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Qu’est-ce que le singe peut apprendre de l’Homme et que peut apprendre l’Homme du singe ? Il s’agit d’une boucle de réflexion sans fin pour une franchise qui ne semble pas avoir dit son dernier mot. La Planète des Singes : Le Nouveau Royaume est le premier volet d’une nouvelle histoire sous la tutelle de Disney. Une initiative qui divertit à peine, à force de rallonger son exposition et à freiner ses envolées dramatiques. Un début de trilogie qui inquiète, mais qui colmate les brèches avec un savoir-faire esthétique, durement acquis et revendiqué sans réserve.

Synopsis : Plusieurs générations après le règne de César, les singes ont définitivement pris le pouvoir. Les humains, quant à eux, ont régressé à l’état sauvage et vivent en retrait. Alors qu’un nouveau chef tyrannique construit peu à peu son empire, un jeune singe entreprend un périlleux voyage qui l’amènera à questionner tout ce qu’il sait du passé et à faire des choix qui définiront l’avenir des singes et des humains…

Son pédigrée atteste d’une certaine constance sur la saga Le Labyrinthe, quoi qu’on en dise sur ses faiblesses évidentes. Ayant déjà signé pour réaliser le live-action à venir de The Legend of Zelda, le cinéaste floridien s’est lancé un défi des plus audacieux alors qu’un retour sur la planète des singes n’était pas nécessaire. Le film original de Franklin Schaffner a donné lieu à des suites souvent maladroites dans la réalisation, mais elles ont néanmoins le mérite de développer de nouvelles réflexions sur l’héritage de l’humanité, à commencer par sa violence, la véritable source inépuisable du mal. Tim Burton en a ensuite proposé une vision gothique, peu appréciée mais plus en phase avec le roman de Pierre Boulle avant qu’on ne lance une nouvelle boucle sur la chute de l’humanité. Andy Serkis a été le visage emblématique de la trilogie (Les Origines, L’Affrontement, Suprématie), ponctuée par des prouesses esthétiques exceptionnelles. Que pouvons-nous attendre de la nouvelle (et non la dernière) itération de cette fameuse planète des singes ? Que reste-t-il à dépoussiérer pour que l’on évoque spécifiquement la mémoire de César ?

Un royaume d’apprentissage

L’espèce dominante reste celui qui tient le bâton électrique à la main et on n’attendra pas très longtemps pour que ce rappel pousse Noa (Owen Teague) dans une quête initiatique. Il est un fils et un ami qui doit prouver sa valeur, tout en apprenant à connaître ses nouveaux ennemis. Il ne tarde pas à croiser la route d’un gardien de la mémoire de César, à présent devenu une légende scandée avec vigueur, mais sans connaissance de cause. Les valeurs de ce patriarche révolutionnaire manquent d’être immortalisées dans les livres, alors chacun se console avec sa vision altérée de la justice. Tout l’enjeu de Noa sera de questionner ces valeurs au sein des mœurs qu’il découvre peu à peu lors de sa mission de sauvetage. Arraché à ses terres et ses rituels, son peuple attend donc qu’il vienne les secourir d’un déluge qui s’annonce imminent.

Cette catastrophe va de pair avec l’humaine qui se joint à sa quête. On n’apprend pas aux vieux singes à faire la grimace, c’est bien connu. On se joue pourtant de nous à travers un personnage qui ne recule pas devant ses convictions. Freya Allan prête ainsi sa silhouette et son regard inquiet à une jeune femme que l’on surnomme (au hasard) Nova. Sa présence extraordinaire justifie ainsi une dualité grandissante face à Noa, dont la naïveté s’efface au fur et à mesure qu’il trébuche. Vivant autrefois d’une honnêteté exemplaire, ce dernier doit faire face à la perfidie de ceux qui dirigent ce nouveau monde.

L’Arche de Noa

Par-delà les territoires des aigles, une communauté se voile la face, à l’image d’un guide spirituel qui règne par la peur, qui cherche de quoi amplifier son emprise et étendre son empire. Proximus César (Kevin Durand) évoque autant un titre d’usurpateur qu’un tyran déjà vaincu par un manque de charisme évident. Réduit à l’état d’accessoire, il parvient rarement à représenter une menace pour les héros, qui semblent pouvoir se balader à leur guise dans ce qui ressemblait de prime abord à un pénitencier. Ce leader autoproclamé n’a donc pas grand-chose à défendre, si ce n’est une soif de connaissance. Malheureusement, elle semble se limiter à l’histoire de l’empire romain (au cas où la référence nous aurait échappé) et au deuxième amendement de la Constitution des États-Unis. C’est pourtant là que devrait se trouver le propos du film, à savoir comment créer une société et comment instaurer un art de vivre ? L’escouade composée de quatre scénaristes ne semble pas motivée pour y répondre et noie les principaux axes de réflexion dans de perpétuels bavardages, dont nous aurions pu nous passer. Et en plus d’hériter d’un scénario très bancal, le film est long. Long à amorcer et long à conclure.

C’est toute la tragédie de ce genre de projet, pensé en amont comme une trilogie et qui, certes, permet d’affiner l’utilisation de la motion capture, mais qui ne délivre pas toute la tension dramatique que le film souhaite exploiter. La photographie des ruines d’une ancienne civilisation est remarquable, bien qu’elle ne soit pas toujours au contact et au service des primates numériques dans la seconde partie. Et on n’a de cesse de miser sur les partitions et réorchestrations de John Paesano afin de surligner ces rendez-vous manqués entre le spectateur et les personnages. Leurs relations sont suffisamment pathos pour que l’on passe à côté de la cohésion des singes ou jeu de miroir volontaire avec les derniers bipèdes sur Terre. Tous les ingrédients étaient pourtant réunis pour affirmer, avec une autorité glaçante, que l’humanité actuelle serait le chaînon manquant, rempli d’imperfections et de mutations irrégulières.

Théorie d’une régression

« Le message est que plus nous apprenons, plus nous devenons maîtres de notre pensée. » Wes Ball suit en effet un credo honorable, mais qui reste en surface de ce qui est proposé à l’écran. En témoigne le personnage de Nova, qui atteint une complexité séduisante au bout du tunnel. L’humanité reste toujours aussi dépendante de sa technologie, mais cette thématique, doublée d’une ambivalence morale sur une éventuelle cohabitation entre deux espèces qui se regardent en miroir, se manifeste si tard que cela en devient frustrant.

Si on prend un certain plaisir à cogiter sur les valeurs que cultivent les différents protagonistes primates, notamment la réappropriation de l’histoire de l’Homme, on reste encore sur notre faim côté divertissement. La mise en place de ce nouvel univers prend bien trop d’espace pour que Noa et les siens puissent pleinement exister dans cette intrigue, trop soucieuse d’émietter des références très peu subtiles afin d’honorer les fans de la première heure. En ayant joué le jeu à moitié, La Planète des Singes : Le Nouveau Royaume ne pouvait pas espérer fédérer toute son audience avec aussi peu d’entrain. En espérant que la suite ne tombe pas dans les mêmes travers.

Bande-annonce : La Planète des Singes – le Nouveau Royaume

Fiche technique : La Planète des Singes – le Nouveau Royaume

Titre original : Kingdom of the Planet of the Apes
Réalisation : Wes Ball
Scénario : Patrick Aison, Josh Friedman, Rick Jaffa, Amanda Silver
Musique : John Paesano
Direction artistique : Carlo Crescini, Tony Drew, Ian Gracie et Dale Mackie
Décors : Daniel T. Dorrance
Costumes : Mayes C. Rubeo
Photographie : Gyula Pados
Son : Ben Cowman, Mario Gabrieli, Vinii Khullar, Todd Moore et Mark van Kool
Montage : Dan Zimmerman
Production : 20th Century Studios, Disney Studios Australia
Distribution France : The Walt Disney Company France
Pays de production : États-Unis, Australie
Genres : science-fiction, action, aventure
Durée : 2h25
Date de sortie : 8 mai 2024

« Le sentiment que le temps de faire quelque chose d’important est passé » résumerait bien l’essence de La vie selon Ann. Et ça tombe bien, c’est la traduction française du titre original de La vie selon Ann (The feeling that the time for doing something has passed). Dans ce film, la réalisatrice Joanna Arnow nous transporte dans une autofiction où humour et situations réelles de la vie s’entremêlent pour donner naissance à un film satirique suivant une trentenaire d’aujourd’hui qui se cherche au travail, à la maison, au lit ou encore avec sa famille et ses amis. La vie selon Ann est un voyage immersif où les spectateurs sont invités à voir grandir l’héroïne dans tous les aspects de sa vie.

Synopsis : Ann, tren­te­naire new-yor­kaise, livre sa ver­sion décom­plexée de la sou­mis­sion. Les ren­contres avec ses par­te­naires, ain­si que ses rela­tions pro­fes­sion­nelles, fami­liales et ami­cales, deviennent alors un savou­reux ter­rain de jeu.

Le format choisi par Arnow pour narrer son récit peut surprendre, mais pas tant que ça. Il est sectionné en chapitres explorant respectivement une relation sentimentale qui a marqué notre héroïne, Ann, remarquablement bien jouée par Joanna Arnow elle-même. Elle seule pouvait d’ailleurs projeter, dans sa performance, les émotions qu’elle souhaitait faire ressortir de son personnage principal. Arnow a en outre confié que certains faits racontés dans le film ont été inspirés de situations réelles qu’elle a pu vivre. D’autre part, cette histoire narrée c’est aussi les situations actuelles de bon nombre de femmes trentenaires, quarantenaires, cinquantenaires…c’est le quotidien de beaucoup de personnes. Et quel meilleur moyen de raconter cette histoire sous forme de vignettes, comme des nouvelles ; car c’est ce qui façonne notre existence à tous : vivre des épisodes, qui, en se cumulant, forment une vie, notre vie. Joanna a choisi de mettre à nu (au propre comme au figuré) son personnage, nous montrer à cru qui est Ann, nous montrer quels sont ses désirs et ses rêves au travers de ses relations (amoureuses, familiales, professionnelles, amicales). Alors, qui est Ann ?

Ann est une jeune trentenaire de Brooklyn. Au niveau familial, elle est relativement proche de sa famille (elle participe aux dîners de famille chez ses parents – acteurs joués par les véritables parents de Joanna Arnow – , elle héberge sa grande sœur qui rencontre des problèmes dans son couple). Au niveau amical, elle a un cercle d’amis avec qui elle fait des sorties. Au niveau du travail, elle connaît une évolution professionnelle et s’attache même à des collègues (elle semble attristée par la démission de son assistant qui a trouvé mieux dans une autre boîte). Ann a donc une vie sociale relativement pleine et une vie professionnelle assez stimulante bien que sa personnalité, considérée comme fade, pourrait faire penser le contraire. Ann est très loin de vivre une vie ennuyeuse. Elle connaît des plaisirs dans sa vie : une promotion au travail, un cercle social… et une vie sexuelle pour le moins bien remplie.

Et c’est d’ailleurs ça qui constitue le cœur du film : la sexualité d’Ann, adepte du BDSM. Le film est parsemé de nudité, néanmoins on ne parle pas là de nudité crue, digne d’un film érotique. On ne montre pas vraiment d’actes sexuels désobligeants. On parle là d’une nudité qui se veut intimiste. On montre l’avant et l’après quand allongés sur le lit, sous les draps, les partenaires discutent de ce qui vient de se passer, de leurs fantasmes, de leurs envies, de leurs vies. On entre dans l’intimité d’Ann et sur ses relations imparfaites avec ses partenaires sexuels. On rencontre Allen, Thomas, Elliott et Chris. Chacun d’entre eux joue un rôle important dans le rapport qu’Ann a avec la soumission. Une soumission voulue, car c’est ça le fantasme et l’envie première d’Ann, qui arpente un site de rencontres BDSM pour trouver ses partenaires. Cette domination choisie et assumée par Ann trouble le spectateur mais à l’heure du me too, devrait-il vraiment perturber l’œil du public ? Nous avons à l’écran une femme qui se cherche, s’assume et accepte toutes les imperfections de ses relations : elle force sa relation avec Allen, plus âgé qu’elle, en « matchant » avec lui encore et encore, sur son appli de rencontres, pour une histoire sans lendemain, alors qu’il lui a plus d’une fois exprimé qu’il n’était pas intéressé par elle. Il ne se souvient même pas des discussions qu’il a pu avoir avec elle ; elle insiste pour maintenir avec Chris ce rapport de dominant/dominé alors que ce dernier n’est pas du tout intéressé par le BDSM mais par elle. Et il est d’ailleurs intéressant d’observer que dans ce fil conducteur de dominant/dominé, alors qu’on commençait le chapitre par Allen et cette affection à sens unique qu’Ann ressentait pour lui, et donc qui nous montrait Allen en dominant, on a une évolution du personnage d’Ann à la fin du film qui est dorénavant la dominante dans sa relation avec Chris. La complexité de ses relations nous mène à ce final qui est qu’Ann finit par dominer : dans sa relation amoureuse avec un homme (Chris) qui l’aime bien et qui souhaite vivre une simple, vraie et belle relation avec elle (sans BDSM) ; et dominance également dans son milieu professionnel avec ses nouvelles fonctions. Ann gagne en prestance et grandit devant nous.

Par contre, ce qui reste constant tout au long du film et qui mérite d’être noté, c’est l’humour du film car oui, La vie selon Ann est une comédie. Pour les chanceux qui ont connu le cultissime dessin animé Daria, Joanna Arnow nous sert Ann sur un plateau d’argent avec un humour de la même trempe. Ann sourit peu ou très peu. Elle peut mener des discussions grotesques, sans véritable fond. Elle a un humour pince-sans-rire qui est généralement suivi de silences gênants et elle sait utiliser le sarcasme à la perfection. Ce qui fait son charme, il faut se l’avouer. Ann n’est pas aussi marginale que Daria. Mais elle est aussi cynique qu’elle, et, comme Daria qui se rebellait contre les stéréotypes féminins, la rébellion d’Ann se porte, elle, sur les codes de l’intime. Ann aime le BDSM et l’assume, ce qui est non conventionnel et fait d’elle un personnage atypique pour ceux qui s’attachent à des codes plus traditionnels. Mais c’est justement là toute l’intelligence de ce film : sortir des sentiers battus et nous inviter à découvrir l’histoire authentique d’une jeune trentenaire à l’humour noir et qui est asociale sur les bords. Joanna Arnow contre dans sa narration la structure conventionnelle qui est généralement faite d’une histoire, en faveur d’une progression de notre héroïne dans toute sa complexité et son authenticité.

Enfin, si on revient au titre original du film The feeling that the time for doing something has passed que l’on traduirait par « Le sentiment que le temps de faire quelque chose d’important est passé », nous pouvons ainsi conclure que non, le temps de faire quelque chose d’important n’est pas passé. Ann vit, lentement aux yeux de certains, mais elle vit. Elle vit chaque jour ces moments importants, c’est ce qui la façonne. Elle vit une vie imparfaite qui, tout du long, lui a tout de même permis de rencontrer Chris, d’améliorer sa relation avec sa grande sœur ou encore d’avoir une situation professionnelle satisfaisante. On se développe avec le temps et sans cette lenteur parfois de la vie, on ne se construirait pas, on n’apprendrait pas à se connaître. Joanna Arnow a souhaité dans ce film explorer une structure multi-dimensionnelle qui résonnerait avec la manière dont on peut se questionner sur nous-mêmes et sur nos relations. C’est chose faite. En tout cas, en faisant cette introspection avec Ann, on comprend ainsi un peu mieux la vulnérabilité et la tendresse de ce personnage principal atypique mais charmante.

Bande annonce : La vie selon Ann

Fiche technique : La vie selon Ann

Titre original : The Feeling That the Time for Doing Something Has Passed

Réalisation et scénario : Joanna Arnow

Casting : Joanna Arnow (Ann), Scott Cohen (Allen), Babak Tafti (Chris), Alysia Reiner (La soeur), Barbara Weiserbs (La mère), David Arnow (Le père)

Musique : Robinson Senpauroca

Son : Maxwell Dipaolo, Matt Liebowitz, Edwin Diagon

Décors : Grace Sloan

Montage : Joanna Arnow

Réalisation et scénario : Joanna Arnow

Producteurs : Ravenser Odd, Graham Swon

Producteurs exécutifs : Sean Baker, Adam Mirels, Robbie  Mirels

Directeur de la photographie : Barton Cortright

Pays de production : Etats-Unis

Distribution France : PAN-Distribution

Durée : 1h28

Genre : Comédie

Date de sortie : 8 mai 2024

Sorti en salle le 24 avril 2024, le nouveau film (très attendu) de Luca Guadagnino fait déjà beaucoup parler de lui. Entre érotisme, sentiments et beauté de l’image, on reconnaît directement le travail du réalisateur italien. Acclamé par la critique pour Call me by your name, puis lynché après le raté de Bones and All, il nous sert avec Challengers, un nouvel opus brillant.

Un synopsis aussi brillant que complexe

Tashi Duncan (Zendaya : Dune, Euphoria..) est une ancienne joueuse de tennis prodigieuse qui a vu sa carrière s’arrêter brusquement après une grave blessure au genou. Mariée à Art Donaldson (Mike Faist : West Side Story), elle se charge désormais de la carrière en déclin de ce dernier et décide de l’inscrire au Challenger. Lors de cette compétition,  il se retrouve face à Patrick Zweig (Josh O’Connor : The Crown), son meilleur ami de jeunesse et ex petit-ami de Tashi. S’ouvre alors un match sous tension, entrecoupé de flashbacks, qui nous racontent l’histoire tumultueuse de ce trio sulfureux.

La passion selon Guadagnino

Héritier évident du cinéma italien, Guadagnino s’inspire des codes des plus grands chefs d’oeuvres de la Cinecittà et les agrémente d’une pincée de magie hollywoodienne. Avec démesure et drame, la passion est le personnage principal de toutes les oeuvres du réalisateur. De sa ‘trilogie du désir’ à Challengers, il nous offre des histoires d’amour toujours plus particulières qui flirtent avec les règles de bienséance et qui mettent en exergue la fougue de l’amour moderne. Adultère dans I am Love, homosexualité, écart d’âge et religion dans Call me by your name ou triangle amoureux dans Challengers, la passion est servie à toutes les sauces dans le cinéma de Guadagnino.

Cette passion est incarnée par des personnages tous plus complexes les uns que les autres, et ceux de Challengers ne font pas exception à cette règle. L’alchimie évidente entre les acteurs crève l’écran et anime les protagonistes d’une réelle harmonie. Zendaya se démarque par son interprétation aussi sublime que détestable de Tashi, qui est la pièce maîtresse de ce manège à trois.

Ce qui fait l’originalité de ce trio, c’est qu’il se détache de la représentation classique de la relation multiple en manque d’originalité que l’on voit souvent au cinéma. Ici, les personnages sont tous originaux, complexes et particuliers. Nous sommes face à un réel triangle amoureux mais également à une rivalité sportive entre les personnages qui semblent être, entre eux, les réels « challengers ». Les multiples échelles de cette relation restent floues et sujettes à interprétation jusqu’au bout. Les personnages sont rattachés entre eux par une nostalgie de leur jeunesse, l’électricité de leur lien et leur égomanie, aussi. C’est une sorte de Jules et Jim moderne et sportif.

Qualifiée de protagoniste à part entière, la bande son signée Trent Reznor et Atticus Ross (Bones and All, Gone Girl..) vient articuler le film et son suspense sur un fond de techno. La musique, ponctuelle et décousue, nous projette directement dans les gradins du challenger. En parfaite adéquation avec les choix cinématographiques, elle provoque une sorte de transe qui tient le spectateur rivé à son siège malgré lui.

En clair, que vaut vraiment Challengers?

Challengers semble susciter pléthore d’avis divergents. D’une part, les puristes du sport semblent déplorer un manque de réalisme des scènes sportives. D’autre part, la fin abrupte du film qui s’arrête sur le big point du match (et du film) semble en avoir déçu plus d’un. Il ne faut cependant pas oublier que le film est signé Luca Guadagnino, il est dès lors très audacieux de s’attendre à un film purement sportif ou à un thriller classique. Le réalisateur semble toujours laisser la porte ouverte à une interprétation subjective de son travail. Après avoir visionné Challengers et lorsque les lumières se rallument, nous nous voyons plus intéressés par la qualité de l’expérience cinématographique que par l’adéquation sportive ou le dénouement de ce match effréné. En clair, Challengers n’est pas tant un film sur le tennis mais plutôt sur l’égo et la complexité du désir et des relations humaines.

Imaginé par Justin Kuritzkes, le scénario de Challengers semble avoir été écrit pour Luca Guadagnino. En réalité, ce dernier est d’abord passé par la black list (sondage des scénarios les plus appréciés mais non-produits) avant d’être choisi par les studios Metro-Goldwyn-Mayer et proposé au réalisateur. La rencontre entre le talent de Kuritzkes et la magie cinématographique de Guadagnino, permet au film de s’imposer directement comme l’un des meilleurs blockbusters de l’année. Une nouvelle collaboration est d’ailleurs attendue pour l’adaptation au cinéma de ‘Queer‘, une nouvelle écrite par William S. Burroughs, et adaptée par J.Kuritzkes pour L.Guadagnino.

Bande d’annonce – Challengers

Fiche Technique – Challengers 

Genre : Drame, Romance
Réalisateur : Luca Guadagnino
Scénario : Justin Kuritzkes
Acteurs : Zendaya, Josh O’Connor, Mike Faist
Musique : Trent Reznor, Atticus Ross
Pays : États-Unis
Durée : 2h11
Sortie : 24 avril 2024

Imaginez, vous vous réveillez un matin sur votre lieu de travail. Qu’est-ce que vous fichez là ? On est quel jour… dimanche ? Eh non, c’est lundi et une nouvelle semaine de travail débute à peine…

Voilà ce qui arrive à une équipe d’employés d’une petite société japonaise qui travaille pour des campagnes publicitaires dans les médias. L’objectif du moment, c’est de trouver les arguments vendeurs pour un tout nouveau produit révolutionnaire : des cachets effervescents qui, plongés dans de l’eau, reconstitueront une soupe miso. On imagine qu’il vaut mieux utiliser de l’eau chaude. Par contre, l’effervescence semble pour le moins incongrue. L’énormité apparaîtra peut-être davantage auprès d’un public asiatique, mais quand même. Pour ces jeunes publicitaires, la motivation n’est donc pas au top. Résultat, le travail n’avance pas et tous ont l’impression de vivre un cauchemar sans fin. Heureusement, dans le groupe, deux d’entre eux voient les choses autrement. En effet, ils ont compris que les mêmes micro-événements se reproduisent régulièrement et ils considèrent qu’avec le groupe ils sont coincés dans une boucle temporelle. En d’autres termes, ils sont condamnés à revivre éternellement la même semaine.

Une semaine sans fin

On l’aura compris, la trame de ce film rappelle fortement Un jour sans fin (Harold Ramis – 1993) où Bill Murray revivait le jour de la marmotte à Punxsutawney et tentait désespérément de séduire sa collègue journaliste, la charmante Andie MacDowell. Le film d’Harold Ramis est cité, le réalisateur (Ryo Takebayashi) sait donc parfaitement qu’on ne passera pas à côté de la référence et il l’assume. Il en joue même un peu, tout en ayant le bon goût de s’en affranchir à sa façon. L’une des difficultés pour un tel film réside dans les inévitables effets de répétition. On peut dire que Takebayashi s’en tire parfaitement, en choisissant quelques éléments qui lui permettent de présenter des variations qui amusent, alors qu’elles pourraient agacer. Et, au lieu de vraiment se concentrer sur ces effets, le film s’intéresse à quelques protagonistes. Étant donné que tout se passe dans une vaste salle où travaille un groupe d’une dizaine d’employés sous la houlette d’un chef, il est assez simple de mettre ce chef sous observation. L’autre personnage principal est une femme qu’on découvre chef de projet. Elle a un impératif en temps : livrer à l’agence cliente un projet convaincant de campagne publicitaire. Et puis, nous avons les deux employés qui ont compris que le groupe est piégé et qui s’attache à convaincre l’équipe de ce qui se passe, pour agir en conséquence. Le film se distingue donc d’Un jour sans fin en particulier parce que ses protagonistes cherchent le moyen de sortir du piège temporel en comprenant pourquoi ils y sont (alors que Bill Murray cherchait plutôt à en profiter). Pour cela, ils s’attachent à convaincre leurs collègues de ce qui se passe.

Petites failles temporelles

On pourra reprocher au film de négliger certains détails qui peuvent faire dire aux spectateurs réticents (comme les collègues à convaincre) que cela ne fonctionne pas vraiment. Ainsi, pourquoi deux individus comprendraient qu’ils sont piégés dans une boucle temporelle et pas les autres ? Pourquoi réussissent-ils progressivement à convaincre les autres ? Sans oublier qu’à chaque nouvelle semaine, ils devraient avoir à convaincre à nouveau tout ce petit monde. Et puis, lorsqu’ils réalisent qu’ils ont suivi une fausse piste, la logique devrait leur inspirer quelque chose de fondamentalement différent. Ensuite, lorsqu’ils comprennent effectivement quel est le souci, on peut se demander pourquoi la boucle se met en place sur cette semaine. Sans compter que ce qu’ils font pour en sortir prend du temps. Le film montre cela comme si ce travail avançait indépendamment du piège temporel. Heureusement, le film est suffisamment rythmé pour qu’on passe sur tous ces détails car, globalement, le scénario fonctionne.

L’aliénation par le travail

Cosigné Saeri Natsuo et Ryo Takebayashi, le scénario a également le mérite de jouer avec bonheur avec ce que nous connaissons toutes et tous des ambiances au travail. Dans un groupe comme celui présenté, il y a ceux qui font avancer les choses et ceux qui se contentent de suivre le train en marche. Sans compter le chef qui en gros ne fait que surveiller tout ce petit monde et finit par se ridiculiser par son enthousiasme de façade. On observe un peu les contraintes de la vie en openspace, mais ce qui intéresse plus particulièrement le réalisateur, c’est de faire sentir les effets de l’aliénation par le travail, ce qui semble bien adapté à la mentalité japonaise qui fait d’une entreprise une deuxième famille pour ses employés. Ainsi, on sent que tant que le projet ne sera pas ficelé, il n’existera aucun répit pour les employés. Or, ce projet, c’est du pipeau. On leur demande donc de trouver le moyen de vendre un projet sans intérêt, ce que l’un d’eux ne manque pas de signaler. À la base, on tourne donc déjà en rond. L’impression d’un piège avec un projet inintéressant qui ne trouvera jamais de solution satisfaisante vient de là. Le monde du travail regorge de situations analogues ! Je pense aussi à celles et ceux qui voient leur hiérarchie demander d’agir dans un sens un jour, pour demander l’inverse un peu plus tard. Sans compter tous ces projets qui mobilisent beaucoup d’énergie et de temps à un groupe de personnes pour se trouver abandonnés au bout d’un certain temps, parfois même sans qu’on sache vraiment pourquoi (ni de l’initiative de début ni de celle de fin).

Bien que mineure, une réussite

Là où le film marque des points, c’est en faisant sentir qu’une équipe fonctionne d’autant mieux qu’elle sait où elle va et qu’elle en comprend l’intérêt commun. Dans ces conditions, les motivations individuelles se fédèrent et l’énergie mise en commun (synergie) s’avère positive. Outre la satisfaction de mener à bien quelque chose de constructif collectivement, chaque individu y trouve son compte. À ce titre, je considère que la scène pendant le générique de fin pouvait aller bien au-delà de ce qui est proposé, soit un simple clin d’œil à la situation de base alors qu’il y avait moyen de boucler la boucle pour de bon.

Bande-annonce : Comme un lundi

Fiche technique : Comme un lundi (Japon)

Réalisateur : Ryo Takebayashi
Scénaristes : Saeri Natsuo et Ryo Takebayashi
Sortie française : le 8 mai 2024 – 1h23
Producteurs : Daisuke Noro et Fumika Fukuda
Distribution : Art House Films
Musique : Takao Ogi
Bande dessinée : Yajimari
Image : Tatsuyuki Kozen et Kei Kubota
Son : Ryo Nishikawa et Shingo Ootaka
Montage : Jo Kobayashi Bellamy et Ryo Takebayashi

Avec :
Wan Marui : Akemi Yoshikawa
Makita Sports : Shigeru Nagahisa
Yûgo Mikawa : Ken Murata
Kohki Osamura : Takuto Endo
Kotaro Yagi : Sotaro Moriyama
Haruki Takano : Ichiro Taira
Momoi Shimada : Seiko Kandagawa
Ryô Ikeda : Yudai Sakino
Harumi Shuhama : Takako Kimoto

Une affaire de principe est le deuxième long métrage d’Antoine Raimbault après Une intime conviction (2017). Attaché une nouvelle fois au principe de vérité et de droit, le film suit José Bové (incarné par Bouli Lanners) et deux de ses collaborateurs dans une contre-enquête au cœur des institutions européennes. Le film doit beaucoup à ses interprètes, notamment Céleste Brunnquell en novice maligne qui nous guide dans les arcanes du contre-pouvoir.

« Je suis tombé sur l’affaire Dalli qui […] permettait une plongée au cœur des institutions européennes dont en plus je ne savais quasiment rien ». S’inspirant de faits réels, Antoine Rimbault, comme il l’avait fait avec Nora dans Une intime conviction, a la bonne idée de créer Clémence, une jeune stagiaire qui découvre Bruxelles et le fonctionnement des institutions européennes et qui décide de ne pas s’arrêter aux premières impressions. Là encore, le personnage relance le moteur de l’action puisqu’elle fait de cette affaire une question de « justice » quand José Bové lui oppose le droit qui permet de « garder la tête froide ». Le film ne flanche pas devant la densité d’information à transmettre et montre la complexité du travail des parlementaires dans leur quête de vérité, pour garder le cap et refuser les idées préconçues. Rien ne destinait José Bové, pipe au bec, à s’intéresser à la lutte anti-tabac, pourtant il refuse d’abandonner la démocratie au nom d’une rivalité politique ou de convictions non partagées. Clémence va bien plus loin puisqu’elle veut réparation totale, quitte à être déçue.

Une affaire de principe s’inscrit dans l’héritage du film-dossier. Ces histoires vraies fleurissent sur nos écrans de La Fille de Brest au plus récent Les Algues vertes. Pourtant, Une affaire de principe se dégage par une vision très chevaleresque (ou punk ?) de la politique. Il ne s’agit pas ici d’une quête de pouvoir, mais bien de continuer à défendre un système démocratique contre les lobbies. José Bové défend un opposant politique parce que la règle de droit a été bafouée, non parce qu’il pense faire alliance avec lui. On pense notamment à une scène à la cantine où Fabrice et Clémence observent José aller d’un groupe  politique à un autre et en résumer les positions assez simplement. Voilà ce qui ne doit pas entrer en ligne de compte : faire de la politique pour le pouvoir et s’abstenir de défendre in fine l’électeur qui est aussi un citoyen, un consommateur et un être humain ! En approfondissant l’affaire Dalli, sur laquelle il tombe au cours de ses recherches, Antoine Rimbault offre une nouvelle dimension à son récit, en faisant de la figure militante de José Bové, un personnage incarné par Bouli Lanners, aussi punk que tendre. Librement inspiré d’un des chapitres de Hold-up à Bruxelles, les lobbies au coeur de l’Europe, Une affaire de principe fait autant de José Bové un collaborateur qu’un personnage. Le pitch ? John Dalli, commissaire à la santé, est contraint de démissionner en 2012 suite à des soupçons de corruption et de trafic d’influence. Tout est lié à l’industrie du tabac alors que l’instauration d’un paquet neutre agite les débats européens. L’objectif est bien de faire baisser la consommation des plus jeunes attirés par le packaging. L’histoire  ne colle pas puis Dalli était jusqu’ici un défenseur de la cause anti-tabac. Certains parlementaires, dont José Bové fait partie, décident de creuser. Le film répond donc aux codes du genre du film-dossier qui sont bien présents et entraînent le spectateur au coeur de l’histoire. Pourtant, pas de course-poursuite ou de menace de mort ici, on est dans un contre-pouvoir qui s’exerce avec les moyens du bord, la mise en scène est sans cesse en coulisse, loin des grandes figures puissantes. Les personnages parlent clairement mais surtout agissent : « c’est mieux qu’un film de bureau : c’est un film d’action ».

Le récit est en effet très rythmé et les dialogues foisonnants sont didactiques. Chaque séquence se termine comme pour mieux rebondir sur la suivante, sans temps mort. À cela s’ajoutent les interprétations très légères, en opposition à celles plus graves ou idéalistes (et très justes !) de Céleste Brunnquell, de Thomas VDB et Bouli Lanners. Ils jouent deux complices qui semblent dénoter dans le jeu européen à Bruxelles. D’ailleurs, Fabrice dit dès le début qu’il en a assez, qu’il va arrêter, il décrit les institutions comme lentes, répétitives. Les deux acteurs jouent leurs personnages contre deux petits « looser punk » très impliqués dans le jeu du contre-pouvoir. L’humour n’est jamais loin et on sent le plaisir du jeu, comme lorsque Bouli Lanners dit qu’il est José Bové, c’est avec une distance très douce, pas une volonté de s’effacer derrière l’homme réel. On pense aussi à la scène où, comme des étudiants en colocation, José et Fabrice s’engueulent pour un café filtre qui dure depuis trois jours. L’image qui ressort n’est pas celle de héros esseulés, mais de la satisfaction de poursuivre une idée, de ne pas lâcher l’affaire quand ça paraît trop simple. Surtout, un message bienvenu au cœur d’une Europe qui ne fait plus rêver : au-delà des oppositions et si c’était de vrais principes qui régissaient les agissements des élus démocratiques ? On peut rêver et ça se passe au cinéma.

Toutes les citations d’Antoine Raimbault sont issues du dossier de presse du film.

Une affaire de principe : Bande-annonce

Une affaire de principe : Fiche technique

Synopsis : Bruxelles, 2012. Quand le commissaire à la santé est limogé du jour au lendemain, dans la plus grande opacité, le député européen José Bové et ses assistants parlementaires décident de mener l’enquête. Ils vont alors découvrir un véritable complot menaçant de déstabiliser les instances européennes, jusqu’à leur sommet.

Réalisateur : Antoine Raimbault
Interprètes : Bouli Lanners, Thomas VDB, Céleste Brunnquell, Lisa Loven Kongsli
Scénario : Antoine Raimbault, Marc Syrigas
Photographie : Steeven Petitteville
Montage : Jean-Baptiste  Beaudoin
Distribution : Memento Films
Date de sortie : 1er mai 2024
Genre : Drame
Durée : 1h35