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Jesse Eisenberg : focus sur la star du box-office

Jesse Eisenberg : star du box-office et symbole d’une génération

Un physique atypique et une carrière en or, Jesse Eisenberg, la trentaine à peine (32 ans en octobre de cette année), est une tête d’affiche que bon nombre de réalisateurs s’arrachent. Les raisons qui lui valent ces faveurs : un choix judicieux dans les films, de grandes qualités d’acteur, sans oublier ce minois qui n’est pas pour déplaire !

Une filmographie béton :

Avec une carrière débutée en 2002, Jesse Eisenberg ne perd pas de temps pour se hisser en tête du box-office en passant par des œuvres à succès. Après une série ratée au côté de Anne Hathaway (La famille Green), l’acteur tourne dans Le Village en 2003 puis dans Cursed en 2005, aux côtés de Christina Ricci, où il incarne un adolescent timide qui se transforme en loup-garou sexy et gonflé aux hormones. Sa prestation dans Les Berkman se séparent est récompensée aux Gotham Awards, et Jesse Eisenberg poursuit son ascension avec Charlie Banks en 2007 et Adventureland : un job à éviter en 2009. La même année, la comédie horrifique Bienvenue à zombieland est un succès international récompensé aux Fangoria Chainsaw et sa carrière décolle.

En 2010, The Social Network fait vibrer l’auditoire et la critique. Jesse Eisenberg accumule lesjesse-eisenberg-lex-luthor récompenses : meilleur acteur aux festivals de Boston et Toronto et au National Board of review, meilleure distribution au festival d’Hollywood ainsi qu’à Phoenix, San Diego, Palm Springs et enfin meilleur acteur au National society of film critics awards et à l’Irish Film & Television.

Passionné d’écriture et de théâtre, le jeune acteur inscrit ensuite un Woody Allen à son CV avec To Rome with love en 2012 puis fait rêver le spectateur via son personnage de magicien dans Insaisissables en 2013. Après le thriller psychologique britannique The Double, le philosophique Nightmoves et le dramatique Plus fort que les bombes, Jesse Eisenberg est très attendu dans American Ultra, Batman V Superman, Insaisissables 2 et Zombieland 2 ! Preuve que ce garçon ne se repose pas sur ses lauriers…

Un succès mérité :

Jesse Eisenberg cueille aujourd’hui les fruits d’un travail assidu et rigoureux. Issu d’une famille modeste d’origine polonaise et ukrainienne, le jeune homme est passionné de comédie et débute sa carrière à Broadway à l’âge de 13 ans. Il se lance ensuite dans le cinéma à 16 ans mais doit davantage son succès à son perfectionnisme qu’à son physique de gringalet. Ainsi, pour son rôle dans Jewish Connection, l’acteur apprend l’hébreu tandis que pour The Social Network, il va jusqu’à enregistrer, apprendre et répéter avec la même volubilité toutes les citations de Mark Zuckerberg, le créateur de Facebook.

Pour Insaisissables, Jesse Eisenberg explique : « J’ai étudié la magie, mais je l’ai surtout pratiquée. Beaucoup. L’illusion, c’est un peu comme la comédie : si faire un tour peut s’apprendre en cinq minutes, le réussir à la perfection exige des années. Où que j’allais, je prenais donc toujours un jeu de cartes avec moi. »

Ce volontarisme poussé à l’extrême trahit sans doute un manque de confiance chez le jeune acteur qui laisse derrière lui un adolescent angoissé et solitaire. À ce sujet, Jesse Eisenberg admet d’ailleurs que le cinéma est plus facile que la vraie vie et que la thérapie l’aide beaucoup à se socialiser. Mais cette détermination est aussi une preuve de passion et de courage qu’il tient de sa mère, une artiste clown.

« Ma mère se levait tôt pour s’entraîner, ce qui donnait probablement l’impression qu’elle était un peu cinglée mais elle m’a enseignée l’implication nécessaire pour faire quelque chose de créatif. », avoue l’acteur.

Cette sensibilité et son faciès juvénile et angélique lui confèrent toutefois un charme indiscutable. C’est ce look d’intello BCBG qui lui a valu ses rôles de surdoué ou de geek, symbole de la jeunesse actuelle – la fameuse génération Y – et qui n’est pas sans déplaire à la gent féminine.

Manos Sucias, un film de Josef Wladyka : Critique

Dans l’enfer de la Colombie

C’est en toute discrétion, que sort sur nos écrans ce premier film de Josef Wladyka, produit par Spike Lee. Manos Sucias; en français « Les mains sales » est une plongée en apnée dans une Colombie gangrenée par la drogue. La caméra met en perspective le parcours de trois hommes, animés par la même motivation, celle de survivre dans cet enfer sur terre.

« De la confusion, naît l’émotion », c’est le premier sentiment, que l’on ressent face à une mise en place laborieuse, prélude à la quintessence du propos. Le spectateur, à l’image des deux hommes aux yeux bandés, se demande ou il se trouve, bien qu’il n’ait pas oublié les raisons qui l’ont conduit à pousser les portes des salles obscures. Par le biais d’un flash-back narratif, le réalisateur tente de réordonner le récit, mais en vain….Malgré cela, les éléments à découvrir auront leur plus grande importance pour la suite.  En cédant à la mode du style documentaire, avec une caméra souvent prise de convulsions, la réalisation n’aide pas non plus, à apprécier les débuts de l’histoire.

Josef Wladyka nous embarque à la découverte de Buenaventura en Colombie, où les rues transpirent la pauvreté. La jeunesse; semblable à celle de n’importe quel autre pays, rêve de gloire et d’argent; croit au foot ou au rap comme levier social. Aussi arrogante que pleine d’énergie, cette juvénilité est surtout victime de la misère économique du pays. Pour tirer son épingle du jeu, le trafic de stupéfiants qui vampirise toutes les strates de la société, semble la seule issue. L’environnement est violent, et cette violence n’épargne personne. Chacun doit lutter pour espérer vivre encore et surtout, mieux. Mais à l’instant, seul le profit compte, aux yeux du « jefe ». Le tristement célèbre « dieu dollar », reste l’unique maître à bord.
C’est dans ce contexte, que l’on retrouve Delio (Christian James Advincula), Jacobo (Jarlin Martinez) et un homme dont on ne connaîtra jamais le nom (Hadder Blandon). Les deux premiers semblent avoir un lourd contentieux à régler, tant ils se regardent avec une rage contenue. Le dernier est expérimenté, il est en quelque sorte le chef de cette livraison périlleuse de drogue. Lui est blanc, les deux autres sont noirs, les clivages racistes ne vont pas tarder à se faire sentir. Au détour d’une conversation anodine, censée déterminer qui de Pelé ou de Zico est le meilleur joueur de foot brésilien . La tension va monter d’un cran, avant qu’un drame, ne vienne briser définitivement le semblant de cohésion de l’équipe.
L’histoire décolle enfin, se change en huis clos, nous permettant de mieux cerner les personnages. C’est le calme avant la tempête. La beauté des paysages, la vue de cette mer bleu turquoise est trompeuse. Elle cache la misère, poussant chacun dans ses retranchements, au risque d’y perdre leur soupçon d’humanité qui subsiste péniblement. La poudre blanche est convoitée, tant elle génère de l’argent. Les habitants vivent dans la précarité la plus singulière et les milices paramilitaires sèment la terreur, jusqu’à devenir des dangers mortels. Pendant que les différents groupes s’entretuent dans les rues, l’état major, les politiques comme les barons de la drogue, récoltent les billets tous tâchés de sang. Mais le choix moral est-il toujours possible ? Ces gens n’ont plus rien à attendre d’une vie, où le futur semble aussi sombre, que le pessimisme de leurs regards.
La trame semble devenir classique, et laisse une impression de « déjà vu ». Pourtant Josef Wladyka, évite de tomber dans la facilité et parvient au contraire à monter en intensité, rendant son film plus passionnant encore. Le lien qui unit ces deux hommes, ce passé commun, les rend attachants et l’appréhension de les voir tomber sous les balles saisie le spectateur. De l’embarcation aux motos rails, véritable symbole de l’inventivité humaine, le récit délaisse le drame pour se mouvoir en un thriller haletant.

Le réalisateur, qui remporta la bourse Spike Lee et lança un appel à financement sur Kickstarter, aurait pu transposer l’histoire à divers endroits du globe. mais il choisit à juste titre la Colombie, où les problèmes sociaux gangrènent particulièrement la population. Cet éclairage sur un pays constamment associé à la drogue et ses cartels, nous permet d’en apprendre davantage sur les conditions de vie de ces gens. Cela confère au film, un côté documentaire, entrouvrant également la porte du drame intrinséquement lié à leur quotidien. La production a mis à contribution les habitants de Buenventura, en leur offrant la possibilité de participer au film, ils ont directement profité de la médiatisation, pour évoquer de manière juste et véritable leurs propres conditions de vie. En parallèle, l’équipe du film a mis en place des cours d’alphabétisation. Cette initiative, démontre le côté humain de l’entreprise, et sa volonté profonde de faire évoluer les choses, en misant sur la prise de conscience. Sans oublier un casting composé d’étudiants du théâtre de l’université de la ville.
Ce premier long-métrage; même s’il n’est pas totalement maîtrisé; dégage une vérité et une sincérité touchante, dans les images, les mots et les échanges de regards de ces hommes. Josef Wladyka s’avère être un réalisateur à suivre. on comprend ainsi pourquoi Spike Lee s’est investi dans cette aventure, tant le film traite des mêmes thèmes qui lui sont chers.

Synopsis : Depuis le port de Buenaventura, ville la plus dangereuse de Colombie, trois hommes embarquent pour un voyage sur les eaux sombres du Pacifique. Ils transportent une torpille contenant 100 kilos de cocaïne. Avec un filet de pêche pour seule couverture.

Manos Sucias : bande-annonce

Fiche Technique : Manos Sucias

Manos Sucias – Colombie
Réalisation : Josef Wladyka
Scénario : Josef Wladyka et Alan Blanco
Distribution : Christian James Advincula, Jarlin Martinez, Hadder Blandon, Manuel David Riascos, Andrés Reina Ruiz, John Edward García, Javier Martinez, Ruben Dario Gomez, Jose Eliecer Romero, Fidel Olaya et Yesica Orobio
Musique : Scott Thorough
Photographie : Alan Blanco
Montage : Kristan Sprague
Production : Elena Greenlee, Márcia Nunes et Spike Lee
Sociétés de production : HEART-headed Productions, Kubotafilms, Straight Up Films et Tenacious Productions
Société de distribution : Pretty Pictures
Genre : Drame et Thriller
Durée : 84 minutes
Date de sortie : 03 Juin 2015

Brooklyn Nine-Nine Serie, Saison 2 : Critique

« it’s Wuntch time ! »

Dans le monde égocentrique des sitcoms américaines, Brooklyn Nine-Nine avait réussi à surprendre, lors de la première saison, en développant un ton fantasque et des personnages attachants. Malgré des audiences en deçà des espérances, la série revient avec de nouvelles aventures cocasses pour Jake, Boyle, Terry, Rosa, Amy et Gina, toujours sous le regard strict du capitaine Holt. Le plaisir des retrouvailles est bien présent, mais on peut regretter que la série se repose sur ses lauriers.

La première déception apparaît en ouverture, lorsque l’on se rend compte que le twist de la saison 1, qui promettait un changement de dynamique profond, est résolu en deux minutes et trente secondes pour laisser place à un retour du statu quo. A partir de là, les épisodes s’enchaînent et se ressemblent, provoquant toujours le rire, mais apportant peu de changement dans cet univers clos. Une succession de situations délirantes, de personnages hauts en couleur et d’acteurs invités le temps d’un épisode, tels Eva Longoria ou Craig Robinson. L’ensemble ne prend jamais le risque de remettre en cause sa structure ou son fond, et se conforme à un cahier des charges relativement efficace. En somme, une routine policière s’installe et finit par faire défaut à la série, notamment avec un dernier épisode qui se veut émouvant tout en se déroulant comme un épisode lambda, pour une conclusion, rapide, qui peine à convaincre.

Il y a tout de même quelques nouveautés sympathiques. L’évolution de la vie sentimentale de Rosa, la relation du groupe avec le rigide capitaine Holt, qui se décoince un peu (mais perd alors sa singularité attachante) ; sans omettre, non plus l’arrivée de Madeline Wuntch. Némésis du capitaine, l’affrontement entre les deux ne manque pas de sel, mêlant coups fourrés et répliques cinglantes avec deux acteurs qui s’en donnent à cœur joie. Malgré tout, Brooklyn Nine-Nine ne surprend que trop rarement et laisse le goût amer d’une série qui n’a pas eu le souci de se renouveler, préférant la sécurité d’un concept établi qui fit déjà ses preuves, et à maintes reprises.

Synopsis: La vie d’un commissariat de police dans le quartier de Brooklyn, New York, et de ses policiers aux caractères bien trempés.

Brooklyn Nine-Nine, saison 2: Teaser

Fiche Technique – Brooklyn Nine-Nine

Titre original : Brooklyn Nine-Nine
Titre français : Brooklyn Nine-Nine
Date de sortie : 2013
Nationalité : États-Unis
Création : Michael Schur, Dan Goor
Épisodes : 45 (21 min)
Interprétation : Andy Samberg, Andre Braugher, Terry Crew, Melissa Fumero, Joe Lo Truglio, Stephanie Beatriz, Chelsea Peretti…
Musique : Dan Marocco
Production : Fremulon, Dr. Goor Production, 3 Arts Entertainment, Universal Télévision
Distribution : 20th Century Fox
Budget : N.C
Genre : Comédie.

L’Éveil d’Edoardo, un film de Duccio Chiarini : critique

L’Éveil d’Edoardo est une comédie romantique italienne qui nous invite avec beaucoup d’émotion et tendresse dans l’adolescence. Ce film est le premier long métrage de Duccio Chiarini, réalisateur de Hit The Road, Nonna, un documentaire sur sa grand-mère sélectionné à la Mostra de Venise en 2011. L’Éveil d’Edoardo (Short Skin) raconte non seulement l’éveil sexuel d’Edoardo (Matteo Creatini, touchant dans ce rôle), un adolescent timide, sensible et intelligent mais il explore aussi le passage à l’âge adulte, l’éveil à la vie, à la liberté.

 L’éveil à la sexualité

La première scène de L’Éveil d’Edoardo nous plonge d’emblée dans le vif du sujet : quelques années plus tôt, les parents d’Edoardo tentent, dans la douleur, de « nettoyer » le prépuce de leur fils. Une histoire de famille, semble-t-il, puisque la petite sœur assiste à la scène. Cette situation montre la proximité entre les membres de la famille mais elle marque aussi le début d’une longue période de douleur et de honte pour le jeune Edoardo.

La scène suivante du film nous projette une dizaine d’années plus tard, au moment de l’adolescence, période cruciale où cette gène physique va devenir un réel handicap pour Edoardo. L’été de sa dix-septième année, la sexualité est omniprésente : dans le discours de son camarade Arturo (Nicola Nocchi), dans le regard des jeunes filles qu’il côtoie, dans les relations et les propos des parents, jusqu’à la saillie de son propre chien ! Le sexe est sur toutes les lèvres, même celles de la petite sœur d’Edoardo qui, de son côté, transite de l’enfance vers l’adolescence.

Pour certains comme Arturo, l’acte sexuel est synonyme d’obscénités et les références pornographiques abondent (films, prostitutions, objets transitionnels). Pour d’autres comme les parents d’Edoardo, le sexe symbolise la trahison, la tromperie tandis que pour Edoardo, il est idéalisé car inaccessible et représentatif de son premier amour, Bianca (Francesca Agostini).

Le passage à l’âge adulte

L’Éveil d’Edoardo est avant tout une transition de l’adolescence vers l’âge adulte faite de prises de conscience (les faiblesses des parents d’Edoardo), d’autonomie et de responsabilités (le rendez-vous médical et l’opération, les aveux…). Cette période de la vie est particulièrement difficile car elle se traduit par des expériences délicates qui mènent parfois à des erreurs ou à des peines de cœur. La sensibilité d’Edoardo rend ce personnage d’autant plus touchant car il ressent une réelle empathie à l’égard des autres, qu’il s’agisse des filles ou de ses parents. Il est soucieux du ressenti d’autrui et des conséquences de ses actes, notamment avec Elizabetta (Mariana Raschillà), une jeune fille amoureuse de lui – preuve d’une grande intelligence qui sera accentuée par la scène des mots-croisés, lorsque Edoardo aide la grand-mère de Bianca.

Peu à peu, l’adolescent va prendre confiance, prendre des initiatives, bonnes ou mauvaises, avouer ses sentiments, avouer son handicap. Loin de décrire une adolescence rebelle, L’Éveil d’Edoardo capture une tranche de vie riche en émotions de toutes sortes. Le spectateur suit le jeune Edoardo de près, avec des plans serrés sur son corps fragile et gracile d’enfant qui a grandi trop vite. S’en est presque dérangeant d’intimité, de par ces corps nus et ce handicap, dérangeant de fragilité et de maladresse mais, c’est aussi très émouvant et tendre.

Chaque situation gênante se mue finalement en un acte pur et noble : en témoigne la rencontre éducative avec la prostituée, maternelle et rassurante, et cette volonté d’Edoardo de se garder pour celle qu’il aime. Car le jeune homme a des principes moraux très forts et la volonté de faire les bons choix. De ses erreurs, Edoardo tire une réflexion, se remet en question, s’assume. C’est un véritable parcours initiatique estival. On le voit changer d’avis à propos de son handicap et changer de statut dans ces relations. Edoardo se transforme, grandit, s’éveille à la vie, s’ouvre à l’avenir, s’épanouit. Libéré de ses complexes et de ses peurs, il devient autonome et prend son envol vers une vie étudiante loin du foyer : la fin d’une étape, le début d’une autre. Comme un éveil à la vie adulte.

Synopsis : Eduordo, adolescent de 17 ans timide et sensible passe l’été sur la côté italienne. Il retrouve Bianca, son amie d’enfance revenue pour les vacances et pour Edoardo a une affection sincère et Arturo, son meilleur ami, lourdaud et grossier. Les deux garçons nouent des liens avec les filles, chacun à leur manière, et si Arturo effraie ces demoiselles, la gentillesse et la finesse d’Edoardo les attirent. Pourtant, le jeune homme souffre d’un phimosis, une malformation bénigne du prépuce qui le handicape dans ses relations…

Fiche technique : L’Éveil d’Edoardo

Acteurs : Matteo Creatini, Francesca Agostini, Nicola Nocchi, Miriana Raschillà, Bianca Ceravolo, Bianca Nappi,
Réalisation :Duccio Chiarini
Scénario : Duccio Chiarini, Ottavia Madeddu, Marco Pettenello, Miroslav Mandic
Chef opérateur : Baris Ozbicer
Ingénieur son : Lacopo Pineschi
Décors : Ilaria Fallacara
Costumes : Ginevra De Carolis
Musique : Woodpigeon
Montage : Roberto Di Tanna
Producteurs : Babak Jalali, Duccio Chiarini
Vendeurs internationales : FILMS BOUTIQUE

Scorpion Série, saison 1 : critique

Dans l’univers des séries anglo-saxonnes, le personnage du surdoué (ou, éventuellement, le personnage doté de capacités extraordinaires) est très à la mode. De Greggory House à Sherlock Holmes en passant par Patrick Jane. Scorpion vient s’insérer dans cette liste déjà bien fournie.

Synopsis : Walter O’Brien, un surdoué au Q.I. de 197, et d’autres surdoués comme lui sont souvent appelés par la Sécurité Intérieure pour résoudre des affaires compliquées et dangereuses.

Des génies
Scorpion est donc le nom de l’agence qui regroupe quatre génies : il y a donc Walter O’Brien (Elyes Gabel), le patron, qui se vante de son Q.I. de 197 mais qui est incapable d’exprimer le moindre sentiment, son côté rationnel ayant étouffé son aspect émotionnel. Il y a Happy Quinn (Jadyn Wong), la mécanicienne qui peut tout réparer ou construire mais qui se méfie des autres et refuse les contacts humains ; Sylvester Dodd (Ari Stidham) la « calculatrice humaine », capable de dire avec précision où tombera n’importe quel projectile mais rempli de toutes les phobies existantes et Toby Curtis (Eddie Kaye Thomas), médecin comportementaliste, très utile quand il s’agit de manipuler quelqu’un mais joueur invétéré.

À cela il faut ajouter deux personnages plus « normaux », Paige Dineen (Katharine MacPhee), une serveuse qu’ils vont embaucher comme porte-parole et dont le fils, Ralph, est lui-même un surdoué ; et Cabe Gallo (Robert Patrick), l’agent de la Sécurité Intérieure qui les accompagne et qui leur sert de bras armé.
À noter, pour les amateurs de NCIS Los Angeles, l’apparition du personnage de Hetty dans un des épisodes…

Là où la série se veut originale, c’est que les personnages existent réellement.

Des situations extrêmes
L’agence Scorpion est donc appelée dans des situations extraordinaires. Le premier épisode les voit tenter de régler un problème avec le logiciel employé dans les tours de contrôles, problème qui rend impossible l’atterrissage du moindre avion. Ils doivent combattre des criminels, mais aussi simplement des phénomènes naturels. Voilà qui est d’ailleurs bien reposant : Scorpion est une série où, globalement, les épisodes ne se ressemblent pas tous. Les situations diffèrent et cela permet d’échapper aux répétitions.
Par contre, il faut bien admettre que ce sont ces situations, et les solutions apportées par Scorpion, qui créent une des limites de la série : son absence totale de réalisme. Une voiture reliées par un câble électronique à un avion en plein vol, le réveil d’une personne qui n’a pas respiré depuis six minutes, les résolutions in extremis se multiplient, au mépris de la crédibilité bien souvent.

Capital sympathie
Mêlant suspense, action et humour, la série mise beaucoup sur un rythme très rapide qui ne laisse aucun temps mort. Cela se fait, une fois de plus, au détriment de la psychologie des personnages, qui sont tous très formatés, mais fort sympathique.Et, en effet, ici comme ailleurs, la série joue la carte de l’empathie avec ses personnages. On les trouve drôles et sympathiques, on leur donne quelques défauts pour les rendre plus humains, des douleurs personnelles enfouies (mais pas trop, pour que le spectateur puisse les repérer), des histoires d’amour potentielles, il n’en faut pas plus.
En conclusion, une série d’action mouvementées et drôle, pour spectateurs peu exigeants sur le plan du réalisme.

Scorpion : bande-annonce

Fiche Technique- Scorpion

Date de sortie : 22 septembre 2014
Nationalité : USA
Création : Nick Santora
Réalisation : Sam Hill, Mel Damski, Milan Cheylov, Bobby Roth, Christine Moore (II), David Grossman (III), Dwight H. Little, Gary Fleder, Guy Ferland, Jace Alexander, Jann Turner, Jeff Thomas, Jeffrey G. Hunt, Jerry Levine, Justin Lin, Kevin Hooks, Matt Earl Beesley, Omar Madha
Scénario : Nick Santora, Nicholas Wootton, Paul Grellong, Rob Pearlstein, David Foster (IV), Elizabeth Beall, Alex Katsnelson, David J. North, Kim Rømer, Jay Beattie, Dan Dworkin
Interprétation : Elyes Gabel (Walter O’Brien), Katharine McPhee (Paige Dineen), Robert Patrick (Cabe Gallo), Eddie Kaye Thomas (Toby Curtis), Jadyn Wong (Happy Quinn), Ari Stidham (Sylvester Dodd)
Musique : NR
Photographie : NR
Décors : NR
Montage : NR
Production : Troy Craig Poon
Sociétés de production : CBS, Perfect Storm Entertainment, S. B. Films
Distribution : CBS
Budget :NR
Genre : action, suspens
Nombre d’épisodes de la saison 1 : 22
Durée d’un épisode : 42’

Cinema Paradiso, un film de Giuseppe Tornatore : critique

En apprenant le décès d’Alfredo, Salvatore adulte se replonge dans son passé. De même, lorsque les spectateurs replongent ce film, 26 ans après sa sortie, ils retrouvent intactes toutes les émotions d’alors.

Un village
Cinema Paradiso, c’est d’abord l’immersion dans un village du cœur de la Sicile. Depuis les années 40 jusqu’aux années 80, nous suivons l’évolution du village et de ses habitants. La description est certainement idéalisée, mais elle est chargée d’émotions.

Ce village comporte sa population : le prêtre, les écoliers, l’homme d’affaire, et même l’idiot sur sa place. Toute une vie est reconstituée autour de la place principale. On parle fort, on s’insulte copieusement, mais l’ambiance est familiale.
Mais ce village, aussi reculé qu’il soit, ne peut échapper à l’évolution. Le film commence dans les ruines de l’immédiat après-guerre, et il finit dans un monde moderne plus froid, où la place est envahie par les panneaux publicitaires et les voitures.
Une histoire de Toto
Cette évolution est aussi celle de Salvatore, petit garçon dont on ne retrouvera jamais le père, sûrement tué en URSS et qui deviendra un cinéaste reconnu. Le film est entièrement vu par le regard du petit Toto (diminutif de Salvatore). Avec lui, nous découvrons le cinéma. Avec lui, nous sympathisons avec Alfredo, le père de substitution. Avec lui, nous espérons. Avec lui, nous subissons le service militaire. Avec lui, nous tombons amoureux d’Elena.

Monsieur Cinéma
Au-delà de tout cela, et comme l’indique son titre, Cinema Paradiso est un film sur le cinéma et sur l’amour du cinéma. Alfredo (Philippe Noiret), le projectionniste, va très vite prendre sous son aile le jeune Toto. Et, à travers le 7ème art, le garçon va découvrir le monde, les émotions, etc. Le cinéma va développer son imagination et sa sensibilité.
Et Salvatore va évoluer avec le cinéma. Car le spectateur va voir défiler un pan entier de l’histoire cinématographique, de La Terre Tremble (de Visconti) à Et Dieu créa la femme, en passant par Le Cri (d’Antonioni)…
Plus que tout cela, les événements du film sont liés aux œuvres projetées. Salvatore est surnommé Toto, comme le célèbre acteur italien. L’amour, la mort, les plaisirs, la religion, la politique, tout est connecté au cinéma, à la salle de cinéma ou la salle du projectionniste. A ce point qu’à la fin, quand il s’agit de faire le point sur sa vie, c’est dans une salle obscure, face à un grand écran, que se retrouve Salvatore, dans une scène magnifique qui est un sommet d’émotion.
Nostalgie
Giuseppe Tornatore joue la carte de la nostalgie donc dans ce film. D’aucuns lui reprochent de faire dans le mélodrame, mais force est de constater qu’il n’y a rien de mélodramatique dans Cinema Paradiso. Sa réalisation évite les grands effets et le pathos pour se concentrer sur une narration simple mais efficace.

La version longue, qui dure environ 2h45, ne connaît aucun temps mort, malgré un récit plutôt lent. Il faut dire que l’arrivée d’Helena, au milieu du film, donne à l’histoire une nouvelle direction. Et la partition exceptionnelle du compositeur Ennio Morricone ajoute encore de l’émotion à l’ensemble. Jacques Perrin, qui tient le rôle de Salvatore adulte, est remarquable de discrétion et de retenue, et le final est irrésistible. Un film à revoir.

Synopsis : dans un village sicilien, le petit Toto, dont le père est mort lors de la Seconde Guerre Mondiale, se lie d’amitié avec le projectionniste Alfredo.

Cinema Paradiso : Bande-annonce

Fiche technique – Cinema Paradiso

Titre original : Nuovo Cinema Paradiso
Date de sortie originale : 20 septembre 1989
Date de nouvelle sortie nationale : 10 juin 2015
Nationalité : Italie
Réalisation : Giuseppe Tornatore
Scénario : Vanna Paoli, Giuseppe Tornatore
Interprétation : Philippe Noiret (Alfredo), Salvatore Cascio (Salvatore enfant, Toto), Marco Leonardi (Salvatore adolescent), Jacques Perrin (Salvatore adulte), Leopoldo Trieste (le père Adelfio), Agnese Nano (Elena adolescente)
Musique : Ennio et Andrea Morricone
Photographie : Blasco Giurato
Décors : Andrea Crisanti
Montage : Mario Morra
Production : Franco Cristaldi pour Cristaldifilm, Giovanna Romagnoli, Gabriella
Société de production : RAI, Les Films Ariane, TF1 Production
Société de distribution : Ariane Distribution
Budget :
Genre : drame
Durée : 125’ (version courte) / 173’ (version longue)
Récompenses :
1989 : Grand prix du jury au Festival de Cannes pour Giuseppe Tornatore
1989 : David di Donatello de la meilleure musique pour Ennio Morricone
1989 : Prix du cinéma européen :
du meilleur acteur pour Philippe Noiret
Prix spécial du jury pour Giuseppe Tornatore
1990 : Oscar du meilleur film de langue étrangère
1990 : César de la meilleure affiche pour Jouineau-Bourdugue et Gilles Jouin
1990 : Golden Globe du meilleur film de langue étrangère
1990 : Critics’ Circle Film Award :
Prix de l’acteur de l’année pour Philippe Noiret
Prix du film de l’année en langue étrangère
1990 : Meilleur film au Festival international du film de Cleveland
1990 : Meilleur film de langue étrangère au Mainichi Film Concours
1990 : Prix spécial du meilleur jeune acteur de moins de neuf ans dans un film étranger aux Young Artist Awards pour Salvatore Cascio
1991 : BAFTA Film Award :
du meilleur acteur pour Philippe Noiret
du meilleur acteur dans un rôle secondaire pour Salvatore Cascio
du meilleur film non anglophone pour Giuseppe Tornatore et Franco Cristaldi
de la meilleure bande sonore originale pour Ennio Morricone et Andrea Morricone
du meilleur scénario original pour Giuseppe Tornatore
1991 : Roberts du meilleur film étranger aux Roberts pour Giuseppe Tornatore

A la recherche de l’Ultra-sex: le porno déjanté

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Soirée Ultra-sex: L’amour du kitch

Tous les téléspectateurs qui regardaient, il y une quinzaine d’années, Canal Plus, et en particulier Nulle Part Ailleurs, se souviennent au moins de l’insupportable générique d’ouverture, des images désuètes et du leitmotiv final « C’était vraiment très intéressant ! » qui faisait le charme de l’une des premières mini-séries de la chaine : Message à Caractère Informatif. En détournant grâce à leurs voix postsynchronisées des films d’entreprise datant des années 70-80, le duo Nicolas et Bruno a alors signer des vidéos d’une soixante de secondes devenues cultes.
Après plusieurs années sans donner de nouvelles, les deux compères se sont réunis à l’occasion des 30 ans de la chaine cryptée pour préparer une version « porno-comique » de leur exercice de détournement vocal. Ce film d’une heure, composé d’extraits de films pornographiques ou érotiques venus de différents pays et ayant pour points communs la ringardise extrême de leur direction artistique et l’aspect vintage de leurs images, ils sont ensuite allés le présenter, en mars dernier, au Festival International du Film de Fribourg, puis, ce 5 juin, à Paris au cours d’une soirée spéciale organisée par le cinéma Max Linder.

Un scénario comme on n’en verra jamais sur YouPorn
Ayant dû visionner plusieurs centaines de « films de cul », dont beaucoup de réalisations visiblement très douteuses, pour y piocher les scènes qui, couvertes par leurs propres dialogues, allaient donner corps à l’intrigue farfelue qu’ils ont mis au point, Bruno Lavaine et Nicolas Charlet ont réussi à se détacher de l’exercice de collage et de la parodie potache pour installer une véritable trame inédite qui donne sens à leur film. Plein de gags visuels et de répliques surprenantes, leur long-métrage n’hésite pas à se moquer des poncifs des scénarios souvent déplorables du cinéma pornographique tout en jouant avec pour mieux faire de ces soixante minutes un vrai plaisir coupable accompagné d’irrésistible éclats de rire, en particulier pour les amateurs d’humour « What The Fuck ».
La parfaite absurdité et la grossièreté outrancière inhérentes aux images sont donc parfaitement assimilées par ce scénario improbable. Même s’ils ont fait attention, grâce notamment à des flous dont ils sont d’ailleurs les premiers à se moquer, à rester dans les bornes de l’interdiction aux moins de 16 ans, les deux réalisateurs vont jusqu’au bout de leur délire irrévérencieux. Une audace rare qui nous rappelle que le fameux « Esprit Canal », que beaucoup croient mort et enterré, peut encore nous apporter de bonnes surprises sous des formes inattendues.

A la recherche de L’Ultra-sex : Bande-annonce

Soirée de gala pour un film de boules
C’est donc en marge de leurs « Nuits au Max » consacrés, une fois par mois à des films autour du même sujet, d’une même saga ou du même auteur, que le cinéma Max Linder a fait découvrir le long-métrage à un public parisien, parmi lesquels de nombreux invités. L’ancien PDG de Canal Plus Pierre Lescure, le couturier Jean-Paul Gaultier, le programmateur de films X de la chaîne cryptée, des doubleurs célèbres ou encore l’ancienne hardeuse devenue rédactrice en chef de Hot Vidéo Tabatha Cash étaient ainsi de la partie. En plus d’une diffusion du (faux bien-sûr) making-of de Message à Caractère Informatif, d’une présentation animée par d’amusantes chorégraphies, Nicolas et Bruno nous ont annoncé le lancement prochain d’une campagne de financement participatif sur KissKissBankBank pour assurer la sortie en DVD de leur film. Une stratégie publicitaire qui sera sans doute payante car quiconque a assisté à cette soirée sympathique et a ri aux éclats devant l’unique projection sur grand écran de ce film étonnant sait déjà qu’il s’agit d’une expérience à revivre et à partager entre amis.

 

 

Je suis un soldat, un film de Laurent Larivière : critique

Je suis un soldat est l’histoire de deux premières fois. Laurent Larivière signe ici son premier long métrage, directement sélectionné et présenté à Cannes dans la catégorie Un Certain Regard.

Mais c’est aussi la première fois qu’un rôle est directement écrit pour Louise Bourgoin. Dans les mots de Sandrine, la jeune femme qu’elle incarne à l’écran, l’actrice dit même retrouver des accents autobiographiques, presque documentaires. C’est que Je suis un soldat est un film ultra réaliste, noir, sans concession. Quelque chose dans son regard sur cette femme qui se bat ressemble étrangement à un film des frères Dardenne. L’héroïne y est en tout cas enfouie sous des vêtements informes, cheveux courts et tête haute, sans honte ni peur au milieu des hommes. Les hommes y sont tantôt violents, amoureux ou lâches, jamais dominants. Pourtant Laurent Larivière, contrairement bien souvent aux Dardenne, offre un horizon à son héroïne, un ailleurs possible.

Quand on la rencontre, Sandrine débarque chez sa mère et pense s’y réfugier quelques temps. Mais dans cette maison familiale, la mère recueille déjà la sœur de Sandrine, son mari et leur enfant. Eux aussi n’ont pas complètement résisté à la crise, alors l’homme s’use sur le chantier de leur future maison, rêve qui s’éloigne de plus en plus chaque jour. Dans cette maison-là, Laurent Larivière filme l’entraide, mais aussi la soumission à un statut social. On y voit une mère faire les comptes, s’agacer quand de l’argent est mal dépensé. Ce « drame » familial garde finalement assez peu d’intérêt, tant il banalise le portait de femme forte que Larivière dessine avant tout. La misère sociale est ici filmée de tous les côtés, la société stigmatisée, comme écrasant les plus demandeurs. Non, il ne faut pas être en demande quand on cherche un emploi, mais avoir à offrir, pouvoir se projeter dans la galère. Sandrine l’apprend à ses dépens. C’est comme ça qu’après des tentatives plus ou moins ratées, elle débarque dans le chenil de son oncle. Un oncle aussi proche du foyer familial qu’il semble en être exclu. C’est un homme complexe, déstabilisé face à la force de Louise Bourgoin, mais cherchant à la maîtriser, qu’on rencontre.

Quand revient la nuit …

C’est dans ce chenil que tout se joue. Sandrine s’y révèle en combattante, maîtrisant tous les aspects de ce qui ressemble un trafic de drogue. Forte, déterminée, elle se heurte à ce trafic de chiots venus de l’est comme on y traiterait des femmes venues du même espace géographique, pour vendre leurs corps au plus offrant. Souvent filmée dans des coins plus ou moins sordides, Laurent Larivière montre avant tout une femme qui ne se laisse pas faire. De nuit ou du moins dans la pénombre, elle négocie, ment, trafique et tente de garder la tête hors de l’eau. Impossible de baisser les bras, ce qu’elle a vu est trop immense, trop complexe. Elle se bat, mais est en même temps maintenue ici par ce qu’elle y a découvert. En parallèle, c’est chez un vétérinaire fragile, autre portrait d’homme à contre-courant, que Sandrine va faire de faux certificats de vaccinations. Cet homme-là se met à nu devant elle, littéralement et métaphoriquement, ce qu’elle ne fait (presque) jamais tout le long du film. Elle est toute de colère rentrée, « un bon petit soldat » comme celui du titre ou de la chanson de Johnny Hallyday (Quand vient la nuit) que l’on entend pendant le film. Obéissant à des règles, continuant de vivre malgré tout. Pourtant, elle s’autorise une sortie de route, en pleine crise, dans une scène glaçante où la colère rentrée, aussi bien celle de l’actrice que celle du personnage, explose.

Le film de Laurent Larivière manque encore d’un regard solide, plus pertinent sur ce monde social qu’on a tant filmé, tant regardé, décortiqué, sans jamais en proposer autre chose qu’un réalisme banal. Pourtant, il se détache par son portrait de femme combattante, qui n’a pas besoin de ressembler à un homme, qui écrit sa propre histoire, même si elle est entraînée par des forces plus grandes qu’elle. Il s’agit avant tout d’un film d’acteurs, car Louise Bourgoin s’y révèle comme on l’a rarement vue : impliquée toute entière par le corps, la fougue, le désir et la force. Lumineuse au milieu de la crasse ambiante, elle a à ses côtés des acteurs formidables, dont Jean-Hugues Anglade, loin des rôles de flics qu’ils incarnent à tour de bras depuis quelques années, tour à tour protecteur, trafiquant ou animal. C’est aussi ce personnage d’homme que le film révèle à lui-même. Car les soldats du film, ce sont tous ces gens qui n’ont presque rien, qui doivent se lever chaque matin pour ne rien gagner ou presque, qui doivent y croire, obéir, ne jamais dépasser les limites et qui n’ont aucun moyen de dire « stop », de sortir du rang. Le film leur rend un bel hommage, c’est déjà ça.

Synopsis : Sandrine, trente ans, est obligée de retourner vivre chez sa mère à Roubaix. Sans emploi, elle accepte de travailler pour son oncle dans un chenil qui s’avère être la plaque tournante d’un trafic de chiens venus des pays de l’est. Elle acquiert rapidement autorité et respect dans ce milieu d’hommes et gagne l’argent qui manque à sa liberté. Mais parfois les bons soldats cessent d’obéir. 

Bande annonce du film Je suis un soldat

Fiche technique – Je suis un soldat

France – 2015
Date de sortie : 18 Novembre 2015
Réalisation : Laurent Larivière
Scénario : Laurent Larivière, François Decodts
Interprètes : Louise Bourgoin, Jean-Hugues Anglade, Anne Benoit, Laurent Capelluto, Nina Meurisse …
Compositeur : Martin Wheeler
Directeur de la photographie : David Chizallet
Montage : Marie-Pierre Frappier
Production : Mon Voisin Productions, Saga Films, UMedia
Distributeur : Le Pacte

L’Ombre des femmes, un film de Philippe Garrel: Critique

Philippe Garrel a une manière unique de parler des femmes, de l’amour, de l’amour et des femmes. Très peu de temps après le très beau « La Jalousie », tourné en noir et blanc avec l’immense Willy Kurant à la photo, voici déjà « L’ombre des femmes » tourné en noir et blanc avec le très grand Renato Berta à la photo.

Synopsis : Pierre et Manon sont pauvres. Ils font des documentaires avec rien et ils vivent en faisant des petits boulots. Pierre rencontre une jeune stagiaire, Elisabeth, et elle devient sa maîtresse. Mais Pierre ne veut pas quitter Manon pour Elisabeth, il veut garder les deux. Un jour Elisabeth, la jeune maîtresse de Pierre, découvre que Manon, la femme de Pierre, a un amant. Et elle le dit à Pierre… Pierre se retourne vers Manon parce que c’est elle qu’il aimait. Et comme il se sent trahi, il implore Manon et délaisse Elisabeth. Manon, elle, rompt tout de suite avec son amant. On peut supposer que c’est parce qu’elle aime Pierre…..

Un amour infini

C’est dire si l’exigence est intacte. Si le propos est presque invariablement le même, en revanche la forme du cinéma de Philippe Garrel progresse inexorablement vers l’épure, en s’appuyant sur des collaborations robustes et complices telles que celles des chefs opérateur les plus marquants du cinéma de qualité (Kurant et Renata donc, mais également le regretté William Lubtchansky sur deux de ses précédents films, également en noir et blanc : « Les amants réguliers », puis « La frontière de l’aube »).

Cette recherche de la beauté formelle va de pair avec la simplicité biblique du sujet. Manon (Clotilde Courau, à l’apogée de son art) et Pierre (insondable Stanislas Mehrar) vivent ensemble et travaillent ensemble, lui comme documentariste, elle comme scripte/monteuse. Ils s’aiment (« Travailler avec l’homme que j’aime et partager ses projets, quoi de mieux» dit le personnage de Clotilde Courau à sa mère), mais la passion se défile ; il a alors une maîtresse, elle prend un amant. Tout est annoncé dans le synopsis. Il n’y a rien de plus ni de moins que ce qui y est révélé déjà.

De fait, l’enjeu du film n’est clairement pas le suspense, mais le regard particulier que pose Philippe Garrel sur l’histoire de ces deux femmes, l’épouse et la maîtresse, mais aussi de cet homme monolithique qui vit sa vie d’homme comme dans un temps ancien, sûr de son fait et de son droit. (Pierre est un homme, il est infidèle comme il pense que les hommes ont le droit de l’être, dit en substance la voix off de Louis Garrel qui vient émailler le film d’un commentaire plutôt neutre qui apporte la touche romanesque au film de son père).

L’amour est un sujet que Philippe Garrel ne cherche jamais ni à embellir ni à enlaidir ; il est une souffrance, une passion comme des tas de générations passées l’ont toujours écrit, clamé, chanté. La beauté de ce qui circule entre Pierre et Manon est simple et émouvante ; en particulier, une scène dans la cuisine un soir, où Pierre offre un bouquet de fleurs à Manon après avoir couché avec sa maîtresse Elisabeth (Lena Paugam): une scène d’une vérité et d’une beauté bouleversantes, illuminée par le sourire un peu douloureux de Manon, le sourire d’une femme qui se sent ou qui se sait trompée, mais qui accepte le bouquet de fleurs du coupable infidèle au nom de l’amour malgré tout. L’amour donc est au centre du film, mais également la jalousie, la douleur de l’absence, le désir et le besoin d’être désiré(e). Toutes sortes de thématiques maintes fois travaillées au cinéma, mais rarement comme Philippe Garrel le fait, à savoir au cœur, à l’os du sujet, sans aucune surcouche pour nous en détourner, ni à nous en distraire.

L’Ombre des femmes dont il est question dans le film est une ombre « vertueuse », une ombre qui protège Pierre de toute action, de toute réaction. Les femmes y sont à l’honneur : fortes et volontaires, amoureuses et honnêtes, ce qui n’est pas toujours le cas de Pierre. D’aucuns disent que c’est son film le plus féministe. Pour autant, le regard de Philippe Garrel sur Pierre n’est pas forcément négatif ; ce dernier semble en effet dire : « voilà, sans toi, la Femme, je suis perdu, je ne sais pas faire », et la seule fois où on le voit sourire, sourire vraiment, est dans cette scène d’étreinte finale, de complicité retrouvée, de soulagement intense de pouvoir s’appuyer à nouveau sur Manon.

« L’Ombre des femmes » est infiniment intemporel, se déroulant dans un Paris inconnu, secret et légèrement suranné, que le noir et blanc de Renato Berta irradie d’une lumière argentée, conférant un côté légèrement onirique au métrage. Comme à son habitude, Philippe Garrel prend grand soin de ses cadrages, et même s’il s’inscrit encore et toujours dans la Nouvelle Vague, notre enchantement est sans cesse renouvelé par la beauté de ses films.

L’interprétation de « l’ombre des femmes » est dominée par Clotilde Courau qui tient là son meilleur rôle. Un sourire qui apporte l’exaltation sans la niaiserie, et qui permet de prendre toute la mesure de l’amour qu’elle a pour Pierre, mais également de toute la douleur de ne pas sentir en retour l’affection dont pourtant les deux s’accordent à reconnaître la réalité.

Lena Paugam apporte joliment la fraîcheur, et l’idée que c’est cette fraîcheur qui attise le « plaisir de la chair » comme dit la voix off.

Stanislas Mehrar enfin, est parfait dans le rôle de cet homme désirable et bourru, un peu hors d’âge, un peu maladroit et qui vit avec bonheur dans l’ombre de ses femmes.

L’Ombre des femmes de Philippe Garrel – Bande-annonce

L’Ombre des femmes : Fiche Technique

Titre original : –
Date de sortie : 27 Mai 2015
Réalisateur : Philippe Garrel
Genre : Drame
Année : 2015
Durée : 73 min.
Interprétation : Clotilde Courau (Manon), Stanislas Merhar (Pierre), Lena Paugam (Elisabeth), Vimala Pons (Lisa), Mounir Margoum (l’amant de Manon)
Scénario : Philippe Garrel, Caroline Deruas-Garrel, Jean-Claude Carrière, Arlette Langmann
Musique : Jean-Louis Aubert
Photographie : Renato Berta
Montage : François Gédigier
Nationalité : Suisse, France
Producteur : Saïd Ben Saïd, Michel Merkt, Olivier Père
Maisons de production : SBS Production, Arte
Distribution (France) : SBS distribution

The last man on Earth, saison 1 : critique de la série

The last man on Earth : la survie de l’espèce entre les mains de Will Forte

The last man on Earth est une série télévisée créée par Will Forte. La première saison, sortie aux USA en mars 2015, est constituée de 13 épisodes de 22 minutes. Lors de sa diffusion sur la Fox, la série connaît un certain succès qui lui vaut d’être reconduite pour une saison 2. Effectivement, le pilote de The last man on Earth, réalisé par Phil Lord et Christopher Miller (tous deux réalisateurs de 21 et 22 Jump Street), a de quoi faire tourner la tête, mais la série doit son succès à la réalisation et au scénario original de Will Forte qui tient aussi le premier rôle. Ce scénariste tout feu tout flamme s’est fait la main dans des épisodes réussis de That 70’s Show et de Urgence ainsi que dans MacGruber, une prochaine comédie d’action avec Ryan Phillippe et Val Kilmer.

Seul au Monde ?

The last man on Earth, comme l’indique le titre, raconte l’histoire du dernier homme sur Terre : Phil Miller (Will Forte, Voisin du troisième type, Nebraska). Oui, mais l’histoire ne s’arrête pas là et dès la fin du pilote il apparaît que « The last man on Earth » n’est, en fait, pas si seul que ça. Un détail qui lui évite peut-être de singer trop longtemps Tom Hanks, philosophant avec son ballon dans Seul au Monde même si le spectateur n’échappe pas à cette caricature très réussie durant son One Man Show de 18 minutes. Le clin d’œil à Wilson (le ballon) sera d’ailleurs repris à plusieurs moments dans la saison, comme le leitmotiv de l’histoire.

On en regretterait presque que le héros ait si vite de la compagnie tant le personnage de Phil est nature, tordant et sympathique et qu’il suffit à capter l’attention du public dès le premier épisode.

Un Éden post-apocalyptique

On ne peut pas traiter de la fin du monde sans références bibliques, en particulier dans les films américains. Dès lors que le deuxième personnage, Carol Pilbasian (Christen Schaal, Welcome to the Jungle), fait son apparition, la question du repeuplement de la Terre se pose. The last man on Earth prend alors l’allure d’une parodie d’Adam et Ève dans un Éden eschatologique aux antipodes du Jardin des délices et où Carol, n’a en réalité rien d’une Ève.

Dans ce jardin d’Éden, ce sont les biens matériels et l’alcool qui prolifèrent. Phil collectionne les tableaux de maîtres et les ossements de dinosaures et se baigne dans une piscine de Margherita tandis que Carol préfère le champagne et les raisins – qu’elle force Phil à goûter. Faut-il y voir le symbole du fruit défendu ? Quoi qu’il en soit, ce n’est qu’une fois mari et femme que le couple s’adonnera aux plaisirs de la chair.

Cette relation duelle entre Phil et Carol fonctionne d’ailleurs assez bien et la série ne perd rien de son originalité et de son rythme tant les personnages sont vivants, expressifs et parfaitement assortis. Will Forte et Christen Schaal sont habitués à travailler ensemble (30 Rock, L’Île des Miam-nimaux : tempête de boulettes géantes 2) et cela se ressent. À aucun moment le spectateur ne s’ennuie. Ce couple grotesque est ensuite rejoint par la jolie Mélissa Shart (January Jones, Mad Men, Le Pacte) et une relation triangulaire s’installe. Mélissa prend la relève et devient Ève, tant convoitée par Phil (les deux acteurs sont fiancés dans la vraie vie) tandis que Carol excelle en mégère et épouse.

Morne plaine

Malheureusement, l’équilibre entre le huis-clos et le comique de situation est de courte durée et le spectacle prend fin quand un quatrième arrivant fait son entrée, puis un cinquième, puis un sixième… Peu à peu, le jardin d’Éden se transforme en Garden-Party : une petite communauté d’américains dont le quotidien et les états d’âme sont dignes d’un roman-feuilleton et où les passions et les disputes prennent le pas sur l’humour et la dérision.

Au fil des épisodes et à mesure que la communauté s’agrandit, The Last Man on Earth perd de son élan et de son originalité ce qui est bien dommage car la série tombe dans le déjà-vu, le banal. Bien sûr, nous sommes toujours dans la comédie et Will Forte joue à merveille le malotru égoïste et de mauvaise-foi. Avec l’aide de sa binôme, Christen Schaal, il parvient tant bien que mal à nous faire rire ce qui fait de cette série un gentil divertissement mais sans grande ambition.

Synopsis : À la suite d’une épidémie planétaire, la population mondiale a été décimée. Unique rescapé, Phil Miller parcourt le monde à la recherche de possibles survivants. Profitant tout d’abord d’une liberté sans borne, il baisse rapidement les bras lorsqu’il comprend qu’il est le dernier de sa race. Tout près de se suicider, il rencontre alors celle qu’il pense être la dernière femme sur Terre, pour son plus grand malheur…

Fiche technique : The last man on Earth

Genre : Comédie
Création : Will Forte
Production : Phil Lord et Christopher Miller
Acteurs principaux : Will Forte, Kristen Schaal, January Jones, Cleopatra Coleman, Mel Rodriguez
Pays : États-Unis
Diffusion : Fox
Format : 13 épisodes de 22′

Cannes Classics : Le Troisième Homme – Critique du film

La première impression que l’on a du film, Le Troisième Homme, c’est sa musique, signée Anton Karas, un air entêtant joué à la cithare et qui reste en mémoire pendant longtemps. Cet air va accompagner une histoire désabusée, cynique et qui refuse toutes les facilités habituelles du genre.

Synopsis: le romancier Holly Martins arrive à Vienne pour rejoindre son ami Harry Lime. Il apprend vite que celui-ci a été tué, officiellement dans un accident de la circulation.

Vienne et les égouts de Babel
Quel meilleur choix que la ville de Vienne pour détruire tout romantisme. Le film se déroule à la fin de la Seconde Guerre Mondiale et la capitale autrichienne subit le même sort que Berlin : elle est divisée en quatre zones (américaine, anglaise, française et russe). Une scène, à la fin du film, nous montre un personnage pourchassé par les différentes polices dans les égouts. Des ordres de langues différentes sont hurlés de chaque côté et les égouts se transforment en une sorte de Babel paradoxale (paradoxale parce que, au lieu de s’élever vers le ciel, elle s’enfoncerait sous terre). À travers les ruines de la ville, l’incompréhension est de rigueur, et notre brave Holly Martins (Joseph Cotten) en est la première victime. Il ne comprend pas un mot d’allemand, ce qui renforce encore son sentiment d’être perdu. Ainsi, dans une fort belle scène, il est accusé par une foule mais, comme il ne comprend rien à ce qui se dit, il reste au milieu et ne réagit pas.

Holly Martins, anti-héros
Il faut dire que Martins ne comprend pas grand-chose. Rarement personnage principal aura autant été un anti-héros (il faut dire que le film se démarque par son absence complète de figure héroïque). Écrivain raté et sans le sou, il se laisse constamment porter par les événements et ne contrôle absolument rien. Le rythme, qui connaît parfois des accélérations, et le montage ne cessent de nous présenter Martins comme un personnage qui perd pied, comme dans ce taxi qu’il prend en espérant pouvoir aller à la police et qui l’emmène à un congrès d’écrivain, bien contre sa volonté.
Martins est toujours là où il ne faut pas et, quand, par le plus grand des hasards, il se trouve au bon endroit, alors il ne parvient pas à comprendre ce qui arrive. Pendant une fusillade, il se place sur la trajectoire des balles. Il cause indirectement la mort d’un policier. Il tombe, ou se fait presque renverser par une voiture, etc.
Même comme écrivain, il est pitoyable. Il ne parvient pas à lire le texte d’une pièce de théâtre, il ruine complètement un congrès d’écrivain par son absence de charisme et la nullité de ses réponses, il ne sait même pas qui est James Joyce…

Harry Lime et le cynisme
À l’opposé de Martins, il y a cet Harry Lime qui est au cœur du film. En effet, plus on enquête sur sa mort, plus on découvre le personnage. Un héros pour Anna, dont il était l’amant et qu’il aide à rester illégalement à Vienne, ou un criminel pour la police, il semble en tout cas quelqu’un qui réussit tout ce qu’il entreprend. Y compris dans le trafic.
Parce que Vienne partage avec Babel une autre particularité : elle est devenue la capitale du marché noir. Dans ce monde en ruines où il est quasiment impossible de se procurer de quoi vivre, la combine est devenue un art de vivre. Et plusieurs personnages insistent sur le thème : « j’ai fait des choses qui auraient semblé inconcevables avant-guerre » dit l’un ; « ce n’est guère avouable mais il faut parfois enfreindre la loi » affirme un autre. Et voilà notre Troisième Homme qui décrit un monde où la fin justifie les moyens. Un monde cynique et qui ne cache plus son cynisme.

Orson Welles et Carol Reed
Sur un scénario du romancier Graham Greene et d’Alexandre Korda, le film est remarquable à de nombreux points de vue. Sa réalisation fait de Vienne un monde baroque inquiétant. Ombres gigantesques, cadrages obliques : l’aspect visuel est très travaillé et fait penser à l’expressionnisme allemand. Certains plans peuvent même se lire comme des références directes à M. le Maudit de Fritz Lang (le vendeur de ballons, par exemple).
Mais l’influence la plus forte est incontestablement celle d’Orson Welles. Même si, officiellement, il n’est qu’acteur du film, il semblerait qu’il ait participé à l’écriture du scénario et au tournage de certaines scènes. Quoi qu’il en soit, le film porte sa marque, aussi bien sous l’aspect visuel que par son histoire, cette enquête sur une impossible vérité qui paraît insaisissable (comme dans Mr. Arkadin, par exemple).
Le Troisième Homme est un grand film, complexe dans sa construction, maîtrisé, doté de grandes qualités visuelles et d’un casting exceptionnel. Et s’il paraît parfois un peu maladroit, c’est pour mieux coller à son personnage principal.

Le Troisième homme : Bande-annonce

Fiche technique – Le Troisième Homme

Titre original The Third Man
Date de sortie : 31 août 1949
Nationalité : Royaume Uni
Réalisation : Carol Reed
Scénario : Graham Greene, Alexandre Korda
Interprétation : Joseph Cotten (Holly Martins), Alida Valli (Anna), Trevor Howard (Calloway), Bernard Lee (Paine), Orson Welles
Musique : Anton Karas
Photographie : Robert Krasker
Décors : Dario Simoni
Montage : Oswald Hafenrichter
Production : Carol Reed, Alexander Korda, David O. Selznick
Société de production : London Film Productions
Société de distribution : British Lion Film Corporation
Budget : NR
Genre : thriller, espionnage
Durée : 104’

Loin de la foule déchaînée, un film de Thomas Vinterberg: Critique

Le réalisateur danois revient ici avec son huitième long métrage, reprenant le titre de l’œuvre qu’il adapte : Loin de la foule déchaînée, signé Thomas Hardy, paru en 1874. 17 ans après Festen, 3 après La Chasse, Thomas Vinterberg s’attaque à un gros morceau de littérature anglaise, où il est surtout question d’amour et de désamour.

Synopsis: Bathsheba Everdeene doit diriger la ferme léguée par son oncle. Femme belle et libre, elle veut s’assumer seule et sans mari, ce qui n’est pas au goût de tous à commencer par ses ouvriers. Bathsheba ne se mariera qu’une fois amoureuse.

Loin de la foule déchaînée, du spectacle enchanté aussi.

L’intrigue est simple, une jeune fille, séduisante mais indépendante rencontre trois hommes, d’âge et de statures différents, chacun charmants à leur manière mais tous soumis par le même désir de posséder la belle. Nous ne sommes donc pas dans un triangle amoureux, mais bel et bien dans un carré sentimental, quelque peu décevant il faut le dire. Le camp masculin est fort bien représenté (et incarné) puisque l’on y retrouve le Belge Matthias Schoenaerts en fort et loyal berger ; ainsi que les britanniques Michael Sheen et Tom Sturridge, campant respectivement le riche et généreux fermier, ainsi que l’élégant et fougueux soldat. A l’opposé, pierre angulaire du film et tombeuse de ces messieurs, l’anglaise Carey Mulligan, qui lorsqu’elle ne caresse pas des agneaux et des grains de blé, tire encore une fois son épingle du jeu (ou de la botte de foin…). Après Une éducation (Lone Scherfig) et Drive (Nicolas Winding Refn), l’actrice retrouve de nouveau un cinéaste Danois pour un résultat final agréable certes, mais peu captivant.

On peut imaginer que le support original était long, très long même, tant la narration imposée par Vinterberg semble précipiter le récit, par le biais de très courts chapitres qui se succèdent indéfiniment. Présentes uniquement pour nous apporter les informations concernant les personnages, ces scènes qui saccadent le film ne font absolument pas vivre ces individus, rendant leurs interactions artificielles parfois même peu compréhensibles. Le réalisateur présume trop souvent que l’histoire parle d’elle-même, on peut l’entendre d’un certain point, tant les dialogues sont parfois naïfs, frôlant dangereusement le cliché ; mais en distribuant les ellipses et les sous entendus le film s’effrite tout du long de ses deux heures. Et peut être encore plus dommageable: le manque patent de consistance dans cette triple histoire d’amour, entre faux suspens et vraies longueurs, rares sont les scènes véritablement romanesques qui pourrait insuffler un peu d’âme et de caractère.

Malgré cela, le film n’est pas en soi pénible. Son premier atout, Carey Mulligan évidemment, convaincante et rayonnante en riche fermière héritière, prête à renoncer à l’amour pour conserver son indépendance. On le sait depuis Inside Llewyn Davis, la britannique sait chanter, et elle nous gratifie une nouvelle fois de sa voix, en poussant la chansonnette autours d’un banquet de paysans. Il faut également rendre hommage à la bande originale, qui inévitablement joue un peu trop souvent du violon, mais qui à le mérite d’enjoliver cette fresque romantique. Tout comme la photographie qui est un des points forts sur ce long métrage, cet écrin naturaliste, un soupçon féérique, qui le drape d’une réelle beauté visuelle. Ce n’est pas sans rappeler le travail effectué sur « les extérieurs » de Mr Turner de Mike Leigh, sorti il y a quelque mois : ces mêmes paysages baignés de lumière, décors pittoresques d’une l’Angleterre victorienne.

Cette campagne, immense jardin plus ou moins domestiqué, est finement captée, tout en lumière, tout en plan large, où la paysannerie musculaire s’active. Dans ce cadre ultra réaliste, le cinéaste s’amuse avec certains codes du conte, un bal distingué, une rencontre dans les bois, une courte chevauchée… Quelques envolés ; trop rares pour véritablement conférer ce souffle exaltant, déchirant que l’on peut être en droit d’attendre de ce genre de film. Plaisant, c’est peut être le mot qui reviendra le plus, si ce film n’imprime rien dans notre esprit, rien sur notre rétine, c’est qu’il ne nous emporte pas, trop sage. Mais il ne nous laisse pas pour autant à quai, l’alchimie Schoenaerts/ Mulligan fonctionne, et cette course à l’amour intrigue, véritable curiosité sociale pour l’époque que ce relaie effectué par la belle fermière entre ses différents prétendants. Mais ce jonglage amoureux, plus qu’un tour de force féministe, traduit bel et bien une peur de l’engagement au profit d’une autonomie sacrée, quitte à se convaincre d’une factice étanchéité à l’amour. Cette obstination déraisonné à ne pas voir ce qu’elle ressent n’est peut être que le fruit d’une incertitude, qui ronge ses aspirations matrimoniales, et conforte ses « velléités indépendantistes ». Après tout il n’y a que des preuves d’amour, elle attendra donc, mais les autres en feront ils autant ?

Loin de la foule déchaînée: bande-annonce

Fiche technique: Loin de la foule déchaînée

Titre original: Far From the Madding Crowd
Sortie: 3 juin 2015
Nationalité: Danois, Américain, Britannique
Réalisation: Thomas Vinterberg
Scénario: David Nicholls (D’après loin de la foule déchainée, Tom Hardy)
Interprétation: Carey Mulligan/ Matthias Schnoenaerts/ Micheal Sheen/ Tom Sturridge/ Juno Temple
Distribution: Fox Searchlight Pictures (USA)
Musique: Craig Armstrong
Photographie: Charlotte Bruus Christensen
Montage: Claire Simpson
Production: Andrew McDonald
Société de Production: DNA Films et Fox Searchlight Pictures
Genre: Romance/ Histoire
Durée: 119 minutes