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Le site de streaming Fullscreen se lance dans la création de séries et fait pour cela appel à l’auteur américain Bret Easton Ellis ( Les lois de l’attraction, American Psycho) pour nous offrir The Deleted. Mêlant une intrigue mystérieuse avec un témoignage d’une jeunesse désabusée et perdue, cette très courte série reprend bien des ingrédients habituels des oeuvres de Bret Easton Ellis.

Auteur subversif s’il en est, comme en témoignent ses romans à succès tels que Moins que zéro et American Psycho, Bret Easton Ellis est également un grand cinéphile. Après avoir écrit le scénario du film de Paul Schrader, The Canyons, il n’est pas étonnant de voir l’écrivain passer pour la première fois derrière la caméra. Certes ce ne sera pas sur le grand écran, mais pour une série que Bret Easton Ellis va prendre la triple casquette showrunner/réalisateur/scénariste. C’est le site de streaming peu connu Fullscreen qui va lui offrir cette chance, et permettre à sa série The Deleted d’être diffusée aux Etats-Unis.

Youthorama

Pour peu qu’on soit familier de l’œuvre de Bret Easton Ellis, The Deleted ne va pas nous emmener dans des terrains inconnus. On y suit donc un groupe de jeunes personnes, toutes belles et superficielles, que l’on peut facilement rapprocher avec les protagonistes de ses premiers livres Moins que zéro et Les lois de l’attraction. Ces jeunes gens vont évoluer dans un Los Angeles ensoleillé au magnifique ciel bleu. Encore une fois, on reste dans un univers typique de Ellis. La cité des anges est une véritable carte postale et va être un cadre propice aux déambulations et errances de ses protagonistes rongés par un certain mal intérieur. Bien évidemment sexe, drogue et violence seront de la partie comme dans tous bons récits de Bret Easton Ellis.

The Deleted se démarque par son format très particulier. En effet, la série est particulièrement courte, seulement 8 épisodes dont la durée oscille entre 12 et 15 minutes. Cela laisse très peu de temps pour bien instaurer son récit et développer les personnages. Ellis s’en sort avec les honneurs même si on ressent assez vite un manque de substance. Le pilot est par ailleurs assez confus. Les personnages se succèdent très rapidement, les scènes de sexe sont nombreuses et on a du mal à voir un semblant d’histoire dans ces 15 premières minutes. Ellis va cependant réussir à instaurer un certain mystère dans les épisodes suivants, on remarque deux groupes qui se détachent. L’un est composé de cinq personnes : Ryder, Logan, Garrett, Mason et Agatha. Ces jeunes gens ont réussi à s’enfuir d’une sorte d’institut énigmatique. L’autre groupe est composé de Parker et Breeda qui eux semblent encore faire partie de cet institut/secte et essaient de remettre la main sur les fugitifs.

Si il y a bien une chose qui se dégage de tous ces personnages, c’est le mal-être qu’ils ressentent, et notamment pour les 5 « fugitifs ». Plus encore, on dirait que leurs émotions semblent avoir disparu. Garrett passe son temps à se scarifier dans l’espoir de ressentir quelque chose, Mason et Agatha enchaînent les parties de jambes en l’air. Seul Ryder semble être encore lucide et arrive à prendre son destin en main. Logan quant à lui est l’instigateur de cette fuite, et se trouve dans le même état d’esprit que ses camarades, mais reste à l’écart, et n’entre pas en contact avec eux. De leur côté Parker semble vivre une belle vie, et Breeda ressemble à un Terminator dont les émotions n’ont jamais existé. Ces différents comportements contribuent à épaissir de plus en plus le mystère autour de cet institut dont les 5 jeunes gens se sont échappés.

Moins que quinze

Malgré ce petit mystère qui enveloppe toute la saison, la série peine à convaincre réellement, et sa courte durée est un avantage à ce point. Bret Easton Ellis a dans ses romans érigé la vacuité de l’existence comme l’un de ses thèmes favoris. On retrouve bien évidemment cela dans The Deleted, avec un nombre important de scènes ne contribuant pas vraiment à l’intrigue. Les enchaînements de scènes de sexe pourraient par ailleurs paraître injustifiés pour la plupart des spectateurs. Les premiers épisodes donnent vraiment une impression de surplace et il n’est pas rare de se demander à la fin des 14 minutes : « c’est tout ? ». La série n’est cependant pas aussi radicale que certains romans de son auteur.

Les apparences et la superficialité dictent bien évidemment la direction artistique de la série. Avec son esthétique flirtant entre le porno chic et la télé réalité et ses acteurs aux corps d’Apollon, on peut se dire que la beauté intérieure a été laissée sur le carreau. Bret Easton Ellis s’est constamment amusé de ces éléments dans ses romans. Ici, ça peine à transparaître même si connaissant la personne on se doute bien que l’intention est là. C’est peut-être l’un des gros problèmes de la série, c’est qu’elle ne laisse pas de place à la dérision. Tout est trop sérieux, même si ce n’est pas forcément ce que veut Bret Easton Ellis. La plume de Ellis n’est pas aussi incisive et cynique qu’à son habitude, elle fait même preuve de fainéantise. Il ressasse des thèmes qui lui sont chers, sans vraiment en faire quelque chose de consistant . L’aspect thriller essaie de cacher un peu le tout avec l’énigme de l’institut mais c’est au final un écran de fumée qui n’arrive pas à masquer les défauts évidents.

The Deleted marque donc le premier essai de Bret Easton Ellis à la télévision, et ne s’avère pas réellement convaincant. La durée est clairement un avantage et un inconvénient, elle empêche à la fois d’aller au fond des choses mais d’un autre côté permet de rendre la série plutôt digeste comparé à ce qui aurait pu être fait si elle avait duré plus longtemps. Bret Easton Ellis tombe cependant dans un travers dont il s’est toujours amusé, la superficialité. Superficiel est vraiment le mot qui décrit le mieux The Deleted, et malheureusement pas dans un bon sens ( si tant est qu’il y ait un bon sens à ce mot, mais qui renvoie bien évidemment à la façon dont Ellis a l’habitude de traiter de la chose). La série aurait gagné à s’attarder un peu plus sur ses personnages, tout en offrant un once de paranoïa supplémentaire (autre élément que Ellis maîtrise très bien comme en témoigne le tétanisant Glamorama). La série ne possède pas que des défauts et tout le mystère qui englobe l’institut est intéressant et plutôt bien mené, notamment dans la seconde partie de saison. La bande-son est elle aussi très agréable qui contribue énormément à cette ambiance pesante de mystère. The Deleted laisse cependant un goût amer dans la bouche, surtout quand on connait le talent de la personne derrière.

Synopsis :  Deux jeunes personnes mystérieuses viennent de récupérer une maison près de la plage de Malibu. Pendant ce temps, Ryder, Mason, Agatha, Garreth et Logan essaient de reprendre le cours normal de leur vie après une expérience traumatisante. Très vite, ils commencent à se faire kidnapper les uns après les autres.

The Deleted : Fiche Technique

Créateur : Bret Easton Ellis
Réalisation : Bret Easton Ellis
Scénario : Bret Easton Ellis
Interprétation : Madeline Brewer (Agatha), Amanda Cerny (Breeda), Ian Nelson (Parker), Spencer Neville (Garrett), Daniel Zovatto ( Logan), Nash Grier (Ryder), Will Peltz ( Mason)…
Production : Bret Easton Ellis, Kurt Kittleson, Ross Levine, Braxton Pope
Société de production : Prettybird Pictures
Genre : Drama, thriller
Format : 8 épisodes de 15 minutes
Chaîne d’origine : Fullscreen
Diffusion aux USA : 4 décembre 2016

Etats-Unis – 2016

Sommet d’humour noir, d’une inventivité burlesque et horrifique défiant toute concurrence, l’univers Evil Dead passe avec brio le cap du petit écran et s’impose comme le digne successeur des films de Sam Raimi.

Plus qu’un hommage : une véritable continuité

Necronomicon, deadites, armée des ténèbres… Pour bon nombre de cinéphiles, ces termes ne sont pas inconnus et symbolisent le caractère culte qui entoure la trilogie Evil Dead. Ces trois films sont l’œuvre d’un esprit pas comme les autres, en l’occurrence celui de Sam Raimi, véritable passionné de cinéma depuis le plus jeune âge, et réalisateur accompli dans le genre horrifique et fantastique. D’acabit très différent les uns des autres (l’horreur pur pour le premier, la comédie gore aspect pour le second en terminant par un troisième volet délirant et tendance « héroic fantasy »), les films témoignent d’une maestria technique caractérisant le cinéma de son réalisateur : une caméra virtuose et dynamique à travers des travellings rapides et gros plans sur visages, un sens acéré du découpage et du montage et une iconisation de ses personnages. Ils ont également su dépasser les caractéristiques du film d’horreur pour s’affranchir de ce simple statut et devenir tout simplement au fil des années une véritable référence. L’annonce d’une série consacrée au héros de la saga, Ash, incarné par Bruce Campbell, avait donc de quoi attiser grandement la curiosité, surtout lorsqu’on sait que le projet est porté à bout de bras par Sam Raimi et Bruce Campbell eux-même, mais aussi les craintes les plus profondes chez les nombreux fans. Revenir ainsi 22 ans après le troisième opus ne se justifiait que très partiellement, surtout après la sortie en 2013 d’un remake du premier film, certes à l’esthétisme très réussi mais d’un goût discutable. L’inventivité dont ont fait preuve les deux compères est-elle toujours présente cette fois-ci sur le petit écran, ou n’est-elle qu’une façade pour cacher un projet ne tenant que sur de très faibles bases ?

Que les fans de la première heure (et les autres) se rassurent : titillant notre fibre nostalgique tout en poursuivant des thèmes nouveaux, Raimi, d’ailleurs en charge de la réalisation du pilote, et Campbell s’amusent comme des dingues et nous livrent une des meilleurs séries du moment. Ni plus, ni moins ! Et dès les premières minutes, nous sommes conquis. En à peine une demi-heure, ils montrent leur savoir-faire à travers de nombreux artifices : personnages haut en couleur, hémoglobine à souhait, deadites et le retour de la fameuse tronçonneuse au terme d’un ralenti mythique rythment cet épisode et constituent la symbiose de leur plaisir à retravailler ensemble dans un projet dont il maîtrise toutes les ficelles. Car c’est bien simple, le plaisir, cette fois chez le spectateur, ne s’affaiblira aucunement tout au long des 20 épisodes constituant ces deux premières saisons. Mieux : il monte crescendo.

Du fun, du gore, et une bonne tranche de rire !

Et ce pour plusieurs raisons ! La principale d’entre elles est bien entendu l’aspect comique, fer de lance des deux derniers films originaux, qui est ici développé dans sa plus belle outrance. Tantôt irrévérencieuse, où même des enfants peuvent être victimes de la malédiction du livre des morts (en l’occurrence, broyé par un ventilateur de plafond), tantôt extrêmement potache (parmi de nombreux exemples, on peut citer Ash entraîné par les tripes d’un macchabée à l’intérieur de ce dernier…en passant par le plus petit orifice du corps humain…), la comédie revêt divers aspects et n’est pas forcément là où on l’attend. Ce qui est bénéfique, surtout en ces périodes où elle a bien du mal à se renouveler, que ce soit dans le paysage cinématographique ou l’univers des séries télé.

Cette inventivité se retrouve également dans le panel diversifié des antagonistes de nos héros. Outre les désormais célèbres cadavéreux, on retrouve des monstres d’outre-tombe ressemblant étrangement aux créatures de The Descent, une redoutable poupée haute comme trois pommes et aux arguments tranchants, une voiture possédée que n’aurait pas renié John Carpenter, ou encore un énorme zombie à l’aspect volontairement grotesque évoquant furieusement le monstre final de Braindead. Cet aspect que l’on qualifiera d’artisanal, notamment dans les maquillages et les effets gore, en rajoutent une couche dans le plaisir nostalgique éprouvé face à Ash vs Evil Dead. Le but n’est pas d’envahir l’écran d’effets numériques polluant tout effet de terreur (par ailleurs relativement discrets et utilisés à bon escient), mais bien de proposer des maquillages et visuels fait à la main, renforçant le côté trash de certaines scènes. Il suffit de voir les têtes explosées, visages et peaux arrachées et autres tortures physiques subies par les protagonistes pour s’en convaincre. Ne voulant pas se rapprocher de la perfection d’un Rob Bottin et de son formidable travail sur The Thing, les créateurs reviennent à leurs premiers amours, en évoquant la trilogie originale mais aussi tous les longs métrages de la même époque de catégorie similaire, à l’instar des premiers Peter Jackson (Bad Taste) et d’autres OVNI cinématographiques (Re-Animator).

Le mythe Bruce « Ash » Campbell

Enfin, il est pour ainsi dire impossible d’évoquer Ash vs Evil Dead sans parler de son personnage principal : Ash Williams ! Armé de son canon scié et de sa tronçonneuse, ce personnage a connu une telle iconisation au fil des films, poussée à l’extrême dans le troisième volet car il est vu comme un véritable messie, qu’il est absolument jouissif de le revoir déchiqueter en masse du zombie 23 ans après ! Surtout qu’il revêt absolument toutes les caractéristiques de l’anti-héros : porté vers la boisson, à tendance raciste, vulgaire, beauf, et profondément stupide. C’est quand même par sa négligence et une bonne dose de drogue que toute cette histoire commence ! Il arrive pourtant à s’en affranchir pour afficher une tendance héroïque à part entière, arborant fièrement ses armes de prédilection et sauvant ses amis dans les situations les plus folles. De même, le développement du personnage est très intéressant au fil des deux saisons. En effet, si la première s’apparente davantage à un hommage en bonne et due forme reprenant les éléments les plus emblématiques de son univers (la cabane perdue dans les bois, la main coupée d’Ash, le mysticisme entourant le Necronomicon…), la seconde va encore plus loin en développant les origines du personnage, et en creusant davantage son antériorité. Une grande partie de son enfance et adolescence est mise à découvert notamment à travers son village et sa maison d’enfance et la relation difficile qu’il entretient avec son père (formidable Lee Majors, célèbre Homme qui valait trois milliards, présent dans la saison 2). Le rôle est bien sûr repris par Bruce Campbell, visiblement ravi de retrouver son personnage fétiche. Tout en mimiques, gesticulations et répliques bien senties, il porte la majeure partie du show sur ses épaules. Mais pas que !

Car ses autres comparses ne sont pas en reste. Il est par exemple affublé de deux partenaires aussi opposés que complémentaires : Kelly, une jeune battante au caractère bien trempé, et Pablo, petit freluquet admiratif d’Ash mais ne manquant pas de témérité. La relation du trio fonctionne bien, tant et si bien que la personnalité de Campbell ne les éclipse pas. Rajoutons également Lucy Lawless (célèbre Xena de la série du même nom), antagoniste principale de la première saison avant de devenir un compagnon d’armes essentiel à leur quête, ainsi que Joel Tobeck, réincarnation du diable se baladant de peau en peau. Tous interprètent sans exagération ni cabotinage leurs rôles. Petite ombre au tableau cependant : le personnage de Samantha, pas particulièrement attachant et dont la romance naissante avec Ash arrive sans justification particulière. De même, certains spectateurs peuvent aller plus loin en montrant du doigt certaines facilités scénaristiques. C’est notamment le cas pour la passation des deux premières saisons avec une conclusion un brin poussive, ou tout simplement l’origine même de la série, où Ash réveille à nouveau les démons en citant, sous l’emprise de la drogue, les passages du Necronomicon (et ce malgré tout ce qu’il a vécu précédemment). Toutefois, il s’agit de facilités excusables, car elles résultent de décisions prises par Ash lui-même, ne brillant nullement par leur logique.

A l’heure du bilan, ces deux premières saisons inaugurent très positivement une série ne ressemblant à aucune autre, et où le spectateur est pressé de la retrouver pour d’autres aventures hautes en couleur. Décérébrée, transgressive et décomplexée, Ash vs Evil Dead est avant tout le fruit des retrouvailles de sales gosses passionnés, aimant profondément leurs références et bousculer ce qui se fait actuellement en matières de séries. Et ça fait du bien !

Synopsis : Ash Williams, ex tueur de démons, vient de passer ces 30 dernières années à vivre dans une caravane et bosser comme vendeur dans un magasin de bricolage. Mais un soir où il est fortement alcoolisé, il fait l’erreur de lire le Nécronomicon qui fait revenir les Cadavéreux, qui menacent ainsi de détruire l’humanité. Ash est contraint de sortir de sa retraite de tueur de démons pour sauver le monde à l’aide de son fusil Remington calibre 12 à canon scié et de sa tronçonneuse fixée à sa main droite.

Ash Vs Evil Dead : Bande annonce

Ash Vs Evil Dead : Fiche Technique

Créateur : Sam Raimi, Bruce Campbell et Craig DiGregorio
Réalisation : Sam Raimi, Michael J Bassett, David Frazee, Michael Hurst, Tony Tilse, Rick Jacobson, Mark Beesley
Scénario : Michael J. Bassett, Sean Clements, Zoe Green, Sam Raimi, Ivan Raimi, Craig DiGregorio, James Eagan, Dominic Dierkes, Rob Wright, Tom Spezialy, Christina Welsh, Hank Chilton, William Bromel
Interprétation : Bruce Campbell (Ashley « Ash » Williams), Ray Santiago (Pablo Simon Bolivar), Dana DeLorenzo (Kelly Maxwell), Lucy Lawless (Ruby Knowby), Jill Marie Jones (Amanda Fisher), Lee Major (Broke Williams)…
Production : Sam Raimi, Bruce Campbell, Craig DiGregorio, Robert G. Tapert
Sociétés de production : Starz, Renaissance Pictures
Genre : Horreur, comédie
Format : 10 épisodes de 30 minutes environ
Chaine d’origine : Starz
Diffusion aux USA : depuis octobre 2015

Etats-Unis – 2015

Quelques semaines avant la troisième saison de Better Call Saul, dont les anciens fans de Breaking Bad attendent qu’elle fasse le lien avec leur série favorite, faisons un point sur les deux premières saisons. Une réussite en demi-teinte.

Synopsis : Plusieurs années avant de défendre Walter White sous l’identité de Saul Goodman, Jimmy McGill était encore un jeune avocat qui essayait de se faire une place sur le marché de la justice d’Albuquerque, à l’ombre du monopole détenu par un cabinet cofondé par son frère.

Beaking Saul

Personnage culte de la série Breaking Bad, Saul Goodman méritait-il une série en guise de spin-off ? C’est cette question qui travaillait les spectateurs aussi bien avant qu’après la diffusion de ces vingt épisodes. Pour beaucoup d’amateurs, il eut été intéressant de découvrir ce qu’allait devenir cet avocat véreux après les événements de la cinquième saison de Breaking Bad, celui-ci restant celui des protagonistes dont le destin y fut le moins clarifié, hormis l’évocation d’un exil sous une fausse identité. A l’inverse, c’est son passé que Vince Gillian a choisi de développer. La façon dont Jimmy McGill est devenu Saul Goodman, ce magouilleur amoral presque burlesque et dont chaque apparition était un effet comique face à la brutalité pesante des trafiquants de drogue, pouvait promettre une série hilarante, mais il n’en est rien. C’est davantage sur un ton chargé en mélancolie et en humour noir que les showrunners ont choisi d’imaginer ce prequel. Le rôle de Bob Odenkirk n’en reste pas moins identifiable à sa mèche de travers, à ses costumes criards et surtout à son incomparable bagout. L’épisode pilote de la première saison débute d’ailleurs par une scène où l’on le découvre vieilli et reconverti en employé dans un petit restaurant du Nebraska, une façon de faire de la série un flashback et surtout de nous faire comprendre que l’idée de nous raconter comment il rebondira n’est pas définitivement abandonnée.

Lorsqu’on le retrouve au début de la première saison, Jimmy est donc un débutant, dont le bureau est confiné à l’arrière salle d’une onglerie vietnamienne et le travail limité aux dossiers perdus d’avance qui lui sont confiés en tant que commis d’office. Un personnage qui serait tragique s’il ne s’agissait de ce baratineur ambitieux. En cela, l’interprétation de Bob Obenkirk est remarquable, dans la façon qu’il a de dégager une énergie qui le rend facétieux et de jouer sur le vide affectif qui justifie en partie son cynisme. Le défi apparait dès les premiers épisodes comme étant de donner sa part d’humanité à cette figure qui, jusque-là, n’était vue que comme une caricature écrite comme une dénonciation sarcastique du système judiciaire américain. L’écriture et la mise en scène de Vince Gillian et ses acolytes parviennent alors à parfaitement remplir cette mission, en jouant sur le poids du passé personnel et familial pour construire leur anti-héros et en prenant leur temps pour tisser son portrait et faire lentement monter une certaine pression. Le scénario souffre tout de manque d’un manque d’enjeux inhérent au concept même de la série, l’unique finalité étant de savoir quel élément va briser le peu d’idéaux de Jimmy pour le transformer en Saul Goodman. Un point de rupture qui se fait attendre.

Cette façon qu’ont les showrunners de nous laisser dans l’expectative de retrouver le personnage iconique de Breaking Bad est le principal reproche que l’on puisse faire à cette série sur la longueur. Pourtant, alors que la saison 1 réussit à poser les graines d’une évolution filant droit vers ce qui sera l’extravagant Saul Goodman, avec une scène de clôture qui semble même annoncer de le retrouver dès les épisodes suivants, la seconde saison met un frein brutal à cette évolution. La saison 2 privilégie en effet une approche bien moins légère au thriller judiciaire et aux relations, aussi bien professionnelles que personnelles, qui servent de fils rouges à l’arc narratif d’un Jimmy désormais plus avocat qu’arnaqueur. Réduit à quelques plaidoiries volubiles et un passage clipesque de l’épisode 7, l’humour rutilant du tchatcheur excentrique est profondément amoindri, tout comme l’est la mélancolie illustrée dans la première saison par des flashbacks et désormais limitée au jeu pour le moins expressif de Bob Odenkirk. Si cette seconde saison ne parvient plus à développer en profondeur son personnage principal, c’est aussi parce que son scénario donne une place presque aussi importante à l’histoire en parallèle de Mike Ehrmantraut, qui n’était qu’un personnage secondaire dans les premiers épisodes. Bien qu’en retrait, le rôle de Jonathan Banks y avait lui aussi acquis une certaine profondeur qui justifiait son caractère taciturne, mais les auteurs de la saison 2 ont tenu à se servir de lui pour introduire d’autres personnages secondaires de Breaking Bad. Autrement dit, faire plaisir aux fans d’une série culte et oublier de faire avancer la leur.

Fort heureusement, la qualité technique de la série restera constante au fil des 20 épisodes, profitant d’une photographie irréprochable et d’un montage qui donne corps à l’évolution de ses personnages. On retrouve indéniablement derrière ses qualités ce qui a fait la réussite esthétique de Breaking Bad, mais sans doute est-ce l’idée d’avoir essayé de calquer le modèle d’écriture qui prenait son temps pour développer le parcours de Walter White qui est la plus grosse tare de Better Call Saul. Entre un univers judiciaire qu’il est difficile de rendre aussi attractif que celui du trafic de drogue, un enjeu unique et connu d’avance qu’est la transformation du personnage principal et les digressions accordées à des personnages secondaires qui donnent le sentiment d’assurer le fan-service sans faire avancer l’intrigue principal, le scénario de ce spin-off a un mal fou à se trouver et se construit sur un rythme bien trop inégal pour assurer le show sur la durée. Espérons à présent que la saison saura retomber sur ses pattes.

Better Call Saul : Bande-annonce

Better Call Saul : Fiche technique

Créateur/Showrunner : Vince Gilligan et Peter Gould
Réalisation : Adam Bernstein, Colin Bucksey, Larysa Kondracki…
Interprétation : Bob Odenkirk (Jimmy McGill), Jonathan Banks (Mike Ehrmantraut), Rhea Seehorn (Kim Wexler), Michael McKean (Chuck McGill), Patrick Fabian (Howard Hamlin), Michael Mando (Nacho Varga)…
Photographie : Arthur Albert
Montage : Kelley Dixon
Musique : Dave Porter
Direction artistique : Tony Fanning
Production : Mark Johnson, Bob Odenkirk, Thomas Schnauz, Melissa Bernstein, Vince Gilligan, Peter Gould…
Diffuseur : AMC
Genre : Comédie, thriller
Format : 20 épisodes de 45 minutes environ

États-Unis – 2015

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Dans un anonymat contre lequel la série dramatique de Sundance TV, n’a jamais lutté, Rectify a fait ses adieux au petit écran après 4 saisons d’une densité exceptionnelle ; et en effectuant un virage vers un optimisme contagieux Ray McKinnon s’est même offert le luxe d’un final plein d’espoir.

J’espère donc je suis

Après un long méandre de drames et d’incommunications la série a enfin quitté le sentier élégiaque que la famille Holden s’attachait à suivre machinalement. Coincés entre les sursauts du passé, que ce soit sous formes de traumatismes ou de regrets, et l’incertitude que promettaient les séparations et les rebondissements judiciaires, chaque membre de la famille a longtemps eu tendance à se pétrifier dans une inaction douloureuse. Pourtant Rectify propose un dénouement où la confiance règne, et ce en dirigeant l’attention de ses protagoniste non pas sur leurs rêveries mais sur leurs espérances, aussi minimes soient elles.

Le premier épisode de cette dernière saison a magistralement donné le ton, puisque que d’emblée nous avons retrouvé Daniel (Aden Young) métamorphosé. Accessoirement barbu, il est devenu un employé à la tâche robotique, il partage dorénavant une maison avec un petit groupe d’inconnus qui, comme lui, a un passé carcéral. (Ré)inséré sur le papier, il demeure cependant cet illustre inconnu que tout le monde peut craindre à souhait après l’avoir googlisé. Il va dès lors dévoiler de jolies ressources au fil de ses rencontres et s’aventurer de plus en plus profondément dans un processus de réconciliation. Et ce au gré d’une intimité partagée, de dialogues désinhibés et d’une double révélation : dans un premier temps artistique (trop peu traité à notre goût), puis romantique. Dans un entrepôt non loin de son travail, il fait la connaissance d’une jeune artiste, Chloé. Caitlin Fitzgerald (qui avait déjà fait tourner des têtes dans feu Masters of Sex) est la principale nouvelle venue du casting pour cette dernière saison ; elle campe une femme autonome, libertaire et un peu excentrique. Son âme peu conformiste va immédiatement lui permettre d’appréhender cet homme étrange qui n’a pas cru à la réalité de leur première rencontre dans son atelier ; sans doute était-il trop chamboulé par ce microcosme dédié à un esthétisme jugé utopique dans le monde désenchanté dans lequel il erre. Le badinage qui s’en suit marque sans trop de surprise l’importante corrélation entre confiance en soi et confiance en l’autre, leitmotiv émotionnel de ces 8 derniers épisodes.

Se refusant à toute forme de didactisme, RayMcKinnon (Sons of Anarchy) ne se cloitre ni dans la morale, ni dans une narration verrouillée. Dans la continuité d’une série qui n’a eu de cesse de saisir un drame avec une sensibilité quasi exhaustive, épousant tous les regards, toutes les frustrations, sa fin ouverte n’est qu’une simple suggestion. Pas de triomphe juridique (bien qu’assez sous entendu), pas d’ellipse spatio-temporelle à la « ils vécurent heureux », mais une conclusion délicate, ensoleillée osera t-on dire.

Dans le premier épisode, encore une fois, Daniel, nous gratifie d’un judicieux « l’enfer c’est les autres » avant de s’effondrer dans un monologue transcendant sur la solitude. Pas celle de l’indépendance que cherche à tatillon Tawney, future ex femme de Teddy ; ni celle de l’autonomie poursuivie par Amantha. Mais une solitude radicale, imposée, destructrice, que va expérimenter Daniel pendant des années dans le couloir de la mort.  Lequel, faute de contacts étrangers à lui-même, finit par perdre toute notion d’individualité ; sorte d’ataraxie meurtrière à partir de laquelle on parvient à se faire disparaître. Sa sœur évoquera même Lazare dans les derniers instants de la série, c’est peut être là où l’on touche le nerf de Rectify, lorsqu’on se rend compte qu’au fil de cette saison, chaque personnage s’est vu renaitre. Un discours semi biblique que l’on retrouve dans la bouche de Tawney, ou carrément nihiliste quand il s’agit d’Amantha, mais jamais dénoué d’une certaine expectation envers les situations à venir. La mutation qui s’opère entre une espérance d’abord fantasmée, puis peu à peu actée, symbolise le propos global de la série. Tout n’est que prétexte à discourir sur une condition humaine qui abuse soit de sa liberté soit de sa servilité.

Le vrai drame de Rectify n’est pas l’emprisonnement de Daniel, mais sa libération ; le seul protagoniste qui matérialise concrètement cette idée de prison, puis d’absence de prison. Mais il est assez évident que chacun des personnages porte en lui les mêmes appréhensions quant à leur solitude et culpabilité. La peur de Tawney, la colère de Teddy, la rancœur de son père, la déception d’Amantha, et la honte de sa mère ; le casting presque allégorique décortique les états de conscience de Daniel et va finalement l’aider à les surmonter. L’espérance fait ici figure de jauge pour s’auto-évaluer. Là où l’ancien détenu ne voyait en ses attentes qu’un nouveau moyen de se décevoir, il réalise que la déception est un luxe que seule la croyance peut autoriser. Syllogisme inversé en quelque sorte, qui fait de nos envies le métronome de notre existence, puisque l’on espère à la hauteur que l’on vit. Ainsi, emmuré avec son pote Kerwin le comble du fantasme était une ballade en voiture dans les rues de New York ; quelques années plus tard il se laisse à rêver d’une famille.

Rectify en plus d’être une série singulière dans le paysage de la télévision américaine, a mené jusqu’au bout son désir de conter un drame sans jamais tomber dans l’emphase. Imprégné des grands thèmes : la justice, l’amour, ou la famille, Rectify s’est efforcé de montrer une voie un peu plus lumineuse. Et si le propos bouleversant n’a su captiver qu’une infime partie de spectateurs, elle a très certainement su les fidéliser grâce à une mise en scène exemplaire. Cadrage, photographie, costume, tout concorde vers l’idée d’un humanisme en constante lutte avec son humanité. En guise de conclusion on citera évidement cette troupe de comédiens, admirablement dirigée, qui a su porter le show vers les sommets trop souvent ennuagés de la télévision. Une très grande série.

Rectify saison 4 : Bande-annonce

Synopsis: À 18 ans, Daniel Holden est emprisonné et condamné à mort pour viol et meurtre de sa petite amie Hanna. Il est libéré dix-neuf ans plus tard grâce à de nouvelles preuves ADN, il tente de se reconstruire une nouvelle vie dans sa ville natale où presque tout le monde le croit coupable, dans l’attente de son nouveau procès.

Rectify : Fiche technique

Créateur : Ray McKinnon
Interprétations : Aden Young, Abigail Spencer, Clayne Crawford, Adelaide Clemens, J. Smith Cameron, Luke Kirby, Bruce McKinnon, Cailtlin Fitzgerald,
Production : Don Kurt
Genre: Drame
Format: 52min (8 épisodes/saison)
Diffuseur : Sundance TV

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Avec la série The OA, Netflix nous offre un superbe cadeau de Noël.

Synopsis : une femme est aperçue sur un pont, s’apprêtant à sauter dans le vide. Ses parents adoptifs la reconnaissent : il s’agit de Prairie Johnson, qui a disparu sept ans plus tôt. La jeune femme paraît troublée mentalement, elle ne reconnaît pas son prénom, mais surtout elle a recouvré la vue, alors qu’elle était aveugle au moment de sa disparition.

Chaque nouvelle série de Netflix est annoncée comme un événement. Voilà donc une série de huit épisodes, de longueur inégale, produite par Brad Pitt, écrite et interprétée par Brit Marling (actrice qui avait été vue auparavant dans Another Earth et I Origins). Une série qui s’annonce comme un mystère, à l’image de son titre.

Dans un pilote fabuleux, les énigmes s’accumulent autour de cette jeune femme. Mystère dans son comportement (elle parvient à calmer un chien manifestement dressé pour tuer, elle refuse d’être touchée et elle semble dotée d’une empathie extraordinaire). Mystère dans ses propos surtout : elle ne reconnaît plus son prénom et se désigne sous le nom de AO ; elle affirme, entre autre, « être morte un nombre incalculable de fois », elle recherche activement un certain Homer et affirme avoir un plan pour lequel il lui faut cinq personnes « fortes et courageuses ».

Six personnages en équilibre

Se dresse donc le portrait d’un personnage en équilibre précaire, entre folie et santé mentale, entre liberté et emprisonnement. La série s’installe sur une frontière, comme si chaque personnage était un funambule, ne sachant de quel côté aller. Michelle, adolescente qui se drogue à la testostérone, a cet aspect androgyne qui nous fait hésiter constamment entre garçon et fille. Steven emploie la violence pour mieux cacher sa sensibilité. La professeur Broderick-Allen utilise souvent la sévérité mais se révèle pleine d’empathie. Chacun a une opposition franche entre sa personnalité réelle et ce qu’il montre aux autres (d’où l’emploi très fréquent des surnoms : Buck pour Michelle, French pour Alfonso, etc.).

Cet équilibre précaire se retrouve également dans le décor. La série se déroule dans une banlieue à demi-construite, lieu étrange où les maisons côtoient les terrains vagues, à la frontière entre ville et campagne, entre civilisation et nature. Le choix de tenir les réunions des six personnages dans une maison à demi-construite reprend encore ce symbolisme de l’équilibre.

À la croisée des mondes

En avançant dans la série, on comprend vite à quoi correspond cette notion d’équilibre si souvent répétée. Dès la fin de l’épisode pilote, une majeure partie de la série se situe en flash-back, Prairie racontant son incroyable et passionnante histoire. La narration se construira constamment en aller-retours, alternant entre le récit de Prairie et ses conséquences sur les personnages. Et ce récit au passé va se dérouler, lui aussi sur une frontière, l’ultime frontière, celle qui sépare la vie de la mort.

Dans The OA, il est donc question d’équilibre, d’une frontière sur laquelle se tiennent des personnages qui jouent au funambule entre deux mondes : le personnage social et la réalité intérieure, la santé et la folie, la société et l’individu, la vie et la mort.

Les multiples prisons

L’emprisonnement et la liberté. La série joue énormément sur cette opposition également, se plaisant souvent à inverser les idées reçues sur le sujet. Les figures de l’enfermement se multiplient : l’aveuglement de Prairie, enfermée dans son monde d’obscurité ; l’enfermement dans des familles qui empêchent les personnages de développer pleinement leur potentiel (voir le cas d’Alfonso, par exemple) ; l’enfermement dans un système scolaire qui semble plus apte à exclure qu’à enseigner (pour Steven) ; l’enfermement dans une désignation sexuelle même pour Michelle.

Le corps lui-même apparaît comme une prison. Ainsi, la femme du sheriff qui se sent prisonnière de sa maladie, la sclérose en plaques, qui fait de son corps une geôle.

« La captivité c’est un état d’esprit. Tu la portes en toi ».

The OA, c’est finalement, en plus de tout le reste, une série sur la liberté. Une liberté qui vient souvent, paradoxalement, par un repli sur soi. Une liberté à trouver en soi-même. Ainsi Prairie aveugle est beaucoup plus libre que les voyants, par exemple. Car ceux qui sont dotés de la vue sont souvent prisonniers de ce sens, prisonniers d’une réalité visuelle qu’ils croient être le seul monde possible, la seule vérité possible. En ne voyant pas le monde, il est plus facile d’en admettre l’existence d’un autre, de même que ne pas pouvoir se fier à sa vue aide à développer les autres moyens de connaissance et d’appréhension de la réalité.

« être aveugle, c’est très puissant », dira Prairie.

De fait, la réalisation va se faire très sensible et adopter le point de vue (sans mauvais jeu de mot) de Prairie. L’insistance sur les mains qui frôlent et les pieds sur le tapis, l’importance de la bande son vont rendre tangible ce monde sensible dans lequel la jeune femme évolue. De même, les gros plans sur la protagoniste mettent le spectateur en communion avec elle : la réalisation insiste alors sur les hors-champ, sur tout ce que le spectateur, comme Prairie, ne voit pas. Nous participons alors de son aveuglement en ne sachant rien du monde qui se situe autour d’elle.

Sans avoir recours à un déluge de trucages ou à des effets grandioses, la série happe littéralement son spectateur. Dès les premières minutes du pilote, il est impossible d’en sortir. Les épisodes s’enchaînent, le rythme est impeccable, à la fois lent et passionnant. L’interprétation est d’un très bon niveau, avec entre autres un Jason Isaacs impérial.

La production si particulière à Netflix permet d’avoir plus de liberté sur les épisodes eux-mêmes, sur leur durée particulièrement. Les épisodes sont d’une longueur très inégale, de 70 minutes pour le pilote à 30 minutes uniquement pour l’épisode 6. cela permet aux créateurs de ne faire un épisode que sur ce qu’ils ont réellement à dire, de ne pas créer de scènes de remplissage qui n’auraient aucun intérêt.

Alors, certes, il y a bien quelques défauts. Les scènes dans l’au-delà paraissent franchement kitsch, mais elles ne sont pas assez nombreuses pour que cela gêne véritablement le récit.

Peut-être le problème majeur provient des réponses aux énigmes. Les questions posées dès le premier épisodes sont tellement passionnantes que l’on est un peu déçu des réponses proposées. Déçu même qu’il y ait des réponses. Parfois, le mystère vaut mieux que les solutions. C’est par leur faculté à interroger le spectateur que les premiers épisodes étaient aussi extraordinaires.

Mais ne boudons pas notre plaisir quand même : The OA est, dans l’ensemble, une série passionnante, innovante, intelligente, sensible… tout ce que l’on attend de Netflix.

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The OA : bande-annonce

The OA : Fiche Technique

Créateur et réalisateur : Zal Batmanglij
Scénario : Brit Marling, Zal Batmanglij
Interprètes : Brit Marling (Prairie Johnson), Emory Cohen (Homer), Patrick Gibson (Steven Winchell), Brendan Meyer (Jesse), Brandon Perea (Alfonso, dit French), Ian Alexander (Michelle, dit Buck), Phyllis Smith (Elizabeth Broderick-Allen), Jason Isaacs (Hap, dit Angel Hunter).
Photographie : Lol Crawley
Musique : Rostam Batmanglij, Danny Bensi, Saunder Jurriaans
Montage : Matthew Hannam, Jonathan Alberts, Geraud Brisson
Production : Jill Footlick
Société de production : Plan B Entertainment, Anonymous Content
Société de distribution : Netflix
Genre : fantastique
Durée : entre 70 minutes et 30 minutes, selon les épisodes
Diffusion : 16 décembre 2016

États-Unis – 2016