LeMagduCiné

Synopsis : John, encore adolescent, rentre chez son père après avoir purgé sa peine de prison et aspire à un nouveau départ. Mais la communauté locale n’a ni oublié, ni pardonné son crime. Sa présence attise les pires pulsions chez chacun, l’atmosphère devient menaçante, proche du lynchage. Rejeté par ses anciens amis et abandonné par ses proches, John perd espoir et la violence qui l’a conduit en prison refait peu à peu surface. Dans l’impossibilité d’effacer le passé, il décide d’y faire face…

Crime et châtiment

Brassant des thèmes et des genres différents, le nouveau cinéma scandinave, voire nordique, est pourtant reconnaissable à ce je-ne-sais-quoi de légèrement mélancolique, à la fois comme absent à lui-même et laissant des traces profondes auprès du spectateur. La même mélancolie mêlée de violence psychologique chez les Norvégiens Joachim Trier et son magnifique Oslo 31 Août, ou Eskil Vogt et son Blind, chez le Suédois Ruben Östlund et son Snow Therapy, et même dans une certaine mesure chez le Danois Anders Thomas  Jensen dont on a pu voir récemment Men & Chicken, et donc ici, chez Magnus von Horn, avec ce premier long-métrage, le Lendemain –au passage une étrange traduction d’un titre suédois plus explicite, Efterskalv, qui signifie littéralement « après le choc» au sens de la réplique, d’un séisme.

Le Lendemain commence sur la « libération » de John (Ulrik Munther, un jeune chanteur pop rock adulé par la jeunesse de son pays), un ado qui quitte un centre fermé dont le nombre d’impressionnants cliquetis de clés et de serrures nécessaires pour le ramener au dehors montre qu’il ne s’agit pas d’un enfermement anodin ni anecdotique. De fait on apprend assez rapidement qu’il a fait quelque chose de terrible, un meurtre, à peine évoqué dans le film, puisque le propos du réalisateur est ce fameux lendemain, le retour de John parmi les siens, sa famille et ses anciens camarades du lycée, très hostiles à cette idée et visiblement encore retournés par les évènements qui se sont produits. Tout le contraire d’une libération, en somme.

Plus précisément, le thème central du film est la solitude de John, face à lui-même surtout, face à l’impossible pardon qu’il ne pourra jamais se faire, mais également face à la terrible deuxième peine qu’il subit de toutes parts. Malgré une absence relativement courte, tout est devenu impossible pour lui. Même un chahut fraternel avec son petit frère Filip, pourtant impatient de le retrouver, devient lourd de sous-entendus. Martin (Mats Blomgren, impressionnant de froideur), le père de John, s’évertue dans une sorte de déni, à reprendre la vie de la ferme familiale là où elle s’est arrêtée : il apprend à son fils à conduire le tracteur ou la voiture, ils vaquent aux travaux des champs, mais il est glaçant de voir combien son cœur n’y est pas, combien il se tient à grande distance de ce fils fautif, combien peut-être il n’arrive plus à l’aimer. Au lycée, John est l’objet d’un violent ostracisme érigé quasiment en système, puisque même l’administration ne cache pas son appréhension et son embarras face à ce retour.

Bien que tourné en Suède, le pays d’origine de Magnus von Horn, Le Lendemain montre en plus de sa « froideur » suédoise le minimalisme de certains films polonais, la Pologne étant son pays d’adoption (Magnus vit en Pologne après y avoir fait ses études de cinéma). Il fait penser en particulier au récent Ida de Pawel Pawlikowski, puisque c’est Lukasz Zal, le chef opérateur d’Ida qui est derrière la caméra du Lendemain. On retrouve la même discrétion de la caméra sur des paysages bleutés et paisibles, en grande contradiction avec la violence des situations qui sont montrées dans le film. Car au-delà de ce thème central, Magnus von Horn tisse tout un ensemble de relations masculines qui ont pour point commun leur violence. Martin avec ses fils, Martin avec son père, ce dernier également violent malgré l’âge et de lourdes pathologies, les camarades de John ; jeunes hommes et hommes plus âgés semblent tous dépossédés de leur part émotionnelle pour ne réagir à la vie que par une violence et une attitude généralement passive-agressive. Et sans être aucunement manichéen, le cinéaste leur oppose des figures féminines très empathiques – à défaut d’une figure maternelle dont l’absence dessine peut-être en creux la fragilité de John – une proviseure bienveillante (épatante Ingrid Nillson, inoubliable Fifi Brindacier), une camarade  de classe, la seule à voir en lui autre chose qu’un criminel, une prof qui le défend et le protège de la barbarie des autres…Pas de manichéisme, donc, mais une profession de foi que Magnus von Horn répète à l’envi quant à sa perception de la violence des hommes.

Tout comme Echo, le premier court-métrage du réalisateur qui fait penser à Michael Haneke dans sa froideur clinique face déjà à la violence d’adolescents, Le lendemain est un film intelligent qui parle de l’humanité , celle d’un petit criminel comme John, ou celle d’autres jeunes de la petite communauté villageoise, à leur tour à deux doigts du crime, aussi bien que celle de la société dans son ensemble, une société bien compliquée que le cinéaste recompose à petite échelle dans le bureau de la proviseure après qu’un soir, les choses sont allées trop loin : un concentré de cynisme et de duplicité, de culpabilité, mais aussi de déni, voire de l’indifférence au travers de l’absence de certains protagonistes à cette réunion. Comme si le cinéaste au travers de ce dispositif voulait nous présenter à nous-mêmes tels que nous sommes, le tout toujours avec la bonne distance, en laissant le spectateur poser son regard où il lui semble nécessaire de le poser, et en le laissant libre de s’identifier à l’un ou l’autre des personnages de cette fameuse scène. Le lendemain est un très beau film à côté duquel le cinéphile ne doit pas passer…

Le lendemain : Bande annonce

Le lendemain : Fiche technique

Titre original : Efterskalv
Réalisateur : Magnus von Horn
Scénario : Magnus von Horn
Interprétation : Ulrik Munther (John), Mats Blomgren (Martin), Stefan Cronwall (Grannen), Loa Ek (Malin), Alexander Nordgren (Filip), Felix Göransson (Korv-Hannes), Oliver Heilmann (Kim), Sven Ahlström(le père de Kim), Wieslaw Komasa (Grand-Père), Ellen Mattsson (Bea), Inger Nilsson (La proviseure), Cecilia Wilhelmsson (la prof de gym)
Photographie : Lukasz Zal
Montage : Agnieszka Glinska
Producteurs : Madeleine Ekman, Sophie Erbs, Mariusz Wlodarski
Maisons de production : Cinémadefacto (France), Lava Films, Zentropa International SwedenFilms
Distribution (France) : Nour Films
Récompenses : Guldbagge award (Académie suédoise) pour : meilleur film, meilleur réalisateur, et Mats Blomgren dans un meilleur second rôle
Budget : ND
Durée : 141 min.
Genre : Drame
Date de sortie : 1^er Juin 2016
Suède, Pologne, France – 2014

Après Les Opportunistes en 2014, Paolo Virzi filme de nouveau Valeria Bruni Tedeschi dans un rôle taillé sur mesure pour elle. Dans Folles de joie, le réalisateur ose le choix du bonheur, là où beaucoup auraient préféré la morosité du quotidien d’une institution où sont réunies des femmes sujettes à la folie.

Synopsis : Beatrice est une mythomane bavarde au comportement excessif. Donatella est une jeune femme tatouée, fragile et introvertie. Ces deux patientes de la Villa Biondi, une institution thérapeutique pour femmes sujettes à des troubles mentaux, se lient d’amitié. Une après-midi, elles s’enfuient bien décidées à trouver un peu de bonheur dans cet asile de fous à ciel ouvert qu’est le monde des gens « sains».

Elles s’en vont 

Ici, il confronte deux personnages que tout semble opposer, comme en miroir, dont le cinéma raffole comme pour mieux les rapprocher à l’écran. Résultat, Folles de joie est un concentré de dinguerie, de douceur et de tendresse, sans oublier de pointer leurs failles de ses personnages. Les femmes, et plus spécifiquement Valeria Bruni Tedeschi, y mènent la danse dans un ballet barré et coloré où la caméra virevolte sans cesse au gré des désirs et des coups de tête des personnages.

« Il en faut peu pour être heureux »

Les deux actrices principales sont presque bluffantes tant elles offrent à leurs personnages ce qu’il faut de folie douce et d’humanité pour que l’on s’attache d’emblée à elles. Mais dans cette farce du bonheur recherché à tout prix, le monde censé être rationnel se confronte à ces femmes qui ne rentrent dans aucune case, et ceux qui s’y heurtent paraissent alors vraiment dingues, eux aussi. Avec une trame proche du Meurtrières de Grandperret, Virzi ajoute ce qu’il faut de drôlerie pour nous transporter dans son univers. Les deux femmes évoquent également, au volant d’une voiture à l’ancienne, Thelma et Louise. A ce jeu-là, Valeria Bruni Tedeschi excelle dans le rôle de Beatrice, une affabulatrice, vouée entièrement à la joie. Prête à s’embarquer dans n’importe quelle aventure, elle choisit la plus paumée des pensionnaires pour se « socialiser » comme on le lui a demandé. A la première occasion, elles prennent la poudre d’escampette pour aller vers une quête de l’acceptation, celle de s’apaiser pour continuer à tourner sur cette Terre remplie de folie. L’énergie de Beatrice traverse l’écran et envahit tout entier le spectateur, l’aphasie de sa comparse finit par y céder elle aussi. Le film est comme un petit traité du bonheur, une gourmandise qui parvient aussi à nous toucher. Pas un grand film, mais une petite pépite de drôlerie qui n’oublie pas de regarder la vérité en face et nous donne envie de faire tomber les masques et de se secouer pour être simplement heureux. 

Folles de joie : Bande-annonce

https://www.youtube.com/watch?v=IZk_wA-nqkE

Folles de joie : Fiche Technique

Réalisation : Paolo Virzì
Scénario : Paolo Virzì,Francesca Archibugi
Interprétation : Valeria Bruni Tedeschi, Micaela Ramazzotti, Bob Messini, Sergio Albelli, Tommaso Ragni, Marisa Borini
Photographie : Vladan Radovic
Montage : Cecilia Zanuso
Musique : Carlo Virzì
Costumes : Katia Dottori
Producteurs : Marco Belardi, Philippe Gompel, Birgit Kemner
Distribution (France) : Bac Films
Durée : 127 minutes
Genre : Comédie dramatique
Date de sortie : 8 juin 2016

Italie – 2016

En pleine tempête, Alice tente de redresser la barre. Non, ce n’est pas une métaphore quelconque mais bien la première scène du film, qui a un arrière-goût de Pirates des Caraïbes.

Synopsis : Retour au Pays des Merveilles pour Alice ! Le Chapelier Fou fait appel à son amie pour retrouver ses parents, persuadé qu’ils ne sont pas morts. Pour mener à bien cette mission, Alice va devoir faire appel à un puissant outil : la Chronosphère, jalousement gardée par le Temps.

L’Éternel Retour

Étrange similitude entre Elizabeth Swann et Alice Kingsley. Toutes deux capitaines, toutes deux ont un rapport avec la Chine… on s’attendrait presque à voir surgir Jack Sparrow. Mais non, nous ne sommes pas dans la bonne histoire. Disney tient à innover. On l’a vu avec Star Wars 7, mais également avec les super-héros ou encore les multiples adaptations live de ses dessins animés désormais has been. La machine est en marche, prêt à nous délivrer ses produits formatés. Il faut dire que les plats micro-ondés se vendent toujours aussi bien, même si tout le monde sait que ce n’est pas vraiment ce qu’il y a de meilleur, loin de là. Alors, roi du réchauffage, Disney tient tout de même à changer l’emballage, puisque le papa du premier opus, sorti il y a six ans, à savoir l’ancien génie Burton (qui lui nous sert un plat réussi sur trois, se laissant aller un peu trop sur la sauce par moment), n’est plus derrière la caméra (mais pas trop loin derrière puisqu’il est producteur). Le nouveau chef-tambouille de Alice De l’autre Côté du Miroir se nomme James Bobin. Si son nom ne vous dit rien, vous en entendrez très certainement parler très prochainement, avec son prochain chef d’œuvre : MIB 23, le fameux crossover entre Men in Black et 21 Jump Street (autant vous dire qu’à CinéSéries-Mag, on l’attend de pied ferme). Mais parlons du film, et trouvons des choses à dire.

Pas question d’aborder la question de l’adaptation de l’œuvre de Lewis Caroll puisque ce film comme le précédent la piétine sans considération et l’assume joyeusement. Alice revient donc au Pays des Merveilles guidée par Absolem (l’occasion d’entendre les derniers éclats de voix d’Alan Rickman). Elle découvre un monde où le Chapelier Fou est nostalgique de ses parents, tués par le Jabberwocky (qui ne parle pas dans ce film-ci, mais nous pensons à Christopher Lee qui en assurait le doublage). La seule solution pour Alice est de remonter le Temps, dans un but incertain puisqu’elle ne doit pas modifier le passé sans quoi le monde est perdu (classique). Nouveau venu dans la famille, la personnification du Temps, interprété par Sacha Baron Cohen (grand copain de James Bobin), est l’occasion non seulement de faire tout un tas de jeux de mots sur le sujet (plaisants au début, ils deviennent très vite pénibles) mais également d’essayer d’entamer une réflexion sur le temps et la portée de nos actes. Alice et ses amis vont ainsi naviguer entre le présent et le passé et on découvrira le passé trouble des gens du Pays des Merveilles, à savoir le Chapelier mais également celui des deux sœurs Mirana et Iracebeth, respectivement Reine Blanche et Reine Rouge.

Il y a des différences dans l’histoire et dans le schéma narratif par rapport aux autres films, dire le contraire serait mentir. Mais tout est prévisible car on connaît déjà la morale et la fin de l’histoire. Il n’y a aucune émotion puisque les scènes de tensions ou d’inquiétudes sur l’avenir des personnages tombent à l’eau et deviennent pesantes. Le jeu des comédiens est lui, plutôt bon, et ceux qui évoqueront le sur-jeu et la caricature seront dans le vrai, puisque c’est bien la caractéristique principale de ce monde merveilleux. Le meilleur rôle revient à Helena Bonham Carter en Reine Rouge, encore une fois à l’aise malgré sa grosse tête. En parlant de tête, celle du Chapelier Depp ne se montre pas trop, et c’est tant mieux. Les décors respectent l’imagerie visuelle du film de Burton, tout comme la musique (toujours composé par Danny Elfman) qui reprend les mêmes thèmes. Au passage, la 3D est trop peu exploitée, si tant est qu’elle n’ait jamais eu un intérêt. Le seul bon moment du film est celui, vers la fin, de la poursuite à travers la Mer des Souvenirs, visuellement prenante mais trop courte.

La scénariste de Mulan et de Maléfique (et du Alice de 2010) a pensé à distiller des leçons à tirer de ce long-métrage. Elle dépeint une Alice féministe, affirmée dans le monde masculin. Malheureusement, cette problématique est distillée dans seulement trois scènes (respectivement au début, au milieu et à la fin), trop peu intégrée au récit pour ne pas être bateau. L’autre leçon, celle de croire en ses rêves, à cœur vaillant rien d’impossible et j’en passe. Il y a quelque chose de prophétique dans ce film, qui en filigrane évoque la mort et les rêves perdus. Dommage que l’ode à la rêverie voulue par Disney ne soit qu’une perte de temps. Il nous faut répondre à la question que tout le monde se pose : Alice De l’autre côté du miroir est-il meilleur ou moins bon que Alice au Pays des Merveilles ? Cela revient à comparer deux boîtes de conserve. Jean-Pierre Coffe nous aurait dit « Peu importe, c’est de la merde ». Alors non, nous n’utiliserons pas de tels mots pour qualifier le film. Simplement, le long-métrage de James Bobin ressemble aux autres films Disney, pas totalement. La seule différence réside dans ce qu’il y a d’écrit sur la boîte de conserve, et dans vos préférences de goût à la rigueur. Au final, elles auront toutes la même saveur.

Alice De l’autre côté du miroir : Bande-annonce

Alice De l’autre côté du miroir : Fiche Technique

Réalisation : James Bobin
Scénario : Linda Woolverton d’après l’oeuvre de Lewis Caroll
Interprétation : Mia Wasikowska (Alice), Johnny Depp (Le Chapelier), Helena Bonham Carter (La Reine Rouge), Anne Hathaway (La Reine Blanche), Sacha Baron Cohen (Le Temps)
Image : Stuart Dryburgh
Montage: Andrew Weisblum
Musique: Danny Elfman
Costumes : Colleen Atwood
Décor : Dan Hennah
Superviseur des effets spéciaux : Neil Corbould
Superviseur des effets visuels : Ken Ralston
Producteur :  Tim Burton, Joe Roth, Suzanne Todd et Jennifer Todd
Société de production : Walt Disney Pictures, Tim Burton Productions, Roth Films, Team Todd
Distributeur : Walt Disney Studios Distribution
Durée : 113 minutes
Genre: Fantastique, Fantasy
Date de sortie : 1er juin 2016

Etats-Unis – 2016

Le conflit afghan étant l’un des rares dans lesquels s’est impliqué le Danemark en ce début de millénaire, il n’est pas étonnant qu’il soit devenu, après les très bons Brothers (Susanne Bier, 2004) ou encore Armadillo (Janus Metz Pedersen, 2010), également le contexte choisi par Tobias Lindholm en s’attaquant au film de guerre.

Synopsis : Claus Michael Pedersen est à la tête d’une équipe de patrouilleurs de l’armée danoise postée en Afghanistan. Bien que tourmenté par l’idée de ne pas savoir quand il reverra sa famille, il reste un soldat consciencieux. Le jour où son équipe tombe dans un traquenard, il est contraint de recourir à un soutien aérien. Une décision qui lui vaudra d’être trainé devant les tribunaux, accusé d’avoir accidentellement tué  des civils.

D’autre part, on peut remarquer que depuis une dizaine d’années, et en particulier le succès de Démineurs (Kathryn Bigelow, 2008), la tendance de ce genre si calibré est de confronter le quotidien de ses héros sur le champ de bataille et au sein de leur famille, insistant ainsi davantage qu’auparavant sur le traumatisme du retour à la vie civile. Le schéma narratif qu’adopte le réalisateur est dès lors sans véritable surprise : une première moitié sur le front, une seconde à la maison. Mais A War ne se contente pas, comme American Sniper ou Du sang et des larmes, d’illustrer la façon dont son personnage peut acquérir son statut de « héros de la patrie » en réussissant à cumuler ses deux casquettes, celle de soldat et de père de famille. Le film met en place une interrogation morale qui dépasse la seule intériorité de cet homme pour aller questionner le bien-fondé même de cette guerre. L’absence de parti-pris vis-à-vis des règles déontologiques sera tout de même contrebalancée par la mise en place d’une indéfectible empathie envers le personnage de Claus.

Reconnu pour l’austérité naturaliste de sa mise en scène, le réalisateur nous livre, dans la première partie de son film, une vision saisissante des vastes plaines afghanes –en réalité filmées en Turquie. Débutant son récit par une scène assez violente, il nous plonge aussitôt dans un état de pression qui n’est pas sans rappeler son précédent film Hijacking, déjà porté par l’excellent Pilou Asbæk. Une tension qui va toutefois vite redescendre, sacrifiée sur l’autel du minimalisme. Ce choix ne permet en effet pas de rendre état d’actes de guerre plus spectaculaires que celui dans lequel un taliban –le seul que l’on verra d’ailleurs à l’écran– se fait descendre à distance, une exécution filmée de façon à nous prendre aux tripes. A noter également, la maitrise du mixage son dans cette mise en scène immersive. Cette recherche de réalisme et d’humanisation des enjeux militaires est prolongée via l’alternance avec des passages consacrés aux difficultés de la femme de Claus pour élever seule leurs trois enfants. Des scènes qui s’avèrent pertinentes dans le parallèle qui y est fait entre l’immaturité de ce fils perturbé au point de s’exprimer grâce à la violence gratuite et l’absurdité intrinsèque aux efforts vains de la mission de pacification dans laquelle s’est embrigadé son père. Venant clore cette première partie à la précision quasi-documentaire, la brutale scène de la fusillade apparait comme une surprise, tant pour les soldats que pour les spectateurs. De ce fait, cette rupture de rythme incongrue se révèle être un effet de mise en scène ingénieux qui sera accentué par le passage à un montage  bien plus découpé que les plans séquences qui l’ont précédé, et par l’emploi d’un hors-champ oppressant, qui nous font parfaitement partager la désorientation de notre héros dans ce bourbier.

La seconde partie du film se voudra plus austère encore, limitant quasiment l’action à deux décors : le foyer et le tribunal. Toutefois, c’est dans cette partie que le réalisateur va s’avérer le plus maladroit. D’abord avec l’utilisation soudaine de la musique dans les dernières minutes ; celle-ci ayant été jusque-là totalement absente, son apparition donne à la conclusion une impression d’effet larmoyant de mauvais gout. Mais le plus gros souci que Tobias Lindholm rencontre dans ce qui apparait alors comme un thriller judiciaire est de rendre compte, comme il avait pu le faire dans sa peinture des champs de bataille, de la tension psychologique à laquelle est soumis son personnage. Celle-ci en est réduite à des gros plans sur les regards que s’échangent les personnages lors du procès et bien sûr quelques dialogues entre Claus et sa femme. On pourrait alors affirmer que la mise en scène de Lindholm trouve ses limites dès l’instant où la caméra embarquée n’est plus de rigueur. Si encore ces scènes de tribunal ne souffraient pas d’un manque de d’intensité, cette partie aurait pu se suffire à elle-même pour appuyer le propos moral du scénario. Mais ce qui l’a précédé pose obligatoirement le public dans une position de défense de Claus alors que l’inextricable ambiguïté déontologique à laquelle sont confrontés les juges aurait été plus intéressante à explorer que la seule peur de l’accusé d’être à nouveau séparé des siens. La façon dont est construit le récit nuit par conséquence à la portée de son propre discours.

La réalisation âpre et immersive de Tobias Lindholm a beau être source d’une peinture remarquable d’un conflit armé qui semble irrésoluble, A War souffre d’un manque de maitrise lors des scènes plus intimistes et des joutes verbales entre juristes. Or, ces deux éléments auraient pu en faire un plaidoyer efficace contre les contradictions de ce que l’on attend des soldats qui y sont envoyés, et les conséquences psychologiques que cela a sur eux à long terme.

A war : Bande-annonce

A War : Fiche technique

Titre original : Krigen
Réalisation : Tobias Lindholm
Scénario : Tobias Lindholm
Interprétation : Pilou Asbæk (Claus Michael Pedersen), Tuva Novotny (Maria Pedersen), Dar Salim (Najib Bisma), Søren Malling (Martin R. Olsen), Charlotte Munck (Lisbeth Danning), Dulfi Al-Jabouri ( Lutfi Hassan)…
Photographie : Magnus Nordenhof Jønck
Montage : Adam Nielsen
Direction artistique : Burak Yerlikaya
Producteurs : Rene Ezra, Tomas Radoor
Société de production : Nordisk Film
Récompenses : Nomination à l’Oscar 2016 du meilleur film étranger
Distribution (France) : StudioCanal
Durée : 114 minutes
Genre : Guerre, drame
Date de sortie : 1er juin 2016

Danemark  – 2015