LeMagduCiné

Entourés d’un aura de mystère, les sociétés secrètes ont toujours passionné le grand public, que ces mystérieux clubs fassent partie de notre quotidien ou qu’ils renvoient aux plus prestigieuses universités. Il suffit de regarder la presse, qui fait sans cesse ses unes sur la franc-maçonnerie, sans jamais apporter grand chose au moulin. Aux États-Unis les fraternités, qu’elles aient ou non pignon sur rue, sont un sujet pour quantité de cinéastes dans divers genres, du thriller à la comédie pour adolescents. The Riot Club n’a donc rien d’original dans son propos, si ce n’est peut-être sa localisation. Car voir les débordements d’une université aussi prestigieuse et supposément coincée qu’Oxford pourrait surprendre. Mais après tout, la débauche n’est pas exclusive à l’autre côté de l’Atlantique.

Synopsis : Le Riot Club est réservé à l’élite de la nation. Ce cercle très secret d’Oxford fait de la débauche et de l’excès son modèle depuis 3 siècles. Miles et Alistair, deux étudiants en première année, ne reculeront devant rien pour avoir l’honneur d’en faire partie…

Dix gosses en colère

C’est donc dans la seconde plus vieille institution d’outre-Manche (Cambridge les précédant de peu) que se situe l’action. Un repère de jeunes hommes et femmes sur les épaules desquels repose une partie du destin du royaume. Certains viennent d’un milieu difficile, d’autres sont nés avec une cuillère d’argent dans la bouche, qui se transmet de génération en génération. C’est bien sûr à cette seconde catégorie que The Riot Club va s’intéresser. Cette société d’élite est en effet réservée aux plus riches, aux plus intelligents et aux plus influents des élèves. Chaque génération doit compter dix membres dans ses rangs.

Soit dix personnages (au minimum) à la personnalité unique et suffisamment reconnaissable, malgré des tenues vestimentaires relativement proches. Forcément, il faut malgré tout faire des choix. Le scénario nous montre donc l’essentiel de la majorité de ses membres, et les rend tous distincts, ce qui en soi est déjà remarquable. Il se concentre ensuite sur deux d’entre eux, nouvellement arrivés et qui auront pour tâche de faire découvrir au spectateur les dessous du Riot Club avec un œil neuf. Si cette partie est plutôt bien traitée, les conflits, eux, sont malheureusement réduits à la portion congrue.

Orgueil et préjugés

Car ce qui fait le sel de ce récit, plus que le comportement gentiment choquant des membres du club, c’est bien l’évolution des rapports entre ses membres, et principalement la relation entre Alistair et Miles, les deux nouveaux précédemment cités. Si leur rivalité apparaît vite évidente, le récit peine à nous la faire vraiment ressentir, ou à lui donner une raison autre que « c’est comme ça ». Si l’on découvre assez bien la personnalité de Miles, incarné par un Max Irons convaincant, c’est bien le vénéneux Alistair, interprété par l’excellent Sam Clafin, qui nous échappe. Et c’est bien dommage, car c’est lui qui va se révéler l’élément déclencheur du film. Passer plus de temps en sa compagnie aurait pu être un choix judicieux.

Malgré tout, la réalisatrice Lone Scherfig remplit parfaitement son office. Sa caméra suit ce groupe de garçons en offrant un regard extérieur, sans chercher à susciter ni l’empathie ni le dégoût. La montée en tension lors du repas, qui occupe facilement les deux tiers du film, est parfaitement exécutée. On sait par avance ce qui va se passer, mais on ne sait pas quand ou comment l’orage va éclater. Saluons également le travail de Laura Wade, qui a parfaitement réussi le passage de la pièce de théâtre au scénario pour le grand écran.

Sans vraiment surprendre, The Riot Club est une très belle plongée dans l’univers de ses sociétés secrètes auxquelles sont censés avoir adhéré la majorité des puissants du royaume (le premier ministre David Cameron et le maire de Londres Boris Johnson ont supposément été membres de clubs de ce genre). Si elle n’apporte finalement rien de nouveau au genre, Lone Scherfig parvient à nous entraîner dans ce monde fascinant réservé à l’élite. La fin, en particulier, est absolument superbe dans son cynisme glaçant.

The Riot Club – Fiche Techinique

Royaume-Uni – 2014
Drame
Réalisatrice : Lone Scherfig
Scénariste : Laura Wade, d’après son oeuvre
Distribution : Max Irons (Miles Richards), Sam Clafin (Alistair Ryle),Holloday Grainger (Lauren), Freddie Fox (James Leighton), Douglas Booth (Henry Villiers)
Producteurs : Graham Broadbent, Peter Czemin
Directeur de la photographie : Sebastian Blenkov
Compositeur : Kasper Winding
Monteur : Jake Roberts
Production : Blueprint Pictures
Distributeur : Paramount Pictures France

Auteur : Mikael Yung

De deux choses l’une, ou bien le pouvoir nord-coréen a des goûts cinématographiques exécrables, ou bien Kim-Jong un est le dirigeant en exercice le plus susceptible, les deux sont probablement vrais. L’Interview qui tue (titre français épouvantable de ridicule) est bien un film atroce qui démontre l’absence de culture du « leader suprême », qui lui accorde une importance qu’il ne mérite pas.

Synopsis : Présentateur d’une émission people à succès, Dave Skylark tente de gagner sa légitimité de journaliste en allant interviewer le leader nord-coréen Kim Jong un. La C.I.A. lui demande alors de participer à l’assassinat du chef d’état.

La Grande Usurpation

Le cas Kim

C’est aussi la seule œuvre à ce jour, qui met en scène la mort par assassinat d’un chef d’état en cours de mandat, parions que nul ne se le serait permis s’il ne s’était agi d’un pays autre que celui-là. On pourra y voir une sorte de mépris contestable de la part des producteurs, qui pourront pourtant remercier Kim-Jong un de la formidable publicité qu’il a faite à une comédie ridicule qui autrement, été promise aux tréfonds du box-office international. Depuis l’affaire de piratage informatique, voir ce film est devenu un acte de « rebellitude » pour adolescents aux joues bombardées d’acné juvénile et purulente.

L’humour sans esprit

Soyons tranchant, The Interview (le titre v.o. est quand même moins insupportable) est totalement nul, à deux ou trois exceptions près. Il raconte le long cheminement d’un présentateur télé totalement imbécile et superficiel, vers la rédemption journalistique que pourrait lui offrir l’interview du chef d’état coréen. Nous sommes censés voir une comédie, mais pour être drôle, encore faut-il avoir de l’esprit et pour avoir de l’esprit, encore faut-il être doté d’un cerveau. De cerveau il ne semble pas y en avoir ici, tant le film ne semble pas savoir ce qu’il veut. On passe sans cesse d’une pâle critique d’un régime totalitaire à bout de souffle (qui méritait un traitement plus profond et documenté), à une comédie pas drôle qui lorgne le travail des frères Farrelly, sans jamais parvenir à se lâcher. On est dans le même humour scatophile et sexuel, mais là où les frangins maitrisent la mécanique du fou rire, Evan Goldberg et Seth Rogen (déjà responsables de C’Est La Fin) n’ont qu’un vieux moteur rouillé qui tousse au lieu de rigoler. On aurait aimé du cynisme, de l’ironie bref, un second degré qui aurait vraiment rendu le film subversif. Au lieu de ça, ses créateurs choisissent la facilité et s’en prennent frontalement au régime coréen, se contentent du coup d’enfoncer des portes ouvertes, sans rien apporter de neuf ni au genre de la comédie, ni à l’aspect politique de l’histoire. Pourtant, il y avait matière à faire grincer les dents avec un tel sujet et pas seulement celles de Kim Jong un, il aurait pu y avoir des retours de manivelles soulignant les pertes de libertés individuelles que nous subissons depuis le début de la guerre contre le terrorisme.

Dans la peau de Jim Carey

Ajoutez-y des acteurs qui tentent le contre-emploi sans savoir que ça ne marche pas à tous les coups et que n’est pas Jim Carey qui veut, vous obtenez un mélange aussi digeste que la dinde fourrée aux marrons de tata Lucette un soir de réveillon. Car oui messieurs dames, James Franco (La Planète Des Singes, l’Affrontement), acteur plutôt prometteur, joue ici le journaliste débile et pompe son jeu sur celui de Jim. Il lui pique ses mimiques, ses grimaces, ses gesticulations mais oublie de lui emprunter un peu de son talent. Du coup le petit James se transforme en tête à claques stressante qui provoque des envies de meurtre. Seth Rogen (22, Jump Street) qui joue son sparring partner, est à peine moins énervant, il faut dire que son rôle est un peu moins ingrat et laisse quelques moments de bravoure…ridicules. Il ne reste finalement que la délicieuse Diana Bang (Bates Motel, Continuum), superbe officière coréenne, qui permettra aux connaisseurs de soulever un sourcil de plaisir à défaut de s’endormir.

On ne rit jamais

Finalement c’est peut-être la réalisation qui marque le plus, nous faisant prendre le visage à deux mains… de consternation. Il y a bien une ou deux véritables idées, comme la combustion finale du dictateur, esthétiquement réussie grâce à un ralenti bien utilisé. Mais on retrouve ici toute la finesse d’un Gérard Depardieu, juché sur son scooter et qui se retrouverait face à deux gendarmes, découvrant stupéfaits qu’il ait fait exploser le ballon dans lequel il soufflait. Sincèrement on est navré pour l’équipe du tournage qui participe à cette mascarade, consterné par ses allusions stupides au Seigneur Des Anneaux de Jackson qui ne mérite pas ça, consterné par la chanson finale qui n’est autre que le « Wind Of Change » des Scorpions (chanson lourde de sens, elle) et donne l’espoir d’un vent nouveau sur la Corée du Nord. Sauf qu’ici c’est totalement déplacé, ça ne fait pas rire, pas rêver, juste grincer des dents à s’en faire saigner les gencives.

Kim Wild !

Vous l’aurez compris, The Interview est une gigantesque imposture qui est aussi irrévérencieuse que les vœux d’un président un soir de Saint-Sylvestre. C’est la même chose en fait : c’est long, c’est pénible et ça donne envie de pleurer tant c’est vide. The Interview n’est rien, ni drôle, ni méchant et mérite de disparaître sans que personne ne se donne plus la peine d’aller le chercher en toute illégalité sur le net. Jamais un film n’aura autant usurpé le foin médiatique qu’il a fait. Mais finalement, personne n’a jamais prétendu qu’il était bon, juste qu’il a dérangé un dictateur de pacotille dans un pays moribond et qui affiche à la face du monde l’immensité de son mauvais goût, qui n’a d’égale que sa cruauté folle.

L’interview qui tue – Bande annonce

Fiche Technique : L’Interview qui tue

Réalisateurs : Evan Goldberg & Seth Rogen
Titre original : The Interview
Scénario : Evan Goldberg, Seth Rogen & Dan Sterling
Décors: John Billington
Costumes: Carla Hetland
Photographie: Brandon Trost
Montage: Zene Baker
Musique:m Henry Jackman
Production: Evan Goldberg, Seth Rogen & James Weaver
Société de production, Point Grey Pictures
Distribution : Columbia Pictures, Sony Pictures
Budget : 30 000 000 dollars
Pays: U.S.A.
Durée: 112’
Distrobution : James Franco, Seth Rogen, Lizzy Caplan, Randall Park, Diana Bang

Auteur : Freddy M.

Critique Hard Day

Synopsis: En route pour assister aux funérailles de sa mère, et tandis qu’il est visé par une enquête pour corruption, le commissaire KO Gun-su renverse accidentellement un homme. Pour se couvrir, il décide de cacher le corps dans le cercueil de sa mère. Lorsque l’affaire est découverte, on nomme son partenaire pour mener l’enquête. Et quand l’unique témoin de l’accident l’appelle pour le faire chanter, Gun-su comprend qu’il n’est pas au bout de ses peines…

Inconnu dans nos contrées, le réalisateur coréen Kim Seong-hun est un homme patient et perfectionniste qui prend le temps nécessaire pour écrire ses films. Avec Hard Day, il est à la tête de son second long-métrage. Pourtant, il ne s’agit que du premier à trouver le chemin de nos salles hexagonales. En 2006, après une comédie noire ayant reçu un accueil mitigé (il dira « j’ai été le seul à trouver le film drôle »), il se lance dans l’écriture d’un nouveau scénario après avoir visionné Volver de Pedro Almodovar. C’est en s’interrogeant sur la manière dont un homme peut se débarrasser d’un cadavre que les sens du cinéaste se sont excités. Il revendique fièrement un film de genre décalé. Un long métrage qui serait à la croisée du cinéma des Frères Coen pour l’humour noir et du talent de son illustre aîné, Bong Joon-Ho (Memories of Murder, The Host, Snowpiercer). Déçu par l’accueil mitigé de son premier film, il travaille durant huit ans l’écriture d’un projet de polar décalé. Il jugera que c’était le temps nécessaire (« mais effectivement trop long ») pour arriver à un scénario qui contienne suffisamment de cohérence et de situations à rebondissements pour obtenir l’effet voulu. Celui d’un film en constant équilibre entre l’humour et la tension. Hard Day est une telle accumulation de malchance que le film semble faire des clins d’œil à ces personnages de cartoons plongés malgré eux dans une escalade de poisse. Il en résulte au final un film nerveux, tendu, jouissif mais freiné par quelques longueurs, des scènes beaucoup trop alambiquées et une morale franchement discutable.

Enterre-moi si tu peux

Rarement un personnage n’aura été aussi proche de la définition littérale d’anti-héros. Corrompu jusqu’à l’os, empêtré dans des enquêtes judiciaires, père de famille absent, le personnage principal est un flic tout ce qu’il y a de plus ripou. Alors qu’il se rend à la morgue où est entreposé le corps de sa défunte mère, il est malencontreusement impliqué dans un tragique accident. Au volant de sa voiture, il est venu percuter un individu au beau milieu de la route. Ce dernier décédant sur le coup. Les ennuis de notre protagoniste ne concernent désormais plus que sa propre personne. Fini les problèmes collectifs (l’enterrement de sa mère avec la famille, l’enquête judiciaire avec ses collègues), il va devoir régler tout cela par sa seule logique précipitée. Une logique des plus insensée qui l’amènera à transporter le corps de l’individu, le déposer dans le cercueil de sa mère et échapper sans cesse aux contrôles à la police. Et si déjà là, on pouvait tenir un brillant court métrage d’une ironie et d’une loufoquerie sans nom, l’intrigue ne s’arrête pas là et va enchaîner les situations les plus rocambolesques. L’arrivée d’un antagoniste plus fourbe que notre personnage principal sera le prochain vecteur du film et sonnera comme le début d’ennuis toujours plus poussifs. Il y a là un vrai plaisir viscéral à voir toutes les situations les plus inimaginables lui tomber dessus. Une empathie semble naître à son égard tant chaque problème réglé semble en amener de nouveaux, l’enfonçant un peu plus dans une situation irrécupérable. Avec l’arrivée de cet intrus, une ambiguïté se dessine soudainement chez notre héros et il commence à révéler une profondeur psychologique et altruiste insoupçonnée. Le cinéaste nous fait prendre conscience que son héros agit de la sorte malgré lui, et aimerait raisonnablement éviter d’avoir recours à ce genre de solutions abominables. Pourtant, si au départ, on pouvait penser qu’il ne le faisait que pour assurer sa propre personne (individualisme), on comprend finalement qu’il tente de s’en sortir pour assurer également celle de sa fille (altruisme familial). Un homme qui se bat pour sa fille et sa dignité ne peut pas être foncièrement mauvais, semble-nous dire le réalisateur. Et c’est le message très implicite (et très discutable) du film, faut-il agir immoralement pour le bien des autres ? Voilà un discours qui mérite particulièrement réflexion.

Si le personnage remporte finalement (malheureusement ?) l’adhésion du public, il faut néanmoins avoir à l’esprit que Hard Day est un film où presque tous les personnages semblent être des anti-héros. Le réalisateur prend ainsi un malin plaisir à tacler la police de son pays. Alors que le réalisateur se défend d’avoir voulu en donner une image négative, le comportement des autorités coréennes en prend véritablement pour son grade. C’est bien simple, le personnage principal -policier donc de son état- dont la mission est de punir les crimes, ne cesse de maquiller les siens. Sans compter que les agents en service ne semblent être que des pions idiots malmenés par la hiérarchie. La seconde partie du film offre alors une forme de rédemption à son héros, en le faisant donc affronter un personnage indésirable dans l’équation. Hard Day se mue ainsi au bout d’une heure en une forme de chasse à l’homme où l’un comme l’autre vont rivaliser d’ingéniosité pour se mettre des bâtons dans les roues. A ce moment donné, le film perd en rythme ce qu’il gagne fébrilement en affrontement psychologique. Les nerfs du spectateur sont cependant mises à rudes épreuves jusqu’à cet affrontement final, long, intense, tendu et particulièrement jouissif. Une petite merveille de mise en scène en huis-clos.

Il faut reconnaître par ailleurs que, si le scénario part dans tous les sens, la mise en scène de Kim Seong-hun est remarquable de virtuosité. On notera une course-poursuite particulièrement haletante tandis que l’affrontement final -précédemment cité- est d’une réjouissance monstrueuse. La fluidité des plans aériens côtoie la brutalité d’une caméra à l’épaule en passant par une steady-cam des plus appréciables ou la magnificence de certains plans larges. Sur ce point, le cinéaste atteint la hauteur de ses ambitions avec des plans originaux comme cette course-poursuite à pied filmé entièrement en plongé et à une hauteur sensiblement complexe. Le montage y est également ultra-efficace et découpé avec une fluidité chirurgicale. Ce n’est pas pour rien que les techniciens sud-coréens sont reconnus pour l’expertise et la qualité de leur travail sur les images. Cet enchaînement parfaitement exécuté à l’écran témoigne d’une énergie soutenue et d’une succession d’idées visuelles qui ne faiblissent que lors de certaines séquences plombantes.

Hard Day est un polar « Made in Korea » ne laissant que très peu de répit à son spectateur. Alors que le cinéma coréen a redéfini le genre polar par la noirceur et la violence de ses récits, Kim Seong-hun propose une alternative audacieuse au genre en lorgnant du côté de la satire, du thriller et de l’humour noir. Un film tendu et bien barré pour commencer l’année. Perdant un peu de souffle en cours de route, le film aurait tout de même gagné à voir sa durée raccourcie pour se concentrer pleinement sur ses intentions initiales. L’équilibre entre le thriller et l’humour était une ambition louable mais reste au final trop convenu et terre-à-terre pour se démarquer des codes habituels du genre. Il en reste une mise en bouche appréciable avant le vrai plat principal, le jubilatoire Les Nouveaux Sauvages, qui sortira la semaine d’après.

Hard Day – Bande-annonce VOST

Fiche Technique: Hard Day

Titre original: Moo-deom-kka-ji Gan-da
Corée du Sud
Genre: Policier, thriller
Durée: 101min
Sorti le 07 janvier 2015

Réalisation: Kim Seong-hun
Scénario: Lee Seon-gyoon (Go Geon-soo), Jo Jin-woong (bad guy), Jeong Man-Sik (detective Choi)
Image: Kim Tae-Sung
Décor: Lee Mi-kyoung
Costume: Ko Hee-jung
Montage: Kim Chang-ju
Son : Mok Young-Jin
Producteur: Billy Acumen, Cha Ji-Hyun, Dong-Yoon Lee, You Jeong-hun
Production: AD406, Dasepo Club
Distributeur: Bodega Films
Budget : /
Festival: Meilleur Réalisateur aux Grand Bell Awards de Corée 2014

 [Critique] Cours sans te retourner

Synopsis : Entre 1942 et 1944, Srulik, un jeune garçon juif enfui du ghetto de Varsovie, survit en se cachant dans la forêt et en demandant auberge à des polonais compatissants. Mais, pour échapper aux soldats allemands et aux collaborateurs qui sont prêts à le dénoncer, il doit suivre le dernier conseil que lui a donné son père : se faire passer pour un polonais chrétien sans pour autant oublier, au fond de lui, qu’il est juif.

Un étalage outrancier de pathos 

Dès les premières images, la détermination du réalisateur allemand Pepe Danquart de filmer au plus près l’horreur et les conditions de vie précaires du jeune fugitif, saute aux yeux. Dans l’alternance entre les mésaventures, plus ou moins anecdotiques, et les flashbacks de Srulick (qui, par la force des choses, se fait à présent appeler Jurek Staniak), la tonalité larmoyante est bien plus appuyée que la volonté de louer l’instinct de survie qui semble pourtant motiver l’ouverture du film.

Incarné tour à tour par les deux jumeaux Kamil et Andy Tkacz, deux acteurs juvéniles mais prometteurs, le personnage de Srulick devient immédiatement attachant. La misère et la tristesse d’un tel enfant, brutalement privé de ses parents et livré à lui-même, est une figure mélodramatique imparable. Le choix d’adapter les mémoires d’Uri Orlev pour dépeindre la cruauté des soldats nazis à l’encontre des populations juives de Pologne, était donc une garantie d’apporter à son propos depuis longtemps surexploité un point de vue immanquablement tragique.

Le parcours de l’orphelin va d’abord passer par une rencontre avec une polonaise altruiste lui donnant des cours de catéchisme afin de réussir à se faire accepter des autres. Dans cette courte séquence, jouée en duo avec Elisabeth Duda, le film, Cours sans te retourner semble prendre une tournure de thriller psychologique sur fond de thèmes religieux, mais rapidement le scénario va reprendre son schéma épisodique dépourvu d’intrigue autre que celle d’une course contre la mort.

 Depuis son adoption d’un chien, jusqu’à son intégration dans un village sous la houlette de l’armée russe, en passant par son travail dans une ferme, chaque étape de la fuite du jeune héros est prédestiné à s’achever par un drame (qui, de fait, devient ridiculement prévisible). Ces tragédies sont chaque fois soutenues par une même mise en scène qui appuie gauchement, par des gros plans, les larmes du garçon, et par une musique se voulant poignante. Ces procédés tire-larmes lourdingues n’aident aucunement cette redondance de grosses ficelles d’écriture mélodramatique, qui consiste à faire du parcours de ce jeune juif, un spectacle ni émotionnellement ni historiquement pertinent.

Le fait de découvrir, en guise de conclusion, le véritable Uri Orlev pour confirmer la véracité des faits ne fait que renforcer la finalité pompeuse qui relève davantage du voyeurisme obséquieux que d’un quelconque moralisme humaniste.

Cours sans te retourner : Bande-annonce

https://www.youtube.com/watch?v=YwsfMMw_l2k

Cours sans te retourner : Fiche Technique

Réalisateur : Pepe Danquart
Scénariste : Heinrich Hadding &Pepe Danquart d’après le roman de Uri Orlev
Interprétation : Kamil & Andy Tkacz (Srulik / Jurek Staniak) ; Elisabeth Duda (Magda) ; Zbigniew Zamachowski (Hersch Fridman, le père de Srulik)
Directeur de photographie : Daniel Gottschalk
Musique : Stéphane Moucha
Montage : Richard Marizy
Producteurs : Pepe Danquart, Susanne Kusche, Uwe Spiller…
Production : Bittersuess Pictures, Ciné Sud Promotion, Arte…
Genre : Drame, Guerre
Durée : 1h 47mn
Date de sortie : 24 décembre 2014

France/ Allemagne – 2014