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Je suis un soldat est l’histoire de deux premières fois. Laurent Larivière signe ici son premier long métrage, directement sélectionné et présenté à Cannes dans la catégorie Un Certain Regard.

Mais c’est aussi la première fois qu’un rôle est directement écrit pour Louise Bourgoin. Dans les mots de Sandrine, la jeune femme qu’elle incarne à l’écran, l’actrice dit même retrouver des accents autobiographiques, presque documentaires. C’est que Je suis un soldat est un film ultra réaliste, noir, sans concession. Quelque chose dans son regard sur cette femme qui se bat ressemble étrangement à un film des frères Dardenne. L’héroïne y est en tout cas enfouie sous des vêtements informes, cheveux courts et tête haute, sans honte ni peur au milieu des hommes. Les hommes y sont tantôt violents, amoureux ou lâches, jamais dominants. Pourtant Laurent Larivière, contrairement bien souvent aux Dardenne, offre un horizon à son héroïne, un ailleurs possible.

Quand on la rencontre, Sandrine débarque chez sa mère et pense s’y réfugier quelques temps. Mais dans cette maison familiale, la mère recueille déjà la sœur de Sandrine, son mari et leur enfant. Eux aussi n’ont pas complètement résisté à la crise, alors l’homme s’use sur le chantier de leur future maison, rêve qui s’éloigne de plus en plus chaque jour. Dans cette maison-là, Laurent Larivière filme l’entraide, mais aussi la soumission à un statut social. On y voit une mère faire les comptes, s’agacer quand de l’argent est mal dépensé. Ce « drame » familial garde finalement assez peu d’intérêt, tant il banalise le portait de femme forte que Larivière dessine avant tout. La misère sociale est ici filmée de tous les côtés, la société stigmatisée, comme écrasant les plus demandeurs. Non, il ne faut pas être en demande quand on cherche un emploi, mais avoir à offrir, pouvoir se projeter dans la galère. Sandrine l’apprend à ses dépens. C’est comme ça qu’après des tentatives plus ou moins ratées, elle débarque dans le chenil de son oncle. Un oncle aussi proche du foyer familial qu’il semble en être exclu. C’est un homme complexe, déstabilisé face à la force de Louise Bourgoin, mais cherchant à la maîtriser, qu’on rencontre.

Quand revient la nuit …

C’est dans ce chenil que tout se joue. Sandrine s’y révèle en combattante, maîtrisant tous les aspects de ce qui ressemble un trafic de drogue. Forte, déterminée, elle se heurte à ce trafic de chiots venus de l’est comme on y traiterait des femmes venues du même espace géographique, pour vendre leurs corps au plus offrant. Souvent filmée dans des coins plus ou moins sordides, Laurent Larivière montre avant tout une femme qui ne se laisse pas faire. De nuit ou du moins dans la pénombre, elle négocie, ment, trafique et tente de garder la tête hors de l’eau. Impossible de baisser les bras, ce qu’elle a vu est trop immense, trop complexe. Elle se bat, mais est en même temps maintenue ici par ce qu’elle y a découvert. En parallèle, c’est chez un vétérinaire fragile, autre portrait d’homme à contre-courant, que Sandrine va faire de faux certificats de vaccinations. Cet homme-là se met à nu devant elle, littéralement et métaphoriquement, ce qu’elle ne fait (presque) jamais tout le long du film. Elle est toute de colère rentrée, « un bon petit soldat » comme celui du titre ou de la chanson de Johnny Hallyday (Quand vient la nuit) que l’on entend pendant le film. Obéissant à des règles, continuant de vivre malgré tout. Pourtant, elle s’autorise une sortie de route, en pleine crise, dans une scène glaçante où la colère rentrée, aussi bien celle de l’actrice que celle du personnage, explose.

Le film de Laurent Larivière manque encore d’un regard solide, plus pertinent sur ce monde social qu’on a tant filmé, tant regardé, décortiqué, sans jamais en proposer autre chose qu’un réalisme banal. Pourtant, il se détache par son portrait de femme combattante, qui n’a pas besoin de ressembler à un homme, qui écrit sa propre histoire, même si elle est entraînée par des forces plus grandes qu’elle. Il s’agit avant tout d’un film d’acteurs, car Louise Bourgoin s’y révèle comme on l’a rarement vue : impliquée toute entière par le corps, la fougue, le désir et la force. Lumineuse au milieu de la crasse ambiante, elle a à ses côtés des acteurs formidables, dont Jean-Hugues Anglade, loin des rôles de flics qu’ils incarnent à tour de bras depuis quelques années, tour à tour protecteur, trafiquant ou animal. C’est aussi ce personnage d’homme que le film révèle à lui-même. Car les soldats du film, ce sont tous ces gens qui n’ont presque rien, qui doivent se lever chaque matin pour ne rien gagner ou presque, qui doivent y croire, obéir, ne jamais dépasser les limites et qui n’ont aucun moyen de dire « stop », de sortir du rang. Le film leur rend un bel hommage, c’est déjà ça.

Synopsis : Sandrine, trente ans, est obligée de retourner vivre chez sa mère à Roubaix. Sans emploi, elle accepte de travailler pour son oncle dans un chenil qui s’avère être la plaque tournante d’un trafic de chiens venus des pays de l’est. Elle acquiert rapidement autorité et respect dans ce milieu d’hommes et gagne l’argent qui manque à sa liberté. Mais parfois les bons soldats cessent d’obéir. 

Bande annonce du film Je suis un soldat

Fiche technique – Je suis un soldat

France – 2015
Date de sortie : 18 Novembre 2015
Réalisation : Laurent Larivière
Scénario : Laurent Larivière, François Decodts
Interprètes : Louise Bourgoin, Jean-Hugues Anglade, Anne Benoit, Laurent Capelluto, Nina Meurisse …
Compositeur : Martin Wheeler
Directeur de la photographie : David Chizallet
Montage : Marie-Pierre Frappier
Production : Mon Voisin Productions, Saga Films, UMedia
Distributeur : Le Pacte

Philippe Garrel a une manière unique de parler des femmes, de l’amour, de l’amour et des femmes. Très peu de temps après le très beau « La Jalousie », tourné en noir et blanc avec l’immense Willy Kurant à la photo, voici déjà « L’ombre des femmes » tourné en noir et blanc avec le très grand Renato Berta à la photo.

Synopsis : Pierre et Manon sont pauvres. Ils font des documentaires avec rien et ils vivent en faisant des petits boulots. Pierre rencontre une jeune stagiaire, Elisabeth, et elle devient sa maîtresse. Mais Pierre ne veut pas quitter Manon pour Elisabeth, il veut garder les deux. Un jour Elisabeth, la jeune maîtresse de Pierre, découvre que Manon, la femme de Pierre, a un amant. Et elle le dit à Pierre… Pierre se retourne vers Manon parce que c’est elle qu’il aimait. Et comme il se sent trahi, il implore Manon et délaisse Elisabeth. Manon, elle, rompt tout de suite avec son amant. On peut supposer que c’est parce qu’elle aime Pierre…..

Un amour infini

C’est dire si l’exigence est intacte. Si le propos est presque invariablement le même, en revanche la forme du cinéma de Philippe Garrel progresse inexorablement vers l’épure, en s’appuyant sur des collaborations robustes et complices telles que celles des chefs opérateur les plus marquants du cinéma de qualité (Kurant et Renata donc, mais également le regretté William Lubtchansky sur deux de ses précédents films, également en noir et blanc : « Les amants réguliers », puis « La frontière de l’aube »).

Cette recherche de la beauté formelle va de pair avec la simplicité biblique du sujet. Manon (Clotilde Courau, à l’apogée de son art) et Pierre (insondable Stanislas Mehrar) vivent ensemble et travaillent ensemble, lui comme documentariste, elle comme scripte/monteuse. Ils s’aiment (« Travailler avec l’homme que j’aime et partager ses projets, quoi de mieux ? » dit le personnage de Clotilde Courau à sa mère), mais la passion se défile ; il a alors une maîtresse, elle prend un amant. Tout est annoncé dans le synopsis. Il n’y a rien de plus ni de moins que ce qui y est révélé déjà.

De fait, l’enjeu du film n’est clairement pas le suspense, mais le regard particulier que pose Philippe Garrel sur l’histoire de ces deux femmes, l’épouse et la maîtresse, mais aussi de cet homme monolithique qui vit sa vie d’homme comme dans un temps ancien, sûr de son fait et de son droit. (Pierre est un homme, il est infidèle comme il pense que les hommes ont le droit de l’être, dit en substance la voix off de Louis Garrel qui vient émailler le film d’un commentaire plutôt neutre qui apporte la touche romanesque au film de son père).

L’amour est un sujet que Philippe Garrel ne cherche jamais ni à embellir ni à enlaidir ; il est une souffrance, une passion comme des tas de générations passées l’ont toujours écrit, clamé, chanté. La beauté de ce qui circule entre Pierre et Manon est simple et émouvante ; en particulier, une scène dans la cuisine un soir, où Pierre offre un bouquet de fleurs à Manon après avoir couché avec sa maîtresse Elisabeth (Lena Paugam): une scène d’une vérité et d’une beauté bouleversantes, illuminée par le sourire un peu douloureux de Manon, le sourire d’une femme qui se sent ou qui se sait trompée, mais qui accepte le bouquet de fleurs du coupable infidèle au nom de l’amour malgré tout. L’amour donc est au centre du film, mais également la jalousie, la douleur de l’absence, le désir et le besoin d’être désiré(e). Toutes sortes de thématiques maintes fois travaillées au cinéma, mais rarement comme Philippe Garrel le fait, à savoir au cœur, à l’os du sujet, sans aucune surcouche pour nous en détourner, ni à nous en distraire.

L’Ombre des femmes dont il est question dans le film est une ombre « vertueuse », une ombre qui protège Pierre de toute action, de toute réaction. Les femmes y sont à l’honneur : fortes et volontaires, amoureuses et honnêtes, ce qui n’est pas toujours le cas de Pierre. D’aucuns disent que c’est son film le plus féministe. Pour autant, le regard de Philippe Garrel sur Pierre n’est pas forcément négatif ; ce dernier semble en effet dire : « voilà, sans toi, la Femme, je suis perdu, je ne sais pas faire », et la seule fois où on le voit sourire, sourire vraiment, est dans cette scène d’étreinte finale, de complicité retrouvée, de soulagement intense de pouvoir s’appuyer à nouveau sur Manon.

« L’Ombre des femmes » est infiniment intemporel, se déroulant dans un Paris inconnu, secret et légèrement suranné, que le noir et blanc de Renato Berta irradie d’une lumière argentée, conférant un côté légèrement onirique au métrage. Comme à son habitude, Philippe Garrel prend grand soin de ses cadrages, et même s’il s’inscrit encore et toujours dans la Nouvelle Vague, notre enchantement est sans cesse renouvelé par la beauté de ses films.

L’interprétation de « l’ombre des femmes » est dominée par Clotilde Courau qui tient là son meilleur rôle. Un sourire qui apporte l’exaltation sans la niaiserie, et qui permet de prendre toute la mesure de l’amour qu’elle a pour Pierre, mais également de toute la douleur de ne pas sentir en retour l’affection dont pourtant les deux s’accordent à reconnaître la réalité.

Lena Paugam apporte joliment la fraîcheur, et l’idée que c’est cette fraîcheur qui attise le « plaisir de la chair » comme dit la voix off.

Stanislas Mehrar enfin, est parfait dans le rôle de cet homme désirable et bourru, un peu hors d’âge, un peu maladroit et qui vit avec bonheur dans l’ombre de ses femmes.

L’Ombre des femmes de Philippe Garrel – Bande-annonce

L’Ombre des femmes : Fiche Technique

Titre original : –
Date de sortie : 27 Mai 2015
Réalisateur : Philippe Garrel
Genre : Drame
Année : 2015
Durée : 73 min.
Interprétation : Clotilde Courau (Manon), Stanislas Merhar (Pierre), Lena Paugam (Elisabeth), Vimala Pons (Lisa), Mounir Margoum (l’amant de Manon)
Scénario : Philippe Garrel, Caroline Deruas-Garrel, Jean-Claude Carrière, Arlette Langmann
Musique : Jean-Louis Aubert
Photographie : Renato Berta
Montage : François Gédigier
Nationalité : Suisse, France
Producteur : Saïd Ben Saïd, Michel Merkt, Olivier Père
Maisons de production : SBS Production, Arte
Distribution (France) : SBS distribution

La première impression que l’on a du film, Le Troisième Homme, c’est sa musique, signée Anton Karas, un air entêtant joué à la cithare et qui reste en mémoire pendant longtemps. Cet air va accompagner une histoire désabusée, cynique et qui refuse toutes les facilités habituelles du genre.

Synopsis: le romancier Holly Martins arrive à Vienne pour rejoindre son ami Harry Lime. Il apprend vite que celui-ci a été tué, officiellement dans un accident de la circulation.

Vienne et les égouts de Babel
Quel meilleur choix que la ville de Vienne pour détruire tout romantisme. Le film se déroule à la fin de la Seconde Guerre Mondiale et la capitale autrichienne subit le même sort que Berlin : elle est divisée en quatre zones (américaine, anglaise, française et russe). Une scène, à la fin du film, nous montre un personnage pourchassé par les différentes polices dans les égouts. Des ordres de langues différentes sont hurlés de chaque côté et les égouts se transforment en une sorte de Babel paradoxale (paradoxale parce que, au lieu de s’élever vers le ciel, elle s’enfoncerait sous terre). À travers les ruines de la ville, l’incompréhension est de rigueur, et notre brave Holly Martins (Joseph Cotten) en est la première victime. Il ne comprend pas un mot d’allemand, ce qui renforce encore son sentiment d’être perdu. Ainsi, dans une fort belle scène, il est accusé par une foule mais, comme il ne comprend rien à ce qui se dit, il reste au milieu et ne réagit pas.

Holly Martins, anti-héros
Il faut dire que Martins ne comprend pas grand-chose. Rarement personnage principal aura autant été un anti-héros (il faut dire que le film se démarque par son absence complète de figure héroïque). Écrivain raté et sans le sou, il se laisse constamment porter par les événements et ne contrôle absolument rien. Le rythme, qui connaît parfois des accélérations, et le montage ne cessent de nous présenter Martins comme un personnage qui perd pied, comme dans ce taxi qu’il prend en espérant pouvoir aller à la police et qui l’emmène à un congrès d’écrivain, bien contre sa volonté.
Martins est toujours là où il ne faut pas et, quand, par le plus grand des hasards, il se trouve au bon endroit, alors il ne parvient pas à comprendre ce qui arrive. Pendant une fusillade, il se place sur la trajectoire des balles. Il cause indirectement la mort d’un policier. Il tombe, ou se fait presque renverser par une voiture, etc.
Même comme écrivain, il est pitoyable. Il ne parvient pas à lire le texte d’une pièce de théâtre, il ruine complètement un congrès d’écrivain par son absence de charisme et la nullité de ses réponses, il ne sait même pas qui est James Joyce…

Harry Lime et le cynisme
À l’opposé de Martins, il y a cet Harry Lime qui est au cœur du film. En effet, plus on enquête sur sa mort, plus on découvre le personnage. Un héros pour Anna, dont il était l’amant et qu’il aide à rester illégalement à Vienne, ou un criminel pour la police, il semble en tout cas quelqu’un qui réussit tout ce qu’il entreprend. Y compris dans le trafic.
Parce que Vienne partage avec Babel une autre particularité : elle est devenue la capitale du marché noir. Dans ce monde en ruines où il est quasiment impossible de se procurer de quoi vivre, la combine est devenue un art de vivre. Et plusieurs personnages insistent sur le thème : « j’ai fait des choses qui auraient semblé inconcevables avant-guerre » dit l’un ; « ce n’est guère avouable mais il faut parfois enfreindre la loi » affirme un autre. Et voilà notre Troisième Homme qui décrit un monde où la fin justifie les moyens. Un monde cynique et qui ne cache plus son cynisme.

Orson Welles et Carol Reed
Sur un scénario du romancier Graham Greene et d’Alexandre Korda, le film est remarquable à de nombreux points de vue. Sa réalisation fait de Vienne un monde baroque inquiétant. Ombres gigantesques, cadrages obliques : l’aspect visuel est très travaillé et fait penser à l’expressionnisme allemand. Certains plans peuvent même se lire comme des références directes à M. le Maudit de Fritz Lang (le vendeur de ballons, par exemple).
Mais l’influence la plus forte est incontestablement celle d’Orson Welles. Même si, officiellement, il n’est qu’acteur du film, il semblerait qu’il ait participé à l’écriture du scénario et au tournage de certaines scènes. Quoi qu’il en soit, le film porte sa marque, aussi bien sous l’aspect visuel que par son histoire, cette enquête sur une impossible vérité qui paraît insaisissable (comme dans Mr. Arkadin, par exemple).
Le Troisième Homme est un grand film, complexe dans sa construction, maîtrisé, doté de grandes qualités visuelles et d’un casting exceptionnel. Et s’il paraît parfois un peu maladroit, c’est pour mieux coller à son personnage principal.

Le Troisième homme : Bande-annonce

Fiche technique – Le Troisième Homme

Titre original The Third Man
Date de sortie : 31 août 1949
Nationalité : Royaume Uni
Réalisation : Carol Reed
Scénario : Graham Greene, Alexandre Korda
Interprétation : Joseph Cotten (Holly Martins), Alida Valli (Anna), Trevor Howard (Calloway), Bernard Lee (Paine), Orson Welles
Musique : Anton Karas
Photographie : Robert Krasker
Décors : Dario Simoni
Montage : Oswald Hafenrichter
Production : Carol Reed, Alexander Korda, David O. Selznick
Société de production : London Film Productions
Société de distribution : British Lion Film Corporation
Budget : NR
Genre : thriller, espionnage
Durée : 104’