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Sixième court métrage de ce jeune australien de vingt-six ans, The Landing est le court métrage de la consécration pour Josh Tanner qui fait énormément parler dans les tous festivals où il est déjà passé.

Depuis avril 2013, The Landing est passé dans plus de quarante festivals internationaux et a remporté pas moins de onze récompenses majeures et il continue à être présenté dans des festivals aussi reclus qu’en Pologne ou en Iran. Et il faut reconnaître que The Landing fait preuve d’une ambition, d’une maturité et d’une dramaturgie assez remarquable pour être souligné.

Le réalisateur Josh Tanner déclare avoir imaginé son intrigue après avoir fait un rêve particulier. Il s’amuse du fait que cela peut paraître particulièrement cliché. Il a imaginé sa propre personne en plein milieu d’un champs stérile où il déterrait à mains nus ce qui semblait être un vaisseau spatial. A partir de cette prémisce, il a réfléchi à une intrigue où ce ne serait pas les hommes du gouvernement qui débarquerait pour s’occuper du lieu d’atterrissage du vaisseau, mais de ces gens normaux qui doivent réagir face à ce qui semble relever du surréalisme, voire du surnaturelle. Ces gens, ce sont ceux de l’intrigue, un fermier veuf et son fils à qui il apprend le patriotisme dans un contexte très maccarthyste, donc en pleine Guerre Froide. Le jeune enfant joue avec ses soldats en plastique et son père lui apprend ce que c’est que d’être un homme et le manipule psychologiquement à devenir le soldat de demain afin de combattre ces « salauds » de communiste. On revient à ce qui fait l’essence-même du cinéma fantastique des années 60 : Cette alchimie implicite mais grossière qui donnait lieu à des films propagandistes où les américains affrontaient des monstres (de l’espace ou non) qui symbolisaient l’invasion communiste. Il y a donc un fort propos patriotique dans ce film australien mais contrebalancé par le point de vue de cet enfant, plus naturaliste et pacifique qui ne souhaite que s’amuser sans penser à tous ces conflits entre les Etats-Unis et l’URSS. C’est sur le palier de leur porte que les deux personnages vont découvrir l’atterrissage en catastrophe d’un objet non identifié, l’élément perturbateur du récit.

A partir de ce moment clé du récit, toute la question est de savoir ce qui vient de s’écraser dans le champ. N’écoutant que son courage américain, le fermier se rend sur le lieu de l’accident pour y découvrir la vérité, laissant l’enfant rentrer seul dans la maison. Le fermier tardant à revenir, le fils décide de rejoindre son père. Il y découvrira un vaisseau éblouissant à la forme ronde argenté hypnotisante, une sorte de perfection géométrique dont l’homme ne semble pas capable. L’enfant suit les traces de traînées que l’on peut voir dans le champ. Cela l’amènera à une vieille grange où son père a décidé d’entreposé cet envahisseur qui n’est pas le bienvenu. Josh Tanner joue à ce moment-là sur un montage de plans très succins où il est difficile de définir qui est réellement cet envahisseur captif. L’enfant regarde cette forme avec attention, effroi, crainte jusqu’à que le fermier revienne dans la grange avec un fusil, la ferme intention d’en finir avec cet envahisseur. Il serait fort dommage de révéler ce qu’est réellement cette forme étrange qui se trouve attachée dans cette grange. Tout l’enjeu du film repose sur ce rebondissement implacable, bouleversant et terriblement révélateur des conflits de l’époque. Le film qui avait des allures de science-fiction banal dans lequel on retrouve un peu du Signes de M. Night Shyamalan se transforme subitement en un drame politique et familial émouvant. Un twist que l’on avait absolument pas vu venir.

Josh Tanner confesse avoir été influencé par le travail visuel de Terrence Malick pour mettre en scène ce récit. Prenant place au milieu d’un champ, The Landing nous renvoie logiquement vers le  fameux Les Moissons du Ciel, mais aussi à The Tree of Life pour ces plans fluides et de toute beauté dans cet espace naturel qui fascine tant Terrance Malick. Là où Josh Tanner nous surprend, c’est par le mélange parfaitement réussi et dosé entre le film politique, le drame domestique et la science-fiction propagandiste. Deux conceptions générationnelles s’affrontent au sein de ce film, avec ses idéologies et ses maturités qui forgent les sociétés. L’atterrissage de ce vaisseau va emmener ces deux personnages dans une aventure qui vont les amener à réfléchir au plus profond d’eux-même sur leurs attentes et leurs obsessions. Tout cela ne peut que se conclure sur une prise de décision qui bouleversera à jamais leur vie.

Si le film se perd un peu dans ces échanges incessants entre le passé et le présent, où le fils a grandi et ne souhaite que retourner sur les terres familiales afin d’y découvrir ce qu’il s’est passé ce soir-là, il faut reconnaître qu’il apporte une dramaturgie émotionnelle et pointilleuse sur les liens familiaux et la quête de la vérité. The Landing, c’est 18 minutes efficaces dont le dénouement vous scotchera littéralement. Lauréat à Sitges et récemment honoré de l’Octopus d’Or du Meilleur Court Métrage au Festival de Strasbourg, The Landing est une vraie réussite formelle et narrative au point que son auteur a récemment affirmé travailler sur une adaptation longue de son histoire. D’un postulat basique, Josh Tanner en tire un film maîtrisé avec brio, vecteur d’une élégance esthétique formelle et implacable, magnifié par la performance de ces deux interprètes principaux et doté d’un twist final sensationnel. Evoqué par certains comme le croisement entre J.J. Abrams, Joss Whedon et une pointe de Spielberg et de Malick pour le côté contemplatif, Josh Tanner est un réalisateur qui se crée une belle réputation depuis un an et que l’on a hâte de revoir très bientôt. Peut-être sur un premier long métrage.

Synopsis: Un homme retourne sur les terres de la ferme de son enfance afin de découvrir la vérité sur « la chose » qui a atterri cet été de 1960 quand il n’était qu’un petit garçon.

Fiche Technique: The Landing

Australie – 2013

Réalisation : Josh Tanner

Scénario: Josh Tanner, Jade Van Der Lei

Interprétations : Henry Nixon (Le Père), David Roberts (Edward, le fils)

Site officiel : http://thelandingfilm.com/

Princesse Mononoké, un conte poétique et politique

Synopsis: Au XVe siècle, durant l’ère Muromachi, la forêt japonaise, jadis protégée par des animaux géants, se dépeuple à cause de l’homme. Un sanglier transformé en démon dévastateur en sort et attaque le village d’Ashitaka, futur chef du clan Emishi. Touché par le sanglier qu’il a tué, celui-ci est forcé de partir à la recherche du dieu Cerf pour lever la malédiction qui lui gangrène le bras.

Ce film d’animation japonais, Princesse Mononoké est une véritable claque sensorielle et visuelle à laquelle il est très difficile, pour ne pas dire impossible, c’est une véritable expérience cinématographique. Car c’en est inévitablement une, de celle qui vous fait comprendre pourquoi notre passion cinéphilique est inébranlable et n’est pas près de s’éteindre de sitôt. Ce « Princesse Mononoké » a donné à son créateur le statut largement mérité d’auteur à part entière à un moment ou les films d’animations n’étaient pas autant installés qu’aujourd’hui et n’étaient pas reconnues comme véritables œuvres. Au-delà de ce tour de force, qui suffirait largement à le considérer comme le maître ultime du monde de l’animé, le grand mérite de Hayao Miyazaki est de rendre son univers foisonnant complètement adulte, et ainsi sortir cette catégorie de films du seul ornement enfantin auquel elle est souvent reliée. Il est difficile de dire à quel point ce tournant majeur a pu marquer un basculement pour ce genre mais il est tout à fait évident de dire que sa place dans le 7 ème art est maintenant affirmé et célébré dans le monde entier. Grâce lui en soit pleinement rendue.

Tellement de choses ont été analysées et décortiquées qu’il est ardu de trouver un nouvel angle critique sur ce long-métrage. Ode à la nature sauvage autant que manifeste contre la barbarie Humaine, il dépeint le crépuscule d’un Empire Féodal Japonais indigne de sa si grande et belle tradition. Empêtrée dans une idéologie guerrière meurtrière, il signifie le basculement identitaire d’une Nation à l’orée d’une reconstruction politique historique. Figures tutélaires hautement légendaires dans l’identification sociale du pays, les samouraïs personnifient la justice protectrice du Temple. Fiers combattants infaillibles, ils sont la garantie de l’inviolabilité du Territoire Nippon et incarnent l’esprit patriotique, tels plus tard les kamikazes au moment de La Seconde Guerre Mondiale. Mais leur image est ici largement écornée, le réalisateur les dépeignant comme agissant à la solde d’un État sectaire dépouillant les braves habitants de la foret pour mieux affirmer sa Puissance Empirique au mépris de toute considération naturelle. Pacifiste convaincu, Miyazaki fait part de son scepticisme entamée envers cette glorification de l’armée et pointe du doigt L’Histoire Belliqueuse de l’archipel. Il glorifie au contraire la résistance pacifique de ce Héros chargé de retrouver le Dieu-Cerf pour libérer L’Âme démoniaque qui ronge Dame Nature.

Usant pour cela de tous les subterfuges possibles, il renvoie dos à dos la matière organique et ses créatures. Il ne s’agit pas seulement d’incriminer L’Homme devant sa responsabilité essentielle dans son comportement crapuleux et irresponsable mais de comprendre en quoi l’un et l’autre sont indispensables à la survie de chaque espèce. La colère des premiers engendrant la haine de ses semblables, l’engrenage fatal de la revanche ne peut que nuire aux êtres vivants.Ainsi,l’immense bestiare qui compose le film est-il significatif de la dévotion que porte le créateur des studio Ghibli à la race animale. Sorte de demi-dieux à l’apparence gigantesque, les louves et les sangliers qui parcourent l’intrigue incarnent la dualité d’une même organisation sociale déchirée entre sa part instinctive vouée à décimer toute activité humaine contraire au cycle de la vie minérale et une conscience hyper développée de la nécessité de cohabiter dans le même espace pour perpétuer une entité pure digne de l’ordre naturel originel. Preuve en en est cette sauvageonne prête à exterminer ses semblables qui n’ont pas su la protéger, caractéristique d’une appropriation animale d’une existence abandonnée à sa propre souffrance et dont la force brute rappelle l’instinct bestiale de L’Humanité. Elle s’adoucira peu à peu au contact de cet étrange compagnon de route qui lui ouvrira le chemin sinueux de sa propre ascendance humaine.

S’il est aussi beaucoup question de forces supérieures et de fantômes hantant les lieux, c’est autant pour les célébrer que pour les sanctifier. La Mémoire des Anciens fait office de transition entre L’Époque révolue et le Nouveau Monde et l’oublier équivaut à une faute grave mais il s’avère indispensable de ne pas vivre dans l’ombre du Passé sous peine de ne pas évoluer. Le Maître, en bon croyant, respecte les préceptes religieux mais ne les fête pas plus que de raison. Il se garde bien de voir en un quelconque Dieu une solution miracle car il pense que seule l’intelligence supérieure peut servir la bonne cause. C’est semble t’il, le sens de la séquence finale ou le Dieu-Cerf, furieux de la bêtise, perd toute moralité et s’attaque à ces individus pour récupérer sa tête jalousement gardée par les vils gardes. La tolérance n’est plus de garde et seuls la bienveillance du valeureux chevalier et de la fameuse Princesse Mononoké seront à même de rétablir l’ordre. Il n’est ainsi pas innocent que les personnages féminins contribuent en grande partie à la sauvegarde de cette Terre Vierge. L’auteur tient en haute estime ces femmes courageuses, mères et épouses sacrificielles qui repoussent l’envahisseur et travaillent dur au maintien d’une cohésion interne. Et si la femme soldat est plus ou moins décrite comme arrogante et aveuglée par sa mission, elle n’en reste pas moins vaillante et ne cessera jamais de rester fidèle à ses principes, aussi destructeurs soient t’ils. La fierté comme rempart contre le déshonneur, voilà bien l’essence fondatrice de toute âme respectable.

Fiche Technique: Princesse Mononoké 

Titre original : »Mononoke-hime »
Réalisateurs : Hayao Miyazaki
Scénaristes : Hayao Miyazaki
Acteurs : Yoshi Matsuda, Yuriko Ishida, Yuko Tanaka
Musique : Joe Hisaishi
Genre : Animation, aventure
Pays d’origine : Japon
Première sortie : 12 juillet 1997 (Japon)
Durée : 2h15

Récompenses : Prix du Meilleur film au Japanese Academy Awards; Prix Spécial au Blue Ribbon Awards; Prix Spécial aux Hochi Film Awards; Prix du Meilleur Film aux Kinema Junpo Awards; Prix du Meilleur film d’animation et du meilleur film aux Mainichi Film Concours; Prix du meilleur réalisateur au Nikkan Sports Film Awards

Auteur Le Cinéphile Dijonnais

Devenue une star grâce à Conjuring, succès surprise de l’été 2013, la terrifiante poupée Annabelle a aujourd’hui droit à son propre spin-off.

Un moyen comme un autre de capitaliser rapidement sur la bonne réputation du film, dont la suite n’est prévue que pour l’année prochaine. On pourrait penser qu’Annabelle n’est qu’une tentative de gagner de l’argent à peu de frais, en utilisant le succès d’une grosse franchise ; que le scénario, bâclé en moins d’un an, ne peut être qu’un empilement des pires clichés du genre ; et que la production mise si peu sur le film qu’elle en confie la mise en scène à John Leonetti, directeur de la photographie de son état, et connu pour avoir réalisé deux chefs d’œuvre du cinéma, Mortal Kombat Annihilation et L’Effet Papillon 2. On pourrait le croire. Mais on serait encore loin du compte.

Petite leçon de cinéma

On dit que l’on apprend plus des mauvais films que des bons. Annabelle devrait donc être montré dans les écoles de cinéma. C’est en effet un parfait exemple de ce que le 7ème art peut faire de pire. En matière de mise en scène, pour commencer. Leonetti est probablement un bon technicien. Après tout, il a commencé sa carrière comme Chef Opérateur, et a même mis en images Conjuring. Cela se ressent, d’ailleurs, dans la photographie, seul élément réussi du film. Le genre de l’horreur se prête assez bien aux jeux d’ombres et de lumières, et l’on sent que Leonetti se fait plaisir, sans chercher non plus à être foncièrement original.

Mais un bon technicien ne fait pas forcément un bon réalisateur. Si certains de ses cadrages sont de bonne facture (encore heureux, vu le passé du bonhomme), la mise en scène est globalement ratée. On sent une intention, une recherche dans les mouvements de caméra, mais le tout manque de fluidité, et ne parvient pas à provoquer l’effroi attendu. Certaines scènes sont mêmes une torture à regarder, tant les erreurs se multiplient. Peut-être l’effet de gêne qui en découle était-il recherché, mais la méthode n’est pas la bonne.

Où est Annabelle ?

Le scénario est également un modèle de foirage total. Les personnages sont creux et inintéressants au possible, tout droit sortis du petit manuel des clichés du genre. Le couple principal ne provoque aucune empathie, malgré les nombreuses tentatives de les rendre sympathiques. Les dialogues creux s’enchaînent, et on a parfois l’impression d’assister à un concours pour voir qui arrivera à sortir le plus de lieux communs en une seule phrase. Difficile de ressentir la moindre frayeur, lorsque l’héroïne principale a moins de personnalité que sa poupée.

D’autant que la poupée en question n’a finalement guère d’incidence sur le scénario. Son origine manque de clarté, et elle ne semble servir à rien pendant les trois quarts du film, hormis à tenter de faire frissonner le spectateur avec ses yeux vides et son sourire carnassier. Au final, on a droit à un enchaînement de séquences sans vraiment de liant, tentant désespérément de relancer l’intérêt du spectateur sans faire progresser l’intrigue d’un iota. Le film se termine sur l’un des cliffhangers les plus poussifs de l’histoire du cinéma, dans une tentative de le lier à Conjuring. Tout cela manque de mordant, ce qui est un comble quand on connaît le nom du scénariste.

Annabelle est une preuve de plus que les producteurs, plutôt que de chercher à prendre des risques, préfèrent capitaliser sur le succès d’un film et l’audience qu’il pourra rapporter sans se mouiller. Finalement, la seule chose qui fasse peur ici, c’est la distance à laquelle ces derniers sont prêts à aller en prenant le spectateur pour un con. À éviter à tout prix, pour ne pas les encourager.

Synopsis : John Form est certain d’avoir déniché le cadeau de ses rêves pour sa femme Mia, qui attend un enfant. Il s’agit d’une poupée ancienne, très rare, habillée dans une robe de mariée d’un blanc immaculé. Mais Mia, d’abord ravie par son cadeau, va vite déchanter.

Annabelle : Bande-annonce

Annabelle : Fiche technique 

Réalisateur : John R Leonetti
Scénariste : Gary Dauberman
Interprétation : Annabelle Wallis (Mia), Ward Horton (John), Alfre Woodard (Evelyn), Tony Amendola (Père Perez), Eric Ladin (Détective Clarkin)
Producteurs : James Wan, Peter Salfran
Directeur de la photographie : James Kniest
Compositeur : Joseph Bishara
Monteur : Tom Elkins
Production : New Line Cinema, Evergreen Media Banner
Distributeur : Warner Bros France
Durée : 98 minues
Genre : Horreur
Date de sortie : 8 octobre 2014

Etats-Unis – 2014

Auteur : Mikael Yung

Treize ans après Training Day, qui avait vu Denzel Washington remporter l’oscar du meilleur acteur, le comédien retrouve le réalisateur Antoine Fuqua pour une adaptation sur grand écran de la série culte des années 80 Equalizer.

Un projet qui devait au départ être confié à Nicolas Winding Refn, le metteur en scène de Drive, et qui est annoncé comme le début d’une nouvelle franchise façon Jason Bourne. Une suite a d’ailleurs déjà été annoncée.

On retrouve l’influence des années 80 dans le film comme dans la mise en scène. Grand connaisseur de films d’action, et rôdé au genre de par sa filmographie, Antoine Fuqua offre au spectateur plus de deux heures d’action décomplexée, violente, souvent amorale et toujours parfaitement stylisée. On se croirait parfois dans un Die Hard, le côté second degré en moins. Car le réalisateur prend son héros très au sérieux, lui offrant un statut quasi divin, comme un ange rédempteur intouchable, abattant son bras d’une terrible vengeance sur les hordes impures venues, comme de bien entendu, de la mère Russie.

Certains regretteront cet aspect très premier degré, critiquant la violence gratuite qui imprègne la pellicule. Il est vrai que le scénario tient ici sur un timbre poste, et que les motivations de Robert McCall sont pour le moins simplistes. Son désir de protéger à tout prix une jeune prostituée qu’il vient de rencontrer est peut-être un clin d’œil à Taxi Driver (probablement, même), mais la relation entre les deux personnages est loin d’atteindre le niveau de celle liant Travis et Betsy. Fuqua a l’air conscient de cette absence de justification mais, loin de s’en cacher, semble jouer avec, entraînant le spectateur dans des bagarres toujours plus spectaculaires et nerveuses.

Washington, le président de l’action

Et il peut compter sur son vieux partenaire Denzel Washington pour porter le film sur ses épaules. Dans son rôle de protecteur et de réparateur de torts, il est impeccable, proche de son personnage de Man on Fire, de Tony Scott, mais en moins truculent. Impossible, en fait, de ne pas penser à Jason Bourne dans la froide efficacité dont il fait preuve en tant que retraité au passé sombre et violent. Face à lui, Marton Csokas apporte une certaine épaisseur à un personnage pourtant stéréotypé de psychopathe embauché par la mafia russe pour régler le problème McCall. Chloë Moretz, de son côté, profite du peu de temps qui lui est offert à l’écran pour prouver sa capacité à jouer tous les rôles. Si celui de Terri ne fera sans doute pas date dans sa carrière, et s’il y a peu de chance que les spectateurs tentent d’assassiner le président en son nom, elle s’en sort tout de même avec les honneurs.

Equalizer se révèle donc être un film musclé et plutôt bien filmé, porté par un Denzel Washington toujours au sommet malgré ses 60 printemps, mais manquant d’un scénario valable et de personnages profonds. Qu’importe, son ambition principale n’est autre que de contenter le spectateur avide d’action frénétique, et il remplit parfaitement sa mission. Que demander de plus ?

The Equalizer : Bande-annonce

Synopsis : Pour McCall, la page était tournée. Il pensait en avoir fini avec son mystérieux passé. Mais lorsqu’il fait la connaissance de Teri, une jeune fille victime de gangsters russes violents, il lui est impossible de ne pas réagir. Sa soif de justice se réveille et il sort de sa retraite pour lui venir en aide. McCall n’a pas oublié ses talents d’autrefois…

The Equalizer : Fiche technique

Réalisation : Antoine Fuqua
Scénario : Richard Wenk, d’après l’oeuvre de Richard Lindheim et Michael Sloan
Interprétation : Denzel Washington (Robert McCall), Chloë Grace Moretz (Terri), Marton Csokas (Teddy), Bill Pullman (Brian Plummer), Melissa Leo (Susan Plummer)
Producteurs : Todd Black, Jason Blumenthal, Tony Eldridge, Mace Neufeld, Alex Siskin, Michael Sloan, Steve Tisch, Denzel Washington, Richard Wenk
Photographie : Mauro Fiore
Musique : Harry Gregson-Williams
Montage : John Refoua
Production : Columbia Pictures, Escape Artists, Lionsgate, Mace Neufeld Productions, Village Roadshow Pictures
Distribution : Sony Pictures Releasing France
genre : Action, thriller
Durée : 132 minutes
Date de sortie : 1er octobre 2014

USA – 2014

Auteur : Mikael Yung

À la fois le pire Die Hard et un très mauvais film d’action 

Synopsis: Bruce Willis est de retour dans son rôle le plus mythique : John McClane, le « vrai héros » par excellence, qui a le talent et la trempe de celui qui résiste jusqu’au bout.
Cette fois-ci, le flic qui ne fait pas dans la demi-mesure, est vraiment au mauvais endroit au mauvais moment après s’être rendu à Moscou pour aider son fils Jack, qu’il avait perdu de vue. Ce qu’il ignore, c’est que Jack est en réalité un agent hautement qualifié de la CIA en mission pour empêcher un vol d’armes nucléaires. Avec la mafia russe à leur poursuite et la menace d’une guerre imminente, les deux McClane vont découvrir que leurs méthodes radicalement différentes vont aussi faire d’eux des héros que rien ne peut arrêter.

Qui aurait pu penser que John McClane, personnage emblématique du film d’action pure et dure, rôle mémorable qui lança la carrière de Bruce Willis, reviendrait encore sur les écrans 25 ans après l’incontournable Piège de Cristal ? Peu de gens, il est vrai. Surtout les fans, qui n’attendaient pas à se retrouver face à un quatrième opus, certes hautement divertissant, mais qui leur était quasi blasphématoire, cassant les codes érigés par les premiers opus de la saga. Vous avez râlez envers le film de Len Wiseman ? Avec ce cinquième épisode, Die Hard – Belle journée pour mourir, vous n’avez encore rien vu.

Si l’idée de retrouver ce cher McClane a toujours quelque chose d’alléchant sur le papier, le projet avait déjà de quoi faire dresser bien des poils, à commencer par le réalisateur. John Moore, un homme à qui nous devons En territoire ennemi, Le Vol du Phoenix, La Malédiction (le remake du long-métrage de Richard Donner) et Max Payne. Des films qui ont offert à leur cinéaste le titre de mauvais réalisateur auprès de l’inconscient collectif. Autre détail qui pouvait mettre la puce à l’oreille : sa durée de 1h38, alors que la moyenne d’un Die Hard tourne autour de 2h. Il est vrai que juger un film sur des a priori de ce calibre (surtout sur sa durée) peut paraître dérisoire. Mais dans le cadre de Die Hard 5, cela se présentait véritablement comme un signal d’alarme qui se confirme dès les premières secondes du long-métrage.

Le fil démarre part une introduction qui consiste à poser les bases de l’histoire, à savoir présenter rapidement les antagonistes et leur plan, ainsi que de mettre en avant la situation dans laquelle se met McClane Jr. (après la fille dans le 4, voici le fils…). Pour cela, on balance aux spectateurs diverses scènes sans réel lien ni transition potable, montées donc à la va-vite, qui ont bien du mal à captiver l’attention. Un effet brouillon qui ne donne nullement envie de suivre l’aventure (pour un début de film, ça ne le fait pas). Ensuite, John McClane arrive à l’écran. Dans la saga, c’est toujours fait de manière comique : une discussion insensée avec un passager d’avion (le 1), une jérémiade pour se faire sauter une contravention (le 2), une apparition en mode alcoolique (le 3) et une altercation avec sa fille non dénuée d’humour (le 4). Là, avec une caméra posée, une ambiance lourde et un manque flagrant de comique, s’en est presque dépressif de voir le personnage principal. Avec un prélude aussi loupé, difficile d’avoir une lueur d’espoir concernant le reste du film.

Pourtant, Die Hard 5 tente par tous les moyens d’affirmer son appartenance à la franchise, et ce pendant toute la durée du film. Le problème est qu’il le fait de manière beaucoup trop appuyée et surtout maladroite au possible. À tel point qu’il est obligé de passer par la référence inutile (faire un lien avec le film précédent en montrant la fille du héros, toujours jouée par Mary Elizabeth Winstead), par un running gag excessif qui ne fait plus rire (McClane qui balance au moins sept fois dans  le film être en vacances) et même par un « Yippee-ki-yay » qui nous est jeté à la figure sans aucune imagination. Avoir un humour, bas de gamme qui plus est, et de l’action à gogo qui s’enchaîne juste histoire d’avoir de la fusillade et des explosions à outrance, cela ne fait pas d’un film d’action hollywoodien un Die Hard. Surtout quand ce dernier, qui veut à tout prix faire partie de la saga, ne possède aucune des qualités.

Qu’est-ce exactement un Die Hard ? C’est un divertissement dans lequel le héros se trouve au mauvais endroit au mauvais moment. Ici, il est sur place par choix (dans le but d’aller sauver son fils, se jetant donc volontairement dans la gueule du loup). Où le personnage secondaire est drôle et possède un charisme indéniable. Ici, Jay Courtney est aussi impressionnant qu’une huître avariée (de quoi regretter Samuel L. Jackson). Où les méchants ont une classe folle (rappelez-vous d’Alan Rickman et de Jeremy Irons). Ici, ils sont en surnombre (au moins trois principaux) et ne sont même pas fichus d’avoir une aura digne de ce nom, à cause de répliques à deux balles et de comédiens inconnus du grand public à côté de la plaque. Où l’action peut être démesurée sans jamais être véritablement invraisemblable. Ici, McClane se sort d’un carambolage monstre sans aucune égratignure (alors que le personnage est réputé pour son côté héroïque mais aussi sensible niveau blessures), se balade en marcel avec son fils dans un Tchernobyl pourtant irradié. Où Bruce Willis s’amuse comme un petit fou. Ici, il s’ennuie à mourir et cela se voit. Bref, la liste des comparaisons est bien longue pour dire que ce film n’a de Die Hard que le titre.

Si seulement le film pouvait se contenter d’être le pire Die Hard qui puisse exister à l’heure actuelle. Mais non, il est également un très mauvais film d’action. La faute au réalisateur John Moore. S’il sait faire exploser des véhicules, les envoyer dans le décor ou démolir ce dernier, il n’a aucun talent pour filmer et monter une séquence d’action. La première scène de course-poursuite dans Moscou est l’exemple le plus représentatif du film : un moment du long-métrage qui arrive à perdre le spectateur même avec une caméra fixe (qui ne bouge pas dans tous les sens comme dans Transformers) par des plans trop courts, montés de manière anarchique, faisant intervenir des personnages et véhicules sortant de nulle part, ne respectant jamais les divers éléments spatio-temporels (une voiture sur une route qui saute d’un pont apparu soudainement la seconde d’après). De l’action très mal fichue, qui n’explique pas quelques effets visuels n’ayant rien à faire dans ce type de film (le crash d’un hélico au ralenti, dont le plan semble tout droit sorti de Watchmen). Une hystérie illisible et incompréhensible qui ne titille nullement notre attention, jusqu’à un happy end des plus niaiseux qui puissent exister.

Un cinquième opus qui fait littéralement honte à la saga initiée par John McTiernan, qui a au moins le mérite de ne faire que 1h38 (finalement, cela reste la meilleure idée du film), clamant haut et fort qu’il serait temps de s’arrêter avant de continuer un éventuel massacre (un sixième et dernier film serait actuellement en projet). Une déception de taille qui se place au niveau des direct to video auxquels Bruce Willis semble désormais habitué pour toucher son cachet de comédien ne pensant qu’à l’argent comme un certain Nicolas Cage, au point d’enchaîner sans pudeur les bouses cinématographiques. Il y a de quoi crier à l’unisson « Yippee-ki-yay, pauvre con ! ». A Bad Day to Die Hard…

Fiche Technique: Die Hard – Belle journée pour mourir

Titre original: A Good Day to Die Hard
États-Unis – 2013
Réalisation : John Moore
Scénario : Skip Woods, d’après les personnages créés par Roderick Thorp
Interprétation : Bruce Willis (John McClane), Jay Courntey (Jack McClane),Sebastian Koch (Yuri Komorov), Cole Hauser (Collins), Amaury Nolasco (Murphy), Yuliya Snigir (Irina), Sergei Kolesnikov (Viktor Chagarin), Mary Elizabeth Winstead (Lucy McClane)…
Date de sortie : 20 février 2013
Durée : 1h38
Genre : Action, policier
Image : Jonathan Sela
Décors : Tom Brown
Costumes : Bojana Nikitovic
Montage : Dan Zimmerman
Musique : Marco Beltrami
Budget : 92 M$
Productions : 20th Century Fox, Dune Entertainment et Media Magik Entertainment
Distributeur : 20th Century Fox

Éternel cinéaste arty sans cesse plongé dans les méandres de l’adolescence, Gregg Araki est de retour quatre ans, avec le film white Bird, après le trip parano et apocalyptique qu’était Kaboom.

Synopsis: Kat Connors a 17 ans lorsque sa mère disparaît sans laisser de trace. Alors qu’elle découvre au même moment sa sexualité,  Kat semble  à peine troublée par cette absence et ne paraît pas en vouloir à son père, un homme effacé. Mais peu à peu, ses nuits peuplées de rêves vont l’affecter profondément et l’amener à s’interroger sur elle-même et sur les raisons véritables de la disparition de sa mère…

Contrairement à ce dernier, Araki traite ici son sujet avec une maturité, une ambition et surtout un désenchantement qu’on n’avait pas retrouvé depuis Mysterious Skin. Ce qui l’amène à considérablement renouveler son champ de travail en se focalisant autant sur cette jeune adolescente que sur le cocon social et familial dans lequel elle vit. Presque logiquement présenté à Sundance, White Bird est le onzième long-métrage de Gregg Araki mais n’est seulement que sa deuxième adaptation. C’est après les recommandations d’un ami producteur qu’il s’est lancé dans la lecture du roman Un oiseau blanc dans le blizzard (Laura Kasischke, 1999). Le réalisateur y trouvera un matériau formidable composé d’un certain lyrisme, d’une poésie et d’un contraste douceur/violence qui lui sied parfaitement. Comme il le dit en interview, il y a trouvé la même substance qui l’a charmé lors de la lecture de Mysterious Skin (Scott Heim, 1995). C’est ce mélange d’émotions et d’épreuves qui construisent l’adolescence que Gregg Araki a tenu en mettre en scène et à réécrire pour en faire un objet cinématographique. Et derrière ce voile fin et sensible du teenage dream, White Bird est également un portrait peu flatteur d’une Amérique banlieusarde avec sa famille modèle désillusionnée.

American Youth

Autant portrait juvénile que thriller à suspense en passant par le drame familial, White Bird explore avec finesse l’introspection d’une adolescente qui doit affronter les névroses de sa mère, le manque de vigueur d’un père qui ne s’affirme jamais, mais également se découvrir auprès des hommes. C’est la disparition soudaine de la mère qui sera le point de départ de cette intrigue qui tient autant à sa résolution qu’au développement de cette adolescente, brutalement confronté à la réalité. Progressivement, Gregg Araki nous dévoile les indices pour résoudre cette intrigue. Les personnages se révèlent, les névroses prennent place, les peurs de chaque personnage ressortent et les langues se délient enfin. Cette disparition est aussi le fait d’un contexte social qui s’avère peu reluisant. La banlieue a toujours incarné cet idéal de la réussite américaine. Petite propriété avec jardin et famille modèle qui consomme les bons produits de consommation de notre société. Derrière cette façade superficielle se trouvent une image faussée de ce qu’est le bonheur vendue par de fausses illusions médiatiques. Dans ce sens, Gregg Araki lorgne du côté de Sam Mendes et de son American Beauty, portrait fin et tragique d’une famille banlieusarde. La famille de White Bird n’est que le reflet d’un pays avec ses névroses, ses problèmes et ses ambitions avortées. Il est presque normal alors de voir le personnage de Shailene Woodley rejeter physiquement et psychologiquement la disparition de sa mère, ne sachant plus où se situer entre l’attachement et l’émancipation d’un cocon familial qui lui nuit littéralement. Elle n’en reste pas moins désorientée et toutes les étapes de sa vie se réaliseront dans l’ombre d’un mystère non résolu. Sous les traits d’un bonheur superficiel, cette famille américaine explose par le biais d’un mari qui se sera toujours comporté comme une lavette, d’une mère sacrifiée dans ses ambitions, et cette adolescente mal dans sa peau qui trouve un refuge dans le sexe, notamment avec cet enquêteur bien plus âgé qui symbolise la virilité qu’elle attendait de son père. Gregg Araki a l’audace de revenir à l’essence même du flashback. Il désamorce son intrigue au profit de plusieurs petits récits et d’éléments venant apporter à chaque fois un peu plus de profondeur à une disparition qui devient de plus en plus énigmatique. En ce sens, et même si avec du recul on pouvait la deviner, le final est une vraie réussite tant sur son rebondissement que sur la manière dont il est amené.

Seul Gregg Araki pouvait nous mettre en scène avec une telle maestria cette chronique chaotique de l’adolescence. Thriller splendide, Gregg Araki reconstitue fidèlement le charme de la transition des années 1980 et 1990 et magnifie cette période par une bande-son toujours aussi onirique. Très formaté Sundance, White Bird est un ensemble de longs et magnifiques plans qui ne rendent que plus élégant cet âge formidable qu’est l’adolescence, avec ses découvertes et ses déceptions. Ce travail entre le son et l’image nous renvoie le symbole d’une jeunesse idéalisante mais en perte de repères. Des plans fixes qui s’éternisent mais qui ne mettent jamais mal à l’aise et semble au contraire nous hypnotiser. Avec un mystère à résoudre, White Bird invite le spectateur à pleinement s’impliquer dans la narration et de devenir aussi bien l’enquêteur de cette disparition que le témoin d’un portrait sensible de l’adolescence. Au-delà de cette implication, Gregg Araki nous emmène à nouveau en terrain surréaliste avec quelques plans oniriques dans les rêves du personnage principal. Pleinement influencés par Lynch, tous ce blanc trop-pesant à l’écran renvoie à cette quête de la vérité du personnage principal sur la disparition de sa mère. Tout sera finalement lié dans les derniers plans du film.

Derrière cette narration propre à Araki, il y a également un quatuor de comédiens qui portent littéralement le film et en font le petit chef d’œuvre « sundancien » qu’il est. A commencer par Shailene Woodley qui trouve un rôle mature à la hauteur de son talent comme elle l’avait déjà pu nous le montrer dans The Descendants d’Alexander Payne ou The Spectacular Now de James Ponsoldt. Mais elle pousse vraiment la panoplie de son jeu à son paroxysme et se donne corps et âme dans ce personnage tiraillé par la famille, son désir de goûter aux hommes et celui de croquer la vie à pleine dent. Elle sera pourtant sans cesse retenue par l’absence de réponses sur la disparition de sa mère, l’empêchant de pleinement s’affirmer en tant qu’adulte. Cette mère névrosée et disparue est interprétée avec brio par Eva Green, brillante et performante qui ferait presque oublier qu’on ne la connaissait auparavant que « comme la fille de Marlène Jobert ». Ultra-présente sur nos écrans cette année avec les sorties respectives des suites de 300 et Sin City, de The Salvation et surtout de l’honorable série fantastique de John Logan et Sam Mendes, Penny Dreadful. Avec White Bird, elle construit un personnage troublé, tombé dans l’illusion d’une vie parfaite et jalousant sa fille. Un personnage complexe qui ne semblait pas être de premier abord pour Eva Green (plus vieille qu’elle dans le roman) mais qui s’avère finalement pleinement impliqué au point d’en faire la femme issue d’une génération sacrifiée qui n’a que le foyer pour s’épanouir. Triste. Au sein de ce foyer, elle est mariée ou plutôt attachée à un mari mollasson incarné par un Christopher Meloni dans un rôle étonnamment fébrile et peu affirmé pour sa mesure. Il joue avec conviction et justesse ce personnage de père qui semble oublier son autorité et se contente d’une vie suffocante mais qu’il accepte et ne fait que renier intérieurement. Une sorte d’antagonisme littéral à la performance de Kevin Spacey dans American Beauty. Enfin, Shiloh Fernandez est plutôt bon dans son rôle de naïf insouciant, romantique mais traversé d’interrogations et enclin au désir d’une fille de son âge et d’une mère qui voit en lui autant une forme de divertissement qu’un moyen de retrouver une certaine jouvence. Ceux qui auront vu le Evil Dead de Fede Alvarez ou Le Chaperon Rouge de Catherine Hardwicke le reconnaîtront sans doute. A noter quelques apparitions de Thomas Jane dans le rôle d’un détective accompli. Tous ses personnages ont pleinement compris les intentions de Gregg Araki et la direction d’acteurs aidant, la justesse de leurs interprétations fait que pas une seule seconde on ne s’attend à ce final aussi bouleversant que surprenant.

Présenté dans la sélection à Deauville, White Bird est reparti bredouille de récompenses comme dans à peu près tous les festivals où il a été présenté. Et c’est véritablement dommage tant ce film sonne comme la renaissance du cinéaste qui se renouvelle et aborde une nouvelle manière d’appréhender l’adolescence après son délire hallucinatoire qu’était Kaboom. Porté par des acteurs sans failles, White Bird est l’une des pépites indépendantes de cette année au même titre que States of Grace, qui ne concourt cependant pas dans la même catégorie. Gregg Araki nous offre un film dramatique, poétique et sensible dans sa manière d’aborder une époque et un contexte social cher à la classe moyenne américaine. White Bird est un magnifique récit sur une Amérique avec ses secrets et ses névroses, le tout sublimé par l’élégance et le génie de ce réalisateur qui ne cesse de nous surprendre depuis près de trente ans maintenant. Un des grands noms du cinéma américain actuel.

Fiche Technique: White Bird

Titre originale: White Bird in a Blizzard
USA – France
Réalisation: Gregg Araki
Scénario: Laura Kasischke (roman) – Gregg Araki (scénario)
Interprétation : Shailene Woodley (Kat Connors), Eva Green (Eve Connors), Christopher Meloni (Brock Connors), Shiloh Fernandez (Phil), Gabourey Sidibe (Beth), Thomas Jane (Detective Scieziesciez)
Genre: Drame-thriller
Durée: 91min
Image: Sandra Valde-Hansen
Décor: Todd Fjelsted
Costume: Mairi Chisholm
Montage: Gregg Araki
Son : Robin Guthrie & Harold Budd
Producteur: Gregg Araki, Pascal Caucheteux, Sébastien K. Lemercier, Alix Madigan, Pavlina Hatoupis, Julie Peyr, J.B. Popplewell & Sean Vawter
Production: Desperate Pictures, Orange Studio, Why Not Productions & Wild Bunch
Distributeur: Bac Films
Budget : /
Festival: Présenté à Sundance 2014 et Sélectionné dans la Compétition officielle au Festival du Cinéma Américain de Deauville 2014

Dès les premiers plans du film Still the Water, on est submergé par la beauté des paysages japonais : les hautes montagnes embrassant des cieux azurés, des vagues déferlants sur les récifs…

 L’île d’Anami, la Nature nippone sublimée 

On est frappé par tous ses détails, et même tous ses bruits. Tous les bruissements de feuilles, les sifflements de vents imperceptibles à l’oreille sont passés au zoom de la caméra de Kawase. Elle sait faire également ressortir le pire de la Nature, jusqu’à la personnifier en monstre dévastateur avec ses immenses et violentes bourrasques de vent. Un film totalement en harmonie avec son milieu atypique, l’île d’Anami dont des parents de la réalisatrice, sont originaires.

Fenêtre de l’âme et de l’homme 

Alors qu’un corps est découvert dès les premières minutes, accident ou meurtre, on se détache rapidement de cette intrigue pour se plonger de manière subtile et naturelle dans le cœur de l’histoire : le quotidien de deux jeunes amis, Kaito et Kyoko. Le premier souffre de la totale absence de sa mère, lui reprochant d’être avec d’autres hommes que son père et n’acceptant pas leur séparation. Kyoto, elle, doit faire face à sa mère mourante du cancer.

Ces deux jeunes acteurs, Nijirô Murakami et Jun Yoshinaga, interprètent en symbiose les premiers émois amoureux. Chacun jouent de manière juste, l’acceptation de leurs sentiments respectifs, encore trop timides. Ils finiront par faire la découverte du désir sensuelle au milieu de cette nature inviolable.

S’accepter, pour mieux aimer 

Plus en profondeur, le film aborde le deuil à travers un parcours lent et paisible vers la mort de la mère. Sous l’imposant banian (figuier d’Asie) de 500 ans, on partage la douleur de Kyoko face au passage dans l’au-delà de sa mère, montré de manière si douce, que la mort en serait presque heureuse. Des rites, des danses et des chants initiatiques nous bercent dans cette latente agonie.

Alors que Kaito, jusque-là très renfermé et mystérieux, devient impulsif en même temps que le typhon. Il s’expose et fait face aux non-dits avec sa mère, pour enfin démêler ses problèmes et accepter ses sentiments refoulés. De manière authentique, on apprend beaucoup de la sagesse de ce peuple à travers le personnage du « Papi Tortue » qui sert de guide dans ce conte de la vie. Puis, on est dépaysés avec des scènes de rites chamanes (sacrifices de chèvres) à couper le souffle.

La musique est présente, mais presque imperceptible. Elle ne sert qu’à souligner la Nature sereine. Les chants et danses servent d’accompagnements pour les moments les plus durs, et le silence sert à la douleur. Même si parfois la caméra est tremblante, et l’action un peu longue, la lumière naturelle sublime et intensifie jusqu’à donner une réelle âme au film.

Saisir la vie

Sachant que la réalisatrice a elle-même perdue sa mère adoptive avant le film, on retrouve alors le discours d’une ode à la vie : comme dans «Le vent se lève» de Miyazaki. Et ce, tout en étant sublimé par la beauté et l’inimaginable splendeur de la faune et la flore nippone. Still the Water est un drame touchant et une romance pudique qui rend ce film plus qu’humain, et même inclassable.

Synopsis : Sur l’île d’Amami, les habitants vivent en harmonie avec la nature, ils pensent qu’un dieu habite chaque arbre, chaque pierre et chaque plante. Un soir d’été, Kaito découvre le corps d’un homme flottant dans la mer. Sa jeune amie Kyoko va l’aider à percer ce mystère. Ensemble, ils apprennent à devenir adulte et découvrent les cycles de la vie, de la mort et de l’amour…

Fiche Technique : Still the Water (Futatsume no Mado)

France, Japon, Espagne – 2014
Réalisation: Naomi Kawase
Scénario: Naomi Kawase
Interprétation: Nijirô Murakami (Kaito), Jun Yoshinaga (Kyoko), Miyuki Matsuda (Isa), Tetta Sugimoto (Tetsu), Makiko Watanabe (Misaki), Jun Murakami (Atsushi)…
Date de sortie: 1er octobre 2014
Durée: 1h59
Genre: Romance, Drame
Image: Yutaka Yamazaki
Son: Shigeatsu Ao, Roman Dymmy, Olivier Goinard
Montage: Tina Baz
Musique: Hasiken
Producteur: Masa Sawada, Takehiko Aoki, Naomi Kawase
Production: Comme des Cinémas, Wowow
Distributeur: Haut et Court

Still the Water a été présenté en compétition au Festival de Cannes 2014

Si l’Italie est une terre riche en culture et en diversité, force est de reconnaître que, lorsque l’on pense à nos voisins transalpins, on pense souvent à trois choses : les pâtes, la pizza (et donc la pâte à pizza) et la mafia. Si les films centrés sur les spécialités culinaires ritales se font rares, ce que l’on ne peut que regretter, ceux ayant pour objet la Cosa Nostra et ses diverses branches sont multiples. Les Âmes Noires fait partie de cette branche, basant son histoire sur la région de la Calabre, tristement célèbre pour son passé criminel.

Une région à la beauté sauvage, superbement mise en images par le directeur de la photographie Vladan Radovic. Les décors hostiles ont une place à part dans l’intrigue du film, comme un témoin silencieux de cette famille qui se déchire dans ses luttes pour conserver le pouvoir. Les ruines d’Africo, le village Calabrais au centre de toutes les attentions, sont un pan de l’Italie rarement montré sur grand écran, une erreur rattrapée ici de la plus belle des manières. D’autant que, si les extérieurs ont bien sûr leur importance, l’intégralité du film pourrait se vivre comme un huis-clos dans la demeure familiale, dont chaque pièce et chaque couloir possède sa propre atmosphère et finit par devenir familier au spectateur.

Car, contrairement à d’autres films du genre, la grande Histoire de la mafia se vit ici de l’intérieur, à travers la vie d’une famille, associée de longue date au contrôle de la région. Ce sera donc à travers les membres de cette fratrie, et dans leur relation aux autres, que l’on verra se dérouler ce conflit qui aura des répercussions sur chacun d’entre eux. Sans être d’une folle originalité, le scénario est très bien écrit, dosant parfaitement chacun de ses personnages et montrant leurs travers et leurs forces en quelques scènes. Tout le passé de la famille est condensé dans ces cent minutes, et on sent le poids des responsabilités peser sur les épaules de l’aîné de la fratrie. Une belle prouesse que l’on doit à un casting impeccable, en particulier Fabrizio Ferracane, dont c’est le premier rôle au cinéma.

Ce drame familial, dont les ramifications dépassent de loin le cadre du clan, se déguste comme une tragédie grecque à l’ancienne. Tous les éléments sont réunis, dans un théâtre grandiose qui ajoute à la majesté du scénario. Loin de l’image glamour du Parrain, plus proche d’un Soprano sans aller aussi loin dans la névrose, Les Âmes Noires donne à voir une autre image de la mafia. Indispensable pour tous les amateurs de polars nerveux et bien écrits.

Les Âmes Noires : Bande-annonce

Synopsis : Luigi et Rocco, fils d’un berger proche de la ’Ndrangheta, la mafia calabraise, sont dans le trafic international de drogue. Luciano, le troisième frère, est berger comme son défunt père assassiné par une famille rivale. Il s’occupe des terres familiales et a décidé de rester à l’écart des activités de ses frères. Malgré ses efforts pour protéger ses proches de cet héritage de violences et de rancoeurs, son fils Léo est attiré par ce monde où la loi du sang et le sentiment de vengeance sont maîtres.

Fiche Technique Les Âmes Noires

Italie, France-2014
Drame
Réalisateur : Francesco Munzi
Scénariste : Francesco Munzi, Fabrizio Ruggirello, Maurizio Braucci, d’après le roman de Gioacchino Criaco
Distribution : Marco Leonardi (Luigi), Peppino Mazzotta (Rocco), Fabrizio Ferracane (Luciano), Giuseppe Fumo (Leo), Barbora Bobulova (Valeria), Anna Ferruzzo (Antonia)
Producteurs : Luigi Musini, Olivia Musini
Directeur de la photographie : Vladan Radovic
Compositeur : Giuliano Taviani
Monteur : Cristiano Travaglioli
Production : Cinemaundici, Babe Films
Distributeur : Bellissima Films

Auteur : Mikael Yung