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Pour l’ouverture de sa rétrospective à la Cinémathèque française, Philippe Faucon est venu présenter en avant-première, avec l’équipe du film, son nouveau long-métrage Fatima, en compétition à la Quinzaine des Réalisateurs lors du dernier festival de Cannes.

Synopsis : Fatima vit seule avec ses deux filles : Souad, 15 ans, adolescente en révolte, et Nesrine, 18 ans, qui commence des études de médecine. Fatima maîtrise mal le français et le vit comme une frustration dans ses rapports quotidiens avec ses filles. Toutes deux sont son moteur, sa fierté, son inquiétude aussi. Afin de leur offrir le meilleur avenir possible, Fatima travaille comme femme de ménage avec des horaires décalés.

Philippe Faucon est un nom peu connu du cinéma indépendant français, pourtant, le réalisateur nous offre, avec Fatima, son 8ème long-métrage pour le cinéma. Toujours engagé et soucieux de dépeindre un milieu et des conditions sociales qui lui sont chers, Philippe Faucon offre, dans l’ensemble de sa filmographie, un cinéma réaliste. Fatima ne déroge en rien à la règle et nous fait vivre avec cette mère de famille qui se donne corps et âme à la réussite de ses filles.

Là où le film est une réussite, c’est qu’il n’est en rien misérabiliste, bien au contraire. Philippe Faucon ne s’enlise dans aucun pathos et ne force pas la main, c’est le spectateur qui éprouvera un quelconque sentiment à l’égard des personnages. Le cinéma social a tendance à rebuter, certains y voyant le simple but de faire peser toute la misère du monde sur les épaules des femmes et hommes qui composent les classes défavorisées. Dans son long-métrage, Philippe Faucon aborde le racisme et le commérage, ainsi que la place de la femme dans la société, à qui l’on apprend à « se couvrir et contrôler chaque geste et chaque parole ». Il dépeint également un souhait de s’en sortir, en arrivant à toujours mêler un humour singulier, pourvu d’autodérision, qui ne peut échapper au spectateur.

Les partis pris esthétiques sont réduits à leur plus simple expression, afin de dévoiler les acteurs et de tirer le plus possible du jeu de ces derniers. Toutefois, le film est d’une certaine lenteur car il retranscrit le quotidien d’une femme de ménage, ainsi que celui de ses filles, on peut alors reprocher au réalisateur de s’appesantir et d’être quelque peu rébarbatif avec ce schéma d’une vie cyclique, dans laquelle il ne se passe au fond pas grand chose, outre la pression de l’aînée vis à vis du concours de médecine.

Fatima est une personne personne généreuse qui cherche à se fondre dans la masse (avec des cours de français pour assurer les contraintes administratives), ne cherchant qu’à faire le bien. Une femme forte, acceptant toutes les tâches, dans l’unique but qu’est celui de rendre ses filles heureuses, en dépit d’une atmosphère sociale qui ne joue pas en leur faveur. Et même si l’une de ses filles, Souad, ne lui rend pas la pareille, son amour pour elle n’en est en rien modifié, et elle ne cessera de se battre pour cette dernière, cela malgré les remarques désobligeantes d’une adolescente en pleine recherche d’elle même. On retiendra cette phrase forte, et d’une tristesse absolue, pour qualifier Fatima « un torchon, qui ne parle même pas français ». Malgré cela, pendant tout le long-métrage, Fatima écrit, en arabe, dans un cahier, des phrases, semblables à des vers poétiques. Dans quel but ? Celui de dire à ses filles ce qu’elle pense, ce qu’elle vit et la manière dont elle voit la société. En résultera une scène magnifique chez le médecin, long monologue de Fatima, où le discours s’avère criant de vérité, et, en fin de compte, assez dérangeant.

Semblable à La loi du Marché, Fatima est une succession de longs, et souvent gros plans, où les acteurs sont mis sur un piédestal. Même si pour certains, des plans peuvent paraître futiles ou vides de tout sens, Fatima apparaît comme un ensemble dans lequel chaque fait est important. Et même si le jeu d’acteurs peut déranger, une fois de plus, il s’agit là d’un choix du réalisateur, qui le dit si bien « Si les acteurs amateurs peuvent paraître faux, c’est parce qu’ils cherchent à jouer un naturel qu’ils ont déjà.»

Mais il paraît tout de même essentiel d’aborder le casting, car Soria Zeroual (Fatima) réellement femme de ménage d’origine marocaine, et Zita Hanrot (Nesrine, fille aînée de Fatima), remarquée dans Eden et Radiostars, sont fantastiques, de véritables révélations en terme de jeu. Les deux actrices véhiculent des émotions incroyablement fortes et sont criantes de vérité. On perçoit un jeu d’une sincérité magnifique. Avec ce genre de long-métrage, on peut réellement se dire qu’engager des acteurs non-professionnels a parfois vraiment du bon, et peut être une réelle surprise, mais cela avec des réserves. En effet, le jeu de Kenza Noah Aïche (Nesrine, seconde fille de Fatima, âgée de 15 ans) peut, de prime abord, refroidir, mais il ne faut pas oublier qu’il s’agit du premier long-métrage de la jeune fille, qui s’avère tout de même convaincante, lors des scènes avec son père, par exemple.

Fatima est donc un film fort sur le combat d’une mère, magnifiquement interprétée, offrant une palette d’émotions au spectateur.

Fatima: Fiche Technique

Réalisateur : Philippe Faucon
Scénario : Philippe Faucon, d’après l’oeuvre de Fatima Elayoubi
Casting : Soria Zeroual, Zita Hanrot, Kenza Noah Aïche…
Genre : Drame
Nationalité : Française
Date de sortie : 7 octobre 2015
Durée : 80 minutes
Costumes : Nezha Rahil
Photographie : Laurent Fénart
Son : Thierry Morlaas-Lurbe
Montage : Sophie Mandonnet
Musique : Robert Marcel Lepage
Producteurs : Yasmina Nini-Faucon, Philippe Faucon, Serge Noël
Production : Istiqlal Films, Arte France, Possibles Média, Rhône-Alpes Cinéma
Distributeurs : Pyramide Distribution
Récompenses: Césars 2016 du meilleur film, de la meilleure adaptation et du meilleur espoir féminin pour Zita Hanrot

France – 2015

Mini Héros 3D est la nouveauté du cinéma de la Géode à Paris. Projeté dès le mercredi 7 Octobre sur cet écran arrondi, c’est un docu-fiction en relief qui met en scène deux petites créatures filmées de très près dans deux régions d’Amérique bien distinctes : un petit tamia, de la famille des écureuils, dans la forêt d’Amérique du Nord et une souris sauterelle mangeuse de scorpion dans le désert de l’Arizona

Synopsis : Au coeur du désert de Sonora, en Arizona et dans les forêts d’Amérique du Nord, les vies des minuscules souris-sauterelles et des tamias, recèlent bien des dangers. Mini Héros va suivre leurs aventures durant 48 heures. 48 heures décisives, durant lesquelles ils apprendront à se nourrir, à se cacher, à se protéger et à survivre. 48 heures aux confins de la vie sous nos regards ébahis.

. Les deux héros minuscules sont filmés à leur échelle de sorte que le spectateur entre véritablement dans le quotidien de ces animaux à la manière du film Microcosmos : Le Peuple de l’herbe ou encore de Minuscule : la vallée des fourmis perdues mais…la taille au-dessus ! Nous croisons d’ailleurs nombre de personnages secondaires, bons ou mauvais, tels que l’escargot ou le crapaud, le lézard ou le serpent, le grand duc ou le faucon sans oublier le scorpion et l’araignée.

Un univers fantastique  :

Le travail sur le film aura duré deux ans, entre le dressage des Mini Héros et les prises de vues en macro, mobilisant de nombreux chefs opérateurs. Il en ressort une oeuvre incroyable de 50 minutes intenses et magiques où nous plongeons dans cet univers végétal et animal aux séquences uniques.
Les images sont souvent prises en contre-plongée, accentuant ainsi le caractère incommensurable de la nature qui entoure ces toutes petites créatures. Les Mini Héros nous paraissent alors d’autant plus fragiles mais malgré tout rapides et habiles ou, comme l’explique la voix-off « dotées de super-pouvoirs » ! L’effet de rapidité est retranscrit par des ralentis fréquents de la caméra et utilisés dans les situations de danger comme cette pluie soudaine et diluvienne qui s’abat dans le désert. L’eau envahit le terrier de notre petite souris et forme un torrent violent induit par le ralenti. Lors des combats, les ralentis interviennent aussi et amplifient l’effet de la 3D par exemple au moment du gros plan impressionnant sur la mâchoire du serpent et sur sa langue qui s’étire à l’infinie.
Mais le visuel n’en est pas moins magnifique depuis les images sombres et inquiétantes du ciel jusqu’aux constellations de gouttes d’eau. Lorsque l’hiver arrive, le rythme s’accélère et les cristaux de glace envahissent l’écran. « Les journées sont plus courtes » nous informe la voix-off. Plus courtes et encore plus belles se dit-on…
À tout instant dans Mini Héros 3D, la caméra joue avec les ralentis et les accélérations, les plongées et contre-plongées, les ombres et surtout la 3D : une véritable œuvre d’art fantastique et ludique. Un conte merveilleux et plein d’humour.

Un humour à l’anglaise :

Filmée en parallèle, chacune des deux espèces de Mini Héros 3D devra affronter des créatures terrestres et volantes. Le petit tamia des bois défend son terrier et ses vivres contre un adversaire de sa propre espèce tandis que la souris sauterelle s’attaque à un scorpion pour se nourrir. Des scènes de combats épiques, presque humoristiques – un humour so british, il faut bien le dire – de par ces ralentis qui rappellent des passages de Matrix et l’aspect « super-héros ». Le hurlement de notre souris sauterelle, dressée sur ses pattes arrières, à la manière d’un loup (ou d’un loup-garou?) est ainsi filmé de façon outrancière, répétée et décalée dans ses effets d’ombre. Le Grand Duc d’Amérique prend quant à lui des airs de Godzilla, avec des gros plans sur les serres/griffes qui claquent impatiemment sur la branche d’arbre et attendent de s’abattre sur la petite proie. Les gros plans successifs s’attardent sur les pattes, le yeux, le bec et même la langue, suggérant l’appétit vorace du super-méchant !
Dans Mini Héros 3D, la voix-off joue aussi un grand rôle et nous rappelle très justement que « le désert est un véritable parc Jurassic ». On y croise d’ailleurs des cactus et des carcasses d’animaux dignes du Far West et le tout nous est servi avec une musique de Western. Les jeux de mots et la dérision dédramatisent les passages inquiétants du film. Ainsi, quand la souris sauteuse se réfugie dans un crâne pour échapper au faucon de Harris, la voix-off nous informe que « c’est digne d’un casse-tête » (rires).

De par son humour à l’anglaise et son travail technique, Mini Héros 3D est un film à la fois impressionnant et rafraîchissant car on évolue dans une atmosphère ludique qui plaira au jeune public comme aux grands. En témoignent les applaudissements dans la salle à la fin de la projection en avant-première ! Une exclusivité qui sortira à la Géode ce mercredi 7 octobre 2015.

Fiche Technique :

Titre : MINI HÉROS 3D (Titre original : Tiny Giants 3D)
Réalisation : Mark Brownlow
Inspiré de Hidden Kingdoms série originale de la BBC
Musique : Ben Foster
Production exécutive: Amanda Hill et Neil Nightingale
Scénario et production : Mark Brownlow et Michael Gunton
EN EXCLUSIVITÉ À LA GÉODE À PARTIR DU 7 OCTOBRE 2015
LA GÉODE
26 AVENUE CORENTIN CARIOU. 75019 PARIS
– ARRÊTS PORTE DE LA VILLETTE –
MÉTRO : LIGNE 7 – TRAMWAY : T3B – BUS : 75, 139, 150, 152
INFORMATIONS ET RÉSERVATIONS : WWW.LAGEODE.FR

Ni le ciel ni la terre est un objet singulier qui, au-delà de l’étrange anecdote qu’il développe comme idée scénaristique, adopte un parti pris formel affirmé qui en fait un film opaque et énigmatique.

Synopsis : Afghanistan 2014. A l’approche du retrait des troupes, le capitaine Antarès Bonassieu et sa section sont affectés à une mission de contrôle et de surveillance dans une vallée reculée du Wakhan, frontalière du Pakistan. Malgré la détermination d’Antarès et de ses hommes, le contrôle de ce secteur supposé calme va progressivement leur échapper. Une nuit, des soldats se mettent à disparaître mystérieusement dans la vallée.

« Car enfin qu’est-ce qu’un homme dans la nature ? Un néant à l’égard de l’infini, un tout à l’égard du néant, un milieu entre rien et tout […] La fin des choses et leurs principes sont pour lui invinciblement cachés dans un secret impénétrable. » (Blaise Pascal, Pensées)

Dans ce qui commence comme un film de guerre, le motif traditionnel du combat entre deux entités ennemies est rapidement dissout. Le film de guerre nous amène généralement à réfléchir à des questions morales, par l’intermédiaire de personnages souvent manichéens et de situations duelles. Avec Ni le ciel ni la terre, le jeune réalisateur Clément Cogitore dilue ce type de proposition et élabore une réflexion métaphysique autour de notre appréhension du monde.

Notre regard est modelé par notre culture, notre éducation ou encore notre milieu social. L’autre est toujours un étranger. Le réalisateur choisit d’adopter le point de vue des soldats français, une petite section parachutée au beau milieu des montagnes afghanes pour défendre leur position contre l’ennemi taliban. C’est ainsi que les personnages sont introduits. Ils sont exogènes à ce milieu qu’ils ont investi. Cogitore le dit au cours des nombreuses séquences d’échange entre la population locale et les soldats où le dialogue est entravé par la barrière de la langue, et il le montre surtout. Le film se déroule sur le front du Wakhan, montagnes pierreuses et désertiques. Au-delà d’être un simple décor qui viendrait appuyer un contexte en mettant l’accent sur les conditions de vie hostiles à l’établissement humain, la montagne afghane est un environnement agissant. Cogitore privilégie les plans larges pour filmer ses acteurs dans ce paysage lunaire, à l’image de ce qui se fait dans les westerns. L’homme fait partie de ce monde (les tenues de camouflage amènent les protagonistes à se fondre littéralement dans le paysage, une anticipation des disparitions à venir) mais n’a que peu de prise sur lui. Qu’il s’agisse des soldats ou même des habitants de la région, ils sont dépassés, démunis devant l’émergence de ce surnaturel. Les premiers tentent de prendre l’ascendant par l’entremise de la technologie militaire tandis que les autres s’en remettent à Dieu. Deux régimes d’images viennent traduire cette différence de rapport au monde. Les soldats regardent leur environnement au travers de leur équipement qui leur permet de pallier aux défaillance de l’acuité visuelle humaine. De nombreuses séquences sont filmées à la caméra thermique, faisant apparaître des formes ectoplasmiques plus qu’humaines. Les habitants des montagnes, eux, attribuent à une intervention divine ces disparitions inexpliquées, un dieu qu’ils perçoivent sans le voir.

Croire sans voir est une opération délicate pour ces Européens. « Ces hommes, ce n’est pas parce qu’ils ne sont pas là que tu ne les vois pas. Tu ne les vois pas parce qu’il fait nuit et que tu n’as pas tes jumelles » dit un enfant du village au capitaine qui lui demande de s’expliquer sur le fondement de sa conviction en Dieu. L’inconnu effraie, l’incompréhensible panique. La peur est le terreau de toutes les guerres. L’équipement militaire agit comme un talisman, destiné à protéger celui qui le porte, tout comme les rituels pratiqués par les paysans afghans. Il est question de croyances, dans un cas comme dans l’autre. Ces deux regards sur le monde s’affrontent un temps et finissent par se mêler. Cogitore met en scène cette contamination dans une scène hallucinante dans laquelle on passe de la découverte d’une grotte à l’aide du matériel militaire, vision très scientifique, au récit d’une légende tirée du Coran. Le jeune réalisateur brouille habilement les pistes. Il ne cherche pas le confort d’une fin qui apaiserait les esprits mais reste dans l’opacité et l’inexplicable. Clément Cogitore, dont ce film est le premier long-métrage, avait déjà suscité l’intérêt lors de ces précédents films, et notamment avec Bielutine. Ce court-métrage documentaire entre dans l’intimité d’un couple russe, amateur d’art, vivant en huis clos entouré d’oeuvres de maîtres dans un univers singulier empreint de spiritualité et de magie. Sous ses devants de film de guerre, Ni le ciel ni la terre emboîte le pas de son aîné en continuant de creuser le sillon d’un cinéma qui cultive une certaine inquiétante étrangeté.

Ni le ciel ni la terre : Fiche technique

Réalisation : Clément Cogitore
Scénario : Clément Cogitore, Thomas Bidegain
Interprétation : Jérémie Reiner (capitaine Antarès Bonassieu), Swann Arlaud (Jérémie Lernowski), Marc Robert (Jean-Baptiste Frering), Kévin Azaïs (William Denis), Finnegan Oldfield (Patrick Mercier), Christophe Tek (Stéphane Tek)
Photographie : Sylvain Verdet
Montage : Isabelle Manquillet
Musique : Eric Bentz, François-Eudes Chanfrault
Décors : Isabelle Pannetier
Produit par : Jean-Christophe Reymond
Distribution : Diaphana Distribution
Durée : 100 minutes
Genre : film de guerre, fantastique
Date de sortie : 30 septembre 2015

France – 2015

Sans avoir profité d’une promotion intrusive comme beaucoup de ses concurrents qui nous assènent de bandes-annonces, L’Odeur de la mandarine a réussi à s’assurer une exploitation très étendue. Ceci s’explique par le fait que, pour son quatrième film, Gilles Legrand se confirme comme un des rares peintres contemporain de l’univers rural dans lequel il a jusque-là toujours fait en sorte d’ancrer son cinéma.

Synopsis : En juillet 1918, dans l’est de la France, Angèle, une jeune infirmière veuve et mère d’une fillette d’une dizaine d’années, entre au service de Charles, un riche vétéran de la cavalerie amputé d’une jambe et propriétaire d’un grand haras. Très vite va se lier entre ces deux individus marqués par la guerre une profonde intimité, qui va le pousser à aller plus loin, au risque de compliquer leur relation.

L’amour comme cheval de bataille

Après l’inventivité enfantine dans Malabar Princess en 2003, la solitude dans La Jeune fille et les loups en 2007 et les liens père-fils dans Tu seras mon fils en 2010, le réalisateur décide cette fois de s’attaquer à une histoire romantique. Dès les premières images du film, on comprend vers quoi  la relation employeur-employé entre Charles et Angèle va virer. L’idée d’assister à un lien platonique à la façon de Journal d’une Femme de Chambre apparaît alors même comme une crainte. Les cartes sont donc vite posées par une écriture romanesque si traditionnelle que l’on jurerait avoir affaire à une adaptation littéraire. Et pourtant le scénario est original et a été cosigné par Guillaume Laurant, connu pour avoir jusque-là essentiellement travaillé avec Jean-Pierre Jeunet. Le risque de ce parti-pris classique, dont l’intention première est de décrire la part animale des tensions intimes de ce couple à travers un parallèle avec l’approvisionnement des chevaux,est d’offrir une dramaturgie trop classique pour apparaître comme une proposition moderne.

C’est sans doute là le principal souci de l’Odeur de la Mandarine : A trop savoir où l’on va, le récit ne peut miser, pour surprendre le public, que sur ses dialogues qui alternent intelligemment non-dits et une évocation parfois crue de la sexualité. La liberté du personnage d’Angèle rompt avec la misogynie ambiante lorsqu’elle impose littéralement les conditions de son mariage, et dès lors l’amour impossible profite d’échanges tour à tour émouvants, drôles et tendus. Des changements de tons qui permettent à la romance de ne jamais tomber dans le piège de la mièvrerie. La complémentarité des personnages, le regard de l’enfant, les conseils de la vieille fille, le charme d’un inconnu débarqué comme un grain de sable, sont autant d’idées déjà mille fois ressassées du genre romanesque. La métaphore, omniprésente dans le film, entre l’équitation et le coït n’a, elle non plus, rien d’originale, mais elle est le prétexte à des scènes équestres très bien filmées. Le travail du chef opérateur Yves Angelo (qui a travaillé sur chacun des quatre films de Legrand) est remarquable et fait beaucoup pour la qualité visuelle de cette belle histoire entièrement filmée en décors réels. L’interprétation des acteurs est aussi pour beaucoup dans la force des échanges, à commencer par l’excellent Olivier Gourmet et la ravissante Georgia Scalliet qui, pour sa première apparition au cinéma, parvient à être crédible dans la plupart de ses scènes. Les rôles secondaires sont assurés par des acteurs expérimentés comme Dimitri Storoge, Hélène Vincent ou Michel Robin.

Mais, aussi bien filmé et bien interprété qu’il puisse être, le film n’en reste pas moins une œuvre à priori trop classique pour se démarquer. C’est finalement dans la mise en scène que nous propose le réalisateur que toute la sensibilité du film prend tout son essor. Les jeux de regards et le poids des silences sont, plus que tous les dialogues, la clef de la tension sexuelle qui inonde le film. Le décalage entre le caractère oppressant de l’intérieur de la ferme et l’onirisme avec laquelle est filmée la forêt qui l’entoure apparait comme la meilleure illustration de la différence entre les notions de couple et de liberté sur laquelle repose le film. Des idées de mise en scène qui rompent avec le classicisme de la dramaturgie.

De très loin le meilleur film de Gilles Legrand, L’Odeur de la mandarine peut sembler désuet sur le fond comme sur la forme mais sait tirer l’avantage des moments d’intimité entre ses deux excellents acteurs, et ce même si leurs personnages disparaissent derrière le discours tenu sur la difficulté de s’épanouir sexuellement sans amour.

Bande annonce: L’Odeur de la mandarine

Fiche Technique: L’Odeur de la mandarine

Réalisateur : Gilles Legrand
Scénario : Guillaume Laurant
Casting: Olivier Gourmet (Charles), Georgia Scalliet (Angèle), Dimitri Storoge (Léonard), Marine Vallée (Louise), Hélène Vincent (Émilie)…
Décors : Jean Rabasse
Costumes : Catherine Leterrier
Photographie : Yves Angelo
Montage : Andréa Sedlackova, Thomas Desjonqueres
Musique : Armand Amar
Producteurs: Frédéric Brillion, Victor Hadida, Samuel Hadida
Production: Epithète Films, Davis Films, France 3 Cinéma
Distribution: Metropolitan FilmExport
Genre : Romance
Durée : 110 minutes
Date de sortie en salles: 30 septembre 2015

France – 2015

La viande est saignante… le film un peu moins

Attendu depuis longtemps par les nostalgiques d’un certain cinéma trash underground, cet hommage qu’Eli Roth a voulu rendre aux films de cannibales (dont, tout particulièrement Cannibal Holocaust, le plus célèbre d’entre eux), a suscité une profonde polémique lorsque son distributeur français Wild Side a annoncé que le film ne sortirait pas en salles (hormis une poignée de projections en séances spéciales) mais directement en VOD, sous prétexte que le public français n’allait « plus voir de films d’horreur». C’est donc, avant même la vision du long-métrage, un profond sentiment de déception qui entoure ce Green Inferno. La vision de Knock Knock, que Roth a réalisé plus d’un an plus tard et qui, lui, s’est vu offrir une récente distribution en salles, y a ajouté une certaine appréhension, tant son film (un mélange sans saveur de Hard Candy et de Funny Games) était bien loin de ce l’on pouvait attendre du réalisateur jusqu’au-boutiste des Hostel 1 et 2. Et pourtant, la scène d’ouverture et le générique nous présentant une immense jungle sauvage, nous rappellent que ce tournage au Chili avait forcément été une expérience dans laquelle il a mis toutes ses billes et réveille alors toute notre excitation à l’idée d’un spectacle terriblement gore.

Alors que l’histoire débute, deux détails sautent aux yeux. Premièrement, l’idée de s’inscrire dans la veine du cinéma bis italien en filmant en numérique est une hérésie qui fera perdre beaucoup de l’imagerie crade de ces œuvres choquantes. Deuxièmement, le scénario souffre d’un souci récurrent dans la filmographie d’Eli Roth : Le temps qu’il met à se mettre en place avant que ne commencent les événements purement horrifiques. Une première partie sur un campus américain s’avère un peu long donc, mais nécessaire au discours en sous-texte sur l’hypocrisie de l’activisme à l’ère numérique, où le poids des images se voudrait une arme plus forte que les actes. Déjà, se met en place un humour noir et un cynisme assumé, incarnés alors par Kaycee, la colocataire désinvolte de Justine, à qui la chanteuse Sky Ferreira prête ses traits. Mais l’aventure dans la jungle péruvienne va elle aussi être irriguée de ce second degré, au point de dénaturer l’horreur des scènes de rituels anthropophages. Dès l’accident d’avion, à l’origine des événements, beaucoup de personnages secondaires sont brutalement éliminés, alors que certains (à commencer par la blondasse hypocondriaque) auraient mérités d’être victimes de sévices inhumains. Justine se retrouve donc avec cinq de ses compagnons de voyage dans une cage, incapable de lutter contre le régal que les autochtones se font de les dévorer un à un.

Plutôt que les images insurmontables de corps nus et accrochés, mutilés, à des piquets ou dévorés sauvagement qu’a pu nous offrir Cannibal Holocaust, Eli Roth préfère transformer chaque scène où les victimes sont se font dépecer en un moment jubilatoire allant s’achever par une pirouette comique. Gags scatophiles, blagues de cul, usage de la marijuana… Tant d’éléments qui ont fait le capital sympathie de Cabin Fever, première réalisation d’un trentenaire immature, mais qui n’avaient pas leur place dans ce que l’on attendait d’un Green Inferno, vendu comme un digne héritier des films de cannibales lancés en Italie par Umberto Lenzi et Ruggero Deodato. Malgré la qualité de certaines scènes où les corps sont découpés, cuisinés et dévorés de façon rituelle, le taux d’hémoglobine n’atteint pas les sommets qui pouvaient revigorer, comme beaucoup de fans l’espéraient, le cinéma gore. Les habitudes du torture-porn reviennent tout naturellement au réalisateur, avec notamment le supplice de l’excision qu’il soumet à son héroïne mais qui n’est jamais mené jusqu’à terme, ou celui des fourmis tueuses mises en scène grâce à des effets numériques assez grossiers. Hormis Lorenza Izzo, la jeune épouse d’Eli Roth a qui il offre avec courtoisie le rôle principal, le reste du casting est essentiellement composé d’autres acteurs, comme Ariel Levy ou Ignacia Allamand, qu’il a eux-aussi rencontré sur le tournage d’Aftershock ou ayant joué dans divers films de genre, dont Daryl Sabara (l’ancien Juri dans la trilogie Spy Kids de son pote Robert Rodriguez), mais aussi de beaucoup d’autochtones transformés en figurants appartenant au village cannibale. Peut-être est-ce ce rapprochement avec les habitants d’une région victime de la déforestation qui a poussé le réalisateur à abandonner son nihilisme anti-américain pour faire dévier la fin de son film vers une happy-end porteuse d’un message politiquement correct édulcoré.

Alors que l’on espérait un film d’épouvante radicalement hardcore, c’est finalement une comédie noire, peut-être trop trash pour être commercialisé mais surtout trop soft pour satisfaire les afficionados du genre, que signe Eli Roth. Le manque d’audace et l’incapacité à se prendre au sérieux dont le cinéaste fait preuve rend impossible Green Inferno à s’affirmer comme un digne héritier de ses modèles et lui empêchera très probablement de trouver son public.

Synopsis : Partie accompagner un groupe de militants de sa faculté pour lutter contre la déforestation au Pérou, la très naïve Justine n’imagine pas vers quel cauchemar elle se dirige. Une série de mésaventures va mener cette équipe de jeunes étudiants new-yorkais entre les griffes d’une tribu locale adepte de rites cannibales.

Green Inferno : Bande-annonce

Green Inferno : Fiche Technique

Réalisation : Eli Roth
Scénario : Eli Roth, Guillermo Amoedo, Nicolás López
Interprétation: Lorenza Izzo (Justine), Ariel Levy (Alejandro), Aaron Burns (Jonah), Sky Ferreira (Kaycee), Kirby Bliss Blanton (Amy), Magda Apanowicz (Samantha), Ignacia Allamand (Kara), Daryl Sabara (Lars), Nicolás Martínez (Daniel)…
Photographie : Antonio Quercia
Direction artistique : Nicholas Tong
Décors : Nicholas Tong et Armann Ortega
Costumes : Elisa Hormazabal
Son : Mauricio Molina
Montage : Camilo Campi
Musique : Manuel Riveiro
Producteurs: Christopher Woodrow, Molly Conners, Miguel Asensio Llamas, Nicolas Lopez, Eli Roth
Production: Worldview Entertainment, Sobras International Pictures, Dragonfly Entertainment
Distribution: Wild Side
Genre : Épouvante horreur, comédie
Durée : 103 mn
Date de sortie en e-Cinema: 16 octobre 2015

Etats-Unis : 2015

Vertiges de l’amour

Qu’il est difficile, en France, de se mettre à la comédie de nos jours, tant elles sont sans réelle audace et sans réels partis pris. Aujourd’hui, rares sont celles qui sortent du lot par leurs qualités plutôt que par le nombre d’entrées qu’elles font au cinéma. On pourrait regretter les comédies d’antan, où on misait plus sur le scénario que sur le casting, certaines arrivant à mêler les deux à la fois. Mais il ne faut pas être mauvaise langue car des comédies arrivent tout de même à réussir leur pari, même si le parcours est périlleux.

Après avoir gagné le César du meilleur court-métrage pour La Femme de Rio, Emma Luchini revient à la réalisation, pour son second long-métrage, en adaptant le roman de Nicolas Rey, avec qui elle avait réalisé le court-métrage précédemment évoqué. Et, une fois n’est pas coutume dans le cinéma français, la réalisatrice nous propose une comédie sur la famille avec en guest star Manu Payet et son père, le seul et l’unique, Fabrice Luchini. Et une fois n’est pas coutume, Un début prometteur s’enlise dans une certaine facilité décrédibilisant toutes les vaines tentatives d’originalité.

Emma Luchini nous conte une (des?) histoire(s) d’amour, frôlant avec le triangle amoureux. Deux frères (Manu Payet et Zacharie Chasseriaud) une femme (Veerle Baetens) se cherchent alors qu’au second plan, un père est désarçonné par une rupture (Fabrice Luchini). La réalisatrice se perd dans des faits superflus, qui ne sont là que pour meubler, comme si l’amourette du jeune garçon de 19 ans est trop faible pour tenir 1h35. La course de lévrier ne nous révèle pas grand chose sur les personnages. Une jeune femme joueuse ? Peut-être. Faut-il en conclure que son jeu continue dans son affinité avec les deux hommes ? Emma Luchini laisse perplexe le spectateur sur les réelles intentions du film. Mais on sent tout de même une motivation, celle d’émouvoir et de montrer une certaine douceur dans un monde de brut, notamment lors du mariage. L’interprétation de Veerle Baetens de la chanson « Mes hommes » de Barbara transporte, même si beaucoup moins que l’originale. Mais sur la forme, cette scène est ratée, car elle n’émeut pas et nous laisse simplement voir une femme chanter un amour à trois hommes, cela sans aucune émotion, comme si tout est censé passer par les acteurs. Emma Luchini aurait du faire des choix esthétiques mettant mieux en valeur ses acteurs, ce qui aurait transporté les spectateurs, mais malheureusement, le résultat est fade et commun. Commun à des dizaines de déclarations d’amour que l’on a déjà pu voir au cinéma de ces dernières années.

Hasard du calendrier, le film ne peut que nous rappeler le récent Les Deux amis de Louis Garrel, avec des scènes aux schémas identiques. Lequel retenir ? Les Deux amis, et de loin, ce dernier étant porté par un casting délaissant le jeu pour se cantonner à un naturel de « vrais potes ». La direction d’acteurs d’Emma Luchini à ce quelque chose de très théâtral. Un jeu moins naturel, plus forcé, où l’on peine à trouver de réelles émotions. Ainsi, Veerle Baetens et Zacharie Chasseriaud ne sont pas toujours des plus crédibles, surtout lors de leurs différents flirts. Toutefois, faire tourner Fabrice Luchini s’avère être une valeur sûre. Cet homme à ce je-ne-sais-quoi qui passionne, ou qui désespère, mais il est impossible de lui reprocher son jeu, qui s’adapte à toutes les situations. De son côté, Manu Payet, en gros barbu avec des cheveux made in Tarzan, a changé et grandit, tout en continuant de nous faire sourire, voire rire. Radiostars lui a permis d’exploiter de nouvelles ressources et de ne plus se cantonner à cette image d’humoriste qu’il renvoyait, malgré lui. Au final, Un début prometteur se voit légèrement sauvé par une partie du casting, mais son classicisme et son manque d’ambition lui font défaut.

Synopsis : Martin, désabusé pour avoir trop aimé et trop vécu, retourne chez son père, un horticulteur romantique en fin de course. Il y retrouve Gabriel, son jeune frère de 16 ans, exalté et idéaliste, qu’il va tenter de dégoûter de l’amour, sans relâche.Mais c’est sans compter Mathilde, jeune femme flamboyante et joueuse, qui va bousculer tous leurs repères…

Bande Annonce

 Fiche technique : Un début prometteur

Pays: France
Réalisation: Emma Luchini
Scénario: Emma Luchini, Vanessa David, Nicolas Rey
Interprétation : Fabrice Luchini, Manu Payet, Veerle Baetens, Zacharie Chasseriaud, Jean-Michel Balthazar
Décors: Wouter Zoon
Costumes: Judith de Luze
Montage: Benjamin Favreul
Musique: Nicolas Tescari
Producteur(s): Albane de Jourdan, Maxime Delauney, Romain Rousseau
Production: NoLiTa Cinema, Les Productions maison, D8 Films.
Distributeur: Gaumont Distribution
Date de sortie: 30 septembre 2015
Durée: 90 minutes

Dealer a magistralement réussi à se faire une petite réputation sur le net, loin des circuits traditionnels. Une bande-annonce coup de poing promettait un Pusher à la française mais intégralement tourné dans la rue et sans soutien de production, donc trop anticonformiste pour avoir le droit à une exploitation en salle.

Synopsis : Petit dealer dans le 18e arrondissement, Dan s’était promis de ne plus marchander de la cocaïne. Mais lorsque son meilleur client lui promet une fortune en échange d’un kilo de poudre, il y voit l’opportunité de réaliser son rêve : s’envoler pour l’Australie et commencer une nouvelle vie. Ce qu’il ne sait pas c’est que commence alors une cavale ultra-violente dans les rues de la capitale.

Mais cela s’avère être un tour de force promotionnel d’autant plus impressionnant compte tenu de la qualité du film.Les plus cinéphiles s’attendront peut-être à un pur cinéma avant-gardiste qui n’a nul besoin d’un gros budget pour raconter son histoire et faire du cinéma. Ils seront déçus. Dealer veut égaler Pusher mais n’a pas les moyens à la hauteur de ses ambitions. Le réalisateur Jean-Luc Herbulot n’a pas su faire de son modeste budget une force de création. Loin d’être un cinéma novateur, Dealer n’a que le statut d’une énième série B.

Le problème est que le cinéaste amateur n’a pas une idée à lui. Dealer est un condensé de références et d’emprunts de mises en scène. À commencer par la trilogie culte de Nicolas Winding Refn. Herbulot veut se lancer dans l’ultra-violence, libre à lui, mais pourquoi faire comme son modèle s’il n’a pas les moyens pour le faire ? La scène de torture (aussi inexplicable qu’inexpliquée) se contente d’effets spéciaux et maquillages cheaps grotesques quand elle aurait pu jouer avec le hors-champ, moins ridicule et plus efficace. Il en va de même avec la resucée du cinéma de Guy Ritchie, notamment Snatch. Une voix off qui distille des dialogues du style « Mon nom : Truc. Conseille numéro 1 : Ne jamais machin». Ce procédé de mise en scène ringard embarrasse jusqu’au contenu si pauvre de ses dialogues.

On dit que le film a été tourné en quelques jours. Loin d’être le signe d’une virtuosité, c’est plutôt celui d’un sentiment de travail bâclé qui nous anime. À l’exception peut-être de Dimitri Storoge, les acteurs sont tous mauvais, même le personnage principal, pas charismatique pour un sou. Comme si le réalisateur n’avait pas voulu perdre son temps avec des répétitions qui auraient pu aider ses acteurs amateurs et donner un tant soit peu de crédibilité à son premier long métrage. Et il ne s’est pas efforcé non plus de penser sa réalisation, multipliant les clichés du genre. C’est dommage puisque bien que les ficelles du scénario soient plus que visibles, Dealer est parfaitement rythmé. Un peu plus d’une heure et une course contre la montre qui ne s’essouffle jamais. S’il faut regarder Dealer par le prisme d’un cinéma d’amateurs sans prétention, il séduira les adeptes du genre. Sinon un réalisateur plus inspiré et davantage ambitieux aurait pu donner à ce film l’aura qu’il laissait espérer lors de sa cyber-promotion.

https://www.youtube.com/watch?v=fQaDiN2yr6o&feature=youtu.be

Dealer : Fiche Technique

Titre original : Dealer
Date de sortie : En VOD, à partir du 01 octobre 2015.

Réalisateur : Jean-Luc Herbulot
Auteurs : Jean-Luc Herbulot, Samy Baaroun
Distribution : Dan Bronchinson, Elsa Madeleine, Salem Kali, Dimitri Storoge
Monteur : Jean-Luc Herbulot, Zohar Michel
Producteurs : Dan Bronchinson
Musique : Reksider

Le deuil guidé par les morts

Comme il parait loin le temps où Kiyoshi Kurosawa nous traumatisait en nous présentant, dans Kairo, des fantômes aux allures monstrueuses capables de pirater les ordinateurs et surtout de tuer brutalement les vivants qui les approchent! Quatorze ans plus tard, l’image que l’ancien réalisateur de films de genre (qui a surtout signé des polars et des films d’épouvante, mais aussi quelques comédies et films érotiques, avant de se faire connaitre en Europe par le thriller ultra-glauque Cure en 1999) dresse des fantômes est une image beaucoup plus adoucie. Mais il est impossible de ne pas voir une continuité entre ce parangon de l’horreur nippone et cette fable poétique car si Kurosawa a adapté le roman de Kazumi Yumoto, c’est sans doute parce que les esprits qu’elle y a décrit partagent avec les poltergeists de Kairo une profonde mélancolie. C’est en effet ce sentiment qui s’impose dans la récente filmographie du réalisateur comme un leitmotiv qui lie chacun des genres auquel il s’essaie avec succès. La façon dont Yusuke, pour faire son deuil,  a besoin d’échanger avec son mari disparu en mer depuis trois ans, semble un acte parfaitement naturel, filmé sans la moindre intention de faire du morbide et du pathos, avec une sobriété digne d’un Ozu et une poésie digne d’un Mizoguchi.

L’apparition du mari mort dans le foyer familial se fait avec une telle banalité que la juxtaposition du visible et de l’invisible semble avoir entièrement quitté le domaine du fantastique pour n’être qu’un argument romantique acté. Et ainsi va tout le film: jamais la présence de fantôme ne semble choquante, au contraire elle est toujours une source d’apaisement. La narration est pensée à la façon d’un road-trip, qui ferait quitter la ville à ses deux personnages principaux (le milieu urbain étant toujours un symbole d’oppression dans le cinéma de Kurosawa), vers une nature de plus en plus sauvage, apparaissant comme un lieu de spiritualité rappelant presque l’imaginaire de Miyazaki, jusqu’à cette mer où il est mort et où tout doit finir. Le processus de cette quête initiatique s’accompagne évidemment d’une série de rencontres avec des individus, tous touchés par le problème du deuil, et dont le récit sera toujours -plus ou moins- bouleversant. Le récit de cette femme hantée par le souvenir des mélodies de piano (un instrument déjà symbole de cohésion familiale dans Tokyo Sonata d’ailleurs) jouées par sa sœur partie trop tôt, est en cela l’un des passages au plus fort pouvoir lacrymal. Car on pleure devant Vers l’autre rive, difficile d’y échapper, la question de la vie après la mort (tant pour les morts eux-mêmes que pour leurs survivants) étant le sujet le plus universel qui soit. C’est d’ailleurs ce que démontre le film en nous offrant un panel de personnages issus de tous les milieux sociaux.

Evidemment, l’inconvénient d’un tel procédé dramaturgique est le risque de devenir mécanique. Pris en ballotage entre l’obligation de mettre en place une surenchère mélodramatique et le risque d’enchaîner des situations d’une qualité inégale, Kiyoshi Kurosawa livre un récit parfois bancal et comportant quelques passages excessifs. La retrouvaille avec le père est en cela une scène dispensable, et l’usage d’effets spéciaux grossiers pour appuyer le brouillard de la forêt va à contre-sens de l’effort de réalisme fait dans l’ensemble du long-métrage. Hormis ces quelques maladresses, Kurosawa confirme son talent pour le cadrage, tant chacune des images sont porteuses de poésie et de symbolisme. Que ce soit le face-à-face, filmé avec un superbe effet de miroir, entre Mizuki et la femme dont elle est jalouse ou les paysages bucoliques, chaque scène est visuellement travaillée, et il en est de même les dialogues puisque que Kurosawa réussit à transformer en de très touchants monologues les cours de physique (pas très glamours) que Yusuke dispense à ses élèves. Le montage très étiré, dans la pure tradition du cinéma romanesque japonaise, participe à l’aspect contemplatif du film, au risque de perdre l’attention d’un public occidental habitué au surdécoupage hollywoodien, mais s’accorde parfaitement à la finesse avec laquelle Kurosawa illustre l’épanouissement psychologique de cette veuve. Mais cette délicatesse ne serait évidemment rien sans les interprétations de ces acteurs, la très belle Eri Fukatsu et Tadanobu Asano (ce proche de Takeshi Kitano dont la double carrière des deux côtés du Pacifique nous permettra de la revoir dans le prochain Scorsese), tous deux dans une retenue et un naturel exemplaires.

L’argument fantastique sur lequel repose le film n’est en fait qu’un prétexte finement trouvé pour créer un amour impossible et interroger sur la difficulté de faire son deuil en l’absence de celui que l’on a perdu. En découle un récit empli de romantisme et de nostalgie, pas exempt de longueurs et de maladresses mais sans jamais de pathos ni de métaphysique lourdaude. Du début à la fin, le film est inondé de lyrisme grâce à une mise en scène soignée et à la description qui est faite des relations entre ses personnages, qu’ils soient vivants ou morts.

Synopsis : Dans un petit village japonais, Mizuki, veuve depuis trois ans, reçoit la visite du fantôme de son défunt mari Yusuke. Ensemble, ils vont partir à la rencontre de tous ceux qui ont été marqué par sa disparition pour adoucir leur peine et se préparer à son départ définitif.

Vers l’autre rive : Bande-annonce

Vers l’autre rive: Fiche technique 

Titre original : Kishibe no tabi  (Journey to the Shore en anglais)
Réalisation : Kiyoshi Kurosawa
Scénario : Kiyoshi Kurosawa, Takashi Yujita, d’après le roman de Kazumi Yumoto
Interprétation : Eri Fukatsu (Mizuki), Tadanobu Asano (Yusuke), Yû Aoi (Tomoko), Akira Emoto (Mr Hoshitani), Masao Komatsu (Mr Shimakage)…
Musique : Yoshihide Otomo, Naoko Eto
Photographie : Akiko Ashizawa
Décors : Norifumi Ataka
Montage : Tsuyoshi Imai
Sociétés de production : Office shirous, Showgate, Pony Canyon Enterprises, Hakuhodo, Comme des Cinémas, Amuse Pictures, Wowow
Sociétés de distribution : Version Originale / Condor
Récompense(s) : Prix de la mise en scène de la sélection « Un Certain Regard » 2015
Genre : Drame, fantastique
Durée : 127 minutes
Date de sortie : 30 septembre 2015

Japon- 2015