sent dans Arizona Junior la volonté de deux frères qui ont déjà trouvé leur identité de réalisateurs, qui ont manifestement un projet en tête, probablement celui, en bons pasteurs et cinéastes, d’ouvrir leur confessionnal aux brebis égarés d’une Amérique qu’ils jugent arrogante, afin qu’elle y confesse ses péchés. À en juger par la suite de leur cinématographie, il faut croire que cette Amérique là ne s’est pas encore repentie.

Arizona Junior : Trailer

Fiche Technique : Arizona Junior 

Titre original : Raising Arizona
Réalisateurs : Joel Coen & Ethan Coen (non crédité)
Scénario : Joel & Ethan Coen
Casting : Nicolas Cage, Holly Hunter, Trey Wilson, John Goodman, William Forsythe, Frances McDormand
Musique : Carter Burwell
Décors : Jane Musky
Costumes : Richard Hornung
Directeur de la photographie : Barry Sonnenfeld
Producteur : Ethan Coen
Société de production : Circle Films
Société de distribution : 20th Century Fox
Budget : 6 000 000 $
Durée : 94’

Auteur : Freddy M.

Synopsis : Marty tient un bar dont Ray est un des serveurs, il soupçonne Ray d’avoir une liaison avec sa femme Abby. Il engage Loren, un détective, d’abord pour les espionner, ensuite pour les assassiner.

Poser les bases

Très étrangement, ce premier film des frères Coen est très sage, ou du moins beaucoup plus sobre que ce que deviendra leur cinéma par la suite. Les thématiques sont déjà bien présentes, principalement leur dissection du rêve américain et de l’american way of life, à travers ceux qui ont été oubliés en chemin et ne les vivent qu’à travers leurs effets pervers. Une première œuvre qui laisse entrevoir deux cinéastes en embuscade, qui attendent d’avoir une certaine crédibilité professionnelle, pour ensuite ouvrir les vannes à ce que sera leur filmographie : un dynamitage consciencieux de la société américaine.

Une entrée en retenue

Ce qui est par contre bien présent dès ce film, c’est le décalage dont ils se feront ensuite des spécialistes, décalage entre une atmosphère de thriller avec ce tueur qui rôde autour d’un couple adultérin et des personnages qui, déjà, semblent à côté de leur vie. Il n’y a pas encore tout cet humour irrésistible des frères Coen, mais déjà des personnages qui, tout au long du film, vont avoir des comportements et prendre des décisions insensées. Le plus doué à ce jeu est sans doute Ray qui, comme si on l’y obligeait, va faire involontairement le nécessaire pour que le meurtre lui retombe dessus. Cela donne lieu a la plus belle séquence du film, avec Ray qui se débat avec le corps d’un homme qu’il n’a pas tué et qui refuse de mourir, prenant forcément de mauvaises décisions, dans le seul but de protéger sa maîtresse.

La bande à Coen

Cette maîtresse est interprétée par Frances McDormand, déjà l’égérie des frères (surtout de Joel). Elle n’a ici que 27 ans, mais prouve très tôt une réelle maturité de jeu, sachant donner de l’épaisseur à un personnage qui ne devait pas en avoir beaucoup sur le papier. S’il n’y pas encore dans Sang Pour Sang ce qui deviendra la troupe des Coen, il y a en revanche quelques têtes connues. L’éternel mais excellent second rôle Dan Heyada (Usual Suspects, Nixon), avec ses parfaits faux airs de mafieux et surtout de mari trompé, un de ces acteurs qu’on sait avoir souvent vu, sans se rappeler son nom ni où. John Getz (La Mouche, The Social Network) a eu une carrière plus incertaine mais promène ici un regard bovin (entendez « vide ») idéal pour le rôle, mais qui lui a peut-être coûté par la suite. Puis il y a le tueur, éternel second rôle également, mais pas des moindres, M. Emmet Walsh (Little Big Man, Blade Runner), les Coen jouent avec lui le décalage d’un tueur implacable mais d’allure débonnaire.

Une maîtrise hésitante

Dès ce premier film, les frères Coen maîtrisent déjà parfaitement leur mise en scène, même si elle n’a pas encore l’ampleur qu’elle donnera ensuite à leurs films. Les choix de placement sont déjà là, leur personnalité aussi, mais c’est un peu comme écouter un vieil album d’un groupe qui aurait duré. Il y a du grain, ça manque un peu de profondeur, mais on se penche dessus avec affection et nostalgie. Tout Coen qu’on puisse être, il y a un début, des balbutiements, une certaine retenue qui fait qu’on n’ose pas encore aller au bout de ses idées et puis, il faut bien garder du talent pour plus tard. Il n’y a guère que la bande originale qui a un peu vieillit, certains sons synthétiques un peu trop typiques des années 80 ancrent parfois trop cette musique dans son époque.

Un duo à suivre

En 1984 sortait Sang Pour Sang et les frères Coen posaient des jalons, installaient les indispensables fondations d’une œuvre très personnelle, complètement atypique dans le paysage Hollywoodien. Un mélange de satire, de cynisme et d’humour féroce qui éclot tranquillement avec Sang Pour Sang, film basé sur la tromperie, le mensonge et sur l’instinct de survie, parfois au dépend des autres, des thèmes chers aux frangins. Ils n’ont pas encore pris leurs marques mais prennent déjà des repères. Il ne reste pas aujourd’hui leur meilleur, mais un film riche d’enseignements sur ce que deviendra la suite de leur carrière, une des plus belles de l’histoire du 7^ème Art.

Fiche Technique – Sang Pour Sang 

Titre original : Blood Simple
Réalisation : Joel Coen & Ethan Coen (non crédité)
Scénario : Joel & Ethan Coen
Casting : John Getz, Frances McDormand, Dan Hedaya, M. Emmet Walsh, Holly Hunter (voix v.o. d’Hélène, non créditée)
Décors : Jane Musky
Son : Lee Orloff
Effets spéciaux : Loren Bivens
Montage : Carter Burwell
Directeur de la photographie : Barry Sonnenfeld
Producteur : Ethan Coen
Société de distribution : Circle Films
Bidget : 1 500 000 $
Durée : 99’

Auteur : Freddy M.