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Avant même sa sortie du film en salles, Un français faisait parler de lui comme un film polémique.

Synopsis : Dans les années 80, à Nantes, le jeune Marco Lopez s’amuse avec sa bande de skinhead à fustiger violemment les minorités. Tandis qu’il s’éloigne doucement des idéaux haineux de ses amis, Marco tente de se reconstruire mais ne réussit qu’à s’isoler.

Un buzz et un scandale mérités ?

C’est le refus de certains distributeurs d’organiser des avant-premières, par peur de réactions violentes de groupuscules d’extrême-droite qui se sentiraient visés par le film, qui a posé la question du caractère tabou de la violence raciste en France et sa représentation. Un débat d’autant plus important d’être posé que l’on a constaté, ces dernières années, que le racisme est devenu le ressort comique le plus attractif du cinéma français (les meilleurs exemples en sont Case Départ et évidemment Qu’est-ce qu’on a fait au Bon Dieu) alors que la dénonciation de la haine de l’Autre suscite toujours des remous médiatiques. La bien-pensance et l’hypocrisie du 7ème art hexagonal vis-à-vis de la question de la xénophobie risquaient donc d’être égratignées par le second film de Diastème (sept ans après Le bruit des gens autour). De quoi attirer la curiosité des cinéphiles. Et pourtant, la sortie du film s’est déroulée sans accroc, et il a été distribué dans un nombre de salles respectable pour une petite production.

Ce que nous propose le film est le parcours d’un homme que l’on découvre dans son adolescence comme un individu ultra-violent et détestable. Grâce à des plans-séquences maîtrisés, ces premières minutes réussissent à nous plonger dans les virées brutales de ce groupe de néo-nazis avec un réalisme certain et un pouvoir immersif sidérant. La poursuite de cette narration se construit en découpant la vie de Marco à grands coups d’ellipses. Le résultat d’une telle construction, qui plus d’une fois nous perd dans la temporalité des scènes, nous obligeant parfois à rechercher des repères divers et variés (allant des campagnes politiques aux émissions de télé en passant par les événements sportifs), est que le scénario ne fait que se concentrer sur les grandes étapes et événements marquants de la vie de Marco sans jamais pouvoir prendre le temps de développer en profondeur son évolution psychologique. Celle-ci nous est de fait présentée de manière factuelle, donnant au long-métrage un aspect didactique regrettable.

C’est finalement moins la volonté de rédemption de Marco, argument rendu candide par son manque d’approfondissement moral, que le parcours de ses amis qui alimente le discours politique du long-métrage. Entre la séropositivité de son ami devenu héroïnomane, le meurtre d’un autre par un punk ou encore l’incarcération du plus violent de la bande après un assassinat insoutenable, la façon dont l’entourage de Marco parait condamné à disparaître donne au propos un air de nihilisme. Mais c’est surtout en voyant le leader de ces skinheads opter pour un militantisme plus policé mais non moins virulent, que Diastème s’attaque frontalement au Front National en démontrant que, derrière sa politique de dédiabolisation, le parti de Marine Le Pen reste un repère d’anciens criminels uniquement animés par la haine la plus primaire. Une démonstration un peu explicative certes mais assez efficace.
La réussite du film doit beaucoup à la prestation d’Alban Lenoir, tout aussi crédible dans ses passages rageurs que dans la retenue de la maturité. Tandis que la bande-annonce pouvait laisser craindre une réalisation aux allures de téléfilm, la qualité de l’image est une bonne surprise. La mise en scène s’accorde parfaitement à la brutalité qu’elle dénonce. Le réel problème formel est donc bien cette construction narrative ultra-découpée qui s’emploie à nous exposer des morceaux de vie plutôt que d’approfondir les choix de son personnage.

Un Français est donc une œuvre inaboutie dans le sens où elle ne réussit qu’à aborder de façon superficielle la problématique de la haine raciste alors que celle-ci aurait mérité d’être étudiée de façon plus subtile en disséquant les origines psychologique d’une telle bêtise et l’organisation de ces mouvements fachos comme avaient pu le faire, dans leur pays respectif, Made in Britain ou American History X. Pourtant, sa façon de suivre les parcours –sur plus d’un quart de siècle– d’individus méprisables parvient à nous faire comprendre le cheminement de certains membres du FN ou de la Manif pour tous.

Un français : Bande-Annonce

Un Français : Fiche Technique

Réalisation: Diastème
Scénario: Diastème
Interprétation: Alban Lenoir (Marco Lopez), Samuel Jouy (Braguette), Paul Hamy (Grand-Guy), Jeanne Rosa (Kiki), Lucie Debay (Corinne)…
Image: Philippe Guilbert
Décor: Riton Dupire-Clément
Costume: Frédéric Cambier
Son: Jean-Marie Blondel
Montage: Chantal Hymans
Producteur: Philippe Lioret, Marielle Duigou
Production: Fin Août Productions, Mars Films, France 3 Cinéma
Distributeur: Mars Films
Genre : Drame social
Durée: 1H38
Date de sortie: 10 juin 2015

France – 2015

Présenté en compétition à la Semaine de la Critique à Cannes cette année, Dégradé est un film qui nous vient tout droit de Palestine.

Synopsis : Une famille mafieuse a volé le lion du zoo de Gaza et le Hamas décide de lui régler son compte ! Prises au piège par l’affrontement armé, treize femmes se retrouvent coincées dans le petit salon de coiffure de Christine. Ce lieu de détente devenu survolté le temps d’un après-midi va voir se confronter des personnalités étonnantes et hautes en couleur, de tous âges et de toutes catégories sociales…

13 femmes 

De là-bas, nous parviennent le plus souvent des images de guerre. Or, cette histoire de femmes (contée par deux hommes), pourtant située en plein Gaza, prend le parti de ne pas parler  directement de guerre, mais de vie. Ainsi, si des figures s’affrontent, c’est sans armes. Le conflit armé a lieu hors les murs, on l’entend, mais on ne le vit que par le son. Tel un huis-clos, tout le film se passe à l’intérieur d’un salon de coiffure où treize femmes se retrouvent coincées. D’abord d’apparence frivoles, leurs conversations deviennent de plus en plus tendues et révélatrices de leur désir de vie, mais aussi des querelles sanguinaires qui se passent au dehors. Confinées, elles se révèlent de plus en plus et certaines envahissent même l’espace telles des chefs de meute. Le film commence sur un ton léger, c’est un moment de détente comme un autre, mais une arrivée impromptue vient tout bouleverser : un lion volé et exhibé par le petit ami d’une des coiffeuses du salon. Étrange ballet, drôle au départ, mais qui déclenche une salve de coups de feux.

Un récit décoiffant ? 

L’intérêt principal de ce premier film est de montrer le conflit autrement et de s’interroger sur ce qu’est être une femme aujourd’hui en Palestine. Pour cela, les deux frères réalisateurs, qui ne manquent pas d’humour, ont tenté de réunir à travers leurs personnages un large panel de femmes « de tous âges et de tous horizons ». Résultat, se côtoient dans ce salon une divorcée, une fervente religieuse, une future mariée et bien d’autres personnages hauts en couleurs. Chacun a sa fonction propre dans le film et avec cela son discours. Si bien que tout est fait pour que le conflit qui se joue à l’extérieur, se déplace aussi à l’intérieur. Les femmes du salon se mettent alors à parler de politique et forment même un gouvernement imaginaire, s’écharpent aussi sur des différences de croyances, de convenances. On y croise même une lionne, cheveux devenus crinières qui vocifère sur chacune des clientes. Quelque chose se noue et les aspirations des jeunes filles sont retranscrites. D’autant que si dehors c’est la mort qui advient, à l’intérieur, c’est la vie qui se joue et une autre tension qui démarre : une des clientes est prête à accoucher. On perçoit alors dans ce film des éclats de voix, des rires et des pistes de réflexions. Cependant, si le film parvient à retranscrire un bouillonnement, une pulsion de vie, il est trop démonstratif. Son propos, sa nécessité vitale en plein conflit en fait un film fort, mais ses personnages restent trop enfermés dans des fonctions qui peinent à éviter les clichés attendus. Le film travaille comme un miroir, celui d’une société en souffrance. On y croise alors des femmes figées dans une posture que le film exige pour pouvoir s’exprimer pleinement. Sur un ton à la fois léger, mais décalé par l’urgence de la situation extérieure, le film verse parfois dans l’exagération, mais demeure un message humaniste très fort, réalisé par deux frères au talent certain. Il porte la voix de ceux qui souffrent chaque jour, enfermés dans un conflit qui les dépasse alors qu’ils ne font que rêver d’avenir (grossesse, mariage…) et de liberté (de culte, d’opinion, de création). Après 1h20, on se dit tout de même que Dégradé est moins décoiffant que ne le laissait rêver son titre. Un titre évocateur autant d’une coupe de cheveux que de l’évolution catastrophique d’une situation que le film dénonce à sa manière…

Dégradé : Bande annonce

Dégradé : Fiche technique

Réalisation/scénario : Arab et Tarzan Nasser
Interprètes : Hiam Abbas,  Maisa Abd Elhadi, Manal Awad, Mirna Sakhla, Victoria Balitska, Dina Shuhaiber …
Compositeur : Benjamin Grospiron
Directeur de la photographie : Eric Devin
Monteuse : Sophie Reine
Production : Les Films du Tambour, Made In Palestine Project
Coproduction : Full House, Mille et Une Films, Abbout Productions
Distributeur international : Elle Driver
Distributeur France : Le Pacte
Durée : 83 minutes
Genre : Comédie dramatique
Date de sortie : 27 avril 2016

Palestine/France/Quatar – 2015

Arsenic et vieilles dentelles

Le sujet de l’euthanasie est devenu suffisamment sociétal pour que les cinéastes s’en emparent et le cuisinent à toutes les sauces. C’est une question de morale et de religion, d’éthique par la même occasion, qui empêche que l’on puisse accorder à l’être humain ce que l’on propose à nos animaux qui souffrent trop. Une question sérieuse en tout cas que les réalisatrices Sharon Maymon et Tal Granit ont choisi de traiter sur le mode de l’humour. Un parti pris qui n’est pas sans risque, car les aller-retours entre le rire et le sérieux peuvent desservir le propos et devenir contre-productifs.

Mais même si elles n’y vont pas toujours avec le dos de la cuillère, les deux réalisatrices réussissent globalement à faire cette synthèse : faire rire de la mort tout en montrant la nécessité de pouvoir mourir dans la dignité.  

L’histoire commence avec un « senior » -puisque les vieux de nos jours sont appelés ainsi- qui fait une blague à une senior. Ezéchiel (Ze’ev Ravach) est un ingénieur retraité qui aime inventer toutes sortes de machines, ici un engin qui déforme la voix, là un appareil qui (est censé) distribuer automatiquement les médicaments à la bonne heure et au bon jour. Avec sa femme Levana (Levana Finkelshtein) comme complice et à l’aide de sa facétieuse invention qui lui donne une voix sépulcrale, il passe un coup de fil à  Zelda, une autre résidente de leur complexe pour riches retraités, en se faisant passer pour Elohim (Dieu) et en lui conseillant de bien prendre ses médicaments, puisqu’il n’y a pas encore de place libre au paradis. La voisine fait délicieusement semblant de tomber dans le panneau.

La scène est irrésistible et donne le ton : un ton irrévérencieux, qui sort les personnes âgées d’un carcan à l’intérieur duquel on ne leur permet d’habitude que maladie, souffrance et ennui. Car tel est le premier mérite de ce film : donner une place à ce troisième âge, des êtres humains qui ne sont qu’une version plus vieille de ce qu’ils ont toujours été, des blagueurs, des amoureux, de mauvaises cuisinières, ou carrément des individus peu recommandables. Une autre scène illustre cela tout aussi drôlement : une sortie du placard dans tous les sens du terme, pour un des amis qui se déclare gay sur le tard (« ne dites rien à personne, ma mère n’est pas au courant »  dit-il du haut de ses 70 ans et plus !). De fait, les protagonistes attirent immédiatement la sympathie du spectateur, d’autant qu’ils sont interprétés par d’excellents acteurs, largement reconnus en Israël.

Très vite, la question de l’euthanasie apparaît, car le mari de Yana (Aliza Rozen), l’une d’entre cette bande de joyeux drilles est en phase terminale d’un très douloureux cancer, et ses souffrances sont non seulement physiques, mais également morales, face à l’absence d’autonomie dans les gestes les plus intimes. Yana demande à Ezéchiel de l’aider à trouver une manière d’abréger les insupportables souffrances de son ami. Ezéchiel ne se fait pas trop prier pour mettre au point une machine qui délivrera un produit létal au moment voulu, sous l’action du malade lui-même, ce qui équivaut à mettre sur pied une vraie procédure de suicide assisté, illégal dans le pays et partout ailleurs, sauf dans des rares cas comme celui de la Suisse. (Cette machine, appelée « Deliverance » imaginée par le Dr. Philip Nitschke, a réellement existé).

Au milieu de quelques péripéties dont certaines sont vraiment amusantes et savoureuses (tel le running gag du policier qui les arrête à chaque retour de « mission », qui se méprend sur la nature de leurs pleurs à chaude larme, et qui se sent obligé d’effacer l’effraction constatée et l’amende qui va avec), le « gang » se met à l’œuvre, et aide leur ami et quelques autres à franchir le pas.

Le film, Fin de Partie, est sensible et respectueux, et montre bien à quel point l’équilibre est tendu entre le droit à mourir et le droit à vivre, entre les souhaits de l’entourage et ceux des malades, même si le traitement en comédie, dont on voit bien que l’objectif est de ne pas (trop) plomber le spectateur avec un sujet difficile, même si ce traitement a tendance à gommer l’horreur de l’acte du point de vue de ceux qui l’ont commis.

Seule Levana montre explicitement sa désapprobation et traite son mari et ses amis d’assassins. Elle fait office de contrepoint par rapport au ton général du film. Mais le personnage est partagé entre son éthique et sa propre condition, car Levana  est en train de développer la maladie d’Alzheimer, et la question de l’euthanasie / suicide lui devient personnelle dans une période où elle a encore la conscience du chemin douloureux qui l’attend. De même que pour Ezéchiel son mari, tout d’un coup le besoin de dignité exprimé par Levana n’est plus recevable…

Ainsi va le film, manichéen, démonstratif et surligné, pas très adroit, et pas très réaliste. Mais le ressort comique fonctionne vraiment, les acteurs dégagent un plaisir de jouer communicatif et on rit de bon cœur plus qu’à son tour. En revanche, l’euthanasie passe en arrière-plan, le film ne fait pas avancer le débat d’un cran, et au contraire le rend plutôt anecdotique. Un pari risqué et pas complètement réussi donc pour les deux réalisatrices.

Synopsis : Cinq pensionnaires d’une maison de retraite de Jérusalem, ne supportent plus de voir leur ami malade souffrir. A la demande insistante de son épouse, ils se décident à construire une « machine pour mourir en paix » qui conduira le pauvre homme vers l’au-delà. Mais forcer le destin ne se révèle pas si simple……

Fin de Partie : Bande annonce du film

Fin de Partie : Fiche Technique

Titre original : Mita Tova
Date de sortie : 03 Juin 2015
Réalisateur : Sharon Maymon, Tal Granit
Genre : Comédie, Drame
Année : 2014
Durée : 95 min.
Interprétation : Ze’ev Revach (Ezéchiel), Levana Finkelshtein (Levana), Aliza Rosen (Yana), Ilan Dar (Dr. Daniel), Raffi Tavor (Raffi Segal), Yosef Carmon (Carmon),Hilla Sarjon (Noa)
Scénario : Sharon Maymon, Tal Granit
Musique : Avi Belleli
Photographie : Tobias Hochstein
Montage : Einat Glaser-Zarhin
Nationalité : Allemagne, Israël
Producteur : Moshe Edery, Leon Edri, Osnat Handelsman-Keren, Thanassis Karathanos, Talia Kleinhendler, Haim Mecklberg, Estee Yacov-Mecklberg
Maisons de production : Pie Films, 2-Team Productions, Twenty Twenty Vision Filmproduktion, United King Films, Pallas Film
Distribution (France) : Eurozoom