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Broadway Therapy, une comédie vintage et rafraîchissante

Synopsis: Lorsqu’Isabella (Imogen Poots) rencontre Arnold (Owen Wilson), un charmant metteur en scène de Broadway, sa vie bascule. À travers les souvenirs – plus ou moins farfelus – qu’elle confie à une journaliste (Illeana Douglas), l’ancienne escort girl de Brooklyn venue tenter sa chance à Hollywood, raconte comment ce « rendez-vous » lui a tout à coup apporté une fortune, et une chance qui ne se refuse pas…Tous ceux qui se trouvent mêlés de près ou de loin à cette délirante histoire vont voir leur vie changer à jamais dans un enchaînement de péripéties aussi réjouissantes qu’imprévisibles. Personne n’en sortira indemne, ni l’épouse d’Arnold, Delta (Kathryn Hahn), ni le comédien Seth Gilbert (Rhys Ifans), ni le dramaturge Joshua Fleet (Will Forte), pas même Jane (Jennifer Aniston), la psy d’Isabella…

« Dans Central Park, certains aiment donner des noisettes aux écureuils. Mais si d’autres aiment donner des écureuils aux noisettes, qui suis-je pour leur donner tort? » c’est avec cette phrase qu’Owen Wilson va séduire Imogen Poots, une jeune call-girl, voulant devenir actrice. Il va lui donner 30 000$, si elle promet de quitter son métier et de suivre ses rêves. Nous sommes en pleine comédie romantique, du moins en apparence. On bascule rapidement dans la comédie loufoque, à travers des dialogues savoureux et des situations absurdes.
Cette citation qu’Owen Wilson déclame abondamment, provient du film La folle ingénue d’Ernest Lubitsch. Ce n’est pas anodin, tant le film semble un hommage à l’âge d’or d’Hollywood, aux comédies des années 30/40 de Frank Capra ou Howard Hawks. Ce côté vintage et rafraîchissant, comme son actrice principale Imogen Poots, aussi pétillante, qu’une coupe de champagne. Cette coupe que savoure aussi Audrey Hepburn dans la comédie Diamants sur canapé, ou elle tenait aussi le rôle d’une call-girl dans les années 60 et dont notre héroïne s’identifie en permanence. Des références, qui donnent l’impression de voyager à travers des décennies de comédies américaines, avec aussi un soupçon de Woody Allen.

C’est aussi le retour au premier plan du réalisateur Peter Bogdanovich. Cela faisait 13 ans, qu’il ne s’était pas retrouvé derrière une caméra. On doit son retour à deux fans, les réalisateurs Wes Anderson et Noah Baumbauch, qui sont ici, producteurs du film. C’est tout un pan de l’histoire du cinéma qui se rencontre. L’auteur du classique La dernière séance datant de 1971, symbolisant avec Easy Rider, un nouvel Hollywood, ou le réalisateur devenait plus important que le producteur. Ce fût une période courte, mais créatrice, avant que les studios reprennent le pouvoir. Cela sonna le glas de celui-ci, devenant un paria, après plusieurs échecs, malgré Mask en 1985.

Hollywood aime ce genre de résurrection, comme celle de Michael Keaton dans Birdman. Deux films rendant aussi hommage au théâtre, à la différence que la réalisation de Peter Bogdanovich est très classique. Si le film est brillant, c’est grâce à un casting réussi et des dialogues savoureux, masquant les errements d’un scénario famélique. On se régale devant les divers quiproquos, on se moque de ses hommes volages, avec leurs maîtresses cachées dans la salle de bain. Ces personnages ont tous un lien et vont à un moment ou un autre, se croiser dans un restaurant, un hôtel ou un théâtre.

Imogen Poots raconte son histoire à Illeana Douglas, mais juste avant, un texte défile, nous expliquant que la réalité est souvent enjolivée. Nous raconte-t’elle vraiment la vérité sur son histoire ? Une pauvre petite fille de Brooklyn, qui galère à trouver un rôle et fait la call-girl, en attendant des jours meilleurs, mais qui va faire la rencontre, qui va changer sa vie. C’est là que la magie du cinéma va opérer. On pourrait facilement se retrouver dans un drame, avec ces jeunes femmes qui vendent leurs corps pour survivre. Mais nous sommes dans une comédie, dans du théâtre de boulevard. Imogen Poots est aussi attendrissante qu’Audrey Hepbrun ou Julia Roberts. On s’attache immédiatement à son accent de banlieue, à ses manières en décalage, avec l’univers luxueux, dans lequel elle débarque. Mais elle n’est pas la seule à briller, Jennifer Aniston en psychologue, ne faisant pas vraiment preuve de finesse, est tout aussi fabuleuse. Ce sont les femmes qui mènent la danse, comme Kathryn Hahan face à son mari Owen Wilson, ou son ex-amant Rhys Efans.
Peter Bogdanovich se fait aussi plaisir, en donnant un rôle à sa muse des années 70, Cybill Sheperd, comme à Tatum O’Neal, Austin Pendleton et George Morfogen, qui ont joué dans ses films. Ils ne sont pas là pour faire de la figuration, ils sont tous délicieusement drôles. Puis, il y a ses caméo et ce clin d’œil aux Soprano. C’est un vrai régal pour tout cinéphiles, de voir tout ces acteurs se donner la réplique. On s’amuse de leurs travers, des situations et des réparties.

C’est une comédie générationnelle, un pur moment de plaisir. On s’amuse du début à la fin, même si cela passe trop vite. Il manque juste un brin de folie pour rendre le film incontournable. Peter Bogdanovich réussit son retour et révèle l’immense talent d’Imogen Poots, prête à suivre les traces de ses illustres aînées.

Broadway Therapy: Bande-annonce

Fiche technique : Broadway Therapy

She’s funny that way
USA – 2014
Réalisateur : Peter Bogdanovich
Scénario : Peter Bogdanovich et Louise Stratten
Distribution : Imogen Poots, Owen Wilson, Illeana Douglas, Jennifer Aniston, Will Forte, Kathryn Hahn, Richard Lewis, Cybill Sheperd, Rhys Ifans, Austin Pendleton, George Morfogen et John Robinson
Photographie : Yaron Orbach
Montage : Nick Moore et Pax Wassermann
Musique : Ed Shearmur
Production : Wes Anderson et Noah Baumbach
Sociétés de production : Lagniappe Films et Venture Forth
Genre : comédie dramatique
Durée : 93 minutes
Date de sortie : 22 avril 2015

auteur : Laurent Wu

Happy Birthday Mr. Mograbi

Synopsis : Avi Mograbi est engagé pour faire un film sur les 50 ans de l’état d’Israël. Il se rend compte que deux autres anniversaires ont lieu : le sien et celui des 50 ans de la Nakba, la « catastrophe », le début du problème des réfugiés palestiniens dépossédés de leurs terres après la guerre de 1948. Parallèlement, il raconte les problèmes engendrés par un bout de terrain qu’il a acheté plusieurs années auparavant.

« Faisons un film qui apporte la paix »

Ce deuxième long métrage d’Avi Mograbi, est à la fois la confirmation de son talent et également la découverte de certaines limites de son style cinématographique. En effet, son œuvre peine à s’affirmer sur la longueur, avec 15 minutes de plus que son œuvre précédente où l’on discerne certaines failles de ce cinéaste que l’on pourrait qualifier d’innovateur. Mais, malgré tout, au cours de cette œuvre où 3 sujets sont évoqués de manière simultanés, on distingue incontestablement un talent certain de cet anthropologue israélien.

En effet, dans ce documentaire on retrouve sa capacité de communication et de donner l’impression aux spectateurs d’une communication en continue, comme si il n’y avait plus de distances entre Avi Mograbi et son audience. On pouvait notamment se demander si cette technique serait réutilisée et si d’autant plus elle aurait la même efficacité. Force est de constater après le visionnage de cette œuvre que le réalisateur parvient à garder notre attention tout au long de ces 75 minutes. On ne voit vraiment pas le temps passer, et l’on a l’impression de vivre une heure quotidienne où l’on échange et on a l’impression de d’émerger dans la réalité du cinéma.

De ce fait, on comprend que le réalisateur va tenter de subtilement de faire voyager le spectateur entre la fiction cinématographique et « notre » réalité. De plus, ce réalisateur malgré une différence culturelle que l’on pourrait imaginer avec Israël, parvient parfaitement à attirer l’attention de la sensibilité occidentale. Son humour est simple, mais avec une réelle seconde lecture. A l’image de son titre, qui mentionne un anniversaire probable, et peu de temps après le début de son œuvre une déprime est évoquée. Ce qui paraît être un paroxysme, lorsque l’on lance une telle œuvre, qui s’annonce normalement être assez joyeuse avec une telle appellation. Ainsi, au cours de ce long métrage, s’enchaîne parfois certaines incohérences volontaires pour interpeler le spectateur et par-dessus tout le faire philosopher sur la réelle teneur de sa pensée. On pourrait même s’interroger sur le fait s’il n’existe pas « un film dans le film ».

Par ailleurs, Avi Mograbi a une façon de filmer vraiment très dynamique, qui pourrait même être qualifiée de saccader voire négliger par certains spectateurs. Mais, pourtant cette façon d’alterner les cadrages est volontaire pour pouvoir retranscrire au mieux la réalité et s’immiscer au sein de la culture israélienne. En outre, si l’on regarde ce documentaire par simple curiosité culturelle, on s’apercevra rapidement que cette œuvre est très enrichissante. On notera notamment qu’il existe une réelle différence avec la culture occidentale, que l’on découvre d’un point de vue omniscient.

Ainsi, on apprend que le peuple israélien, est très réfléchi avec une véritable capacité de communication, mais malheureusement très individualisé bien que très patriotique et avec un rapport avec l’argent très prononcé. Ce peuple paraît à la fois être très rationnel et très impulsif dans certaines occasions. On découvre également un pays divisé, avec une pensée collective plus limitée que ce que l’on pourrait s’imaginer. En effet, l’individualisation de la société paraît être un réel frein au développement de l’état qui peine à communier.
Par la suite, on comprend clairement que le réalisateur tente de faire passer le message qu’Israël est un pays démocratique seulement officiellement, puisque beaucoup de décisions semblent être encore contrôlées notamment par le gouvernement. Même si l’on discerne une réelle liberté de communication au cours de cette œuvre, où le réalisateur exprime clairement ses opinions engagés. On apprend notamment différents éléments du conflit israélo-palestinien, où l’on remarque que le cinéaste est clairement contre le déroulement de certains événements tragiques qui touchent constamment son pays. A l’image notamment du « masque à oxygène » de son producteur enfermé dans une bulle (pour respirer dans une vie sociétale compliquée). On voit ainsi une volonté d’obtention de la paix qui va au-delà du ressentis politique.

Ensuite, concernant son style cinématographique on distingue une réelle volonté de casser les codes traditionnels du septième art. A l’image de ses transitions saccadées et parfois parfaitement orchestrées. De ce fait, selon, les passages et les thématiques, l’auteur utilise le style approprié.
Cependant, cette œuvre malgré le talent indéniable d’Avi Mograbi a plusieurs défauts qui peuvent notamment freiner le spectateur à apprécier cette œuvre autant que son premier long métrage concernant Ariel Sharon. En effet, au visionnage de sa deuxième œuvre, sa communication bien que très attractive peut finir par lasser un spectateur qui se doit d’être très réceptif à toutes les informations et avoir le temps de les analyser.
Ensuite, le mélange de trois histoires distinctes notamment celle avec sa femme, sont parfois difficiles à suivre, et les liens entre elles ne sont pas toujours évidents. Ainsi, cette narration très osée, très innovante est parfois difficile à « décrypter ». Les temps entre la reprise de ces histoires sont parfois un peu long ce qui baisse implicitement l’intensité des différents récits. Par la suite, vouloir être très proche des réalités a également une contrepartie où cette grande proximité à la réalité tend à donner un côté trop amateur à cette œuvre. Cet amateurisme s’illustre notamment dû à la longueur de cette œuvre pour le style de communication utilisé.

Enfin, un dernier point qui peut être assez problématique, notamment pour un spectateur avec un avis politique bien défini et que le réalisateur ne donne pas vraiment d’alternatives au spectateur. On pourrait même penser qu’il y a un réel manque de neutralité de la part d’Avi Mograbi, ce qui n’était pas le cas dans sa première réalisation. De ce fait, il tente de faire de ses dires une vérité absolue, sortant ainsi du point de vue omniscient qui fait la force globale de l’œuvre. Ainsi, le spectateur peut ne pas apprécier être « téléguidé » par la pensée et les convictions du réalisateur.
Pour conclure, on quitte Avi Mograbi pour son anniversaire, avec un cadeau atypique, une guerre avec des conflits mortels, qui sont réellement édifiants. Cette conclusion donne à l’œuvre une profondeur supplémentaire et un engagement du réalisateur encore plus prononcé pour la paix dans l’état d’Israël.

Happy Birthday Mr. Mograbi : Bande-annonce

Happy Birthday Mr. Mograbi : Fiche Technique

Cinéaste: Avi Mograbi
Scénario: Avi Mograbi
Caméra: Eytan Harris, Ron Katzenelson, Itzik Portal, Yoav Gurfinkel, Oded Kimhi, Yoav Dagan Montage
Durée: 77 Min

Auteur : Adrien Lavrat

Synopsis : En 1996, alors que la campagne électorale en Israël approche, le réalisateur, Avi Mograbi, décide de faire un film sur la figure politique contestée d’Ariel Sharon.

La politique telle une comédie

S’initier au cinéma israélien, c’est découvrir un cinéma exotique où l’on se doit d’éviter d’avoir des idées préconçues, en pensant que ces œuvres sont surement « archaïques » et qu’elles manquent de profondeur. C’est aussi s’apprêter à avoir un réel choc culturel, tant nos cultures sont parfois aux antipodes.  Mais, visionner le premier long métrage de Avi Mograbi, « Comment j’ai appris à surmonter ma peur et aimer Ariel Sharon », c’est surtout le plaisir de découvrir un documentaire atypique et extrêmement passionnant.

Le réalisateur parvient à manier avec perfection, la fiction pour mieux retranscrire la réalité, ce qui donne à cette œuvre un côté surréaliste et à la fois au plus près des réalités. De plus, la consistance de ce documentaire pendant cette heure, est assez surprenante pour un réalisateur encore inexpérimenté, et les échanges avec Arial Sharon sont parfaitement réalisés. En effet, l’une des forces majeure de ce long métrage, c’est sa capacité à maintenir l’intention et à susciter un réel intérêt.

Dans un premier temps, le processus de communication est habilement choisi, puisque l’on a réellement l’impression que l’on échange directement avec le réalisateur. De plus, aujourd’hui, dans notre société où les NTIC sont parfaitement intégrées dans notre vie sociétale, cette manière directe de communiquer pourrait même faire directement penser à une éventuelle interview sur Skype avec le réalisateur. Autrement, on peut facilement s’identifier au « personnage standard » qui cherche à obtenir des informations pour répondre à ses prérogatives politiques où tout simplement pour affirmer son opinion au travers du septième art.

Par la suite, ce qui interpelle directement par rapport à nos coutumes occidentales dans ce registre de documentaire, c’est la totale implication de l’auteur dans des propos parfois très sévères. Par exemple, oser dire qu’un massacre a été réalisé par la moitié de la population. On discerne également une importance capitale de son choix politique en Israël, comme si la politique pouvait s’apparenter à une forme de religion. Mais, ces propos parfois virulents, sont atténués par le choix très intéressant de tourner cette œuvre telle une comédie anodine, alors qu’elle traite directement de la politique israélienne. A l’image, notamment de sa dérision souvent de ses propos, en faisant référence aux changements qui se sont produits dans son couple, pendant le tournage de cette œuvre. C’est aussi, implicitement, un moyen de montrer que le choix politique en Israël peut avoir un réel impact dans la vie quotidienne. On distingue aussi une réelle fracture sociale au sein de ce peuple, où le choix politique détermine presque tes relations. Ainsi, de par, la réalisation de cette œuvre, Avi Mograbi, donne l’impression d’exercer son droit naturel de citoyen en tentant d’exprimer son opinion.

Par ailleurs, la comédie, dans ce documentaire n’est pas choisi par hasard, car plus le film avance, plus l’on s’aperçoit que c’est la situation politique actuelle qui s’apparente à une comédie. A l’image, de l’hypocrisie que l’on peut discerner dans le milieu politique, notamment lorsque Ariel Sharon promet dans la première partie des réponses que le réalisateur obtiendra seulement grâce à sa persévérance.

Ensuite, Comment j’ai appris à surmonter ma peur et à aimer Ariel Sharon permet d’exprimer le côté virulent, de la société israélienne. On distingue notamment des échanges verbaux très tendus parfois entre des spectateurs et Ariel Sharon. Cela met en valeur deux points, à la fois la capacité d’expression dans son pays et par la même occasion un certain manque de maturité dans la gestion des relations politiques.

Par la suite, on pourrait également évoquer le fait que Avi Mograbi utilise avec une grande subtilité le côté amateur du documentaire, en jouant souvent avec cet aspect au plus proche des réalités. Ainsi, ce registre assumé par le réalisateur lui permet également de voir son ennemie, Ariel Sharon, en tant qu’homme et non plus seulement se fier à la façade de l’homme politique. On constate, même par moment au fur et à mesure d’échanger avec Ariel Sharon, le réalisateur finit par être gêné par le développement des événements. On peut ainsi, se demander si le politique et l’homme sont dissociables ? Selon, le réalisateur, qui parvient à garder malgré le bon déroulement des événements une certaine neutralité, elle permet en tout les cas de voir plus loin de l’image que les médias tentent de véhiculer. Par exemple, on découvre un politique qui paraît être stricte et peu compréhensif, à un homme presque attachant dans la vie privée notamment de par sa simplicité.

D’autre part, on peut également remarquer, l’admirable qualité du réalisateur de séquencer sa pensée, les étapes se suivent de façon très logique et chaque thématique est traitée au moment opportun. Il arrive notamment, par moment à introduire le sujet de religion très habilement où l’on perçoit clairement, une forte croyance, et une véritable spiritualité dans ce peuple israélien, notamment le passage avec les orthodoxes. Enfin, Avi Mograbi fait partager clairement son cauchemar sous forme de fiction, après avoir rêvé d’un idéal pour son peuple. On retombe brusquement à la réalité, et finalement à celle qu’il a toujours voulu partager mais qu’il a tenté de cacher ou d’amoindrir du moins avec sa relation avec Ariel Sharon. On découvre alors, un pays sanguin, pro révolutionnaire, où la violence fait partie du quotidien d’une grande majorité de la population.

Pour conclure, d’un point de vue culturel et politique cette œuvre est très enrichissante. On ne peut qu’être admiratifs devant le challenge relevé par ce réalisateur pour fournir des images avec une telle authenticité qui permettent notamment d’en apprendre un peu plus sur le monde politique. Avi Mograbi, souhaite tout de même terminer son œuvre, dans une certaine cacophonie représentant la société actuelle. Le réalisateur, se prête au jeu de l’environnement de la scène finale et laisse à la fois un goût d’inachevé puisque il ne parvient pas à confirmer son idée initiale, mais son engouement final laisse tout de même présager un avenir meilleur. La meilleure des preuves, de l’optimisme possible est notamment sa capacité à outrepasser sa peur pour aller au-delà de l’image, et s’intéresser aux hommes au-delà de leurs statuts, tel un anthropologue.

Comment j’ai appris à surmonter ma peur et à aimer Ariel Sharon: Fiche technique

Eich Hifsakti L’fahed V’lamadeti L’ehov et Arik Sharon
Israël – 1997
Réalisation: Avi Mograbi
Scénario: Avi Mograbi
Image: Ran Carmeli, Yoav Gurfinkel, Ronen Shechner
Son: Avi Mograbi
Montage: Avi Mograbi
Producteur: Avi Mograbi
Interprétation: Avi Mograbi et Ariel Sharon…
Durée: 1h02

Auteur : Adrien Lavrat

Synopsis: Installé au volant de son taxi, Jafar Panahi sillonne les rues animées de Téhéran. Au gré des passagers qui se succèdent et se confient à lui, le réalisateur dresse le portrait de la société iranienne entre rires et émotion…

Il était une fois en Iran

Le prix de l’Ours d’Or décerné à Taxi Téhéran à la dernière Berlinale risque d’être pris pour ce qu’il n’est pas, à savoir une sorte d’encouragement ou de manifeste politique, compte tenu des conditions difficiles dans lesquelles Jafar Panahi exerce son art en Iran. En effet, au-delà de cette dimension, et même si le ministre des affaires étrangères allemand a parlé d’un « symbole important de la liberté artistique », Taxi Téhéran est un film savoureux à plus d’un titre qui mérite amplement cette récompense.

On est tenté de dire que le cinéaste n’a besoin d’encouragement d’aucune sorte, tant son film montre à quel point il maîtrise son sujet. Taxi Téhéran est tourné entièrement depuis le point de vue d’un taxi que Jafar Panahi lui-même conduit, avec un dispositif proche des caméras cachées. Les clients entrent et sortent de son taxi, semblent se livrer à leur insu à diverses réflexions sur la vie iranienne, mais très vite, les caméras et Panahi lui-même sont « débusqués » par les « clients », ce qui ajoute un côté vertigineux au film, dont on se met à douter de la nature documentaire et improvisée.

Le film est tourné avec des moyens techniques extrêmement limités, trois caméras DV dissimulées dans le taxi, un téléphone portable, l’appareil de la jeune nièce du réalisateur. Une fois ou deux, on voit Jafar Panahi réorienter une caméra, un ultime geste de mise en scène quand on est empêché de tout, un geste qui montre que son envie est toujours là, mais surtout que son talent est là, de réussir à faire ce film complet avec si peu de moyens.

Ainsi, Jafar Panahi invite à bord de son taxi la société iranienne moderne dans une succession de saynètes très drôles. La modernité est en effet un outil qui permet aux personnages de s’extirper de leur situation parfois difficile. Un homme blessé et en sang  s’engouffre avec sa femme dans le taxi et demande à ce que son testament soit filmé, afin de protéger sa veuve potentielle de ses propres frères. Un autre client  vend sous le manteau des dvd, des blockbusters américains à Woody Allen ou encore Nuri Bilge Ceylan. Sa jeune nièce (pétillante Hana Saeidi, celle-là même qui a reçu le prix à Berlin pour le compte de son oncle) doit faire un film pour l’école, avec son petit appareil photo numérique, sous la contrainte de préceptes sévères transmis par la maîtresse d’école, une censure qui ne dit pas son nom. La modernité et le cinéma donc, car oui, il est beaucoup question de cinéma dans ce film en forme de pied de nez au gouvernement iranien.

Il est question de cinéma, et à juste titre, Jafar Panahi cite de manière explicite et sans aucune prétention son propre cinéma (dans une réplique, dans une scène etc). Une manière de célébrer son art, mais également de résister par rapport aux autorités de la République islamique d’Iran qui ont interdit ses films sur le territoire national.

Il est question de liberté aussi, car Jafar Panahi réussit la gageure d’embarquer dans son taxi Nasrin Sotoudeh, l’avocate des droits de l’homme condamnée à l’emprisonnement comme lui et en même temps que lui lors des manifestations de 2009, après l’élection d’Ahmadjinejad, et libérée comme lui sous la pression de la communauté internationale. Une femme qui symbolise toutes les luttes menées en Iran pour la liberté d’expression.

Il est enfin question encore et toujours  de la place de la femme dans la société iranienne, et Taxi Téhéran leur fait la part belle, qu’elles soient vieilles, jeunes, voire très jeunes comme Hana, traditionalistes ou modernes. Elles sont drôles et vivantes, impertinentes mêmes, et sont les remparts à la progression d’une répression ambiante (on apprend de la bouche de plusieurs personnages et de Panahi lui-même que deux personnes ont été exécutées pour une « simple » histoire de racket).

Toutes ces idées sont portées par un scénario mince en apparence, et pourtant très cohérent malgré l’organisation en saynètes : toutes les séquences se tiennent toutes seules, mais également s’articulent et se répondent, les unes expliquant les autres, rien n’étant anodin. Et cela, même si on ne le réalise qu’après coup.

Jafar Panahi est le plus souvent face caméra, un homme tranquille et sûr de lui. Un homme qui a déjà été en prison, et qui est toujours sous le coup d’interdictions diverses (de faire des films, de parler aux journalistes, de quitter le territoire iranien etc). Comme il le dit lui même, le confinement dont il fait l’objet le pousse de manière encore plus urgente vers la création, et sa détermination et son assurance se lisent sur son visage.

Pour notre plus grand bonheur, car Taxi Téhéran est un film très plaisant à regarder, la visibilité de Jafar Panahi grandit avec les interdictions qui lui sont infligées.  Plusieurs fois primé à Berlin ou à cannes, L’Ours d’or qu’il a reçu au 65^ème festival de Berlin est une sorte de consécration, Alors, ce n’est peut-être pas un lot d’encouragement, mais espérons que cet Ours d’Or pourrait permettre qu’un jour, ces films puissent être vus par les iraniens eux-mêmes, ce qui est le vœu le plus cher de Jafar Panahi.

Taxi Téhéran : Bande-annonce

Taxi Téhéran: Fiche Technique

Titre original : تاکسی.
Réalisateur : Jafar Panahi
Genre : Drame, Comédie
Année : 2015
Date de sortie : 15 avril 2015
Durée : 82 min.
Casting : Jafar Panahi
Scénario : –
Musique : –
Chef Op : –
Nationalité : Iran
Producteur : Jafar Panahi
Maisons de production : –
Distribution (France) : Mémento Films Distribution