LeMagduCiné

Synopsis : Le major Thomas Egan est un ancien pilote de chasse aujourd’hui reconverti en pilote de drone de combat. Quand il ne combat pas les talibans depuis sa base à Las Vegas, il est chez lui où il se querelle avec sa femme Molly et ses enfants. Alors qu’il développe un trouble de stress post-traumatique, Thomas remet sa mission en question : ne crée-t-il pas plus de terroristes qu’il en extermine ?

Guerre 2.0

9 ans après Lord of War, le réalisateur Andrew Niccol renoue avec un cinéma militant, en dénonçant les aberrations d’une guerre qui semble sans fin. Son film est comme une réponse au American Sniper de Clint Eastwood, qui faisait l’éloge du sniper Chris Kyle, en romançant la véritable histoire, pour en faire un héros. Ici aussi, le récit s’inspire de faits réels, mais on nous montre l’envers du décor, en démontant l’héroïsme des protagonistes, qui ne sont que des marionnettes dans les mains de leurs supérieurs.

Ethan Hawke est un homme au bord de la rupture. Un ancien pilote de F-16, devenu un pilote de drone de combat, mais qui a toujours le désir de voler à nouveau. Son ancienne vie lui manque. Il a besoin de l’adrénaline, qu’il ressentait durant ses missions. Il est en manque de sensations et ce n’est pas sa vie trop rangée dans un pavillon, avec sa femme et ses enfants, qui vont lui redonner cela. L’alcool lui permet d’accepter sa nouvelle vie, mais il reste absent, les yeux rivés au ciel. Il est enfermé dans une routine, qui le détruit à petit feu. Son attitude met sa vie de famille en péril, mais aussi sa carrière.

Le film parle surtout de cette guerre contre le terrorisme, de ce droit que s’octroie les états-unis d’assassiner des gens, sans procès. La situation est résumée en un échange rapide, entre Ethan Hawke et un policier, c’est une guerre sans fin, comme face à la drogue. Son lieutenant Bruce Greenwood a aussi sa vision des choses : si on ne les tue pas, ils vont nous tuer, c’est un cercle vicieux. A travers diverses discussions, Andrew Niccol; également scénariste; énonce des vérités qui font mal. En se cachant encore et encore, derrière les drames du 11 septembre, le gouvernement américain, justifie ses attaques et l’emploi de drones. Ces hommes et cette nouvelle venue, Zöe Kravitz, doivent éliminer des cibles, sans que les civils soient touchés. Mais la CIA va prendre les commandes des opérations et les dommages collatéraux, deviennent récurrents. Face à cette nouvelle situation, les consciences de chacun, vont être mises à mal. Doivent-ils exécuter les ordres ou réfléchir avant d’agir, en risquant de perdre leurs postes ?

Le camp militaire est situé à côté de Las Vegas, la ville de tout les vices, ou tout parait fictif. Ces pilotes sont aussi fictifs, enfermés dans leurs boites climatisés, ils prennent juste le risque de se renverser du café sur leurs combinaisons. Mais quand ils appuient sur la gâchette, ils mettent vraiment fin à la vie d’un terroriste ou d’un innocent. Tout en restant impuissant, quand ils voient un vrai drame se dérouler sous les yeux, avec cette femme violée. Zoë Kravitz apporte un regard différent face à ses insoutenables situations. Les hommes qui l’entourent, ne semblent pas se remettre en question, même si on perçoit furtivement une douleur dans leurs regards. Seul Ethan Hawke semble se remettre en question. Ce sont deux générations qui se rejoignent, le vétéran qui a connu le terrain et la jeune recrue idéaliste, pensant éliminer seulement des membres d’Al-Qaïda. Elle a beau asséner des faits avérés, on ne veut pas l’entendre, les mots se perdent, seuls les actes restent. Même à travers un moniteur, on ressent la douleur de ses femmes pleurant leurs enfants, ou enlevant un bras d’un arbre. Ces gens qui sont tués, au cas ou, par le biais d’un ordre émis par le haut-parleur d’un téléphone….Ces hommes de l’ombre, ces fonctionnaires de haut rang, qui ont du sang plein les mains, mais l’esprit en paix, en déléguant les exécutions à des subalternes, dont les images de ces meurtres restent gravés dans leurs esprits.

Andrew Niccol dénonce cette inhumanité, en signant un pamphlet contre le guerre. Ses plans sur les pavillons de Las Vegas, sont comme ceux dans la salle de contrôle des drones, comme pour montrer, qu’eux aussi peuvent devenir des cibles, qu’ils ne sont pas à l’abris et que la mort, peut frapper à tout moment. Sa réalisation est redondante, à l’image de la vie d’Ethan Hawke. On passe de la salle de contrôle, à sa maison. Seul le trajet semble lui permet de souffler un peu, avec du rock à fond, mais toujours avec une bouteille à la main, son seul remède, contre l’horreur des images, qu’il voie chaque jour. Il habite son personnage, on sent sa douleur, sa frustration, mais aussi une violence sous-jacente. C’est sa troisième collaboration avec Andrew Niccol, après Bienvenue à Gattaca et Lord of War, ses deux plus grandes réussites. Même s’il n’atteint pas l’excellence de ces deux précédentes œuvres, en allant pas au fond de son sujet. Cela reste un film de bonne facture. C’est une réflexion sur la guerre et ses conséquences. Il reste sobre en ne montrant jamais des images chocs, les situations et les mots, suffisent à retranscrire l’horreur des faits.

Le film perd souvent de sa force, dès qu’il tente de montrer les conséquences de la guerre, sur la vie familiale. January Jones n’est pas étrangère à ce léger handicap, en ne faisant jamais preuve d’émotions, face aux drames se déroulant sous son toit. Enfin, on regrettera une fin convenue, dans un film non-conventionnel, une contradiction, qui laisse le spectateur sur sa faim. Mais pour son sujet brûlant et l’interprétation d’Ethan Hawke, Bruce Greenwood et Zoë Kravitz, le film reste intéressant et à le mérite de dénoncer ces faits, malheureusement réel.

Fiche technique : Good Kill

USA – 2014
Réalisation : Andrew Niccol
Scénario : Andrew Niccol
Distribution : Ethan Hawke, January Jones, Zöe Kravitz, Jake Abel, Bruce Greenwood et Peter Coyote
Photographie : Amir Mokri
Montage : Zach Staenberg
Musique : Christophe Beck
Société de production : Voltage Pictures
Société de distribution : La Belle Company
Genre : Thriller
Durée : 104 minutes
Date de sortie française : 22 Avril 2015

auteur : Laurent Wu

Nouveau point de convergence des films Marvel, Avengers : L’ère d’Ultron était encore attendu comme le messie, celui qui mettrait tout le monde d’accord, public, critique et fans hardcore, sur la viabilité d’un univers partagé. Mais si Joss Whedon réussissait à faire illusion dans le premier épisode, il est triste de constater qu’il semble dépassé par l’ampleur du projet. L’ère d’Ultron est un monstre. Un bulldozer financier, calibré pour rafler le jackpot, mais surtout un monstre narratif protéiforme engoncé dans sa chrysalide de divertissement grand public.

La fin d’une époque

Whedon est avant toute chose un scénariste de la télévision, cela se ressent par le grand nombre de personnages à l’écran, ainsi que la multiplicité des intrigues développées donnant l’impression d’une série télévisée de luxe, condensée en 2h40. Le film n’a alors plus l’aspect d’un récit cohérent avec un fil narratif précis, mais plutôt celui d’une créature constituée de divers bout d’histoires maladroitement cousus ensembles, avançant d’un pas lourd et mal assuré. Obligé de composer avec les anciens en ajoutant de nouveaux protagonistes, le messie de la culture geek s’embrouille rapidement, proposant nombre d’idées qui s’entrechoquent parfois violemment. Le récit oscille sans cesse entre humour et sérieux, scènes intimistes et actions groupées, divertissement bourrin ou culture littéraire. Toute la promotion tournait autour d’une référence un peu maladroite au Pinocchio de Walt Disney (une chanson sifflée au détour d’un plan), mais en sortant de la salle on pense plutôt aux romans anglais du XIXième voyant Thor s’improviser en Frankenstein cosmique ou les héros se battre contre Ultron dans les rues d’une Laputa contemporaine. Si les super-héros sont les nouveaux mythes du monde moderne, ils n’en restent pas moins soumis aux grands récit des siècles passés. Difficile de reprocher à un blockbuster de connaître ses classiques, sauf quand ceux-ci sont mis en relation avec les pires clichés narratifs connus.

En première ligne, cette romance maladroite entre Black Widow et Hulk, la minceur des dialogues et le niveau relativement crétin des blagues (analogie entre la taille du monstre et celle de son chibre…classe) ramène les personnages féminins du film presque 20 ans en arrière. Natasha Romanov s’était imposée comme une femme forte ne souffrant pas la comparaison avec ses collègues masculins, le film la transforme en minette, semblant constamment en rut, draguant ouvertement Bruce Banner, parce que la féminité chez Whedon ne peut s’exprimer que par le désir sexuel (pour un autre homme) ou l’instinct maternel, quand la super espionne doit chanter une berceuse au géant vert pour le calmer. Même combat pour le Dr. Helen Cho (nouveau personnage) mariée à son travail de chirurgienne mais se laissant convaincre de venir à une soirée parce qu’elle a le béguin pour Thor. Très moderne tout ça de la part de Whedon, après avoir accusé Jurrasic World d’être sexiste au travers d’un seul extrait, comment compte-t-il justifier ce machisme triomphant qui s’étend sur plus de deux heures?…Question en suspend.

Des maladresses scénaristiques, le film n’en manque pas, que ce soit le surdéveloppement de Hawkeye, jusqu’à la révélation de sa vie privée qui tend vers le ridicule, aux apartés faisant office de micro-teaser à l’intérieur même du film. La quête personnel de Thor (accompagné de son meilleur pote le Dr. Selvig) ne semble être là que pour annoncer le troisième épisode des aventures du dieu nordique et la présentation d’Ulysse Claw (Andy Serkis) ne fait que confirmer le film Black Panther. Difficile d’y voir autre chose qu’une nouvelle forme de stratégie commerciale. Les scènes post génériques ne semblent plus suffire à Marvel, il faut en plus aguicher le public à l’intérieur même des récits. Certains personnages brillent par leur inutilité, tel Quicksilver ou le baron Von Strucker, et l’intrigue réserve quelques trous béants comme l’absence inexpliquée de Hulk pendant dix bonnes minutes lors de la bataille finale. Au milieu de tout ces échecs, on gardera un souvenir positif du méchant Ultron plutôt amusant, de la Vision étonnamment réussie et du running gag du marteau qui fonctionne toujours bien. Néanmoins Whedon se laisse emporter dans son élan et oublie de maintenir une cohérence, malgré des enjeux plus alléchants. Le film, Avengers : L’Ère d’Ultron souffre de cette coexistence fragile entre tous ces éléments qui s’imbriquent fort mal.

Au-delà de ces considérations scénaristiques, il y a peu d’intérêt à juger la réalisation du film tant celle-ci apparaît froide et dépourvue d’identité. S’il peut être un bon scénariste, Whedon est un réalisateur particulièrement surestimé, se contentant de stratégies éprouvées mille fois (ralentit pendant les scènes d’actions, plans séquences numériques servant de cache misère…) pour maintenir éveillé. Jamais le réalisateur ne prend de risque dans sa mise en scène, si bien qu’on a l’impression de revoir encore et toujours les même scènes d’actions, répétitives et peu excitantes. C’est surtout ce manque d’audace visuelle qui étouffe l’ambition scénaristique du film, donnant l’impression d’une œuvre amputée de son potentiel narratif immense, pour rentrer dans les schémas pré-établis. Preuve final que l’ambition du producteur Kevin Feige, bien que lucrative, est infiniment destructrice, annihilant toute créativité dans l’espoir de plaire au plus grand nombre.

Synopsis : Après les événements relatés dans Captain America : Le Soldat de l’hiver qui ont vu la destruction du SHIELD, Tony Stark a créé Ultron avec l’aide de Bruce Banner, une intelligence artificielle capable d’augmenter seule ses capacités, et qui est censée protéger l’humanité de toutes les menaces potentielles et contrôler la légion des Iron Man. Mais le plan de Stark se retourne contre lui lorsque Ultron décide que les principaux ennemis sont en fait les humains, et s’emploie à les éradiquer de la surface de la Terre. Les Avengers se regroupent à nouveau pour lutter contre ce péril mortel, tandis que trois nouveaux personnages apparaissent, ennemis puis alliés : Vif-Argent, la Sorcière rouge et Vision.

Avengers : L’ère d’Ultron – Bande-annonce

Avengers : L’Ère d’Ultron : Fiche Technique

Titre original : Avengers: Age of Ultron
Titre français : Avengers : L’Ère d’Ultron
Réalisation : Joss Whedon
Scénario : Joss Whedon, d’après les personnages créés par Stan Lee et Jack Kirby
Distribution: Robert Downey Jr. (Tony Stark/Iron Man), Chris Evans (Steve Rogers/Captain America), Chris Hemsworth (Thor), Mark Ruffalo (Bruce Banner/Hulk), Scarlett Johansson (Natasha Romanoff/Black Widow), Jeremy Renner (Clint Barton/Hawkeye), Elizabeth Olsen (Wanda Maximoff/Scarlet Witch), Aaron Taylor-Johnson (Pietro Maximoff/Quicksilver), Cobie Smulders (Maria Hill) et James Spader (Ultron).
Direction artistique : Mike Stallion
Décors : Maher Ahmad
Costumes : Alexandra Byrne
Photographie : Ben Davis
Son : Peter Lindsay
Montage : Jeffrey Ford et Lisa Lassek
Musique : Brian Tyler et Danny Elfman
Production : Kevin Feige
Production exécutive : Victoria Alonso, Louis D’Esposito, Alan Fine, Stan Lee et Jeremy Latcham
Société de production : Marvel Studios
Société de distribution : Walt Disney Studios Motion Pictures
Budget : 250 000 000 dollars
Pays d’origine : États-Unis
Langue originale : anglais
Format : couleur – 35 mm – 2.35:1 – son Dolby Digital / DTS / Dolby Atmos
Genre : super-héros, science-fiction, action
Durée : 142 minutes
Dates de sortie :
Europe : 22 avril 2015
États-Unis : 1er mai 2015

Synopsis : Un cinéaste reconnu travaille sur son prochain film, consacré à la monstruosité dans la peinture. Il est guidé dans ses recherches par une historienne de l’art avec laquelle il entame des discussions étranges et passionnées….

Freaks 

La genèse de ce deuxième long-métrage d’Antoine Barraud est complexe, car il est à la fois la forme finale de ce qui devait être un documentaire sur le cinéaste Bertrand Bonello, et l’expression de l’envie originelle du réalisateur d’inviter le spectateur, mais sans doute aussi lui-même, à regarder les œuvres  (tableaux, sculptures, photographies) dans les musées. Barraud avoue en effet devenir  lui-même un visiteur de musée de plus en plus pressé au fil du temps, un visiteur qui voit les œuvres plutôt qu’il ne les regarde. Il atteint donc son double objectif en posant la caméra dans de longs plans-séquence devant des œuvres, des tableaux principalement, vus au travers du regard de Bertrand Bonello, un cinéaste comme lui.

Le film prend la forme d’une fiction, avec comme protagoniste le réalisateur Bertrand (Bertrand Bonello, étonnamment à l’aise devant la caméra) qui fait des recherches afin de trouver l’œuvre d’art qui symboliserait la monstruosité, thème qu’il souhaite traiter dans son prochain film. Il se fait aider en cela par une historienne de l’art (tour à tour jouée par Jeanne Balibar, superbe et toujours égale à elle-même, et Géraldine Pailhas, dans une version sexy du même personnage) qui l’emmène de musée en musée découvrir les œuvres qui pourraient correspondre à sa quête. L’univers de Bertrand est également composé de sa mère, une voix off qui fait office de narratrice au début et à la fin du film (Charlotte Rampling dont la voix se suffit à elle-même en tant que personnage), de sa femme actrice (troublante Joanna Preiss), de sa productrice Alice (Valérie Dréville), d’un journaliste gay pétrifié d’amour et qui n’arrive pas à l’interviewer (Nicolas Maury), et enfin d’amis divers comme son acteur Pascal (Pascal Greggory) ou son ancien médecin (Barbet Schroeder, vu récemment chez Bonello dans son film Saint Laurent). Dans le même temps, Bertrand cache une tâche rouge dans son dos qui grandit à vue d’œil (d’où le dos rouge du titre), peut-être le symbole psychosomatique de la monstruosité après laquelle il court.

On voit par ce casting exigeant d’acteurs rompus à des films d’auteur pas faciles, et par le sujet centré sur l’art et le processus de la création, que le cinéma d’Antoine Barraud s’adresse à des spectateurs plutôt connaisseurs, qui possèdent les codes et les grilles de lecture nécessaires pour entrer dans un univers culturel assez fermé. Il nous invite véritablement, pendant de longues minutes, à regarder avec ses acteurs les tableaux de Miro, de Bellmer, de Bacon, du Caravage, le très troublant « Alice et le miroir » de Balthus  ou encore cet autoportrait de Spilliaert,  et à écouter avec avidité les explications inspirées de Jeanne Balibar/Géraldine Pailhas, comme quand par exemple Jeanne Balibar lui démontre  avec un sens évident du blasphème et de la provocation la nature monstrueuse de la vierge dans le splendide «mort de la Vierge » du Caravage (La Vierge est une figure monstrueuse  par essence, dit-elle en substance), ou les interrogations du personnage/acteur/réalisateur/homme Bertrand (Bonello) devant ces tableaux (sa perplexité par exemple, devant le portrait d’une « danseuse » de Miro, composé d’une plume et d’une pointe). Un des intérêts de ce film est de débrouiller ce qui est d’Antoine Barraud de ce qui est de Bertrand Bonello dans le film, tant ce dernier est présenté à la fois comme lui-même, surtout quand on se réfère à l’idée initiale du documentaire, et comme le double de fiction d’Antoine Barraud.

Le dos rouge est un film déroutant qui peut très vite perdre son spectateur, de par un rythme très lent, un côté contemplatif et une absence de vrai fil conducteur. Mais celui qui a passé les premières minutes le trouvera de plus en plus intéressant au fur et à mesure qu’il avance dans le film. La découverte de ces œuvres d’art est l’attrait majeur du film. Pour le reste, il est assez frustrant, car on se pose trop de questions sans réponse sur les intentions du réalisateur. En dehors de Jeanne Balibar qui en impose beaucoup, et de Bertrand Bonello qui nous intrigue, le film par sa relative froideur nous laisse plutôt de marbre. Au-delà de la curiosité intellectuelle, le film d’Antoine Barraud a du mal à émouvoir. Ni les chants de Joana Preiss (musique de Bonello lui-même), ni les larmes de Bertrand Bonello devant ce tableau de Spilliaert, rien ne nous touche vraiment. Seule peut-être cette belle séquence avec le journaliste transi apporte une vraie émotion : avec son magnifique Hasselblad, Bertrand reproduit avec le journaliste une célèbre photo de Diane Arbus (Homme assis avec un soutien gorge et des bas, New-York, 1967), et on se met à penser que la monstruosité est de son côté, lorsqu’il profite des faiblesses du modèle pour l’utiliser à sa guise…

Trop hermétique, enfermé sur lui-même, Le dos rouge est pourtant un film qui nous embarque presque malgré nous, pour peu que l’on soit intéressé par le domaine si particulier des Beaux-arts.

Le Dos Rouge – Bande Annonce

Le dos rouge: Fiche Technique

Réalisateur : Antoine Barraud
Genre : Comédie dramatique
Année : 2014
Date de sortie : 22 avril 2015
Durée : 127 min.
Casting : Bertrand Bonello (Bertrand), Jeanne Balibar (Célia Bhy), Géraldine Pailhas (l’autre Célia Bhy), Joana Preiss (Barbe), Pascal Greggory (Pascal), Valérie Dréville (Alice), Nicolas Maury (le jeune journaliste), Barbet Schroeder (Le médecin)
Scénario : Antoine Barraud
Musique : Bertrand Bonello
Chef Op : Antoine Parouty
Nationalité : France
Producteur : Antoine Barraud, Cédric Walter, Vincent Wang
Maisons de production : House on fire, Centre Georges Pompidou
Distribution (France) : Epicentre films

Enfant 44 est un film ambitieux, au casting impressionnant, mais qui ne donnera jamais la pleine mesure de tout son potentiel. Adaptation du premier tome de la trilogie de Tom Rob Smith, on suit Tom Hardy, un orphelin, devenu un héros de la nation, par le fruit du hasard.

Synopsis : Hiver 1952, Moscou. Leo Demidov est un brillant agent de la police secrète soviétique, promis à un grand avenir au sein du Parti. Lorsque le corps d’un enfant est retrouvé sur une voie ferrée, il est chargé de classer l’affaire. Il s’agit d’un accident, Staline ayant décrété que le crime ne pouvait exister dans le parfait Etat communiste. Mais peu à peu, le doute s’installe dans l’esprit de Léo et il découvre que d’autres enfants ont été victimes « d’accidents » similaires. Tombé en disgrâce, soupçonné de trahison, Léo est contraint à l’exil avec sa femme, Raïssa. Prenant tous les risques, Léo et Raïssa vont se lancer dans la traque de ce tueur en série invisible, qui fera d’eux des ennemis du peuple. 

De l’ombre à la lumière

C’est dans l’URSS Stalinienne, totalitaire et répressive, qu’évolue notre héros, devenu un inspecteur du MGB (police secrète russe). Sous sa carapace impressionnante et son visage marqué par les cicatrices, se cache un homme follement épris de sa femme Noomi Rapace. Il n’hésite pas à déclamer son amour, à son entourage. Elle est sa raison de vivre. Mais dans cet état ou les apparences sont trompeuses, l’amour est un luxe.

En parallèle à cette romance, il y a cet enfant retrouvé assassiner. Tom Hardy est frappé directement par ce décès, c’est le fils d’un de ses hommes. Mais dans cet état, le meurtre n’existe pas, car on ne tue pas au paradis…..par contre, si on pense le contraire, on est exécuté. Tom Hardy est pris entre son devoir envers son supérieur Vincent Cassel, son amitié pour Paddy Considine et sa condition d’orphelin, qui le renvoie à son sombre passé. Mais en coulisses, d’autres forces sont à l’oeuvre pour prendre sa place sociale, mais aussi maritale. Comment va-t’il réussir à protéger sa femme, ses enfants, mais surtout lui-même. C’est ce que l’on va découvrir dans ce film dense, mais brouillon.

Le réalisateur Daniel Espinosa était-il l’homme de la situation ? Sa filmographie ne plaide pas en sa faveur : Easy Money et Sécurité Rapprochée, des séries B de bonnes factures, visuellement réussi, mais qui s’oublie très rapidement. Il n’a pas su passer un cap, en étant pas à la hauteur de ce thriller sombre. La forme est réussie, les plans sur Moscou, sur ce train et l’immensité de ses forêts qui abrite un monstre, sont magnifiques. Il a su recréer l’URSS des années 50, tout en nous faisant ressentir la paranoïa de cette époque et la noirceur de l’intrigue. La photographie de Philippe Rousselot, participe grandement à cette atmosphère pesante.
Tom Hardy est encore une fois parfait. Même s’il fait preuve de tendresse envers sa femme, on sent aussi en lui, une violence qui peut exploser à tout moment. Il bouffe l’écran et son réalisateur semble aussi sous le charme, au point de perdre de vue, la cohérence de son histoire. Daniel Espinosa ne va jamais au fond du sujet, il reste en surface et semble pris de court, par la complexité des diverses intrigues politiques et policières. Il met beaucoup de temps à installer son histoire, à nous présenter les personnages, mais sans vraiment leur donner de la profondeur, en dehors du couple Tom Hardy et Noomi Rapace, de nouveau réuni après Quand vient la nuit.

Il faut s’armer de patience, pour que l’histoire s’intéresse enfin à ce serial killer. Ce qui est plutôt incohérent, vu que nous sommes dans un thriller…Il est inspiré d’Andreï Chikatilo surnommé « Le monstre de Rostov », dont la véritable histoire est assez différente que celle décrite dans le film. Mais sa traque reste superficielle, comme l’ensemble. Encore une fois et malgré un film de 2h15, Daniel Espinosa ne parvient pas à rendre l’histoire passionnante. La forme est belle, mais jamais le fond ne fait son apparition. On reste sur sa faim, face à ce film qui ne décolle jamais. Cette frustration est légèrement compensé par le jeu des acteurs, ou plutôt par des rôles à contre-emploi pour Joel Kinnaman et Gary Oldman, même si on ne leur laisse pas assez de temps, pour exprimer leur talent. Ils brillent avec le peu, qu’on leur offre, au contraire d’un Jason Clarke, rapidement sacrifié et dont on se demande encore, quelle était vraiment son utilité.
Puis pour un réalisateur de films d’actions, Daniel Espinosa ne brille pas non plus dans ce domaine, en semant la confusion, dans les rares moments de combats. Décidément, il semble vraiment larguer et la réponse ne fait plus de doute, il n’était pas l’homme de la situation. Il en est de même de son scénariste Richard Price, qui vit toujours sur la réussite de son premier scénario datant de 1986 La couleur de l’argent. Le duo n’a pas su relever le défi et on en sort, profondément ennuyé de n’avoir pas ressenti grand chose, face à ce semblant de thriller.

Le gouvernement russe a interdit la sortie du film Enfant 44, estimant que ce thriller hollywoodien sur un tueur en série dans l’URSS de Staline, déformait l’Histoire de manière « inacceptable »(source l’Express). Ce pays qui ne respecte pas les droits de l’homme, n’a décidément pas vraiment évoluer, en interdisant aussi le clip de campagne d’Hilary Clinton au moins de 18 ans, car on y voit des couples d’hommes et de femmes. Cela en dit long sur la mentalité de son gouvernement.

Enfant 44 est une déception. L’attente était grande, le casting est à la hauteur, mais on en revient à cette incapacité à donner de l’ampleur à une intrigue, qui avait tout pour être passionnante. Il a ses qualités, mais au final, c’est un énorme ratage.

Enfant 44 : Bande-annonce

Fiche technique : Enfant 44

Child 44
Etats-unis, Royaume-Uni et République Tchèque – 2015
Réalisation : Daniel Espinosa
Scénario : Richard Price d’après l’oeuvre de Tom Rob Smith
Distribution : Tom Hardy, Gary Oldman, Noomi Rapace, Joel Kinnaman, Jason Clarke, Vincent Cassel, Paddy Considine, Fares Fares, Nikolaj Lie Kaas, Charles Dance, Josef Altin et Agnieszka Grochowska
Photographie : Philippe Rousselot
Montage : Dylan Tichenor
Musique : Jon Ekstrand
Sociétés de production: Scott Free Productions, Summit Entertainment, Stillking Films et Worldview Entertainment
Société de distribution : SND
Budget : 50M$
Genre : Thriller
Durée : 136 minutes
Date de sortie française : 15 avril 2015

Auteur : Laurent Wu

Dans l’industrie de plus en plus formatée du film d’animation, il heureux de voir que Dreamworks est toujours là pour mettre son petit grain de folie dans l’engrenage. De la même manière que Kung Fu Panda ou Shrek en leur temps, la bande annonce ne promettait pas grand chose et la surprise est d’autant plus grande. En Route réussi un pari d’équilibriste en mélangeant les genres et en abordant des thèmes légèrement plus complexes que ses concurrents, en gardant son sens de l’humour et sa maestria visuelle.

Synopsis : Des aliens nommés les Boovs choisissent de faire de la Terre leur nouvelle planète d’adoption mais Oh, l’un d’entre eux, révèle par erreur la cachette de son peuple. Contraint de fuir, il fait la connaissance d’une jeune fille nommée Tip (Tif dans la version française) à la recherche de sa mère . Ils vont ensemble devenir des fugitifs embarqués dans l’aventure de leur vie et vont réaliser que leurs enjeux auxquels ils font face sont beaucoup plus complexes que de simples mésententes intergalactiques…

Des bulles plein les yeux

Dès l’introduction, on se retrouve embarqué dans ce qui s’annonce comme une belle folie visuelle comme un film d’animation n’en avait pas proposé depuis longtemps. Les Boovs, sorte de marshmallow octopodes multicolores, fuient une race supposément belliqueuse qui chercherait à les détruire. Il choisissent donc de se cacher sur terre, en déplaçant les humains dans des banlieue/réserves à l’aide de bulles géantes, pendant qu’ils s’installent à leur place. Plus qu’un réflexe de survie, la fuite est chez ces sympathiques aliens une idéologie, un mode de vie. Leur arrogance les poussent également à considérer l’humanité comme un peuple sous développés qui ne peut qu’évoluer en bien à leur contact. Plutôt gonflé ce pitch qui rappelle les vagues de colonisations et le discours « civilisateur » de l’Europe du XIXème siècle, heures sombre de notre histoire. Les choix de l’Australie comme réserve géante et de Paris comme base de commandement ne sont peut être pas anodins. Mais pas de panique, nous somme toujours dans un film pour enfant, ainsi les Boovs se contentent de déplacer les humains sans leur faire de mal, pensant bien faire. Un angle assez naïf qui rassure la jeunesse, mais ne manque pas de résonner plus cynique encore dans notre esprit, car on sait que les humains n’ont pas que des bons cotés et on se doute que les gentils aliens comprendront que leur mode de vie intrusif peut aussi provoquer quelques dégâts. A partir de là nous suivons Ho, gaffeur de première catégorie, obligé de fuir car un mail maladroitement envoyé à toute la galaxie risque de révéler la cachette de son peuple. En chemin il rencontre Tif, une jeune afro-américaine séparée de sa mère lors des déplacements de population. C’est alors le débuts d’un road movie a travers un monde sens dessus dessous.

Bien sur on échappe pas au traditionnel discours sur l’acceptation de l’autre et le vivre ensemble qui est l’étendard de Dreamworks depuis ses débuts, mais pour une phrase cliché, c’est dix idées visuelles qui éclatent à l’écran. De la voiture volante, carburant aux jus de fruits, à la terre remodelée par des bulles géantes, En route est une sympathique invitation au voyage qui ne sacrifie jamais sa fantaisie sur l’autel de pathos et de la morale convenue. Ho finit par devenir attachant et Tif est à des années lumière du personnage de la princesse à sauver. C’est une fille forte, indépendante et débrouillarde. Devant l’écran on a envie de crier « enfin », Tif n’est jamais opposée à une figure masculine qui remettrait ses choix en question et jamais sa condition de fille casse-cou est évoquée frontalement. Tant mieux, elle est probablement le personnage le plus féministe d’un film d’animation car justement son genre n’est jamais au centre d’une conversation. C’est une fille certes, mais c’est surtout quelqu’un de courageux, compréhensif, amical et sympathique, c’est ça qui est important, pas son sexe ou sa couleur de peau. Dreamworks semble l’avoir mieux compris que les autres. Le vrai sujet du film c’est la rencontre, et le genre du road movie s’y prête très bien, tout en autorisant des paysages sublimes où la beauté de l’animation fusionne avec le délire quasi féerique des animateurs. Les monuments flottent dans les airs, emprisonnés dans des bulle de savons, la tour Eiffel se retourne et la statue de la liberté se retrouve avec une moustache. Tout cela rythmé par les sons électroniques de Rihana, qui collent finalement très bien à cet univers de science-fiction pop, coloré et parfois même poétique.

Seul bémol peut être, quelques scènes du point de vue des belliqueux Gorgs n’aurait pas étés de trop, afin de renforcer le message final, plutôt que d’expliquer leur motivations par un monologue paresseux dans un dernier quart d’heure un peu torché rapidement. Mais au delà de ça, En route nous laisse avec des étoiles pleins les yeux et le cœur gros comme ça, heureux de voir que la fantaisie et l’originalité existent toujours à Hollywood, et que Dreamworks prouve une fois de plus, après Dragon et Kung fu Panda, qu’il est aujourd’hui le nouveau roi de l’animation.

En Route ! (Enfin presque…) — Court métrage [Officiel]

En Route ! : Fiche Technique

Titre original : Home
Réalisation : Tim Johnson
Production : Chris Jenkins
Scénario : Tom J. Astle et Matt Ember d’après The True Meaning of Smekday d’Adam Rex
Durée : 94 minutes
Dates de sortie :États-Unis : 27 mars 2015, Belgique : 1er avril 2015 ,France : 15 avril 2015
V.O : Jim Parson, Rihanna, Steve Martin, Jennifer Lopez…
V.F : Alex Lutz, Leïla Bekhti, Jacques Frantz, Guy Lecluse…

Jack est un titre particulièrement bien choisi pour ce film, car il s’agit en effet de Jack seul pendant la majeure partie du film, et de Jack en interaction avec d’autres le reste du temps, le tout étant étudié depuis sa propre perspective.

Synopsis: Fonceur, tenace et plein de ressources, Jack, dix ans à peine, est déjà seul responsable de sa famille : son petit frère Manuel, six ans, et leur mère célibataire aimante, mais totalement immature, Sanna, qui travaille la journée et fait la fête la nuit. Mais cet homme de la maison en culottes courtes n’est pas infaillible et un événement va venir bouleverser le quotidien de ce trio. Les services de protection de l’enfance décident alors de retirer la garde des deux garçons à la jeune femme et de placer Jack dans un centre d’hébergement….

Brothers 

Même pas une minute de film, et le rythme effréné de la vie de Jack, 10 ans, nous happe déjà. Réveil en fanfare, petit déjeuner sur le pouce pour lui et surtout pour son petit frère Manuel, tâches ménagères comme le linge et la vaisselle, ablutions hâtives et Jack saute dans son jean, prêt à foncer pour l’école. Edward Berger filme le tout en steadicam, et on a déjà compris que la vie de Jack n’est pas le long fleuve tranquille qui est le lot de beaucoup de petits garçons de son âge.

Jack a la chance d’avoir une mère très jeune, Sanna, avec l’amant duquel il peut s’amuser à s’arroser d’eau fraîche dans les parcs publics de Berlin en cette fin d’été. Jack a le malheur d’avoir une mère très jeune, presque une enfant encore, aimante sans aucun doute, à sa manière, mais inconsciente de sa responsabilité d’être la mère de deux garçons en bas âge. Alors Jack est responsable de tout et de tous. De son petit frère Manuel surtout, la prunelle de ses yeux, qu’il emmène aussi bien à la baignade qu’à la baignoire. Mais les absences répétées de Sanna ont conduit fatalement au drame, et Jack va être placé en foyer, une sorte de maison de correction, tandis que Manuel reste inexplicablement sous la garde de sa mère, en réalité sous la garde d’une amie de sa mère. Car Sanna a disparu des radars, et une grande partie du film va consister à suivre pendant plus de trois jours l’errance toujours aussi saccadée de Jack et de son petit frère, à la porte de leur appartement et sans personne vers qui se tourner.

Edward Berger n’évite pas toujours les chemins faciles de l’accumulation pour nous rallier à la cause de Jack : brimades et drame au foyer, mère qui ne vient pas le rechercher pour les vacances, musique un peu asphyxiante, et surtout, tous ces adultes, connus et étrangers qui regardent les deux enfants sans les voir. Mais c’est le jeune Ivo Pietzcker, qui joue le rôle de Jack, et dans une moindre mesure Georg Arms, qui interprète le non moins formidable Manuel, qui sauvent véritablement ce film du pathos dans lequel il aurait pu allègrement se noyer. Les enfants jouent de manière idéale, avec beaucoup de sérieux et de pragmatisme pour créer la distance nécessaire, mais avec suffisamment d’émotion pour susciter l’empathie.

Le scénario d’Edward Berger et de sa femme Nele Müller-Stöfen (également actrice du film dans le rôle de la gentille Becki, la référente de Jack dans son nouveau foyer)  n’est pas aussi étoffé que par exemple celui du film de la française Ursula Meier, L’enfant d’en haut, un film qui présente des analogies avec Jack, et qui traite également de l’enfance difficile  dans le milieu de la montagne des sports d’hiver. Ursula Meier traite son sujet sur fond de travail clandestin, ce qui étoffe considérablement le récit. Ce scénario est en revanche aussi ténu que celui de Hirokazu Kore-Eda pour son chef d’œuvre Nobody knows. Mais Kore-Eda est un maître dans l’art de raconter des histoires avec les enfants, et surtout de filmer à leur hauteur. Plutôt que le stress permanent qui est palpable dans Jack, le réalisateur japonais montre au contraire ces quatre enfants abandonnés par leur mère dans un très long métrage  (le récit se déroule sur plusieurs années) qui leur laisse le temps de respirer et de vivre. Pas toujours de manière heureuse, loin de là, même, mais de vivre. Un film qui brise le cœur sans aucun effet de style. Ce parallèle avec le film de Kore-Eda est inévitable, et  n’est donc malheureusement pas toujours à l’avantage d’Edward Berger.

Dans l’ensemble, Jack est un film intéressant qui met en exergue la belle relation fraternelle entre Jack et Manuel, un film qui nous promène joliment dans les méandres de Berlin, un film qui nous apporte aussi quelques matières à réflexion sur cette Allemagne (trop) libérale qui conduit à ce que deux enfants de cet âge se retrouvent a dormir dehors pendant plusieurs jours et presque sans manger, sans que personne ne s’en inquiète. Enfin, un film empreint de tendresse malgré tout comme par exemple les séquences de jeu avec la mère, ou celles avec Jonas, un des ex de leur mère, une brève trouée de joies enfantines dans leur malheur, où encore quand les deux frères, en guise de repas, se goinfrent de sucre et de lait  en sachets volés dans un café avoisinant, montrant enfin que malgré leur opiniâtreté, ils ne sont que des enfants, avec des fantasmes d’enfants comme celui de ne se nourrir que de sachets de sucre et de lait…

Jack – Bande-annonce VOST

Jack : Fiche Technique

Titre original : Jack
Réalisateur : Edward Berger
Genre : Drame
Année : 2014
Date de sortie : 8 avril 2015
Durée : 103 min.
Casting : Ivo Pietzcker (Jack), Georg Arms (Manuel), Luise Heyer (Sanna), Nele Müller-Stöfen (Becki), Vincent Redetzki (Jonas)
Scénario : Edward Berger, Nele Müller-Stöfen
Musique : Christophe M Kaiser, Julian Maas
Chef Op : Jens Harant
Nationalité : Allemagne
Producteur : Jan Krüger, René Römmert
Maisons de production : Focus Features , StudioCanal , Relativity Media , Mike Zoss Productions, Working Title Films
Distribution (France) : Studio Canal

Le film Planes 2, : un envol commercial bien plus maîtrisé que le précédent

Synopsis : Alors qu’il est devenu une star des rallyes aériens, Dusty Crophopper casse lors d’un entraînement sa boîte de vitesse, endommageant son moteur et compromettant ainsi ses prochaines courses, son avenir. En attendant que ses amis trouvent une solution, il se lance le défi de devenir pompier de l’air, afin de sauver la carrière de son ami Mayday. Pour cela, il se rend dans le parc national de Piston Peak pour y effectuer un stage auprès d’une équipe d’élite menée par Blade Ranger. Mais la notoriété et le courage de Dusty ne suffiront pas, car entre gagner des courses et sauver des vies, le fossé est large…

Il n’aura pas fallu attendre longtemps pour que Disney daigne continuer à surfer sur le petit succès de Planes, livrant pour l’occasion au public une suite neuf mois à peine après la sortie du premier opus. Qui initialement devait, comme son prédécesseur, sortir directement en vidéo et non dans les salles de cinéma. Histoire de ne pas faire patienter les jeunes spectateurs charmés par les aventures de Dusty Crophopper ? Ou bien de profiter de ces derniers pour amasser quelques dollars par-ci par-là en continuant d’user de la notoriété universelle de Cars ? Si c’est plutôt vers la seconde question que s’oriente la majorité des réponses, vous allez voir que malgré son statut de « pompe à fric pour enfants », Planes 2 s’en sort bien mieux que le tout premier, et ce sur bien des points.

Pourtant, le fait d’avoir une suite qui relève le niveau n’était vraiment pas gagner d’avance, surtout avec un aspect aussi commercial que celui de Planes. Et pour cause, le premier film agaçait par son manque flagrant d’ambition, allant jusqu’à reprendre la trame et les personnages de Cars, changeant juste l’aspect et le nom de ces derniers, et de resservir au jeune public une énième histoire de courses et de dépassement de soi, sans arriver à casser la baraque. La faute principalement à un visuel qui ne se contente que du minimum syndical et de séquences spectaculaire aux abonnés absents. Sur le papier, c’est exactement la même chose pour Planes 2 qui, malgré une animation légèrement améliorée, ne parvient toujours pas à procurer ne serait-ce qu’un soupçon d’adrénaline et ce même pour les enfants, qui doivent du coup se contenter d’un humour qui ne vole pas bien haut et de quelques séquences manquant de peps. Plus commercial encore, l’utilisation des personnages dans le long-métrage même : le film fait comme Cars 2, à savoir mettre de côté les anciens protagonistes (voire en oublier) pour mettre en avant une ribambelle de nouveaux véhicules, permettant ainsi au studio de se faire un bon petit chiffre du côté des produits dérivés (jouets, jeux vidéo…). Oui, au premier abord, Planes 2 n’avait pas grand-chose de bien croustillant à proposer !

Mais contre toute attente, cette suite jouit d’un atout que ne possédait pas le premier volet : un scénario, un vrai ! D’accord, Planes 2 ne transpire par l’originalité et propose un amas de clichés (dont le personnage bougon qui cache un douloureux passé) au service d’une intrigue mille fois vue qui, pour le coup, ne surprendra personne. Mais il est à des années lumières du vide scénaristique qu’était son prédécesseur et cela grâce à une idée toute bête : faire de Dusty, star des rallyes aériens, un avion incapable de faire une course sous peine de finir à la casse. À partir de cette base d’écriture, Planes 2 enchaîne aussitôt sur une histoire de pompiers des airs qui fournit à l’ensemble de véritables enjeux (l’aide, le sauvetage, la mort, le sacrifice…), des moments de bravoure bienvenus et de l’ambition au niveau des leçons moralisatrices destinées au jeune public (la reconversion, les priorités dans la vie, les réflexes en cas de danger, l’handicap…). Bref, contrairement à l’opus précédent, cette suite se présente au public avec quelque chose à raconter, et le résultat final n’en est que meilleur.

Et pour cause, malgré son classicisme et ses accrocs techniques, Planes 2 arrive à capter l’attention des spectateurs de tout âge et cela grâce à son script, justement. Un travail d’écriture qui permet au long-métrage de proposer des personnages, dont Dusty en tête, bien plus charismatiques et attachants que dans le premier film, offrant ainsi de l’intérêt à l’ensemble, une maturité insoupçonnée et même des moments touchants qui font mouche. À défaut de proposer des séquences qui pètent le feu et ce malgré des chansons du groupe AC/DC, Planes 2 suscitent l’attention à tel point que ses défauts passent inaperçus et que l’ennui ne pointe jamais le bout de son nez. Les enfants s’amuseront sans aucune difficulté avec cette suite qui  ne les prend nullement pour des pigeons (bien loin de l’arnaque qu’était Planes premier du nom), les adultes auront de quoi passer le temps et de faire plaisir à leur progéniture sans aucun regret.

Alors oui, cela n’arrive pas à la cheville d’une Reine des Neiges ou d’un Pixar. Oui, le film aurait bien plus sa place à la télévision que sur un écran de cinéma. Mais vu le progrès effectué depuis le premier opus, Planes 2 mérite amplement que l’on s’y attarde ne serait-ce que pour passer un agréable moment en famille. Simple et attachant. Pour une suite purement commerciale, le résultat est plutôt convaincant, vous ne trouvez pas ?

Fiche technique – Planes 2

Titre original : Planes : Fire & Rescue
États-Unis – 2014
Réalisation : Roberts Gannaway
Scénario : Jeffrey M. Howard et Roberts Gannaway
Doublage : Dane Cook / Fred Testot (Dusty Crophopper), Ed Harris / Philippe Catoire (Blade Ranger), Julie Bowen / Audrey Lamy (Lil’ Dipper), Curtis Armstrong / Gérard Darier (Maru), John Michael Higgins / David Kruger (Cad Spinner), Hal Holbrook / Jean-François Garreaud (Mayday), Wes Studi / Saïd Amadis (Windlifter), Brad Garrett / Frantz Confiac (Chug)…
Date de sortie : 23 juillet 2014
Durée : 1h23
Genre : Animation
Direction artistique : Toby Wilson
Animation : Toby Wilson
Montage : Dan Molina
Musique : Mark Mancina
Budget :  50 M$
Producteur : Ferrell Barron
Productions : Walt Disney Pictures, DisneyToon Studios, Prana Studios et Prana Animation Studios
Distributeur : The Walt Disney Company France