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En un peu plus d’un siècle, on ne compte plus les adaptations du Peter Pan de James Matthew Barrie. Et encore moins celles qui ont fait date. Aux côtés du film animé de Disney (qui popularisa massivement le personnage), Hook ou la revanche du Capitaine Crochet tient en ceci une vraie place de choix. Et s’il n’est assurément pas le blockbuster le plus convaincant de son auteur, il est sûrement l’un des plus personnels.

Hook est un film mû par une idée formidable, offrir une suite à l’histoire de Peter Pan. Idée formidable mais pas forcément inédite puisque J.M Barrie lui-même en posa les bases. En effet, quatre ans après la production de Peter Pan (qui fut une pièce avant d’être un roman), il ajoute une scène intitulée Après coup dans laquelle Peter revient chercher Wendy. Cette dernière mariée et mère ne peut le suivre et il propose alors à Jane, la fille de Wendy de le suivre. On apprend alors qu’un cycle éternel se met en route où chaque descendance de Wendy sera amenée au Pays Imaginaire. Les plus attentifs auront reconnu le point de départ du très mauvais Peter Pan 2 – Retour au Pays Imaginaire produit par Disney en 2004.

Hook prend aussi pour base ce dernier chapitre mais le fait dériver par un « What if ? » des plus savoureux. Et si Peter Pan était tombé amoureux de la petite-fille de Wendy ? Et si il avait décidé de ne plus jamais retourner au Pays Imaginaire ? Initié par Spielberg lui-même, le projet nait en 1985 chez Disney. Pensé comme une suite au film d’animation, et non au roman, Hook se rêve d’abord en comédie musicale. Et pour jouer Peter, qui mieux que la star la plus représentative du syndrome de Peter Pan : Michael Jackson ! Intéressé, il refuse finalement car la vision d’un Peter ayant oublié son passé ne lui convient pas. On murmure que David Bowie était aussi envisagé en Crochet.

Le projet mute alors et passe chez Paramount avec un scénario de James V. Hart et Dustin Hoffman pour tenir le rôle de Crochet (dans une performance cabotine restée dans les mémoires). Alors que la pré-production est entamée, Spielberg quitte le navire pour se consacrer à son premier enfant, Max. Il estime ne plus jamais y revenir après Empire du Soleil en 1987 où il pense avoir fait le tour du sujet de l’enfance. Entre-temps, le projet continue avec un nouveau scénariste et un nouveau réalisateur, Nick Castle (LE Mike Myers de Halloween). Hoffman toujours à bord, c’est Robin Williams qui signe pour le rôle de Peter Pan mais tous les deux ont des différends créatifs avec Castle. Spielberg fait alors son retour, modifie le script et se lance dans l’aventure Hook pour Tristar Pictures. Pour anecdote, certains dialogues de La Fée Clochette sont ré-écrits par la regrettée (et non-créditée) Carrie Fisher. A Hoffman et Williams s’ajoute Bob Hoskins en Mouche et Julia Roberts en Fée Clochette (surnommée Tinkerhell sur le plateau pour ses caprices) pour le casting.

Hook conte ainsi l’histoire de Peter Banning, orphelin recueilli à Londres par Wendy et marié depuis à sa petite-fille Moïra. Vivant désormais aux États-Unis, il est devenu un avocat de 40 ans obsédé par son travail et père de deux enfants qu’il néglige. Alors que la famille part pour les vacances de fin d’année à Londres, notamment pour un gala en hommage à Wendy, les enfants de Peter sont kidnappés par le Capitaine Crochet. Wendy révèle alors à Peter ce qu’il a oublié, à savoir qu’il est Peter Pan et qu’il doit aller au Pays Imaginaire sauver ses enfants.

Steven Spielberg n’aime pas Hook. L’affirmation peut choquer mais elle provient de Spielberg lui-même qui déclare en 2013 : « Je veux revoir Hook encore car je n’aime tellement pas ce film que j’espère qu’un jour, je le reverrais et aimerais quelque chose. ». Les propos sont durs mais déjà amorcés en 2011 quand Spielberg, durant une interview pour Tintin, déclare ne pas être fier des séquences au pays Imaginaire. Il n’aime notamment pas la direction artistique choisie où son imagination s’est résumée à construire des décors et peindre des arbres en bleu et rouge. Il regrette de ne pas avoir eu la technologie lui permettant de créer digitalement le Pays Imaginaire.

En vérité, Spielberg a partiellement raison. Si l’emploi des effets pratiques et les décors monumentaux créés pour le film font mouche, Hook souffre d’un univers paradoxalement limité par les murs de son gigantesque studio dans une époque déjà passée à autre chose. Le film ressemble à l’attraction Pirates des Caraïbes, il est fastueux, fourmille de détails mais n’offre aucune ligne d’horizon au-delà de sa charmante artificialité. Pire, Hook est probablement l’unique film de Spielberg contaminé par l’esprit marketeux des costards-cravates. Pensé pour coûter 50 millions, l’économe Spielberg (peu habitué des dépassements) reconnaitra avoir merdé sur Hook en ayant pris plus de temps que d’habitude à tourner. Le film finira par coûter entre 60 et 80 millions, une somme colossale pour l’époque. En son temps, il sera l’un des cinq films les plus chers de tous les temps.

Dès lors, Hook ne devait pas se planter et le pacson de produits dérivés l’accompagnant devait être soutenu par un film commercialement efficace. Ainsi, dans un souci d’identification au public des 80’s-90’s, Hook fait des concessions et imagine des enfants perdus jouant au basket, des pirates en partie de base-ball, un punk asiatique du nom de Ruffio faisant de la voile sur un monorail de parc d’attractions,… Autant d’éléments faisant pénétrer crassement le contemporain au Pays Imaginaire, dont l’identité est paradoxalement d’être un espace immuable et imperméable au monde extérieur.

Grosse machine commerciale s’il en est, craftée cependant par le maître du divertissement, Hook marche finalement un peu sur la tête en s’avérant à la solde de ce(ux) qu’il(s) dénonce(nt). En transformant Peter Pan en Peter Banning, l’enfant qui ne voulait pas grandir en pirate de la finance, Hook part bien sûr avec l’intention de ramener l’enfant dans l’adulte. Paradoxalement, Hook s’avérera alors le véhicule d’une idéologie qui ne coïncide pas avec son statut de blockbuster prévu pour vendre des jouets McDo. Il est plutôt le (gentillet) début d’une escalade merchandising très 90’s dont on perçoit encore les secousses aujourd’hui. D’autant plus que Hook, s’il ne sera pas un échec, verra ses résultats en deçà des attentes espérées.

Mais le plus grand drame de Hook, c’est finalement de ne jamais se remettre (comme beaucoup d’œuvres sur Peter Pan) de son incroyable premier acte. Car on peut aimer ou non le film, ces 40 premières minutes sont tout bonnement exceptionnelles. Legacyquel tordu avant l’heure, Hook pose brillamment ses personnages et retraverse le mythe de Peter Pan avec l’émotion et la mélancolie du conte d’origine. Ce dernier est d’ailleurs présent et existant dans l’univers du film (On cite Barrie, le film s’ouvre sur une représentation de la pièce,…), nourrissant plus qu’habilement le script.

Il faut voir une Maggie Smith bouleversante en Wendy âgée, portant les yeux sur son amour de jeunesse ou bien ce senior orphelin cherchant désespérément ses billes pour mesurer la déférence et l’amour à l’œuvre de Barrie. Le tout confluant dans l’une des plus belles scènes de la carrière de Spielberg où, lors du discours hommage de Peter à Wendy, de vieux monsieurs se lèvent pour envoyer des baisers à travers la salle. En 40 minutes brillantes, Spielberg offre une leçon absolue de story-telling, de mise en scène, de direction d’acteurs qui bifurquera ensuite vers son schéma plus spectaculaire et un tantinet plus convenu. Non sans avoir offert avant une séquence d’enlèvement traumatique (et ses conséquences), source de nombreux cauchemars.

La réflexion sur le mythe de Peter Pan ne sera pas reléguée aux oubliettes pour autant, le film connait sur le bout des doigts son sujet et travaille en profondeur les figures et thématiques de Barrie. Peut-être trop finalement, au point de ne pas avoir grand chose à raconter en dehors. En cela, il existe des scènes formidables dans la seconde partie de Hook mais aucune n’a vraiment trait au plaisant mais convenu film d’aventures en jeu. Toutes sont ainsi des scènes d’émotions pures enrichissant les figures bien connues : Crochet suicidaire et obsédé par le temps qui passe, l’amour de Clochette pour Peter, le regard d’un enfant sur Peter, comment Peter s’est retrouvé à Neverland,… Hook comprend Peter Pan à un point atteint par aucune autre œuvre sur le sujet, mais sans vraiment pouvoir cohabiter avec les impératifs de divertissement en jeu. C’est là où le bât blesse.

Et il y a bien sûr Spielberg, qui parle ici de lui à cœur ouvert, exorcisant dans la relation entre Peter et son fils Jake son propre rapport à la paternité. D’une part, lui, ayant souffert d’un père obsédé par son travail. D’autre part, en forme d’avertissement à lui-même, jeune papa, sur le besoin de rester un enfant et de ne pas complètement devenir un adulte au risque d’être un pirate (ce que Wendy verbalise). Dans une ironie toute Hollywoodienne, Spielberg est ce mogul du cinéma, pourvoyeur d’un imaginaire gouleyant et c’est sur Hook, probablement son œuvre la plus commerciale, qu’il se met en garde à ne pas devenir Crochet. Le financier successfull doit rester autant que possible ce petit garçon qui rêve, être aux côtés de ses enfants et ne pas se laisser avaler par son propre empire. Dans un exercice d’auto-analyse fait film, que ses quelques lignes ne feront qu’effleurer maladroitement, Spielberg se projette comme jamais dans Peter Banning. Au point de lui donner un visage très similaire au sien dans cet homme-enfant qu’était le regretté Robbie Williams.

Hook est aujourd’hui une madeleine de Proust pour toute une génération, fortement attaché au culte actuel de son époque de production. Finalement plus intéressant et vertigineux dans son fond qu’il n’est efficace ou réussi en termes de divertissement, il a le mérite d’éclairer sur son auteur à un moment précis de sa carrière. Tout en offrant au mythe de J.M Barrie l’une de ses plus belles lettres d’amour.

Franchement, pour un ratage, Steven, c’est plutôt un beau ratage !

Hook ou la revanche du Capitaine Crochet : Bande-annonce

Hook ou la revanche du Capitaine Crochet : Fiche Technique

Réalisation : Steven Spielberg
Scénario : Jim V Hart, Malia Scotch Marmo, Nick Castle, J.M. Barrie
Interprétation : Dustin Hoffman, Robin Williams, Julia Roberts, Bob Hoskins, Maggie Smith
Image : Dean Cundey
Montage : Michael Kahn
Musique : John Williams
Société de production : Tristar Pictures, Amblin Entertainment
Durée : 195 minutes
Date de sortie : 1 avril 1992

États-Unis – 1991

Tout comme cette année 2018, Spielberg était sur tous les fronts en 1993 où il assurait à la fois deux projets : Jurassik Park et La Liste de Schindler. Deux œuvres ambitieuses au ton radicalement différent, à l’image de Pentagon Papers et Ready Player One dont les sorties sont respectivement en janvier et mars 2018. La Liste de Schindler dure trois heures, mais regarder ce chef d’œuvre ne sera pas une perte de temps. En revanche, il faut avoir le cœur accroché parce que la partie de l’histoire que Spielberg choisit de raconter n’est pas la plus facile à supporter.

Synopsis : Évocation des années de guerre d’Oskar Schindler, fils d’industriel d’origine autrichienne rentré à Cracovie en 1939 avec les troupes allemandes. Il va, tout au long de la guerre, protéger des Juifs en les faisant travailler dans sa fabrique et en 1944 sauver huit cents hommes et trois cents femmes du camp d’extermination d’Auschwitz-Birkenau.

Dans La liste de Schindler, Spielberg prend son temps pour préparer le spectateur à ce qu’il va voir. Avec une première partie qui peut sembler un peu longue, le réalisateur ne néglige jamais les victimes de ce drame humain et nous présente d’ailleurs à l’ensemble de cette population pendant une bonne durée du film. L’œuvre est un hommage aux personnes disparues dans ces atrocités, un hommage froid rempli pourtant de délicatesse et de sobriété. Le metteur en scène plonge les spectateurs dans un noir et blanc dans lequel on lit tous les détails qui rendent aussi bien compte de la monstruosité de la guerre que de l’humanité persistante des Juifs. La sincérité avec laquelle Spielberg tourne ce film donne des images franches, brutes, souvent dures à regarder qui livrent un  violent aperçu de la réalité. Quelque chose d’assez spécial émane de ce film, on imagine une équipe de tournage silencieuse presque en deuil durant les prises à l’inverse de ce qui se déroule sous leurs yeux et  de la violence des actions. On ressent à la fois une impression que beaucoup de bruits sont étouffés alors que ceux que l’on entend sont forts et atroces, comme le contraste entre la douceur de la neige et la cruauté des scènes qui s’y déroulent. 

Mais si les émotions sont si grandes dans La liste de Schindler, ce n’est pas seulement dû à ce qui est montré, c’est aussi grâce à la charge émotionnelle que les acteurs provoquent. Liam Neeson prouve l’immensité de son talent dans ce rôle d’Oskar Schindler avec des expressions faciales grandioses. Spielberg a d’ailleurs ici l’intelligence de ne pas lisser son personnage en ne faisant pas uniquement de cet homme, un héros, mais aussi quelqu’un qui sert ses propres intérêts en aidant les Juifs. Neeson est accompagné de deux acteurs qui ne passent pas inaperçus dans des rôles littéralement opposés. L’humanité de Ben Kingsley est aussi brillante à l’écran que la barbarie de Ralph Fiennes qui n’est autre que le célèbre acteur jouant Voldemort.

Les mélodies de John Williams sont dramatiques et ne peuvent qu’appuyer le ton tragique du film. Plusieurs scènes relèvent du génie de Spielberg : l’erreur d’aiguillage renverse littéralement les émotions du spectateur qui comprend vite le problème. La scène de la douche est avec celle des corps exhumés l’une des plus fortes du film de par son intensité émotionnelle. On ne peut s’empêcher d’avoir des frissons sur toute la scène finale où l’on saisit toute l’émotion de Schindler, de qui la guerre a fait ressortir toute l’humanité. Pour en venir au titre, la liste est à la fois celles des noms des Juifs que Schindler sauve mais aussi celle que les Allemands font au début du film pour emmener les Juifs. Si dans cette dernière, elle les entraîne vers la mort, on essaiera de se concentrer sur celle qui les fait survivre.

La Liste de Schindler : Bande-Annonce

La Liste de Schindler : Fiche Technique

Titre original : Schindler’s List
Réalisation : Steven Spielberg
Scénario : Steven Zaillan
Interprétation : Liam Neeson, Ben Kingsley,  Ralph Fiennes
Image: Janusz Kaminski
Montage: Michael Kahn
Musique: John Williams
Décors : Allan Starski, Ewa Braun
Costumes : Anna B. Sheppard
Producteur(s): Branko Lustig, Gerald R.Molen, Steven Spielberg
Société de production : Universal Pictures, Amblin Entertainment
Distributeur : United International Pictures (UIP)
Budget : 25 000 000 $
Récompenses : Oscars du meilleur film, réalisateur, scénario adapaté, photographie, décors, montage, musique / BAFTA meilleur, réalisateur, meilleur acteur dans un second rôle, scénario adapté, musique, photographie, meilleur film, montage / 3 prix aux Golden Globes 1994
Durée : 195 minutes
Genre : historique, drame, guerre, biopic
Date de sortie : 2 mars 1994

États-Unis – 1994

Après un opus ayant prôné un exotisme quasi jusqu’au-boutiste (Indiana Jones et le Temple Maudit) et l’évocation d’une enfance meurtrie par la Seconde Guerre Mondiale (Empire du Soleil), Steven Spielberg avait comme qui dirait besoin de rêver. A nouveau. Et quand le plus grand entertainer de la planète s’empare d’une relique mythique – le Graal – et en fait la clé de voute d’une réunion père-fils déterminante pour le salut du monde, ça donne Indiana Jones et la Dernière Croisade, divertissement habile, haletant & doublé d’une malice incroyable !

La carrière de Steven Spielberg a souvent été émaillée de films aux airs de réponses. Des réponses aussi bien adressées aux traumas que lui réalisateur a vécus, mais aussi à la société et ses dérives. Et si on peut citer son tout récent Pentagon Papers comme l’oeuvre incarnant la réponse à l’ère Trump sclérosée par les mensonges et fake news massivement véhiculés, il ne fait aucun doute que Indiana Jones et la Dernière Croisade se veut comme sa réponse à l’industrie dans laquelle il est né. Car dans les années 80, l’entertainer déjà bien dans ses bottes se cherche une certaine légitimité ; étant encore pour la critique ce golden-boy certes doué mais encore très puéril. Suivront alors deux films : La Couleur Pourpre (1985) et Empire du Soleil (1987). Deux opus à ranger dans la case sérieux du réalisateur qui n’auront toutefois pas l’accueil espéré et laisseront l’américain amer pour ne pas dire dépité. Et de ce désaveu naîtra paradoxalement l’un de ses meilleurs divertissements, sachant allier figure prégnante de sa filmographie – la quête du père- à tout ses talents de story-telling, le tout correctement assaisonné de malice : Indiana Jones et la Dernière Croisade.

Le top du divertissement !

A l’époque, son objectif était clair : clore la trilogie. Et après un opus qu’il estime rétrospectivement raté – l’humour tache du personnage de Kate Capshaw et la veine sombre/horrifique étant trop éloignée de sa sensibilité-, Spielberg s’est mis en tête de revenir aux racines de son personnage. Le mythe de 1981 trouve ainsi un point de départ en une intro tonitruante grimée en flashback qui a vite fait d’illustrer avec toute la malice qui le caractérise, le génie du réalisateur pour la narration. Car en l’espace de 15 minutes, sublimées par un River Phoenix grimé en un jeune Indiana Jones, on apprend tout du personnage : sa peur chronique des serpents, l’origine de son Fedora, son attrait pour l’archéologie, sa faculté à foncer tête baissée et même l’origine de son fouet. Le tout emballé dans un montage énergique et déjà imprégné de la folie de son auteur. Car si on pouvait juger un certain réalisme dans les deux premières moutures de l’archéologue, ici, il semble délaissé au profit de l’humour. Et comme souvent chez lui, quand il injecte avec la même emphase, malice et humour, ça donne un cocktail furieusement drôle dans lequel il s’autorise tout, même des gros morceaux d’action à la limite du cartoon entre une poursuite en bateau dans un Venise de carte postale et une bagarre sur un char en état de marche. Mais l’immixtion du rire est surtout dûe à ce qui fait le sel du métrage et l’insère surtout dans la filmographie de son auteur : la relation au père.

La quête du père comme moteur narratif

Car là ou ce troisième opus innove, c’est en privilégiant l’effort de groupe et en joignant à la quête principale – celle du Graal- une autre éminemment plus personnelle pour Indy : celle de son père. Incarné par Sean Connery, il est au même titre que le Graal, un pivot narratif du film. Non seulement il motive l’intrigue générale (c’est son enlèvement au début du film qui convainc Indy de se rendre à Venise) mais en plus, c’est sa réconciliation avec Indy et leur duo qui procure les plus belles scènes (et les plus drôles). Rien qu’à l’écriture de ces lignes, on n’en oublie ainsi pas de penser à ces répliques scandées avec malice par Connery (« Ces gens essaient de nous tuer !  C’est nouveau pour moi ! », « Qu’est-ce qui se passe à 11h ? », « Elle parle en dormant »), ou la verve comique qui se dissimule un peu partout. Certains argueront que cette propension à insuffler un esprit de groupe et même de l’humour dessert le personnage, mais Spielberg fait tout l’inverse pratiquement : il injecte une dose d’humanité et de trauma à un personnage déjà passablement éprouvé par les pires rebuts de l’humanité – les nazis- ; tout en distillant au sein d’un divertissement populaire et accessible, son thème de cœur. Un bon moyen pour rendre le film non seulement drôle, ludique, accessible et son héros, universel et légendaire.

En injectant une dynamique de buddy-movie à une quête effrénée à un artefact légendaire, Steven Spielberg réussit à faire de Indiana Jones et la Dernière Croisade, l’opus le plus drôle, ludique, barré et accessible de la saga. Coup de maître !

Indiana Jones et la Dernière Croisade : Bande-Annonce

https://www.youtube.com/watch?v=E30XKoBJOlY

Indiana Jones et la Dernière Croisade : Fiche Technique

Titre français : Indiana Jones et la Dernière Croisade
Titre original : Indiana Jones and the Last Crusade
Réalisateur : Steven Spielberg
Scénario : Jeffrey Boam avec la participation non créditée de Tom Stoppard, d’après une histoire de George Lucas et Menno Meyjes
Casting : Harrison Ford, Sean Connery, Denholm Elliott, Julian Glover, Michael Byrne, River Phoenix, John Rhys-Davies, Alison Doody
Chef décorateur : Elliot Scott
Costumes : Anthony Powell et Joanna Johnston
Directeur de la photographie : Douglas Slocombe et Paul Beeson
Montage : Michael Kahn
Musique : John Williams
Producteur : Robert Watts
Producteurs délégués : George Lucas et Frank Marshall
Productrice associée : Kathleen Kennedy
Sociétés de production : Lucasfilm et Paramount Pictures
Sociétés de distribution : Paramount Pictures, United International Pictures
Budget : 48 000 000 $
Langue originale : anglais (quelques dialogues en allemand)
Format : Couleurs — 2,35:1 — Dolby — 35 mm
Genre : aventure, fantastique
Durée : 127 minutes

Etats-Unis – 1989