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Malgré un accueil en demi-teinte, A Cure for Life est une œuvre à la richesse admirable qui permet à un cinéaste mésestimé de prendre sa revanche sur les gros studios de production. Retour sur un film plus habile qu’il n’en a l’air. ATTENTION SPOILERS.

Synopsis : Lockhart est un jeune cadre ambitieux travaillant pour une grosse firme financière américaine. Les patrons lui donnent pour mission d’aller rechercher son supérieur en convalescence dans un centre médical dans les Alpes Suisses. Là, il tombe sur une étrange institution dans laquelle il se retrouve malgré lui prisonnier mais dont il ne désespère pas de percer le mystère.

BioShock

Après une décennie à avoir baigné dans les blockbusters de studio, Gore Verbinski tente de se ressourcer avec son dernier film, faisant même de cela la base de son A Cure for Life. On ne peut s’empêcher de voir des similitudes entre son jeune héros et le cinéaste, tout deux brisés par l’influence du conglomérat, chaque parties d’un système vicié voulant l’asservir (d’un côté les gros studios/entreprises et de l’autre les puristes) tandis que lui se voile dans l’illusion de ne vouloir être qu’un bon cadre d’entreprise. Sauf que comme le souligne A Cure for Life, le rêve est terminé pour le cinéaste et il est temps de se réveiller, faisant un film avant tout pour lui en ne s’imposant aucune limites dans la radicalité de sa vision. Il n’a ni peur du ridicule, ni de déborder de son sujet et il embrasse toute ses imperfections pour mieux souligner le propos de l’oeuvre et offre un long métrage jusqu’au-boutiste aussi admirable qu’exaltant, bien qu’imparfait.

Avant de s’attaquer à ce projet, Gore Verbinski était très attaché à une adaptation cinématographique du célèbre jeu vidéo BioShock qui n’a malheureusement pas pu voir le jour en raison d’un studio trop frileux. Chose qui a très clairement contrarié le cinéaste, qui a apporté beaucoup de ses idées dans ce nouveau film, faisant de A Cure for Life, une adaptation indirecte de BioShock. Tout y est, l’environnement clinique et surannée où l’eau est omniprésente, la création d’un monde utopique par un mégalomane fou, la quête d’un personnage pour nous amener à la découverte d’un autre. Dans le jeu le joueur tente d’atteindre Ryan, le créateur de la ville sous-marine, le voyant comme l’achèvement de sa quête mais découvre la trahison d’Atlas, son guide, qui n’est autre que Fontaine en réalité, le méchant de l’histoire. Dans le film le héros part à la recherche de Pembroke, son supérieur hiérarchique, pour au final découvrir la folie de Volmer, qui se cache aussi sous une fausse identité. On y retrouve aussi la quête du père, la réflexion sur l’immortalité, un personnage qui évoque un Big Daddy, imposant garde du corps dans le jeu, ou un autre qui évoque la petite sœur, personnage corrompu par la folie du méchant que le héros doit libérer (ou tuer, le choix étant laissé au joueur). Mais ce que reprend surtout le film, c’est le concept de l’ADAM.

Dans le jeu, l’ADAM est une sorte d’élixir qui confère au joueur et à ceux qui l’utilisent des capacités spéciales. Un élixir qui est récolté et transformé par une sorte de limace de mer, mais pour pouvoir posséder de bonnes quantités de cet élixir, il faut l’intégrer à la paroi de l’estomac d’un hôte humain, qui devient presque un zombie, puis puiser l’ADAM grâce à des régurgitations. Dans le film, Verbinski remplace les limaces de mer par des anguilles tandis que l’élixir ne confère plus des pouvoirs mais un forme d’immortalité. Il se sert de tout cela pour retranscrire une vaste quête de pureté qui vire à l’obsession et se transforme en une monstruosité impure. On y retrouve les mêmes thématiques dans dans le jeu vidéo, le rêve qui se transforme en cauchemar, la lutte des classes, l’oppression du consumérisme et l’envie d’une existence d’opulence érigée au détriment des autres. On ne peut être fort si l’on n’a pas des faibles, quitte à les fabriquer. Le scénario devient habilement une critique acerbe du monde dans lequel on vit, et ce montre par moments bien plus intelligent qu’on pourrait le penser. Notamment dans cette séquence surréaliste qui voit le personnage principal accompagné d’Hannah s’échapper du centre pour aller dans un village voisin. Une scène qui marque l’éveil tourmenté d’une jeunesse troublée en quête de repaire. Chaque personne dans le bar où les deux protagonistes s’arrêtent sont dissociés de leur temps mais aussi des uns des autres, par leur look mais aussi leur attitude. Le scénario arrive avec finesse à souligner l’incommunicabilité d’une génération, qui ne sait s’exprimer que par la violence et la dégradation.

La richesse thématique du scénario est absolument vertigineuse et force le respect, entre la vengeance que prend le cinéaste sur les gros studios, la critique du monde d’aujourd’hui mais aussi une adaptation fidèle des obsessions du jeu vidéo qui a clairement inspiré son projet. Mais malheureusement, ce qui marche d’un point de vue symbolique, ne fonctionne parfois pas sur le plan narratif. En ça, le film sera parfois bien trop attendue dans ses ficelles narratives tout comme il manque cruellement de subtilité dans sa façon d’alimenter ses rebondissements. Il appuie beaucoup trop certains éléments, notamment par la mise en scène, pour que l’on ne devine pas la direction que va prendre le récit. Il bascule aussi dans un dernier acte over the top, où ses inspirations gothiques sont moins crédibles que l’atmosphère clinique qu’il avait si bien alimentée jusque là. Son final frise par moments le ridicule mais n’y tombe jamais vraiment car il retranscrit bien l’effervescence de la folie qui est censée exploser. L’absence de contrôle qui émane de la fin devient donc justifiée même si très clairement perturbante. Pour autant, on parvient à y croire grâce aux acteurs, tous très bons. Dane DeHaan est ici très en forme et apparaît presque à contre-emploi. Loin des performances d’ados perturbés qu’on lui prêtait, il s’impose en jeune homme confiant et impétueux avec une aisance et une justesse qui qualifie les grands, car grand acteur il l’est assurément. Mia Goth s’impose par son étrangeté touchante qui n’est pas sans rappeler celle de Christina Ricci, les deux actrices dégagent quelque chose de similaire. Et par cela, Goth trouve facilement sa place au sein du film où elle se montre très convaincante. Jason Isaacs pourra peut-être décevoir par sa prestation un brin caricatural sur la fin, mais il arrive par petites touches à trouver les nuances de son personnage.

A Cure for Life s’impose facilement comme une oeuvre solide malgré ses imperfections. Gore Verbinski y déploie une culture cinématographique impressionnante et soulignée par une mise en scène, certes trop appuyée par moments, mais plastiquement superbe. Les plans sont d’une inventivité rare, soutenue par la photographie hyper-stylisée du Bojan Bazelli, et créent une ambiance malsaine et fascinante qui marque la rétine. La mise en scène s’impose par son élégance et sa sophistication et fait plaisir à voir. Même la musique y est inspirée, flattant tout les sens du spectateur. Donc avec son scénario imparfait mais riche qui ne se refuse aucun excès, Verbinski signe une œuvre admirable par bien des aspects. A Cure for Life aura sans aucun doute ses détracteurs mais reste un film qui se doit d’avoir sa chance, car sous ses airs de série B de luxe, se cache un pamphlet fascinant sur notre façon de vivre. En plus d’être bien filmé et joué, il s’impose aussi comme une adaptation audacieuse du jeu BioShock, pas nécessairement celle demandée par les fans mais qui pourrait néanmoins les réjouir. Du très bon.

En plein exercice d’autodérision, cachant en filigrane un regard incisif sur l’image des acteurs et leur rapport au public, Guillaume Canet, s’il n’évite pas quelques longueurs, remporte son pari et signe avec Rock’N Roll une comédie réussie.

Synopsis : Guillaume Canet, 43 ans, est épanoui dans sa vie, il a tout pour être heureux. Sur un tournage, une jolie comédienne de 20 ans va le stopper net dans son élan, en lui apprenant qu’il n’est pas très « Rock », qu’il ne l’a d’ailleurs jamais vraiment été, et pour l’achever, qu’il a beaucoup chuté dans la «liste» des acteurs qu’on aimerait bien se taper… Sa vie de famille avec Marion, son fils, sa maison de campagne, ses chevaux, lui donnent une image ringarde et plus vraiment sexy… Guillaume a compris qu’il y a urgence à tout changer. Et il va aller loin, très loin, sous le regard médusé et impuissant de son entourage.

« Je » Dangereux

Nul ne semblait pouvoir arrêter Guillaume Canet sur la route du succès ! Surtout après les triomphes  retentissants de Ne le Dis à Personne, qui lui valut entre autres le césar du meilleur réalisateur, et Les Petits Mouchoirs, deuxième plus grand succès commercial de 2010 en France, avec près de 6 millions d’entrées. Ces deux films lui ont ouvert les portes de l’Amérique, lui permettant de travailler avec Clive Owen et Billy Crudup avec Blood Ties, polar brut et remake des Liens du Sang de Jacques Maillot. Et ce fût la chute : le film, pourtant de très bonne facture, est incompris, divise la critique et ne trouve pas son public. Canet est par la suite victime selon ses dires d’un burn-out, vraisemblablement dû à cet échec. Cela le contraint de se retirer de la réalisation pendant un temps. C’est peut être durant ce laps que germa l’idée de Rock’N Roll : puisque plus de trois ans après, il est de retour avec une farce où il plonge directement le spectateur dans son intimité… et dans sa crise de la quarantaine !

Car tel est le postulat du film : regarder Guillaume Canet interpréter Guillaume Canet, acteur ayant plus qu’assez de véhiculer une image de « gendre idéal », cantonné aux rôles dramatiques et intériorisés si représentatifs de notre cinéma hexagonal. Talentueux et sobre pour les uns, dépassé et ringard selon les autres. C’est ce deuxième regard qui le fera littéralement exploser de ses gonds, le poussant à retrouver une nouvelle jeunesse tant physique que morale. La première partie laisse pourtant craindre du pire, avec facilités potaches, humour douteux et beaucoup de longueurs. Sa douleur au testicule gauche par exemple, bien que symbolique puisque prémices de l’introspection à venir, est trop appuyée pour être véritablement drôle. De même, le film aurait  gagné à être plus efficace s’il avait pu être amputé de quelques minutes. Mais cet exercice dans l’autodérision prend toutefois son envol de manière plus soutenue au fur et à mesure de l’avancée du long métrage et devient de plus en plus drôle quant aux crises du principal intéressé et du regard abasourdi de ses proches. Il est en effet assez jouissif de voir Guillaume Canet jouer un rock endiablé devant des bambins à un goûter d’anniversaire, prendre des rails de cocaïne et finir vidéo numéro un sur Youtube, ou tout simplement se transformer physiquement. L’autodérision va alors plus loin et prend progressivement la forme d’une autodestruction : Canet arrive dans sa seconde partie à exploiter au maximum son concept de base avec un élément principal dont nous tairons la substance et les aboutissants, laissant ainsi la surprise totale au spectateur.

Du rire intelligent

Déjà présente dans certaines comédies françaises (Ma Femme est une Actrice d’Yvan Attal, d’ailleurs pleinement référencée dans le film, mais aussi Le Bal des Actrices de Maïwenn ou encore Grosse Fatigue de Michel Blanc), cette introspection ironique montre également une critique plutôt acerbe de la société actuelle, et plus particulièrement celle de consommation de l’information à travers les médias. Nous arrivons en effet à un stade où les acteurs, artistes et autre artisans du spectacle sont catalogués, rangés dans des cases, non pas à cause de l’image qu’ils véhiculent, mais à cause de l’image qui leur est prise Par qui ? Les paparazzis, la presse à scandale, les médias en général, et donnant par conséquent carte blanche au public de jouer les arbitres et de fonder son propre jugement et ressenti vis-à-vis de ces artistes. A tel point que, comme le montre Rock’N Roll, si l’image renvoyée est volontairement balayée et tordue par l’artiste lui-même, la réaction, immédiate, est violente et choquée. Un simple bouleversement, dû à la banalisation de nos impressions, entraîne un manque de repères et donc une incompréhension qui amène à la critique facile. Point de vue plutôt intéressant et inédit au cinéma, surtout dans le domaine de la comédie française.

Le film marque également des points dans son refus du caractère autocentré. Car bien que Canet soit de tous les plans, le film n’existerait pas sans sa galerie de seconds rôles savoureux. Impossible ainsi de ne pas mentionner Marion Cotillard, dont la moindre apparition provoque irrémédiablement le sourire, voire le rire, le plus conquis. Si son mari symbolise les has been, elle constitue tout simplement son exact opposée : actrice désormais internationale, sur-investie dans la préparation de ses rôles, sujet à bon nombre de récompenses, césars et oscars en tête. La voir en pleine dispute avec son conjoint en utilisant l’accent québécois (puisque son tournage avec Xavier Dolan est très proche…), être émue aux larmes à la confection de son potager d’appartement ou encore grimée en Céline Dion dans un numéro musical en pleine nuitée confirment son aise dans le registre de la comédie. Nous pouvons également ajouter Yvan Attal, en pleine colère noire avec son frère dû au comportement de Guillaume, ou encore Johnny Hallyday, qui malgré le poids des années, n’a décidément rien perdu de son côté « rock’n roll », donnant lieu à des séquences assez savoureuses.

Ainsi, sous ses airs de comédie potache et d’égocentrisme appuyé, surtout souligné par la bande annonce et le début plutôt longuet du film, Rock’N Roll dépasse le simple exercice de style. Sous prétexte, avec une bonne dose de second degré,  de se moquer ouvertement de lui-même, Guillaume Canet revient en forme derrière la caméra et nous rend une satire intelligente du monde du show business.  

Rock’N Roll: Bande-annonce

Rock’N Roll: Fiche technique

Réalisation : Guillaume Canet
Scénario : Guillaume Canet, Philippe Lefebvre et Rodolphe Lauga
Interprétation : Guillaume Canet (Guillaume Canet), Marion Cotillard (Marion Cotillard), Philippe Lefebvre (Philippe Lefebvre), Yvan Attal (Yvan Attal), Camille Rowe (Camille Rowe), Gilles Lellouche (Gilles Lellouche), Kev Adams (Kev Adams), Maxim Nucci (Maxime Nucci)…
Photographie : Christophe Offenstein
Montage : Hervé de Luze
Son : Remi Daru,, Jean Gourdier et Jean-Paul Hurier
Producteurs : Alain Attal et Xavier Amblard
Sociétés de production : Les Productions du Trésor, Canal +, M6 Films
Distribution (France) : Pathé Distribution
Durée : 123 minutes
Genre : Comédie
Date de sortie : 15 février 2017

France – 2016

Après le succès de Babysitting 1 et 2, Philippe Lacheau amène un vent de fraîcheur dans le genre de la comédie française, qui se repose trop sur ses acquis. Alors, Alibi.com est-il une réussite prête à renouveler le genre ou une énième comédie bien trop sage ?

La nouvelle comédie de Philippe Lacheau était attendue au tournant. Révélés au grand public par la surprise Babysitting, Lacheau et sa bande ont connu un accueil inattendu (2 millions d’entrées). Réitérant leur recette magique dans la foulée, Babysitting 2 n’était qu’une redite du premier volet fonctionnant exactement sur le même schéma, mais les 3 millions d’entrées ont encouragé l’équipe à retourner dans les salles obscures très rapidement. Lacheau, cette fois seul à la réalisation, retrouve ses amis Tarek Boudali et Julien Arruti pour la comédie Alibi.com. Ayant jusque là apporté des innovations au genre de la comédie  française bien trop paresseuse, on pouvait se demander si Alibi.com allait confirmer les vétérans de la « bande à Fifi » comme pionniers d’un certain renouveau. Alibi.com est finalement une comédie à l’humour gras mais bien rythmée, qui malgré une formule bien trop classique, connaît quelques séquences inspirées.

Une comédie convenue mais encourageante

Alibi.com surprend avant tout par son casting. L’équipe qui a tenté de financer en vain pendant des années une parodie du Titanic, peut désormais s’offrir Nathalie Baye ainsi que de nombreux caméos, de Norman Thavaud à Kad Merad. Et c’est avant tout dans son prologue et son défilé de stars qu’Alibi.com réussit. A ce moment-là le concept semble fort, drôle et original. Cependant l’histoire balaye rapidement le quotidien de l’agence experte en mensonges pour se concentrer sur la romance de Philippe Lacheau et Elodie Fontan. On ne retrouvera une séquence similaire au prologue qu’à la fin du film. Dès que les enjeux de l’histoire sont posés, le film devient bipolaire. Alibi.com alterne entre des passages éculés et archétypaux et des séquences absurdes et délirantes. Le personnage de Didier Bourdon se retrouve dans le même hôtel que sa femme et sa fille, alors qu’il était censé passer un week-end en douce avec sa maîtresse jouée par l’hilarante Nawell Madani. Le pitch original du film s’efface donc rapidement pour donner des scènes convenues et téléphonées. La maîtresse et son amant ne partagent finalement que très peu de scènes ensemble, et les enjeux du film sont très vites désamorcés tant les personnages de Nathalie Baye et Didier Bourdon se rabibochent rapidement. Mais là où le film fait rire, c’est lorsqu’il s’éloigne de son intrigue vue et revue pour offrir des séquences comiques pleines de références. Retour vers le futur, Star Wars, Fast and Furious ou encore Assassin’s Creed, les hommages à la culture geek et populaire sont nombreux. C’est lors de ces passages qu’on retrouve l’humour décalé, propre à la « bande à Fifi ». Philippe Lacheau pourrait exceller dans une parodie semblable à la saga Scary Movie, s’éloignant ainsi des comédies populaires trop codifiées.

Un film sauvé par sa rare audace

Cette comédie ne serait finalement qu’un alibi pour les producteurs, afin que la bande de Philippe Lacheau s’amuse lors de ces passages déconnectés de l’histoire mais burlesques et délirants. Malheureusement, la comédie reste globalement trop gentillette mais surprend parfois en jouant sur des codes propres aux comédies françaises. Certaines facilités scénaristiques du début sont excusées grâce à l’écho comique qu’elles trouvent lors de l’épilogue. D’un côté, le film a conscience de ces codes et en joue, mais de l’autre côté, il en use grossièrement, rendant trop visibles ces ficelles scénaristiques. Bien qu’éculées, certaines scènes sont quand même agréables grâce à un sympathique ensemble d’acteurs. Nathalie Baye se laisse aller à un twerk avec Didier Bourdon. Philippe Lacheau ne surprendra pas par son jeu, incarnant de la même manière Greg que son héros du diptyque Babysitting. Mais une réelle alchimie se dégage entre le cinéaste et sa partenaire Elodie Fontan. Les personnages secondaires sont assez oubliables et finalement peu essentiels au film, si ce n’est pour quelques répliques bien placées. On reprochera au film son côté brouillon, alternant entre deux identités bien distinctes. Alibi.com est plein de bonne volonté et l’on ressent un humour insolent qui gagnerait à être développé.

Malheureusement le métrage reste significatif du paysage comique et cinématographique français qui peine à être dépoussiéré. Là où Alibi.com pourrait assumer son délire jusqu’au bout, il décide de se complaire dans la facilité, retardant une fois encore un potentiel renouveau de la comédie française au cinéma.

Alibi.com : Bande-annonce

Synopsis : Greg a fondé une entreprise nommée Alibi.com qui crée tout type d’alibi. Avec Augustin son associé, et Medhi son nouvel employé, ils élaborent des stratagèmes et mises en scène imparables pour couvrir leurs clients. Mais la rencontre de Flo, une jolie blonde qui déteste les hommes qui mentent, va compliquer la vie de Greg, qui commence par lui cacher la vraie nature de son activité. Lors de la présentation aux parents, Greg comprend que Gérard, le père de Flo, est aussi un de leurs clients…

Alibi.com : Fiche technique

Réalisation : Philippe Lacheau
Scénario :  Philippe Lacheau, Julien Arruti et Pierre Dudan
Interprètes : Philippe Lacheau (Grégory), Elodie Fontan (Flo Martin), Julien Arruti (Mehdi), Tarek Boudali (Augustin), Nathalie Baye (Mme Martin), Didier Bourdon (Gérard Martin)…
Photographie : Dominique Colin
Musique :  Loïc Van Zon
Directeur du casting : Meriem Amari
Chef monteur : Olivier Michaut-Alchourroun
Chef décorateur : Samuel Teisseire
Directeur de production : Carole Bonamy
Chef costumier : Eve-Marie Arnault
Chef costumier : Olivier Michaut-Alchourroun
Productrice :  Alexandra Fechner
Producteur exécutif : Franck Milcent
Sociétés de production : CN5 Productions, Fechner Films et TF1 Droits audiovisuels
Participation : Canal +, TF1
Distribution : Studiocanal
Genre : comédie
Durée : 90 minutes
Date de sortie : 15 février 2017

France – 2017

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Comme il est coutume de le dire, Dans la Forêt est à éviter si vous avez peur de vous retrouver perdu dans des bois hantés par le diable. En vérité, Dans la Forêt est surtout à éviter si vous vous moquez de ceux qui ont peur des bois hantés. Oserez-vous vous y aventurer ?

Synopsis : Tom et Benjamin, deux frères de 8 et 12 ans, vont retrouver en Suède leur père qu’ils n’ont plus revu depuis un an. Ce dernier leur a réservé une belle surprise : Une randonnée en forêt et quelques jours dans une cabane isolée. Avant même le départ, Tom a le pressentiment que les choses vont mal se passer.

Voyage en terres inconnues

Malgré les deux longs-métrages qu’il a depuis réalisés, le nom de Gilles Marchand reste associé au scénario de Harry, un ami qui vous veut du bien, qui conserve depuis plus de 15 ans le statut de thriller le plus malsain du cinéma français. Marchand n’a pourtant pas cessé depuis de travailler avec Dominik Moll, et c’est ensemble qu’ils ont mis au point une quête initiatique, sur les limites de la folie et de l’autorité paternel, qu’ils ont fait le choix radical de situer dans la forêt suédoise et de teinter de fantastique poétique. Comment est née cette idée un peu folle ? Cette question va hanter le visionnage du film et implicitement participer au sentiment malaise. Le véritable trouble va en fait naitre de la relation ambiguë entre Benjamin, Tom et leur père. Si celui-ci ne tenait pas des propos étranges, souvent mystiques, le long-métrage n’aurait été qu’une redite de La Vie Sauvage. Le curieux comportement de ce père va faire naître, avant même qu’ils ne s’aventurent en forêt, une gêne chez les deux jeunes garçons et chez les spectateurs. Un malaise qui ne fera que croître.

S’il est légitime de se demander pourquoi ce choix d’aller filmer son conte onirique dans une région reculée de la Scandinavie, on ne peut nier à Marchand d’avoir réussi à en tirer une atmosphère anxiogène, source d’une perte de repères qui se révèle facétieusement inconfortable. Le travail de la chef op’, du mixeur son mais aussi du compositeur aboutit, dans certaines scènes, à un pouvoir immersif et sensoriel qui sera en fin de compte toute la force de ce long-métrage. En jouant ainsi avec un minimalisme retors avec toutes les terreurs liées à l’enfance, le scénario parvient à toucher un socle commun aux peurs primales des spectateurs, sans jamais avoir recours au moindre effet lourdaud qui plombe le cinéma horrifique de ces dernières années.

Est-ce que Dans la Forêt fait peur ? La réponse est non. Pourtant, sa façon de nous balader dans les angoisses et les divagations d’un jeune garçon livré à lui-même en fait un film fantastique inspiré… jusqu’à ce que son réalisateur s’y perde, et nous avec.

L’une des astuces du scénario est de moderniser les peurs enfantines en faisant du téléphone portable l’unique source de sécurité pour les gamins. Une fois celui-ci disparu, l’absence de lien avec la civilisation va réellement devenir angoissante. Le rapport qu’entretient le père avec cette technologie se révèle d’ailleurs une projection de celle que ses enfants s’imaginent qu’il a à leur égard, puisqu’il travaille dans le domaine des technologies de télécoms mais s’interdit de s’y attacher. Un père aux émotions hermétiques que Jérémie Elkaïm (découvert chez Valérie Donzelli, par ailleurs productrice de ce film) parvient à rendre équivoque, tour à tour réconfortant et menaçant, sans avoir à se montrer violent.

Malgré le talent des acteurs, les scènes d’échange entre ce père et ses fils manquent cruellement d’émotion, marquant le manque-à-gagner dans la caractérisation abstraite de ces personnages, la première maladresse de ce scénario. Plus celui-ci va avancer et plus la limite entre la randonnée bucolique et la plongée en enfer deviendra floue. Il en viendra même un moment où la réalité de ce qui se déroule sous nos yeux perd son caractère réaliste et ne se justifie alors plus que par un pur cauchemar. Le doute est alors de savoir quand est-ce que l’on a basculé dans la part sombre de la perception de cette forêt. Toutefois, se poser la question, c’est déjà admettre que l’on a affaire à une fable surréaliste dont l’on recherche vainement les clefs d’interprétation dans une mise en scène qui reste paradoxalement minimaliste. Dès lors, la confusion prend le pas sur le mystère et le manque de subtilité de l’allégorie devient de plus en plus criant. Le retour brutal à la réalité dans les dernières minutes risque alors de faire l’effet d’une douche froide, révélatrice du manque de finalité du drame psychologique qui vient de s’achever.

Dans la forêt prend le parti pris ambitieux de nous faire partager les peurs d’un enfant envers l’inconnu personnifié par un père insondable et par une ambiance suffocante magnifiquement portée à l’écran. Malgré cette petite réussite formelle, et plutôt que de suivre ce gamin dans la projection de ses frayeurs, le spectateur devra se démener pour retrouver son chemin dans les méandres de la narration fantasmagorique établie par le cinéaste. Suivre les pistes psychologiques et fantastiques qu’il a jalonnées finira par nous mener vers une conclusion brouillonne et décevante. Dommage.

Dans la forêt : Bande-annonce

Dans la forêt : Fiche technique

Réalisation : Gilles Marchand
Scénario : Dominik Moll
Interprétation : Jérémie Elkaïm (Le père), Timothé Vom Dorp (Tom), Théo Van de Voorde (Ben), Mika Zimmerman (L’homme défiguré)…
Photographie : Jeanne Lapoirie
Montage : Yann Dedet
Mixage : Emmanuel Croset
Musique : Philippe Schoeller
Producteurs : Mina Driouche, Jérémie Elkaïm, Valérie Donzelli, Simon Perry…
Productions : Les Films de Françoise
Distribution : Pyramide
Durée : 103 minutes
Genre : Thriller, fantastique
Date de sortie : 15 février 2017

France – 2016

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Avec Noces, Stephan Streker s’inscrit dans la lignée des films qui dénoncent les conditions des femmes à travers le monde.

L’étrangère

Dans la lignée des films sur la condition féminine en Europe et ailleurs, Noces raconte le destin tragique de Zahira qui tente de s’opposer au mariage forcé que prévoient pour elle ses parents d’origine pakistanaise et désormais installés en Belgique. On ne peut s’empêcher en regardant Noces et la manière dont il donne la parole à chaque personnage, dont il évite de juger les agissements et auxquels il offre un espace argumentaire, de penser à Tempête de sable. Les deux films abordent des sujets similaires et sortent à quelques jours d’intervalle. Dans ces deux films, comme dans Hedi sorti il y a quelques mois, les personnages sont confrontés au désir de faire évoluer leur vie autrement que ce qui est prévu par les autres. Trois mariages (Hedi étant un homme) sont donc sur le point d’être annulés. Mais voilà, ces films-là n’ont plus vraiment l’espoir que pouvait avoir Wadja, La source des femmes ou Et maintenant on va où ? Si bien que les héros de nos films sont seuls à se battre. Certes, Zahira est épaulée par sa meilleure amie et le père de celle-ci, mais ils ne voient pas tous les enjeux et tous les obstacles que Zahira doit franchir. Après tout, et elle le dit très bien elle même, elle se bat contre la mort. La honte ne pouvant être effacée que par elle. La mort elle y renonce d’ailleurs au début du film lorsqu’elle demande au médecin qui l’ausculte à partir de quand le fœtus qu’elle porte en elle aura une âme. On voit bien qu’elle ne rejette pas la religion, que ce n’est pas nécessairement elle le problème. Il est plus profond. Pourtant, Zahira a fait des études, comme sa grande sœur aujourd’hui mariée avec « la personne la plus important dans (s)a vie ». Et pourtant, elle non plus ne l’avait pas choisi. Mais on est toujours étonné de voir les mères et les sœurs refuser l’indignation des plus jeunes quand elles-mêmes sont passées par là. Le film montre assez bien que c’est la résignation qui domine. Ainsi, Zahira n’a pas la fougue d’une Lale (Mustang), elle se contente d’essayer de convaincre et d’aimer profondément sa famille.

« Il faut savoir vivre avec son temps »

C’est sur skype que Zahira aura le droit de choisir son futur mari. Et oui, Zahira peut choisir et en plus elle utilise la technologie, ce qui permet à sa mère de lui lancer : « il faut vivre avec son temps ». Voilà donc que la famille profite des avantages d’un occident que pourtant ils ont du mal à comprendre, on le verra dans le discours du père qui fustige celui de la meilleure amie de Zahira. Ses coutumes l’importent et il dit d’ailleurs ne pas remettre en cause celles du pays dans lequel il vit (il prend l’exemple du célibat). La question intervient alors brutalement : nos enfants nous appartiennent-ils ? Le choix de Zahira de ne pas se marier l’éloigne en effet de ce cocon familial dans lequel elle a eu le droit d’étudier et de vivre comme une européenne. La voilà maintenant forcée de quitter tout ce qu’on lui a offert. On se demande alors pourquoi lui faire miroiter une vie qu’elle n’aura pas finalement. Le réalisateur joue avec le poids et la beauté des traditions, filmant, et donc tournant presque en ridicule, un mariage par skype. Vue l’importance que prennent la meilleure amie et son père, ainsi que le petit ami de Zahira, on comprend que le regard est avant tout le nôtre. Voilà pourquoi une question demeure : à qui s’adresse ce film ? Prêche-t-il des convaincus ? Que dit-il de ces coutumes ? Certes, il offre une place de choix au discours de chacun, nous place face à des questions. Mais, comme beaucoup d’autres films déjà cités, sa vision est très occidentale. Nous regardons Zahira avec nos yeux, nous écoutons les points de vue de chacun mais ils nous heurtent. Surtout quand la sœur de Zahira lui explique qu’il ne faut changer que ce qui vaut la peine d’être changé. Aucune des deux femmes que ce soit la mère ou la sœur n’a en effet l’air malheureuse. A ce titre, Noces n’est ni un bon, ni un mauvais film. On pourrait dire que c’est un film nécessaire, mais tout dépend de quel point de vue il doit être regardé et de sa portée réelle au-delà de nos tristes frontières. Ce petit bout de révolution avortée est en tout cas presque un thriller tant la tension monte de minute en minute, c’est aussi une petite aventure. Rien n’est enjolivé ici, les adjuvants sont aussi les opposants. Le conte de fée est bien loin, même celui où ils ne se marièrent pas et n’eurent pas d’enfants. Et dire qu’en France, nous avons réinventé le concept du mariage au premier regard (merci M6 la rétrograde). Le désir de faire bouger les lignes, d’essayer de s’exprimer est vital pour Zahira, mais il ne la rend pas « plus forte que la mort »(pas plus que Fleur de Tonnerre ne l’était dans le film de Stephanie Pillonca). 

Noces : Bande annonce

Noces : Fiche Technique

Synopsis : Zahira, belgo-pakistanaise de dix-huit ans, est très proche de chacun des membres de sa famille jusqu’au jour où on lui impose un mariage traditionnel. Ecartelée entre les exigences de ses parents, son mode de vie occidental et ses aspirations de liberté, la jeune fille compte sur l’aide de son grand frère et confident, Amir.

Réalisation :  Stéphan Streker
Scénario : Stéphan Streker
Interprétation : Lina El Arabi, Sebastien Houbani, Babak Karimi,  Olivier Gourmet, Alice de Lencquesaing, Aurore Marion
Photographie : Grimm Vandekerckhove
Montage : Jerôme Guiot, Mathilde Muyard
Producteurs : Michaël Goldberg,  Boris Van Gils
Sociétés de production : Daylight Films
Distribution (France) : Jour2fête
Durée : 98 minutes
Genre : Drame
Date de sortie : 22 février 2017

 Belgique/Pakistan – 2017

Hamé et Ekoué, du collectif La Rumeur, proposent avec leur 1er film Les Derniers Parisiens, un voyage rythmé et ultra-réaliste au cœur du quartier de Pigalle à Paris.

Les invisibles

On entre au cœur des Derniers Parisiens in medias res. En plein cœur de l’action parce que pour bien connaître les gens, comme le dit si bien Reda Kateb, « il faut passer du temps avec eux ». C’est tout le programme du film dont l’ambition est de nous offrir un petit bout de France, une histoire de générations. Ce petit bout de France, c’est Pigalle, peu à peu délaissé à regret par ceux qui l’ont peuplé autrefois. Le peuple a les poches trouées. On le prie de bien vouloir quitter Paris (d’où le titre du film). Deux générations font ce film : celle du personnage interprété par Slimane Dazi, décimée, et celle représentée par Nas (Reda Kateb) qui a vu les grands frères et les pères tomber. Génération sans repère dont sont issus les réalisateurs Hamé et Ekoué (Nas a 35 ans dans le film, les réalisateurs environ 40 ans). « La Rumeur » est leur collectif, un rap qu’ils traînent dans de nombreuses villes de France depuis les années 90. Cette énergie du texte se ressent dans les dialogues des Derniers parisiens. De punchlines en joutes oratoires, on se parle ici sans sentiment (ça ne veut pas dire qu’on ne les ressent pas). La galère est le ciment de l’action. Nas est de ceux qui refusent de baisser la tête face aux compromis d’intégration de la génération précédente.

Qu’un seul tienne et les autres suivront

Plus qu’une relation fratricide, Ekoué et Hamé racontent des gestes et des visages, bref des gens. Chaque second rôle trouve sa place et enrichit ce portait d’un Paris inhabituel au cinéma. Les réalisateurs sont dans l’arène, telle que l’était la caméra de Léa Fehner dans Les Ogres. D’ailleurs Léa, Ekoué et Hamé ont un atout en commun : l’organique et félin Reda Kateb qui magnétise la caméra. Ekoué et Hamé ne sont donc pas tel Romain Duris (dans le Paris de Klapish) qui regarde ses sujets parisiens de haut (depuis son balcon), mais des cinéastes humanistes qui vivent leur sujet, lui collent aux baskets sans relâche. Ils parviennent surtout à parler de marge, de banlieue, de rupture sans violence, et surtout au cœur de Paris.  Un sacré tour de force, une écriture rythmée qui leur permet de construire un récit, une progression qui se passe d’explications psychologisantes à l’écran. Seule une scène qui réunit les deux frères sur la fin est un embryon brillant d’explication. Mais elle ne dure pas plus de 4 minutes. Les personnages ne se plaignent pas vraiment, ils avancent. Certes, ils font fi de la morale et tel un SDF, qui devient  presque un fantôme, en tout cas un fil rouge, ils se débrouillent comme ils peuvent quitte à retourner à la case départ. C’est qu’ils veulent exister et qu’enfin le cinéma a le courage d’oser les filmer sans fard, sans idée préconçue. Et ça c’est déjà tout un art, en tout cas un manifeste qu’on est plus que prêts à soutenir en allant dans les salles partager ce moment de cinéma populaire au sens noble du terme.

Les Derniers Parisiens : Bande annonce

Les Derniers Parisiens : Fiche Technique

Synopsis : Tout juste sorti de prison, Nas revient dans son quartier, Pigalle, où il retrouve ses amis et son grand frère Arezki, patron du bar Le Prestige. Nas est décidé à se refaire un nom et Le Prestige pourrait bien lui servir de tremplin…

Réalisation : Hamé et Ekoué
Scénario : Hamé et Ekoué
Interprètes : Reda Kateb, Slimane Dazi, Melanie Laurent,  Yassine Azzouz, Constantine Attia, Bakary Keita, Willy L’Barge
Photographie : Lubomir Bakechev
Musique : Demon Pepper Island
Montage : Karine Prido
Production : Benoit Danou, Hamé, Ekoué, Christophe Bruncher, Yacine Boucherit
Sociétés de production : La Rumeur Filme, Canal+, Ici et là Productions
Société de distribution : Haut et court
Genre : Drame
Durée : 105 minutes
Dates de sortie : 22 février 2017

France – 2017